Qu'est-ce qui vous a amené à créer de l'art et à devenir artiste ? (Événements, sentiments, expériences...)
Enfant, j'étais enfant unique – mon frère est né bien des années plus tard – et j'ai vécu une enfance très douloureuse à cause de la maladie de mon père (VIH) et d'une relation difficile avec ma mère. Bien des années plus tard, j'ai découvert qu'il n'était pas mon père biologique, mais c'est une autre histoire. Pour m'évader de la réalité, j'étais créatif. Je passais donc mon temps à dessiner, à photographier et à m'adonner à de nombreuses autres activités qui me permettaient de rêver.
Quel est votre parcours artistique et quelles techniques et matériaux avez-vous expérimentés jusqu'à présent ?
J'ai suivi une formation en graphisme, dessin et photographie. J'ai commencé par le dessin et la photographie, puis j'ai exploré la sculpture, la scénographie, la gravure, la couture, la broderie, la vidéo et l'électromyographie. J'ai travaillé le papier, le bois, la résine et le tissu. J'ai beaucoup expérimenté et j'ai encore tant de choses à apprendre.
Quels sont les trois aspects qui vous différencient des autres artistes, rendant votre travail unique ?
Ma mission principale a toujours été de rendre tridimensionnel le bidimensionnel : pénétrer l'œuvre et s'y immerger, la déchirer et s'y plonger, en ouvrir la surface et voir ce qui se cache en dessous. Je crois que c'est un aspect fondamental de mon travail.
Un autre élément clé est la synergie entre différentes techniques. Dans mon processus créatif, j'utilise toujours plusieurs techniques. Par exemple, dans les cyanotypes que je réalise actuellement, j'intègre parfois le dessin, la technique du suminagashi ou des éléments décoratifs avec d'autres pigments.
Le dernier aspect concerne la couleur. Au fil du temps, j'ai développé une palette de couleurs personnelle que j'utilise systématiquement. Dans mon dernier projet, la palette est devenue plus foncée pour des raisons techniques, mais les couleurs restent les mêmes.
D'où vient votre inspiration ?
Je puise mon inspiration dans tout ce qui m'entoure. Je me promène souvent pour me vider l'esprit, lire un livre ou regarder un film, mais la plupart de mes idées me viennent le soir, seule dans le silence.
Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou émotions cherchez-vous à susciter chez le spectateur ?
Je ne ressens pas le besoin de susciter une sensation particulière chez le spectateur, car je crois fermement au concept d'œuvre ouverte, librement interprétable sans contraintes. Cependant, j'aime généralement que mes œuvres transmettent un sentiment de sacralité. C'est pourquoi j'utilise des couleurs et des compositions d'images spécifiques qui expriment cette idée. Au-delà de cela, mon travail s'articule autour du changement et de l'évolution. Je ne m'exprime donc pas trop dans mes déclarations d'intention, et je ne donne pas de titre à mes œuvres : je souhaite qu'elles restent des pages ouvertes à écrire.
Quel est le processus créatif de vos œuvres ? Est-il spontané ou implique-t-il une longue phase préparatoire (technique, inspirée par l'art classique ou d'autres influences) ?
Le processus créatif de mes œuvres peut être décrit comme une danse entre l'idée que j'ai en tête et l'expérimentation elle-même. Je choisis d'abord une image, celle qui, à ce moment précis, suscite en moi des idées et des émotions. Parfois, je revisite des images que j'ai depuis des années, d'autres fois, c'est une photographie fraîchement prise. Ensuite, je commence à observer et à imaginer. Mon imagination est très vive et je passe souvent des heures à imaginer tous les scénarios possibles.
Une fois que j'ai décidé comment commencer, je prépare les feuilles et je commence à les déchirer. C'est le début de l'expérimentation, car la moindre modification à chaque étape peut tout changer. Cette étape peut durer des jours, voire des semaines. Je continue à superposer et à tester jusqu'à ce que je sois satisfait, en multipliant les essais.
Utilisez-vous une technique de travail particulière ? Si oui, pouvez-vous me l'expliquer ?
J'utilise principalement la technique du cyanotype, mais la plupart de mes travaux se concentrent spécifiquement sur le virage. On a l'habitude de voir des cyanotypes en bleu ou, au mieux, en sépia, mais en réalité, cette technique permet de couvrir tout le spectre des couleurs, et le processus est vraiment passionnant. Dernièrement, je me suis particulièrement intéressé au cyanotype tricolore et à l'agamographie.
Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous les décrire ?
Comme je l'ai mentionné dans la réponse précédente, le cyanotype tricolore en fait partie. Malgré son âge vénérable, cette technique reste un procédé expérimental peu pratiqué. Il y a aussi l'agamographie, une technique d'illusion d'optique fascinante que je trouve très intéressante.
Avez-vous un format ou un support spécifique avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise ? Si oui, pourquoi ?
Toutes mes pièces mesurent 15 × 21 cm. Ce format est parfait pour moi : petit et maniable, suffisamment grand pour travailler, mais suffisamment compact pour être pratique. J'aimerais créer des pièces plus grandes, mais uniquement sur commande, car je n'aime pas l'idée qu'elles prennent de la place. Ces dernières années, j'ai essayé de faire le ménage dans mon espace de rangement.
Où créez-vous vos œuvres ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre propre espace de travail ? Et comment organisez-vous votre processus créatif dans cet espace ?J'ai toujours eu mon atelier à la maison, mais dernièrement, mon espace a rétréci depuis que j'ai eu un autre bébé. Du coup, je pense ouvrir un atelier, mais ce n'est qu'un projet embryonnaire. L'ordre n'est pas mon fort, et souvent, les éviers de la maison se remplissent de tirages en train de sécher – à la patience de tous ! Le processus mental, la découpe et l'assemblage se déroulent à mon bureau, qui est mon petit mais essentiel espace créatif.
Votre travail vous amène-t-il à voyager pour rencontrer de nouveaux collectionneurs, participer à des foires ou des expositions ? Si oui, que vous apportent ces expériences ?
Oui, j'ai beaucoup voyagé pour cette raison. Ces derniers temps, ma grossesse m'a amenée à être plus sédentaire, me concentrant davantage sur la création. Je dois dire que même pendant cette période de moindres déplacements, j'ai réussi à nouer de nouveaux contacts et à lancer de nouveaux projets avec des personnes et des organisations qui appréciaient mon travail en ligne. Pour quelqu'un comme moi, qui n'apprécie pas particulièrement la foule, cela peut être un point positif.
Comment envisagez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?
Je me suis donné pour règle de ne pas imaginer mon avenir professionnel pour éviter toute anxiété inutile. Je préfère me concentrer sur le présent et sur ce que je veux accomplir dans les cinq prochains jours. Cette approche me permet de maintenir un rythme de travail et d'éviter les attentes. Si je dois me projeter dans le futur, je m'émerveille – mais c'est peut-être plus un souhait qu'une prédiction.
Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?
Le thème qui traverse toute mon œuvre est le changement ! Travailler sur le changement, c'est comme courir après un poisson et essayer de l'attraper à mains nues. Je crois qu'il s'agit d'un véritable paradoxe existentiel, car votre recherche évolue, vos pensées évoluent, et rien ne reste pareil. Par conséquent, travailler sur le changement, c'est travailler sur le concept même de la vie. Cette œuvre s'intitule « Guideline Routine » pour souligner que l'art représente le présent, et que le présent n'est rien d'autre qu'une série de choix rythmés par le temps. Quant à la technique, j'en ai déjà parlé en détail.
Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus importante ?
Je ne suis pas sûr, il n’y a pas, à mon avis, une expérience qui se démarque comme étant plus importante que les autres.
Si vous pouviez créer une œuvre célèbre de l'histoire de l'art, laquelle choisiriez-vous ? Et pourquoi ?
Je choisirais probablement un tableau de Bosch ou L'Habillement de la mariée de Max Ernst, pour leurs aspects surréalistes et la précision lenticulaire avec laquelle ils ont été exécutés.
Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou décédé) à dîner, qui choisiriez-vous ? Comment proposeriez-vous de passer la soirée ?
Roger Ballen, sans hésiter ! Je l'adore ! J'adorerais qu'on passe la soirée à boire un verre et à discuter.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
