Qu'est-ce qui vous a inspiré à créer de l'art et à devenir artiste ? (événements, sentiments, expériences...)
J'ai commencé à peindre et à dessiner peu avant de commencer mes études d'architecture. Pour moi, cela a toujours été une manière de réfléchir sur la réalité et de m'exprimer à chaque instant.
Le processus créatif revêt une grande valeur pour moi. Ce sont des moments de connexion profonde avec l'esprit et l'environnement. Ces processus créatifs font désormais partie de ma vie...
Quel est votre parcours artistique et quelles techniques et thèmes avez-vous expérimentés jusqu'à présent ?
J'ai suivi une formation d'architecte et, grâce à ce processus, j'ai pu me plonger dans l'histoire de l'art et développer l'habitude de dessiner comme un moyen constant d'exprimer des idées et des sentiments.
En peinture, j'ai toujours été autodidacte. J'ai expérimenté la peinture et le dessin sur toutes sortes de supports et exploré des thèmes variés. J'ai toujours été attiré par l'idée d'habitat et par les implications de la sensibilité et de la poétique des images.
Quels sont les 3 aspects qui vous distinguent des autres artistes, rendant votre travail unique ?
Je crois que ces aspects pourraient être la liberté de la technique, le sentiment d'« ouverture » dans mes œuvres et la possibilité de les explorer, en découvrant à chaque fois davantage d'éléments sous-jacents.
D'où vient votre inspiration ?
En général, de la nature – les couleurs, les formes, l’énergie… J’essaie de me connecter à tout cela à travers la peinture.
Mais une fois que je commence à travailler, l’inspiration vient de la toile elle-même. Ce qui se passe sur l’œuvre commence à suggérer ce qui vient ensuite.
Je crois que la relation sensible avec l’œuvre et ce que l’œuvre me renvoie à chaque action est la principale source d’inspiration.
Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous susciter chez le spectateur ?
Je travaille avec l'inattendu.
Je m’intéresse à tout ce qui, dans l’œuvre, me surprend, qui se révèle différent de ce que j’avais imaginé. Sur ce chemin, j’essaie d’approfondir la sensibilité. Je cherche à ce que mes peintures touchent quelque chose de profond en moi et chez le spectateur, créant un sentiment de désorientation.
Les croquis et les idées pour une peinture m'aident à réfléchir au sujet, au cadrage, aux couleurs et à la taille...
Mais ce qui me passionne vraiment, c'est le fait que ce que je crée peut m'étonner à tout moment.
C’est cette même sensation que j’essaie d’évoquer : l’idée que quelque chose de profond et pourtant d’insaisissable est en train de se produire.
Et puis il y a les deuxième et troisième interprétations.
Les œuvres présentent des couches successives de profondeur. Dans un plan de couleur ou une zone « vide », il y aura plusieurs couches antérieures qui seront volontairement laissées partiellement visibles : des phrases que l’on peut entrevoir, des dessins sous-jacents, etc.
Pour moi, ces deuxième et troisième interprétations sont celles qui créent un lien profond avec le spectateur. On commence à regarder, à essayer de comprendre ce qui nous émeut… Quelque chose qu’on ne peut pas voir mais dont on sait qu’il est là…
Quel est le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiré des classiques de l'art, ou autres) ?
Je dessine pour vivre. Je dessine et j'imagine toujours des tableaux. Je fais des croquis des œuvres que je veux peindre, et ils commencent à me donner des indices sur ce que pourrait être cette œuvre.
Ensuite, quand je peins, ces esquisses laissent place à une improvisation totale. Certains traits de ces idées initiales demeurent, mais le processus est complètement spontané.
Toutes mes œuvres comportent des écrits, des dessins et des figures sous-jacentes liées aux esquisses et au début de l’œuvre. Elles restent dans « l’histoire » de ce qui est finalement vu. Je fais apparaître et disparaître des parties des étapes précédentes, mais très intentionnellement, en laissant des couches couvertes qui restent là, « invisibles » mais permanentes.
Utilisez-vous une technique particulière dans votre travail ? Si oui, pouvez-vous l'expliquer ?
Ma technique est l'action.
Je commence toujours par dessiner des lignes et des gribouillis sur la toile brute tout en appliquant simultanément la base. Couche par couche, la toile commence à me dire quelque chose, et c'est à ce moment-là que je commence à progresser en fonction de ce qui est suggéré.
À partir de là, je travaille à la fois verticalement et horizontalement, en me déplaçant constamment en fonction du moment.
J'utilise très peu de pinceaux. J'utilise principalement mes mains, des bâtons, des spatules, du tissu et du carton pour appliquer la peinture. Je travaille principalement avec de l'acrylique, des crayons, des marqueurs et des encres.
Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous les décrire ?
Il existe une technique sur laquelle je travaille depuis un certain temps et que l’on pourrait appeler « autocollage » : un collage de petites parties de mes propres œuvres.
Toutes les œuvres que je considère comme terminées contiennent des parties que j'ai découpées dans la toile finale et que j'ai conservées. Plus tard, je découpe ces fragments peints en petites toiles, parfois en les utilisant telles quelles et parfois en les peignant par-dessus. De cette façon, une partie d'une œuvre terminée devient la base de nombreuses nouvelles pièces minuscules.
Finalement, des parties de chaque œuvre restent dans mon atelier et, au fil du temps, je forme à partir d’elles un collage et une pièce complètement nouvelle.
La transformation, pour moi, c'est la manifestation de la vie. Tout est peint et repeint.
Je prévois une série grand format où toutes ces « cellules » apparaîtront aux côtés de nouvelles pièces.
Je travaille actuellement également avec des diptyques et des triptyques où le résultat de la juxtaposition des parties devient une œuvre en soi. Il s'agit d'un processus de composition avec des pièces qui ont été créées à l'origine séparément, et que je retravaille ensuite pour en faire une nouvelle composition.
Y a-t-il un format ou un support avec lequel vous vous sentez plus à l'aise ? Si oui, pourquoi ?
Je dessine et réalise mes croquis sur des petits papiers, carnets de voyage, etc.
Pour la peinture, les grands formats sont mes préférés. Je travaille sur des toiles suffisamment épaisses pour supporter l'action physique. J'aime les formats qui impliquent de grands mouvements et des gestes physiques reconnaissables.
Où réalisez-vous vos œuvres ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre propre atelier ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?
Mon atelier est à la maison, je suis donc en contact permanent avec les œuvres. Elles m'accompagnent dans le quotidien comme une question. Je travaille par séances courtes et intenses plusieurs fois par jour.
Votre travail vous amène-t-il à voyager pour rencontrer de nouveaux collectionneurs, participer à des salons ou expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?
Tous les voyages m'ont apporté des perspectives plus larges. Comprendre que ce que les autres voient dans les œuvres peut être infiniment plus riche que ce que l'on a soi-même imaginé. C'est fascinant de voir comment les mêmes tableaux résonnent avec des émotions complètement différentes chez chaque personne.
Comment envisagez-vous l’évolution de votre travail et de votre carrière d’artiste dans le futur ?
J’imagine une production qui devient de plus en plus inattendue et avec des formats plus grands.
Ma carrière est en perpétuel mouvement, en redémarrage. Je ne planifie pas trop l'avenir.
Mais je m'imagine certainement dans un avenir proche participer à des expositions et présenter des œuvres de taille énorme...
Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?
Je travaille actuellement sur une série qui combine de grands formats avec des petits dessins et des collages. Elle aborde le thème du changement constant et utilise la métaphore du fleuve comme expression de la transformation éternelle.
Pouvez-vous nous parler de votre expérience d’exposition la plus marquante ?
Ma meilleure expérience à ce sujet a été lorsqu'une maison d'édition française a choisi deux de mes œuvres qui sont aujourd'hui des couvertures de livres. Elles voyagent donc constamment et accompagnent les lecteurs. Je pense que c'est une façon fantastique de présenter l'art d'une manière très personnelle et intime.
Si vous aviez pu créer une œuvre célèbre de l'histoire de l'art, laquelle auriez-vous choisi ? Et pourquoi ?
J'aurais adoré peindre une des œuvres de la série Roses de Cy Twombly. Je ne peux imaginer un héritage plus poétique d'un peintre à l'humanité.
Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou décédé) à dîner, qui serait-ce ? Comment proposeriez-vous de passer la soirée ?
J'inviterais le peintre et architecte argentin Clorindo Testa. J'ai toujours eu une immense admiration pour lui et j'aurais adoré le rencontrer en personne.
Nous parlerions de la peinture, du dessin et de l’architecture comme d’une activité constructive et expressive unifiée.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazine
