Qu'est-ce qui vous a poussé à créer de l'art et à devenir artiste ? (Événements, sentiments, expériences...)
Je suis issue d'études techniques, ma formation est donc autodidacte. Enfant, j'ai toujours aimé dessiner, imitant le style de certains illustrateurs Marvel ou, en grandissant, celui de l'école argentine d'auteurs comme Enrique Breccia, Juan Zanotto, Juan Giménez... pour n'en citer que quelques-uns. Durant mon adolescence, pour m'apprendre quelques secrets de la peinture à l'huile (« au début »), c'était un parent éloigné, un peintre naïf (il peignait des paysages et des tableaux à thème religieux, car c'était la clientèle de référence) : à partir de là, il tout a commencé... Puis, j'ai continué tout seul, abordant le genre surréaliste. Je travaillais comme ouvrier et à mes heures perdues je peignais, sans prétentions ni ambitions particulières. Je signale que cette expérience (difficile, dévastatrice), que j'ai relatée plus tard dans un roman publié par Feltrinelli Editore en 2004, intitulé Nicola Rubino est entré dans l'usine et est devenu un cas littéraire - Roberto Saviano a été parmi les premiers à la critiquer et s'est enthousiasmé pour it : à ce jour, ce texte est considéré comme une référence incontournable pour la fiction d'usine et de précariat. A partir de 2014, en parallèle de mon activité d'écrivain, j'ai commencé à collaborer avec divers petits éditeurs en tant que graphiste et illustrateur (voici un exemple ; toutes les couvertures réalisées pour cet éditeur sont les miennes : https://www.terrarossaedizioni .it/) ... Mais l'appel vers des techniques de peinture plus traditionnelles (comme, par exemple, la peinture à l'huile) n'était plus insaisissable et me voilà.
Quel est votre parcours artistique, les techniques et les sujets que vous avez expérimentés jusqu'à présent ?
Du côté des classiques, sans doute Klimt, Schiele, Caravaggio, Velasquez, Dali, Magritte, Freud, les Préraphaélites mais aussi un peintre figuratif très maltraité par la critique (et, au contraire, aimé de Salvador Dali) : William Adolphe Bouguereau. Je dois aussi beaucoup à la démarche expérimentale, en littérature, d'un écrivain comme William Burroughs, inventeur du cut-up et dont l'équivalent, en peinture, est la paréidolie, un automatisme instinctif dont je me sers dans mes créations, sur un niveau subconscient... Sans dédaigner ce qui est considéré comme "low", kitsch ou lobrow art, je me réfère au surréalisme pop proposé par des magazines alternatifs comme Hi Fructose et Juxtapoz. Parmi les contemporains j'adore Jenny Saville, Paul Laurenzi, Michael Carson, Alex Canevsky, John Currin, Eric Fischl, pour ne citer que les premiers qui me viennent à l'esprit et sur lesquels, sans aucun doute, je traîne. Étant également illustratrice, j'apprécie beaucoup (et je suis sensiblement influencée par) les illustrateurs américains de "l'âge d'or" tels que Robert McGinnis, Norman Rockwell, ou issus du genre pulp ou fantasy (Frank Frazetta). Je suis un passionné de BD érotique italienne (Milo Manara, Vittorio Giardino, Crepax, Paolo Eleuteri Serpieri, Baldazzini, etc.)... Mes techniques préférées sont l'huile, l'acrylique, l'aquarelle et le crayon. J'ai récemment acheté un ensemble de pastels à l'huile et j'espère commencer à les expérimenter également... nous verrons.
Quels sont les 3 aspects qui vous différencient des autres artistes, rendant votre travail unique ?
Je pense que trois maîtres mots sont la polyvalence (ou multifacettes), la curiosité (sans laquelle rien de ce que je fais ne pourrait subsister), l'ironie (et un certain goût pour la provocation).
D'où vient votre inspiration?
Je me laisse envahir (pour tenter de chiffrer, réinitialiser, séquencer, recomposer voire décomposer) par toutes sortes de messages visuels, qu'ils soient issus du réel ou du monde des médias (social, blogs, etc.). Pas secondaires, les stimuli que m'ont apportés la littérature (Burroughs, Volodine, Jeauffray, Houellebecq, Easton Ellis...) et, disions-nous, les sous-cultures (comics, rock alternatif).
Quelle est votre démarche artistique ? Quelles visions, sensations ou sentiments souhaitez-vous évoquer chez le spectateur ?
au fond je me qualifierais de peintre figuratif (et j'en suis fier, les avant-gardes et toute forme de dédain pour l'artisanat dans l'art, sont devenues dépassées, muséales, alors autant remonter aux origines, essayer, si possible, de les réinventer), mais la mienne n'est pas du réalisme pur, j'insère souvent des éléments d'abstraction ou je perturbe et fragmente l'image pour conjurer l'hyperréalisme (ou tout recalcul photographique dépersonnalisant) : la virtuosité pour elle-même ne ne m'intéresse pas.
Quel est le processus de création de vos œuvres ? Spontané ou avec un long processus préparatoire (technique, inspiré des classiques de l'art ou autre) ?
Je dirais que les deux facteurs entrent en jeu. Parfois, la phase de conception prend plus de temps que la phase de réalisation (ce qui signifie, en amont, faire une recherche iconographique continue pour arriver à une idée viable). J'ai un catalogue inépuisable d'images sur lesquelles je puise (ou me laisse fasciner) et que je réinvente en m'adonnant à ma propre esthétique (je ne me limite pas à une seule tentative, je fais plusieurs essais et choisis celle qui me convainc le plus); ça se passe presque toujours comme ça... cependant, il peut arriver que j'y arrive plus directement (ou spontanément), mais ce n'est pas la norme. La partie idéationnelle n'est pas visible, mais c'est celle qui fait la différence, entre moi et les autres peintres...
Utilisez-vous une technique de travail particulière ? si oui, pouvez-vous l'expliquer?
S'il s'agit de peinture sur toile, l'itération se consolide : la phase préparatoire (esquisses et premières ébauches) je les réalise à l'acrylique puis - lorsque la matière devient ingérable - je passe à la peinture à l'huile, qui ayant des temps de séchage plus longs me permet pouvoir retoucher avec plus de précision ce que j'ai commencé (et, parfois, remédier à quelques erreurs de réglage).
Y a-t-il des aspects innovants dans votre travail ? Pouvez-vous nous dire ce qu'ils sont?
Il est difficile (voire impossible, je pense) de proposer quelque chose de nouveau de nos jours (et ce qui était avant-gardiste hier doit maintenant être considéré comme rétro). J'aime créer une alchimie avec mon art - qui, vous l'aurez deviné, est très contaminé par des influences musicales, de la BD populaire et underground, du psychédélisme, du cinéma, de la fiction - s'il y a quelque chose d'original dans mon travail, c'est le fait que je sois très sensible et réceptif à toutes sortes d'influences. C'est que, ne venant pas du milieu universitaire, j'ai le goût de l'expérimentation, du tâtonnement, des fausses pistes. Puisque mon attachement est à la figuration, pour ne pas banaliser ce thème (ou en abuser de manière qualunquiste), j'introduis presque toujours des éléments d'abstraction (et d'action painting) ou des anomalies figuratives dans lesquelles je vais sublimer un certain goût pour la provocation, le grotesque.
Avez-vous un format ou un support avec lequel vous vous sentez le plus à l'aise ? si oui, pourquoi?
Je dirais que ma technique de prédilection est la peinture à l'huile. Un format (de toile) sur lequel je suis à l'aise de travailler est le 60x80, ce qui me permet d'accentuer la composante gestuelle, en utilisant largement les pinceaux larges, les couteaux à palette, les rouleaux.
Où produisez-vous votre travail ? Chez vous, dans un atelier partagé ou dans votre laboratoire ? Et dans cet espace, comment organisez-vous votre travail créatif ?
Je produis tout chez moi, où j'ai creusé un coin où j'ai le poste de travail PC, un chevalet d'atelier, un chariot qui contient des peintures acryliques et à l'huile et que j'ai modifié pour qu'en même temps c'est aussi une petite table sur où je place la palette, plus une commode où j'ai aquarelles, crayons, pastels et divers accessoires.
Votre travail vous amène-t-il à voyager à la rencontre de nouveaux collectionneurs, pour des foires ou des expositions ? Si oui, qu'est-ce que cela vous apporte ?
Pour le moment non, je dois avouer que je suis plutôt sédentaire. Je ne fréquente que des galeristes de ma région, et j'en suis désolé, car j'aimerais élargir mon cercle.
Comment envisagez-vous l'évolution de votre travail et de votre carrière d'artiste à l'avenir ?
Approfondissant mon goût pour la figuration (en m'y spécialisant encore mieux), et m'orientant peut-être davantage vers une peinture moins maîtrisée et plus texturale. Abandonner, quand c'est possible, mon perfectionnisme et me livrer de plus en plus à des dérives où je vais briser l'image, la décomposer, la fragmenter davantage... cela pourrait être une évolution possible.
Quel est le thème, le style ou la technique de votre dernière production artistique ?
Ce sont souvent des exemples de féminité glamour (ou pour une esthétique gothique, sombre, mais sans exagération) placés dans des contextes aliénants et dont on peut déduire le goût assumé de la provocation et de l'ironie. Je généralise, car j'aborde aussi des thèmes dans lesquels j'exprime une critique sociale (voir, par exemple, le tout récent "Joie et Révolution").
Parlez-nous de votre expérience d'exposition la plus importante ?
En février, j'aurai une exposition personnelle (avec le meilleur de ma production), à la galerie Artimmagine ici à Altamura. J'espère en faire plus.
Si vous pouviez créer une œuvre célèbre dans l'histoire de l'art, laquelle choisiriez-vous ? Et pourquoi?
Probablement la Danaé de Gustav Klimt, à cause de la silhouette recroquevillée en position fœtale et de la pose, que je trouve d'une volupté épuisée et d'une sensualité atroce, sans pareille. C'est un tableau d'une beauté vertigineuse. Et le vertige, c'est ce que j'aimerais offrir à mon public avec mes œuvres.
Si vous pouviez inviter un artiste célèbre (vivant ou mort) à dîner, qui serait-ce ? Comment suggéreriez-vous qu'ils passent la soirée ?
J'aurais aimé rencontrer Salvador Dali, essayer de voir si dans des occasions conviviales comme celle-ci, il aurait jeté son masque ; plutôt, vu le sujet, je lui aurais laissé le soin.
Olimpia Gaia Martinelli
