Tales Frey, j'ai toujours eu de multiples intérêts

Qu'est-ce qui vous a poussé à créer de l'art et à devenir artiste ? (événements, sentiments, expériences...)

Enfant, j'ai reçu des influences très importantes de l'environnement familial. Ma mère est professeur d'éducation physique, donc l'accent mis sur tout ce qui touche au corps dans ma pratique artistique est venu d'elle sans aucun doute. Elle avait une salle de sport qui s'appelait Corpus à la fin des années 80 et au début des années 90 et j'ai vu de près tout le fonctionnement de l'environnement axé sur les activités physiques et fait attention à tout dans ce contexte. Ma mère a créé un groupe de danse lié au gym et mes deux sœurs ont également dansé dans ce collectif, qui a participé à des festivals et autres événements dans la région. En tant que spectateur, j'ai toujours tout suivi et, en tant que fils et frère cadet, j'étais toujours avec les femmes de la maison à regarder certaines répétitions, à suivre les processus depuis la conception des costumes sur papiers, les essais de tissus, jusqu'au choix de la musique, en Bref, j'étais en quelque sorte présente à toutes les étapes : des esquisses des sketches au moment de la présentation de la chorégraphie conçue. Et tout cela m'a certainement beaucoup influencé. Et, bien sûr, au tournant des années 1980 aux années 1990, il n'y avait aucune compréhension de politiques plus inclusives dans ce contexte, donc les corps qui y passaient étaient toujours les hégémoniques et, donc, moi, qui aimerais pouvoir pour danser aussi, n'a pas pu assister à la salle. Ma mère était celle qui faisait tout et j'étais toujours en train de regarder et d'admirer. Aujourd'hui, je réalise que je compose une version plus sauvage de ces expériences. Je propose des corps qui reprennent (avec un regard critique) cette esthétique basée sur un standard de beauté Jane Fonda, mais qui émergent délirants, libres, considérés comme étranges dans notre monde si normalisant.

Mon grand-père était avocat, politicien progressiste, professeur d'histoire et de géographie, il jouait du violon, écrivait et récitait ses propres poèmes en saraus. J'ai admiré sa prestation, sa performance sociale et artistique, la façon dont il projetait sa voix en public et dont il tenait des propos pertinents. Bien qu'il soit une personne totalement calme et presque toujours silencieuse, il n'a jamais eu besoin de demander de l'attention lorsqu'il a commencé à parler, car les gens se sont immédiatement intéressés à ses idées toujours très éthiques. Et j'adorais écouter mon grand-père; il était extrêmement érudit et s'intéressait à un large éventail de sujets, et le jour où je lui ai dit que je voulais faire du théâtre, il m'a immédiatement encouragé à rejoindre un groupe local et m'a même indiqué certaines écoles d'arts du spectacle.

Quel est votre parcours artistique, les techniques et les thèmes que vous avez expérimentés jusqu'à présent ?

J'ai toujours eu de multiples intérêts et, alors que je n'avais que 11 ans, j'ai commencé à faire du théâtre amateur à Catanduva-SP. J'avais beaucoup d'intérêt pour le jeu d'acteur, la mise en scène, les costumes, l'éclairage, les décors, les coulisses, la conception sonore, entre autres. Je n'avais même pas vingt ans et j'avais déjà travaillé comme comédien, éclairagiste et scénographe dans plusieurs productions locales. En 2003, j'ai décidé d'aller au collège en arts du spectacle et, ensuite, je suis entré dans le diplôme de direction théâtrale à l'UFRJ de Rio de Janeiro et, en même temps, j'ai rempli les disciplines du cours de costume, pour lesquelles j'ai demandé -l'entrée dès que j'ai fini la direction théâtrale. Petit à petit, j'ai réalisé que mon intérêt était très transdisciplinaire. J'ai suivi des cours gratuits et des stages en même temps. J'ai fait une initiation scientifique au Musée de la Vie à Fiocruz dans le domaine de l'interprétation, un stage de costume dans une deuxième école de samba de groupe et j'ai encore trouvé le temps de faire des ateliers au SESC Copacabana, dans des établissements d'enseignement supérieur dans divers domaines, même des acrobaties aériennes à Intrépida Trupe . J'avais l'habitude de travailler avec des accessoires pour Miguel Falabella et Cláudio Tovar dans une comédie musicale qui a duré un an au Teatro Carlos Gomes à Rio de Janeiro, où j'ai toujours réajusté les accessoires de costumes et de décors.

En 2008, je faisais partie de l'équipe de mise en scène d'un spectacle mis en scène par Antonio Abujamra à Funarte à São Paulo. Là, une fascination pour la dramaturgie a également émergé. Puis, presque prête à intégrer le Cercle Dramaturgique du Centre de Recherche Théâtrale d'Antunes Filho, j'ai choisi de faire un master en Théorie et Critique de l'Art à la Faculté des Beaux-Arts de la ville de Porto au Portugal et j'ai quitté le Brésil, mais sans jamais perdre le lien avec le pays.

J'étais déjà intéressé par les arts visuels et, lorsque j'ai commencé ma recherche de maîtrise, consistant en un tel cours théorique et n'ayant pas beaucoup de soutien institutionnel pour présenter mes créations d'auteur au Portugal, j'ai trouvé dans l'espace urbain un environnement très efficace pour expérimenter certaines actions de performance, qui ont toujours été documentées. Je souligne ici que je pratiquais la performance depuis 2003, mais ce n'est qu'en 2006 que j'ai mené la première action de prise de conscience de ce qu'était ce genre artistique et, ce n'est qu'en 2008 que j'ai commencé à avoir la performance comme principal moyen de expression.

Et parallèlement à mon doctorat en études du théâtre et de la performance à l'Université de Coimbra - commencé en 2010 - Hilda de Paulo et moi avons décidé d'avoir une revue spécialisée dans la performance qui n'exclurait pas les textes qui ne rentrent pas dans un format académique orthodoxe et donc Performatus est né en 2012. Nous voulions un magazine qui englobait également les écrits plus libres sur la pratique artistique et, à travers le magazine, nous avons commencé notre collection privée d'œuvres d'art et nos premiers pas dans la conservation et l'organisation d'événements.

De tant d'intérêts qui pourraient être dispersés, j'ai finalement assimilé comment la performance est le moyen de joindre mon intérêt pour les arts de la scène et les arts visuels ainsi que pour d'autres domaines de la connaissance humaine. J'ai donc rejoint l'Université du Minho dans des groupes de recherche et aussi en post-doctorat. Aujourd'hui, je suis professeur dans cette université et, heureusement, j'enseigne des matières qui permettent la confluence de plusieurs domaines.

Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes, rendant votre travail unique ?

Mes créations ont de la sensualité, de la sensorialité et de l'érotisme toujours complètement engagés comme une manière éthico-politique de faire de l'art, elles sont donc toujours indéniablement des discours politiques combinés à des exercices esthétiques.

D'où vient votre inspiration?

Constamment, je vis sous le plein exercice de l'écoute de l'environnement dans lequel j'habite pour réaliser ensuite comment un corps est un état provisoire d'un ensemble complexe d'informations du présent dans lequel il s'insère. Je peux donc dire que tout ce qui m'entoure m'inspire puisque le corps, l'identité et ses subjectivations sont des sujets centraux de ma pratique forcément autobiographique. Je souligne que l'aspect autobiographique finit toujours par apparaître dans mes créations. Même parce que j'ai la performance comme moyen d'expression extrêmement pertinent dans ma pratique, cela finit par être souligné, car la performance est un genre dans lequel inévitablement le moi de l'artiste est souvent exposé.

Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous évoquer chez le spectateur ?

Je raconte différentes expériences qui provoquent des changements constants en moi et mes récits (de mes expériences) peuvent être utiles ou non à d'autres personnes. Mais ce qui m'intéresse dans l'art, c'est de produire des connaissances à partir des assimilations que je fais sur le monde. Et d'affecter directement ou indirectement ceux qui accèdent à mon travail.

Il y a une idée qui résonne en moi que lorsque l'on constate qu'un certain corps a été altéré, cela signifie que tout autour a déjà été transformé, car le corps est un indicateur puissant des changements en cours dans une société. Le corps est un révélateur de contextes. Alors, évidemment, mes conceptions en art (à travers des vidéos, des performances, des induments et des ornements conceptuels et performatifs, qui s'activent au moyen d'instructions ou non) sont des réponses, des commentaires sur tout ce qui m'entoure et qui m'affecte de diverses manières dans ce La culture occidentale dans une ère hyper-industrialisée hallucinante.

Que ce soit au Brésil ou au Portugal ou dans n'importe quel autre pays où j'ai toujours travaillé (même dans les endroits les plus lointains comme la Nouvelle-Zélande et l'Islande), je vis dans une structure indéniablement colonialiste et cisheteronormative (aussi avancée qu'une société puisse être considérée). Le phallus et le logos occupent encore une place privilégiée dans la majeure partie du monde (je dis la plupart étant déjà très optimiste) et cette structure dominante subalterne encore notre désir, niant les différences et structurant les corps selon des normes esthétiques et comportementales... Comme si nous sortions de la même usine et répétions des schémas dictés par des régimes complètement oppressifs.

Ainsi, réfléchissant aux corps et aux différentes singularités, je crée des subversions pour déstabiliser les idées dominantes. Et ces subversions peuvent être insolentes ou elles peuvent créer des harmonies complètement ludiques.

Comment se déroule le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiration dans les classiques de l'art ou autres) ?

En général, mon processus est très intuitif. Et quand une image commence à occuper mon imagination, je commence à réfléchir sur cette image et, ainsi, je me rends compte si cela vaut la peine de matérialiser l'idée ou non. S'il y a une méthode que je pratique fréquemment, je peux dire que c'est l'écriture critique, car avant de matérialiser une idée qui me vient, je prends des notes comme si j'écrivais une critique d'art sur une œuvre qui n'est pas la mienne et, ainsi , je peux évaluer l'idée de manière plus distanciée.

Utilisez-vous des techniques de travail spécifiques ? Si oui, pouvez-vous les expliquer ?

Je ne suis pas vraiment un artiste technique, car j'ai des intérêts très variés. J'ai une formation en théâtre et j'étudie depuis longtemps l'art de la performance, et bien que la performativité soit très présente dans ma pratique, j'expérimente des langages sur lesquels je ne maîtrise pas beaucoup la technique. Mes dessins sont très simples, alors j'ai commencé à les concevoir pour des découpes acryliques, pour des formes néons, pour des configurations textiles, c'est-à-dire que je présente mes dessins sur des surfaces autres que le papier. La sculpture que je crée est traversée par le vêtement, par le cinétisme si caractéristique des arts de la scène, et cela ne se fait jamais de manière traditionnelle.

Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous dire lesquelles ?

Je ne peux pas dire s'il s'agit d'aspects innovants, mais je peux vous assurer qu'ils sont cohérents avec ma trajectoire. Il y a quelque chose de très particulier que je vois dans certaines de mes créations, plus spécifiquement dans les induments utilisés dans des situations performatives qui ont aussi l'autonomie d'être affichés comme des objets et des sculptures indépendamment d'un corps associé. Un autre aspect qui peut me différencier d'une pratique du dessin plus conventionnelle est que mes tracés sont transposés en découpages sur des surfaces rigides et brillantes (acrylique, néon, etc.) et ont souvent un cinétisme à l'aide de moteurs.

Avez-vous un format ou un support avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise, si oui, pourquoi ?

La performance est mon principal moyen d'expression artistique. Je suis dans les arts de la scène depuis près de 30 ans, c'est donc un médium plus sûr pour moi car je maîtrise bien les techniques et les concepts liés à l'art vivant.

Où produisez-vous votre travail ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre propre atelier ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?

Je produis une partie chez moi, une partie dans mon propre studio et, presque toujours, dans le cadre de résidences artistiques ou de processus de création dans des institutions avec des délais définis. A la maison comme au studio, j'aime tout organiser par couleur et sectoriser les articles comme si j'étais dans un grand magasin, car j'ai besoin de tout contrôler plus facilement et comme ça, ayant l'espace aménagé de manière obsessionnelle, je sais exactement où chaque élément est.

Votre travail vous amène-t-il à voyager à la rencontre de nouveaux collectionneurs, à des foires ou expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?

C'est quelque chose que j'aime dans mon travail. Ma pratique m'a amené dans de nombreux endroits du monde, me permettant de rencontrer des professionnels et des personnes liées au circuit de l'art, mais tout aussi pertinent était de pouvoir avoir accès à d'autres cultures. Il est intéressant que plus je voyage avec mon travail, plus je comprends qu'il existe d'innombrables circuits artistiques et cela me fait toujours vivre comme si je découvrais de nouvelles choses, comme s'il y avait toujours des chemins variés devant moi.

Comment imagines-tu l'évolution de ton travail et de ta carrière d'artiste dans le futur ?

J'ai du mal à répondre en pensant à un futur très lointain, mais en projetant mes désirs actuels non assouvis, je vois ma pratique s'orienter vers des échelles plus larges, plus sculpturales, plus installatives, interactives et sonores.

Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?

Ma dernière production artistique était un retour à la boîte noire, mettant en scène un spectacle intitulé « Amalgam ». Ce retour au milieu théâtral est exquis, car je le fais déjà avec un œil à la fois de scénographe et de plasticien, et ainsi je me sens totalement libre de créer des propositions hybrides qui ne se limitent pas à des engagements catégorisants.

L'œuvre est née d'une tentative d'élaboration d'une solution esthétique capable d'harmoniser douze singularités distinctes dans une coexistence qui pourrait être une analogie avec la vie en démocratie, compte tenu de répertoires et de désirs culturels dissemblables. La création s'affirme comme une rencontre émancipatrice dans laquelle le concept de genre ne peut être restreint aux exigences de la cisheteronorm qui impose obligatoirement un couple masculin/féminin limité. Dans un mouvement de négation des catégories universalisantes, j'ai créé un enchevêtrement de costumes et d'accessoires avec des corps et ainsi de nombreuses identités instables sont érigées, révélant des sujets volatils comme des constructions performatives, soutenant l'identité de genre comme une séquence d'actes.

Pouvez-vous nous parler de votre expérience d'exposition la plus importante ?

Je pourrais énumérer de nombreuses expériences, mais je pense que ma participation à BienalSur - Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur 2019 a été extrêmement importante pour moi, où j'ai exposé mon travail "Estar a Par" (2017) dans une salle où il n'y avait que deux pièces : la mienne et l'oeuvre iconique "Metamorphosis" (1976) de Michelangelo Pistoletto.

Si vous pouviez créer une œuvre célèbre dans l'histoire de l'art, laquelle choisiriez-vous ? Et pourquoi?

"Tunnel" (1973) de Lygia Clark est une pièce qui me fascine. De quelque chose de très simple, quelque chose d'esthétiquement audacieux est vanté. Il s'agit d'un simple tube de tissu élastique de 50 mètres de long dans lequel le public peut entrer et traverser. Les formes sont belles et irremplaçables, car elles sont toujours conditionnées à chaque expérience spécifique. Et ce que je trouve le plus éblouissant, c'est l'aspect ritualiste de l'œuvre, car indéniablement celui qui passe par le tunnel n'en ressort pas comme il y est entré, c'est-à-dire qu'il y a une efficacité transformatrice dans cette œuvre.

Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou mort) à dîner, qui serait-ce ? Comment suggéreriez-vous qu'ils passent la soirée ?

J'adorerais rencontrer Márcia X. Si j'étais avec elle, je proposerais un dîner informel pour nous préparer à une soirée époustouflante chez Madame Satã à São Paulo.