Des yeux à la bouche, en passant par les mains...

Au centre de la toile, une corbeille réaliste en osier tressé s'emploie à "soigner" et à "bercer" la douzaine de spécimens de fruits divers jalousement gardés en son sein, représentés dans l'intention de les montrer au spectateur, qui doit cependant se contenter de regarder, et donc sans toucher ni mordre, ce riche banquet de poires, de pommes, de figues, de raisins et de pêches. En effet, la fiction picturale que nous venons de décrire, qui s'inscrit dans le genre de la nature morte de la création du Caravage, et qui prend le titre iconique de Corbeille de fruits (1594-1598), démontre comment, dans le récit de l'histoire de l'art, la nourriture s'est d'abord affirmée comme un sujet à contempler exclusivement, en évitant souvent tout type de représentation qui accueillerait en son sein une relation plus entreprenante entre l'homme et un succulent mets à consommer. Ce qui vient d'être dit a été déduit du fait que les premières natures mortes se sont développées dès l'époque hellénistique, alors que les scènes de genre, dans lesquelles figurent souvent des sujets surpris en train de manger chez eux, ne se sont imposées qu'avec la recherche figurative hollandaise de la première moitié du XVIe siècle. À ce stade, une question plus que légitime se pose : qu'en est-il des œuvres d'art représentant des banquets ? Ce sujet, répandu depuis les premières civilisations, a été créé pour donner au public l'image d'un contexte de socialisation et de consommation de nourriture et de boisson, même s'il s'est rarement donné la peine de capturer des sujets pris la bouche ouverte, c'est-à-dire en train de s'empiffrer, à tel point que, dans la plupart des cas, il est plus probable de voir les convives en train de boire, tandis que leurs abondantes assiettes restent pour le moins immaculées. C'est pourquoi, afin de donner voix à une représentation réaliste et plus authentique de la relation entre la nourriture et l'homme, je construirai un récit figuratif, qui transformera la contemplation caravagesque la plus pure en un voyage pratique, visant à amener la nourriture du marché, c'est-à-dire du lieu d'approvisionnement par excellence, à la bouche d'un personnage, ou d'un groupe de personnages, avide et affamé. Comme nous l'avons déjà mentionné, la première rencontre entre l'homme et les fruits, le poisson, la viande, etc, précédant la suivante, beaucoup plus intime et savoureuse, pourrait avoir lieu à la Vucciria, un marché historique bien connu de Palerme représenté en 1974 par le peintre italien Renato Guttuso, qui a créé, à travers un style et un point de vue très personnels, un récit visant à décrire les acheteurs se déplaçant dans l'espace étroit des étals, où se distingue la figure d'une femme vêtue de blanc qui, en avançant, se heurte à un jeune homme marchant dans la direction opposée. Enfin, les autres personnages du chef-d'œuvre alimentaire sont, outre les autres passants, les vendeurs, qui s'emploient principalement à disposer, observer et vendre leurs marchandises. La Bottega del macellaio (Boucherie) d'Annibale Carracci, une peinture de 1585, est un autre lieu où l'activité plus moderne et passive d'approvisionnement en nourriture pourrait avoir lieu. Elle se distingue par la présence d'animaux abattus suspendus à des crochets, prêts à être découpés de manière experte et vendus à la pièce.

Vincenzo Campi, Les mangeurs de ricotta , v. 1585. Huile sur toile, 72 cm × 89,5 cm. Musée des Beaux-Arts de Lyon, Lyon.

Annibale Carracci, mangeur de haricots , 1584-1585. Huile sur toile, 57×68 cm. Galleria Colonna, Rome.

À ce stade, entre l'action d'acheter et celle de manger, une phase décisive s'impose, à savoir celle où la nourriture est préparée, prête à être hachée par nos dents, malaxée par notre salive et avalée pour atteindre l'estomac insatiable. Par conséquent, pour décrire le moment où les délices achetés à la Vucciria susmentionnée sont cuits, coupés, hachés, etc., je me réfère à Deux cuisiniers dans la cuisine de l'artiste flamand Marten De Vos, une œuvre probablement destinée à représenter deux cuisiniers désireux de préparer le déjeuner du riche Epulon. Après ce dernier chef-d'œuvre, nous sommes prêts à illustrer deux œuvres dont les effigies, sans aucune honte, se jettent sur la nourriture en ouvrant ostensiblement la bouche, ce qui se produit, par exemple, dans I mangiatori di ricotta de Vincenzo Campi et, bien que de manière beaucoup moins viscérale, dans Mangiafagioli d'Annibale Carracci. En ce qui concerne le plus explicite des chefs-d'œuvre susmentionnés, dans I mangiatori di ricotta se réalise l'intention du peintre de capturer l'esprit populaire le plus typique de la tradition paysanne, à savoir celui marqué par l'imposition de gestes spontanés et vulgaires, animés d'un sain réalisme rustique. En outre, les quatre personnages protagonistes du chef-d'œuvre, intitulé Buffonaria par Campi lui-même, semblent s'inspirer de la tradition de la commedia dell'arte, tandis que les traits de la ricotta évoquent la forme plus néfaste d'un crâne, sans doute pour nous rappeler qu'un jour, même les plaisirs liés à la nourriture ont une fin. Quant à Carracci, la célèbre huile sur toile immortalise les traits d'un homme, peut-être un paysan, qui, assis à une table, consomme une assiette de haricots en soulevant la cuillère pour la porter à sa bouche déjà avidement ouverte. Un détail remarquable montre comment quelques gouttes de bouillon tombent de la cuillère pleine de nourriture, un fait inattendu qui contraste avec le regard étonné de l'homme, qui se rend soudain compte qu'il est observé alors qu'il consomme son pauvre plat. Enfin, après avoir illustré les mangeurs les plus classiques de l'histoire de l'art, je poursuivrai le récit avec les mêmes figures interprétées par les peintres contemporains d'Artmajeur.

PRIMA DONNA MANGER DE LA PIZZA (2023)Peinture de Ta Byrne.

Ta Byrne : Prima donna mangeant de la pizza

Une femme à la chevelure sauvage, qui rappelle la crinière d'un lion vigoureux, apparaît, assise à une table qui se fond dans les couleurs de l'arrière-plan, en train de déguster une pizza au salami si riche en mozzarella que le brin de cette dernière pend ostensiblement entre ses lèvres et le morceau savoureux qu'elle tient dans ses mains. Cette image simple et immédiate doit cependant être chargée de significations plus complexes, qui nous sont révélées par l'artiste elle-même, qui admet que son œuvre est généralement le résultat d'une réflexion sur la complexité de la nature émotionnelle humaine, rendue à travers les caractéristiques stylistiques d'un surréalisme aux particularités très reconnaissables, visant à faire appel à la recherche artistique de maîtres de la trempe de Picasso et Lowry. Toujours en ce qui concerne l'émotivité, la réflexion sur le monde intérieur en question provient principalement des souvenirs d'enfance et des expériences personnelles de Byrne, réinterprétés pour transmettre des pensées positives, dans une bouffée de joie et de bonheur à déverser sur les spectateurs pour les années à venir. Enfin, pour en revenir au tableau en question, la signification prima donna, avec laquelle l'effigie est indiquée dans le titre de l'œuvre, pourrait nous faire penser soit à une figure dotée d'une grande personnalité, soit à la reine Marguerite de Savoie elle-même, soit au personnage auquel, en 1889, le pizzaïolo Raffaele Esposito aurait dédié la naissance iconique et classique de la pizza Margherita. En réalité, la nourriture représentée par l'artiste d'Artmajeur est une pizza au salami, un délice inventé à la fin du XIXe siècle par des immigrés italiens aux États-Unis, qui ont revisité la recette traditionnelle avec des ingrédients locaux, créant même des erreurs de prononciation entre l'italien et l'anglais. En fait, il s'agit d'une saucisse à base de pepperoni, un mot qui, en anglais, était simplement traduit par "poivre", d'où la célèbre pizza "pepperoni".

VEGAN (2022)Peinture d'artistes Artseeker.

Artistes en quête d'art : végétaliens

Regardez-moi comme un végétalien regarderait un bon steak de viande cuit saignant, savourez-moi avec ce désir mêlé d'impossibilité, d'irrationalité, d'erreur, parfois de dégoût, mais peut-être justement à cause de cela de manière très forte, très intense, très profonde, vraie, interdite et irrépétable. C'est précisément ce que j'ai décrit qui semble expliquer pleinement le titre du tableau d'Artseeker Artists, qui contraste fortement avec ce qui est montré : le désir de dévorer des œufs au plat et du bacon d'un petit être noir à fourrure, probablement à identifier à la race des bouledogues français, interprète d'un amour intense et passionné fait de regards, qui précèdent très probablement une consommation nerveuse et rapide du repas, dictée à la fois par l'abstinence et par la peur d'être découvert. En outre, pour décrire le lien établi entre ces yeux rêveurs, espiègles et contemplatifs et le plat susmentionné, je me réfère également au terme contemporain de "food porn", c'est-à-dire à cette forme de photographie alimentaire qui, par un style visant à présenter les plats de manière attrayante, agit de la même manière que la photographie glamour ou pornographique. Dans le cas de l'œuvre de Vegan, cependant, ce n'est pas tant l'apparence des aliments qui est en cause, mais l'engouement qui naît entre la nourriture et ceux qui la mangent, un "lien" prêt à donner lieu à une association intensément sexualisante, qui trouve son origine dans le fait que les sucreries, le sucre, la viande, etc. sont indissociablement liés aux expériences les plus intimement agréables de notre vie, qui, si elles ne sont pas consommées, peuvent être réduites à une complaisance voyeuriste, au même titre que les fantasmes sexuels les plus érotiques.

POP BURGER 03 (2021)Peinture de Miguel Angel Lozano Bonora.

Miguel Angel Lozano Bonora : Burger pop

Des bandes noires et blanches, répétées les unes à côté des autres, composent l'image de Marion Crane qui, dans une interprétation inédite de la célèbre scène de la douche du film Psyco d'Alfred Hitchcock, ouvre grand la bouche pour mordre dans un cheeseburger, au lieu de crier à l'arrivée de son départ. En fait, l'ironie de Lozano Bonora a clairement changé les connotations de l'intrigue du film susmentionné, dans lequel toute la première partie apparaît comme une sorte d'introduction à ce qui va réellement se passer, et qui commence à se manifester à partir du meurtre de Marion Crane. En ce qui concerne la relation entre l'art et l'ironie, comment cette dernière prend-elle forme dans le langage figuratif ? Il est bien connu que l'on entend par ironie la capacité du locuteur à dissimuler sa pensée à travers des mots ou des phrases qui signifient le contraire de ce qu'il dit, au moyen d'un ton sarcastique, humoristique, voire polémique, qui, éclairant les intentions réelles, oblige le locuteur à ne pas se limiter à une lecture superficielle de l'énoncé, mais à faire un effort d'interprétation supplémentaire, afin de connaître le véritable sens de ce qui vient d'être dit. Dans l'art, ce qui a été dit se manifeste par la présence de symboles contradictoires, et donc ironiques, visant à dissimuler et en même temps à révéler le véritable sens moral indiqué par l'auteur, dans une attitude qui a atteint son apogée dans les périodes de l'avant-garde et de la néo-avant-garde. À ce stade, en pensant à la critique amère de la société qui se cache derrière l'ironie irrévérencieuse de Manzoni, je me suis demandé si l'humour de Lozano Bonora cachait en réalité une moquerie à l'égard de l'industrie cinématographique, des fast-foods les plus connus, ou peut-être une conscience amère d'une société au bord de la crise de nerfs ?