Dans le titre

Lorsque l'on évoque l'or dans l'histoire de l'art, il est assez facile, voire évident, de se concentrer et de s'attarder sur une technique artistique en particulier, que je voudrais laisser de côté pour le moment, afin de mettre en valeur une autre histoire, plutôt inédite, visant à expliquer l'objet de notre enquête, en se référant exclusivement à certains titres de chefs-d'œuvre picturaux qui, contenant le mot or, font référence aux propriétés et à la valeur symbolique intrinsèque du métal susmentionné, sans l'utiliser réellement. Poursuivant l'hypothèse en question, je commence par l'huile sur panneau datée d'environ 1576-1581 de Jacopo Zucchi et intitulée, précisément, L'âge d'or, un chef-d'œuvre dans lequel le petit format accueille une multitude de personnages et de détails tirés du thème mythologique, en référence à la version racontée par les Métamorphoses d'Ovide, dont le traitement est rendu explicite par l'inscription en italien, qui apparaît soutenue en haut par deux femmes nues en plein vol. La scène, qui dans sa partie supérieure a pour centre une montagne d'où coulent plusieurs fleuves, représentés par des dieux-fleuves, tandis que dans la partie inférieure du support est représentée l'harmonie entre les hommes, les animaux et les plantes, utiliserait le mot or, objet de notre enquête, d'une manière plutôt positive, prospère et idyllique, puisqu'elle lie ce nom à celui de l'âge d'or : époque mythique par excellence, dans laquelle les êtres humains vivaient sans avoir besoin de lois, ni de cultiver la terre, puisque chaque plante était capable de pousser spontanément. En effet, sans utiliser le métal en question, mais en mentionnant seulement ses propriétés bénéfiques dans le titre, le tableau nous transporte dans une époque lointaine et convoitée, sans haine entre les individus et sans guerres, marquée par un printemps éternel, dans laquelle il n'est pas nécessaire de construire des maisons pour s'abriter. Si pour Zucchi, l'or est associé à une période merveilleuse définitivement révolue, qu'en pense Miró ? C'est ce que nous pouvons découvrir, ou plutôt déduire, en observant l'œuvre de l'artiste surréaliste espagnol intitulée L'or de l'azur (1967), un chef-d'œuvre où, en réalité, la luminosité est due à la couleur jaune plutôt qu'à l'or, une couleur qui sert de fond à des formes et à des lignes noires, bleues et rouges non identifiées, dont l'objectif est de refuser toute interprétation fixe. Ainsi, même la référence presque anodine au métal en question se transforme en une authentique affirmation de la poétique du peintre, très connu pour avoir créé un vocabulaire de signes constants qui, n'étant pas associés à un dictionnaire de conventions auquel se référer, restent en partie inconnaissables, bien que le peintre ait révélé comment chacun d'entre eux se réfère en fait à une forme concrète.

UNTITLED191212 (2019)Peinture de Tsunshan.

GOLDEN MEETINGS (2022)Peinture d'Alena Sobolevskaia.

Dans la technique

Après avoir illustré l'apparition de l'or dans certains titres de tableaux célèbres, sans bien sûr avoir traité de manière exhaustive le sujet en question, passons à l'analyse de certains chefs-d'œuvre, qui contiennent en effet des surfaces dorées, exécutées selon une technique spécifique, qui sera brièvement expliquée par la suite. Pour ce faire, je partirai géographiquement et chronologiquement des Pays-Bas, de l'Italie et de l'Autriche, pays d'où proviennent les artifices des œuvres qui seront d'abord décrites puis analysées à l'unisson dans leur technique d'exécution. En ce qui concerne les Pays-Bas, je citerai comme exemple la Trinité et les Histoires de saint Denys (1416) d'Henri Bellechose, une peinture à la détrempe et à l'or sur panneau qui immortalise deux scènes des derniers jours du saint en question, destinées à prendre corps dans l'événement de la communion et de la décapitation, avec, au centre, la représentation de la Trinité, où Dieu le Père tenant la croix de son fils assiste à l'apparition de la colombe de l'Esprit Saint. Le polyptyque de la Miséricorde de l'Italien Piero della Francesca, peint à l'huile, à la détrempe et à l'or sur panneau, représente, dans sa partie centrale la plus convaincante, une Vierge ouvrant son manteau, offrant refuge et protection aux personnes qui la vénèrent, littéralement les fidèles représentés de manière hiérarchiquement plus petite. De l'or sacré, compris comme une toile de fond parfaite pour rendre l'intemporalité, le lumineux et l'abstrait de la dimension divine, nous passons au contexte profane de Klimt, explicité, entre autres, dans son chef-d'œuvre daté de 1902 et intitulé Frise Beethoven, dans lequel le peintre a cherché à donner forme à la Neuvième Symphonie, en composant une œuvre dont les trois murs peints forment une séquence cohérente qui, de l'affrontement entre le bonheur et les forces hostiles, conduit au triomphe de l'Hymne à la Joie. Enfin, la Hollande, l'Italie et l'Autriche nous accompagnent dans la révélation de la technique de la peinture à l'or en question : le fond d'or, destiné à prendre la forme de la pose d'une très fine feuille d'or (feuille d'or) sur le fond des tableaux, pratique dont les origines les plus célèbres sont les mosaïques répandues depuis l'époque paléochrétienne, qui devint ensuite la peinture, progressivement mise de côté au cours du XIVe siècle, période au cours de laquelle, grâce aux innovations de Giotto, des fonds architecturaux et paysagers plus réalistes commencèrent à être préférés, entraînant une réduction progressive du pourcentage du panneau décoré d'or. À ce stade, le récit d'histoire de l'art emprunte d'autres voies et se transforme en une analyse de trois tableaux de certains artistes d'Artmajeur, comprenant des parties dorées.

DREAM (2019)Peinture de Viktor Horiaiev.

Viktor Horiaiev : Rêve

Nous sommes dimanche matin et, après un samedi soir mouvementé et alcoolisé, nous nous réveillons dans une sorte de vision mystique, dans laquelle notre lit doré nous enveloppe de sa propre lumière, pour nous révéler, peut-être, ce que nous avons fait la nuit précédente, au milieu de trous de mémoire évidents et, peut-être, d'un repentir impardonnable. Malgré ces pensées controversées, la protagoniste de l'œuvre en question semble tout à fait calme, comme si elle avait atteint cette sérénité que seule une lueur divine peut conférer, à tel point qu'elle est visiblement absorbée par l'observation de ses feuilles d'or, ne serait-ce que pour imaginer combien d'argent elle pourrait gagner si elle les vendait à l'acheteur d'or le plus proche. Mais savez-vous comment l'or est lié au thème du lit et donc au monde du rêve ? L'or, métal précieux et résistant, qui a toujours été associé aux concepts d'immortalité, d'éternité et de royauté, ainsi qu'aux qualités éthiques élitistes que sont la pureté, la loyauté, le courage, la clémence, la charité, la justice et la force d'âme, est assurément de bon augure s'il apparaît dans un rêve, car il fait allusion au succès, à la réalisation d'objectifs fixés et à la prospérité. En outre, la couleur du soleil et d'Apollon indique les vertus du rêveur, comme, par exemple, le sens moral et l'amour, se présentant également comme un bon présage pour l'accession souhaitable du rêveur à des positions de leadership, ainsi que pour l'obtention de la célébrité. Dans un sens négatif, par contre, un rêve d'or peut être lié à un sentiment de nostalgie pour les années de jeunesse révolues, ou à une sorte d'anxiété nourrie pour ces désirs tant désirés mais non encore satisfaits.

Love original painting. ŒUVRE DÉCORATIVE DORÉE FEUILLE D'OR (2023)Peinture d'Irina Bast.

Irina Bast : Love original painting

Il va sans dire que l'œuvre d'Irina Bast a donné lieu à une interprétation nouvelle et inédite du baiser de Klimt, dans laquelle, cependant, le fait explicite du titre du chef-d'œuvre de 1907-08 ne se produit pas, puisque les effigies de Love original painting se contentent de rapprocher leurs visages dans l'acte de créer une tendre étreinte, n'incluant évidemment pas le placement des lèvres sur la surface de la peau de la bien-aimée. La source d'inspiration pour l'utilisation de la technique de la feuille d'or reste cependant inconnue dans le cas de l'artiste d'Artmajeur, tandis que, dans le cas du maître autrichien, on sait qu'il s'est inspiré des mosaïques byzantines de Ravenne pour créer un chef-d'œuvre qui pourrait représenter un symbole de la période de la Sécession, dont l'étude a donné naissance au tableau susmentionné, dans lequel les sujets rapprochent leurs corps sur un fond lumineux, abstrait et, par conséquent, atemporel. Dans ce contexte, où l'espace tridimensionnel est annulé, les effigies prennent un aspect bidimensionnel, tandis que, avec la pelouse et les robes, elles sont structurées par des fonds hyperdécorés, dont la forme est définie par des contrastes de couleur et de luminosité. En ce qui concerne la signification du chef-d'œuvre, il capture le moment où les univers masculin et féminin s'interpénètrent, concrétisant le triomphe du pouvoir unificateur de l'éros, visant à réunir deux mondes principalement différents, rassemblés dans un contenant lumineux et doré, conçu pour rendre le pouvoir de l'amour concret et divin.

SILENCE LUMINEUX (2017)Peinture d'Adriana Plucha.

Adriana Plucha : Silence lumineux

Selon les mots de l'artiste dans Artmajeur, les œuvres de la série Les jardins du monde, composées de peintures et de sculptures, permettent au spectateur, dans le cas de Silence lumineux grâce à l'utilisation de l'or, d'atteindre la sérénité. Cet état d'esprit convoité par beaucoup est atteint grâce à un art qui encourage l'exercice de la contemplation silencieuse, capable d'induire une méditation intérieure fructueuse, favorisée par cette combinaison particulière de minimalisme, de couleur et de délicatesse, prête à souligner la spontanéité de la nature et des paysages étudiés. Les principales sources d'inspiration pour la réalisation de ce type de sujets ont certainement été puisées dans la culture asiatique, en particulier dans les estampes et la peinture japonaises, connues pour leurs couleurs monochromes et leur grande attention aux détails. Ces influences prennent une nouvelle forme à travers l'utilisation d'une technique très personnelle de détrempe naturelle qui, à partir d'un liant à base d'œuf, voit l'utilisation savante de l'or écaillé, ainsi que l'utilisation occasionnelle de feuilles d'argent et de platine. Enfin, si nous devions juxtaposer Luminous Silence au récit plus occidental de l'histoire de l'art, le fond d'or rappellerait certainement une iconographie spirituelle intemporelle, tandis que le sujet floral, en lui-même, pourrait faire référence à la coupe en perspective selon laquelle, quelque 127 ans plus tôt, Van Gogh a représenté sa Flowering Almond Tree Branch (1890).