Principaux points à retenir
- L'art de Neil Jenney défie les conventions de l'abstraction moderne, intégrant forme et contenu pour poursuivre le réalisme à la fois comme style et comme philosophie.
- L'œuvre de Jenney a évolué de la sculpture minimaliste à une approche révolutionnaire de la peinture, mêlant idéalisme et réalisme.
- L’art de Jenney vise à revenir à l’idéal classique de vérité, évitant les qualités décoratives et expressives de l’art moderne.
- Les œuvres de Jenney ont été présentées dans de grandes institutions telles que le Whitney Museum of American Art et le Stedelijk Museum d'Amsterdam.
- L'art de Jenney a eu une influence sur le développement de l'art contemporain, en particulier dans le contexte de la « mauvaise peinture » et de sa relation avec le kitsch.
Neil Jenney
Neil Jenney, peintre et sculpteur américain né le 6 novembre 1945 à Torrington, Connecticut, réside et travaille à New York. Il a étudié au Massachusetts College of Art de 1964 à 1966 avant de s'installer à New York.
Il s'est d'abord concentré sur la sculpture environnementale minimaliste, qui a donné naissance à des œuvres telles que la série linéaire, la série volumétrique et la série Found Material, mais la frustration liée aux contraintes spatiales et aux faibles ventes l'a conduit à se tourner vers la peinture en 1969. Ce changement a marqué une nouvelle ère dans sa carrière, lui permettant d'explorer des thèmes relationnels dans un format bidimensionnel auquel le minimalisme et la sculpture l'avaient préparé. Commençant par l'acrylique dans un style brut, il a ensuite appris lui-même la peinture à l'huile raffinée sur panneaux de bois, passant à la toile pour des œuvres plus grandes. Connu pour mettre l'accent sur le cadrage en tant qu'élément symbolique et physique, ses peintures présentent souvent des cadres sombres avec des titres au pochoir.
Les œuvres de Jenney entre 1969 et 1970 s'écartent de l'art conventionnel, avec des éléments isolés sur de grandes toiles aux couleurs simples. Sa peinture évolue en trois étapes : scènes cinématographiques, déclarations d'images uniques et compositions rapides et audacieuses qui défient les règles de l'art traditionnel.
Sa série « Bad Painting », développée en réaction au minimalisme et au photoréalisme, a établi son style distinctif et a eu un impact significatif sur le monde de l'art.
La naissance du Bad Painting : une approche révolutionnaire
En 1978, la critique d'art Marcia Tucker a inventé le terme de « mauvaise peinture » pour décrire le style de Neil Jenney, une étiquette qu'il a adoptée sans hésiter. Jenney qualifie son approche de « réalisme », utilisant le terme de manière unique pour désigner « un style dans lequel les vérités narratives se trouvent dans les relations simples des objets ». La même année, il a reçu une bourse Guggenheim pour les beaux-arts.
Cette approche a contribué à façonner le mouvement du Nouveau Réalisme, transformant la perception de la peinture et l'interaction du spectateur avec l'art. L'œuvre de Jenney a réuni l'idéalisme et le réalisme de manière innovante et, avec le soutien de Tucker et du mouvement Bad Painting, son influence a atteint de nombreux artistes, remodelant l'avenir de la peinture.
Du mal au bien : la transformation artistique
En 1970, Neil Jenney changea son style, passant de la « mauvaise peinture » à la « bonne peinture ». Ce changement marqua une étape importante dans son parcours artistique. Il commença à se concentrer sur des paysages et des ciels détaillés et de petite taille, peints à l'huile sur bois.
Jenney est passé de l'acrylique à la peinture à l'huile et a utilisé des surfaces en bois. Cela lui a permis d'explorer de nouvelles couleurs et de nouveaux détails. Ses « bonnes peintures » sont devenues plus intimes, contrairement à ses œuvres précédentes. Il visait une maîtrise technique totale et explorait l'équilibre entre idéalisme et réalisme.
Les « bonnes peintures » de Jenney étaient encadrées de bois élaboré. Ces cadres donnaient à son travail un aspect plus théâtral, avec des titres ou des abréviations qui ajoutaient de la profondeur. Son souci du détail et du cadrage montrait son dévouement à une expérience artistique complète.
La période de « bonne peinture » de Jenney a été un grand pas en avant dans son art. Elle a montré son talent pour le réalisme, son amour des couleurs et son exploration continue de l'idéalisme et du réalisme. Cette période a été un élément clé de son parcours artistique.
Encadrer l'innovation et les évolutions techniques
Le parcours artistique de Neil Jenney est jalonné d'explorations autour du cadrage et d'innovations techniques. Il débute en 1971, fasciné par le cadre. Il développe neuf solutions d'encadrement pour répondre aux problèmes de poids et de présentation.
Ces innovations comprenaient des visages sans couture, des traitements de surface éclairés, des bases à manteau et divers placements de titres. Elles montraient le dévouement de Jenney à briser les techniques de peinture traditionnelles.
En 2016, Jenney revient à la toile pour sa série « New Good Paintings ». Cette démarche résout les problèmes de poids de ses précédentes œuvres encadrées en bois. Elle lui permet également de se concentrer sur l'évolution artistique et l'innovation technique.
Ce changement a permis à Jenney de créer des pièces plus légères. Elles pouvaient être facilement déplacées et exposées. Cela a élargi les possibilités de ses cadres personnalisés et de ses techniques de peinture.
La passion de Jenney pour les innovations techniques a façonné sa carrière. Il cherche à redéfinir la présentation physique des œuvres d'art. En essayant différentes solutions de cadrage et différents procédés de peinture, il a élargi le langage visuel de son travail.
Le dévouement de Jenney à l'évolution artistique et à la maîtrise technique a fait de lui un pionnier de l'art contemporain. Son approche innovante des techniques de cadrage et de peinture a inspiré de nombreux artistes. Elle continue de repousser les limites de l'expression visuelle.
Œuvres remarquables et collections de musées
« Here and There » (1969) de Neil Jenney, représentant une clôture blanche divisant un champ de coups de pinceau verts lâches, a été présenté lors de l'exposition « The Undiscovered Country » de 2004 au Hammer Museum de Los Angeles.
Une autre œuvre, « Meltdown Morning » (1975), conservée dans la collection permanente du Philadelphia Museum of Art, mesure 64 x 284 cm. Elle présente un gros plan d'un tronc d'arbre aux feuilles délicates, sur fond d'un nuage en forme de champignon aux teintes pastel, la moitié du panneau étant occupée par un cadre noir audacieux affichant le titre de l'œuvre. L'art de Jenney explore fréquemment des thèmes environnementaux, critiquant des problèmes comme la pollution et le militarisme, ses œuvres récentes se concentrant sur les paysages et la végétation tropicale.
Les peintures de Neil Jenney sont exposées dans les plus grands musées du monde, notamment le Museum of Modern Art (MoMA), le Metropolitan Museum of Art, le Whitney Museum of American Art et la Corcoran Gallery of Art à Washington, DC. Des pièces remarquables comme « Them and Us » au MoMA et « Man and Challenge » au Met illustrent son style distinctif.
En mai 2023, « Girl and Vase » de Jenney a été vendu pour 590 500 $ chez Christie's, soulignant la valeur croissante de son œuvre. Connu pour sa capacité à mélanger idéalisme et réalisme de manière innovante et pour sa capacité à remettre en question les normes du monde de l'art, Jenney a été présenté dans des expositions collectives de premier plan comme la Whitney Biennial. Il expose actuellement avec Gagosian, la Alan Brown Gallery et la Barbara Mathes Gallery, ce qui fait de lui une figure influente de l'art contemporain.
FAQ
Quel est l’axe de la démarche artistique de Neil Jenney ?
Neil Jenney vise le réalisme dans son art. Il veut revenir à la vérité des idéaux classiques. Il mélange forme et contenu, évitant les aspects fantaisistes et expressifs de l'art moderne.
Comment le parcours artistique de Jenney a-t-il évolué de la sculpture minimaliste à la peinture ?
Jenney a commencé à créer des sculptures minimalistes dans les années 1960. Mais il a dû faire face à un refus à Boston. Il a donc déménagé à New York en 1967 et s'est tourné vers la peinture. Ce changement lui a permis d'explorer de nouvelles idées dans un espace bidimensionnel.
Qu’est-ce que le mouvement « Bad Painting » et comment a-t-il remis en question les tendances artistiques dominantes ?
Le mouvement de la « mauvaise peinture », lancé par Jenney à la fin des années 1960, mélangeait le réalisme et l'art conceptuel. Il présentait des images simples et figuratives sur de vastes fonds. Il remettait en cause l'expressionnisme abstrait et le photoréalisme qui dominaient alors.
Comment la philosophie artistique et le langage visuel de Jenney ont-ils évolué au fil du temps ?
La philosophie de Jenney se concentre sur l'important et l'actuel. Son art est passé du simple « ceci et cela » à des histoires complexes. Il s'en tient toujours au réalisme et au sens profond.
Quelle a été la signification de la transition de Jenney de la « mauvaise peinture » à la « bonne peinture » ?
En 1970, Jenney passe de la « mauvaise peinture » à la « bonne peinture ». Il commence à peindre des paysages et des ciels détaillés. Ce changement témoigne de sa quête de perfection et de subtilité des couleurs.
Quelles ont été les principales innovations dans les techniques de cadrage de Jenney ?
Jenney a commencé à explorer le cadrage en 1971. Il a proposé neuf solutions de cadrage uniques, notamment des visages sans couture et divers placements de titres, démontrant sa créativité technique.
Quelle est l’importance de l’œuvre de Jenney dans les grandes collections des musées ?
Les œuvres de Jenney sont exposées dans de grands musées comme le MoMA et le Met. Des œuvres comme « Them and Us » et « Man and Challenge » témoignent de son impact durable sur l'art.
Comment l’héritage et l’influence de Neil Jenney ont-ils été reconnus par les critiques et le monde de l’art ?
L'œuvre de Jenney a profondément influencé l'art. Des critiques comme Hilton Kramer ont salué son réalisme unique et son commentaire social. Son héritage perdure à travers son art, sa galerie et son influence continue sur le réalisme et le commentaire social en peinture.
Selena Mattei
