La pollution dans l'art : Turner, Monet et Boccioni les "précurseurs" de l'art environnemental

Vincent Bardou, Save the Planet , 2022. Aérosol / acrylique / encre / laque sur toile, 100 x 70 cm.

Turner, Monet et Boccioni "précurseurs" de l'art environnemental

La réalité des XIXe et XXe siècles, racontée par des artistes qui, comme Turner, Monet et Boccioni, ont documenté l'impact de l'industrialisation sur l'environnement, sans aucune prétention de dénonciation écologique, digne de l'Art environnemental, du Land Art et de l'Art écologique plus contemporains, peut être relue à travers l'implication d'une sensibilité plus moderne, capable de reconnaître dans ces œuvres, qui montrent simplement les fumées des usines et des chemins de fer, un document précieux des premiers changements imposés par l'homme à l'environnement. Les maîtres susmentionnés ont abordé le progrès de manière différente sur le plan idéologique et stylistique, comme le montre l'analyse de certains de leurs chefs-d'œuvre, en premier lieu Rain, Steam and Speed (1844) de Turner, La Gare de Saint Lazare (1877) de Monet et Gli addi (1911) de Boccioni. Le premier chef-d'œuvre a été réalisé à travers un tourbillon de coups de pinceau, visant à mettre en évidence le passage rapide et dynamique d'un train qui, face à la pluie tombante, s'oppose à la nature statique de sa propre vapeur libérée dans l'atmosphère. L'œuvre, qui représente le train du Great Western Railway passant sur le pont ferroviaire de Maidenhead, est un document qui montre comment l'artiste britannique était si fasciné par la locomotive "naissante" du XIXe siècle qu'il lui a rendu hommage dans une œuvre qui, en plus de représenter le sujet pictural peu commun du train, célèbre le pouvoir de l'ingéniosité humaine, car la locomotive n'ose pas céder face à la pluie incessante, mais semble presque la défier, donnant ainsi un avant-goût de l'avenir de la technologie, de plus en plus reconnaissable dans le temps comme une force capable de s'opposer à la nature et de la dominer. Turner a célébré cette nouvelle "entité" sans toutefois être conscient de ses aspects néfastes, car, à l'époque, on ne savait rien ou presque de la pollution, tant les usines et les trains se multipliaient et s'étendaient sans cesse. Une autre œuvre du maître visant à nous montrer le visage du progrès et de l'industrialisation de l'époque est Une ville industrielle au coucher du soleil, probablement Birmingham ou Dudley (vers 1830), une étude en couleur marquée par la présence d'une atmosphère "lourde", dans laquelle se mêlent le rouge du coucher du soleil, l'épais brouillard et les fumées d'une ville industrielle des Midlands, probablement Dudley, où une machine à vapeur a été mise en service pour la première fois.

JMW Turner, Pluie, vapeur et vitesse – The Great Western Railway , 1844. Huile sur toile, 91 x 121,8 cm.

Umberto Boccioni, Les Adieux , 1911. Huile sur toile, 70,5 x 96,2 cm. New York : Musée d'art moderne (MoMA).

Pour ce qui est de la France, il faut parler de Monet, un maître qui, à l'instar de Turner, était fasciné par le progrès, à tel point qu'il l'a représenté dans une série de quatre tableaux ayant le même sujet, à savoir La Gare de Saint Lazare, dans laquelle il rend hommage à ses locomotives et aux fumées correspondantes, qui, dans ce cas, sont représentées comme des sortes de nuages distincts dans l'atmosphère, au lieu d'être bien amalgamées à celle-ci et à ses nombreux phénomènes. En ce qui concerne La gare Saint-Lazare (1877), l'huile sur toile représente la section d'arrivée des voies de l'endroit parisien susmentionné, mettant en évidence la présence "sombre", presque une sorte de silhouette, de deux locomotives qui avancent vers la gare en passant sous le pont, immergées dans les fumées de la vapeur, qui, malgré sa présence insistante, laisse entrevoir quelques grands bâtiments de la ville, habilement disposés à l'arrière-plan. Une série d'œuvres ultérieures de Monet s'intéressent en revanche au Waterloo Bridge de Londres, et peut-être un peu en raison de la similitude de l'emplacement, elles sont influencées par les atmosphères de Turner, dans lesquelles le paysage "voilé" révèle l'inévitable fusion des agents atmosphériques et de la pollution. Au contraire, une approche plus " synthétique " et moins réaliste de ce sujet est fournie par le pastel de 1899 qui, intitulé Waterloo Bridge in London, ne relègue les fumées de l'industrie que dans la partie supérieure de l'œuvre, c'est-à-dire celle du petit ciel situé juste au-dessus du pont. En ce qui concerne le style pastel, les travées du pont ont été dessinées avec des lignes épaisses et juxtaposées, dans le but de créer une masse architecturale compacte. L'écoulement de l'eau, quant à lui, est le résultat de lignes douces et ondulantes, plus précises que les quelques marques verticales et horizontales qui caractérisent la ville en arrière-plan. Pour conclure avec la France, il convient également de mentionner le regard de Gustave Caillebotte sur la pollution, rendu par Le Pont de l'Europe, un tableau qui, visant à capturer l'un des lieux les plus modernes du Paris des années 1870, situé au-dessus de la grouillante gare Saint-Lazare, place les traces de vapeur en arrière-plan, privilégiant une vue de la ville, destinée à mettre en évidence la déambulation des Parisiens de l'époque, encore loin de découvrir les effets néfastes du progrès sur l'environnement. Pour conclure, nous arrivons dans l'Italie du début du XXe siècle, une nation où, contrairement à ce qui précède, le mouvement futuriste a célébré la machine, la vitesse et le progrès, en les portant à un niveau supérieur à la simple admiration, c'est-à-dire en les transformant en véritables objets de culte, dans le but de créer un point de vue artistique radicalement opposé à la stase et à l'immobilité. Le point de vue exprimé par l'un des plus célèbres futuristes, Umberto Boccioni, résume ce qui a été dit. Dans Gli addi (Les ajouts), toile de 1911 conservée au Moma (New York) et faisant partie de la série Stati d'Animo (États d'esprit), il représente une locomotive qui, en avançant rapidement, génère un enchevêtrement de lignes circulaires, se croisant avec d'autres lignes horizontales. Cette vision, dans laquelle se détache le "6943", c'est-à-dire le numéro d'identification du train qui dégage de la fumée de sa cheminée, est probablement le résultat du temps que l'artiste a passé à observer les scènes de salutations, d'arrivées et de départs à la gare de Milan, une ville représentée dans un autre chef-d'œuvre de l'artiste italien, également sur un sujet "écologique". L'œuvre en question, Officine di Porta Romana, située dans le quartier de la mode et du luxe d'aujourd'hui, à côté de la Fondazione Prada, a été peinte par le maître qui, depuis sa maison de Via Adige, avait l'habitude de s'inspirer en admirant de sa fenêtre les fumées lointaines d'une ville toujours en effervescence. Enfin, des perspectives contemporaines sur le binôme pollution-art nous sont offertes par l'investigation figurative de peintres d'Artmajeur tels que Ronald Houriez, Anita Kaufmann et Victor Molev.

Andrea Vandoni, À l'horizon , 2010. Huile sur toile, 50 x 100 cm.

Edith Donc, respire ! , 2010. Acrylique sur toile, 92 x 73 cm.

Ronald Houriez, Planète A , 2022. Huile sur toile de lin, 116 x 116 cm.

Ronald Houriez : Planète A

Ce tableau, qui représente une canette de Coca écrasée sur un fond céleste indistinct, a été conçu pour avoir un fort impact émotionnel, car, sans mâcher ses mots, l'observateur se retrouve face à l'une de ces poubelles les plus classiques que, du fait de l'insouciance humaine, nous rencontrons souvent en nous promenant dans nos villes, en nous baignant dans la mer ou en profitant des plaisirs de la vie à la campagne. L'artiste lui-même, en décrivant Planet A, commence par des mots clairs, directs, concis et sans équivoque, selon lesquels, l'œuvre représente "l'archétype de la négligence et du mépris de l'environnement". Cette phrase, qui résonne comme une gifle dans le visage de ceux qui, presque stupéfaits, ont longtemps persévéré dans le désintérêt, ramène à la réalité même les plus récidivistes, leur faisant prendre conscience de la nécessité d'un changement radical. À ce stade, l'histoire de l'art se présente comme une sorte de championne intrépide de l'environnement, pleine d'œuvres "écologiques", ce qui nous permet d'associer, de manière quelque peu imaginative et risquée, l'œuvre d'Houriez à Bounty, Pilfered de Pam Longobardi. En effet, puisque le tableau Planète A n'a pas de fond, on peut, en laissant fonctionner notre imagination, l'imaginer sortir du hornpipe pollué de l'artiste écoféministe américaine précitée. À propos de cette dernière, son Houriez with Bounty a été conçu dans l'intention de faire une déclaration visuelle sans équivoque sur la consommation mondiale et l'impact des objets en plastique sur les lieux et les créatures du monde. Un tel message a transformé à jamais la valeur symbolique de la corne d'abondance, qui, en tant qu'ancien manifeste d'abondance, est souvent apparue dans les œuvres d'art grecques et romaines, faisant allusion aux significations mythologiques plus bénéfiques de la prospérité, de l'abondance et de la bonne fortune.

Anita Kaufmann, Sauvez notre océan no. 1722 , 2022. Acrylique sur toile, 70 x 100 cm.

Anita Kaufmann : Sauvez notre océan no. 1722

L'abstractionnisme et le conceptuel se rejoignent dans l'œuvre d'Anita Kaufmann, où le sens du "rébus", composé de l'enchaînement apparent de mots sans signification, nous est révélé par l'artiste elle-même, qui avoue avoir eu recours à l'alphabet de l'OACI pour lancer un important message de dénonciation : "Défendez et protégez notre océan". A ce stade, le spectateur peut se demander pourquoi Kaufmann a choisi un langage peu "accessible" pour exprimer un concept qui doit absolument être compréhensible par tous au premier abord. En réalité, c'est souvent ce qui est compréhensible qui ne suscite pas l'intérêt et l'attention du spectateur qui, lorsqu'il est stimulé et impliqué dans une profonde tentative d'interprétation, n'oubliera pas facilement le message qu'il a si laborieusement déchiffré. En ce qui concerne l'histoire de l'art, en revanche, un chef-d'œuvre, "mi-pop, mi-abstrait", aux intentions similaires, est Last Turn - Your Turn (1991) de Robert Rauschenberg, une composition conçue par l'Américain pour soutenir le Sommet de la Terre (Rio de Janeiro, 1992), la Conférence des Nations unies sur l'environnement et le développement, qui visait à attirer l'attention sur les dommages causés à notre planète par la pollution et la consommation excessive des ressources. C'est précisément dans ce contexte que l'œuvre de Robert Rauschenberg a poursuivi l'objectif de sensibiliser le public aux problèmes environnementaux susmentionnés, en diffusant un message visant à souligner que, outre l'importance des initiatives gouvernementales, l'action individuelle est nécessaire. Afin de promouvoir l'engagement de ce dernier, seul capable de rendre les mesures législatives réellement efficaces, Rauschenberg a donné le bon exemple en enrichissant le chef-d'œuvre d'une inscription empreinte de responsabilité personnelle : "Je m'engage à faire de la Terre un lieu sûr et accueillant pour les générations présentes et futures".

Victor Molev, Safari , 2008. Huile sur toile, 51x 76 cm.

Victor Molev : Safari

Habituellement, lorsque nous imaginons un meurtre, nous pensons à un homme, ou une femme, armé(e) d'une arme qu'il ou elle lance sur une pauvre victime innocente, un agresseur redoutable, etc. Maintenant, si, de la même manière, nous imaginons voir un animal suffoquer dans du pétrole, nous constatons comment, en réalité, la pollution est un tueur silencieux, sans visage, capable de se présenter sous la multitude de formes des conséquences de l'action humaine. Un exemple, heureusement moins mortel, de ce qui vient d'être énoncé nous est offert par la mouette vomissante de Plasticide, qui fait partie de l'installation de 2016 de Jason deCaires Taylor, un artiste britannique qui, dans l'oiseau tristement constipé, a voulu résumer ce concept : " nos océans, et la vie marine qui les habite, ne peuvent littéralement plus digérer de plastique ". Comme prévu, dans l'œuvre susmentionnée, ce n'est pas l'homme qui est à l'origine de la dérive du monde, mais le déchet, son descendant direct. Au contraire, dans l'œuvre de l'artiste d'Artmajeur, la présence dévastatrice de l'homme, qui s'acharne à ravager les espèces vivantes les plus disparates, se manifeste également aux côtés des probables émanations de la pollution. Selon Molev lui-même, l'œuvre "reflète le thème de l'écologie, de la protection de l'environnement et de l'attitude insouciante de l'homme face à l'extinction d'espèces animales rares".