Retour en haut

~ Blog ~
News et annonces à propos de Artmajeur

11 déc. 2017
Bienvenue au nouveau magazine d'art régional Artmajeur Occitanie Commentaires


Artmajeur lance Artmajeur Occitanie !

Le site Artmajeur, place de marché des arts visuels  n°1 en Europe, lance un média régional spécifique, Artmajeur Occitanie, consacré à l’art contemporain et aux artistes des 13 départements de la grande région Occitanie.

 

Artmajeur Occitanie rend compte de l’actualité artistique par différents médias adaptés à la nature de l’information :

  • Un agenda en ligne, mis à jour 24 h sur 24 : https://www.artmajeur.com/fr/agenda
     
  • Des informations en direct, sur le site et sur la page Facebook https://www.facebook.com/ArtmajeurOccitanie/
     
  • Un bimestriel qui permettra de traiter des sujets de fonds, des portraits d’artistes, de proposer un grand entretien avec une personnalité de la scène artistique régionale, et de faire un focus sur les grandes expositions des deux mois à venir en région.

 

Samuel Charmetant, directeur général d’Artmajeur: 

« Le concept d’Artmajeur est de mettre en relation directe les artistes et les collectionneurs. Nous avons déjà créé un magazine il y a deux ans, qui complète l’activité de la plateforme. On a alors constaté que l’accueil était extraordinaire de la part des artistes et des collectionneurs.

Artmajeur Occitanie est donc dans le prolongement de ce concept : renforcer la relation avec les artistes, cette fois-ci en jouant la carte de la proximité ».


Ouverture du site : maintenant. Parution du premier bimestriel:  mi-janvier.

Merci à tous ceux qui ont œuvré pour ce lancement!

Pour ce baptême, offres spéciales pour les annonceurs et abonnements «spécial artiste».

Abonnements Papier + Web :
https://www.artmajeur.com/occitanie

Contacter nous pour toute question sur votre abonnement: 
support[@]artmajeur.com

 

facebook artmajeur occitanieRetrouvez nous sur le Facebook du magazine !
http://www.facebook.com/ArtmajeurOccitanie

 

 

 

 

artmajeur-occitanie-magazine.jpg Bienvenue au nouveau magazine d'art régional Artmajeur Occitanie

 

artmajeur-occitanie-1.jpg Bienvenue au nouveau magazine d'art régional Artmajeur Occitanie

 

cover-fb-occitanie.jpg Bienvenue au nouveau magazine d'art régional Artmajeur Occitanie

Nouveau magazine d'art Artmajeur Occitanie

 

Afficher les commentaires Lien permanent

11 déc. 2017
L'art invisible, canular ou nouvelle tendance de l'art ? Commentaires 2


En septembre 2014, la radio canadienne CBC a présenté une jeune artiste se disant l'inventeur d'un art révolutionnaire, l'art invisible. Elle décrivait une oeuvre qu'elle avait élaborée durant des heures, mais qu'on ne pouvait voir. C'était un canular.

Ce que ne pouvaient imaginer les auteurs de cette farce, c'était que de nombreuses initiatives d'art invisible avaient déjà été expérimentées par des artistes comme Duchamp, Magritte ou Warhol.

En juin 2011, le duo d'artistes Praxis parrainé par l'artiste comédien James Franco a lancé le "Non-Visible Museum" ou MONA, "une excentricité de l’imagination, un musée qui nous rappelle que nous vivons dans deux mondes : le monde physique de la vue et le monde non-visible de la pensée. Entièrement constituées d’idées et de pied de nez au marché de l’art, les œuvres seront simplement décrites aux visiteurs…"

Plus généralement, les promoteurs de l'art invisible postulent que l'art ne se limiterait pas à des réalisations physiques à voir ou à posséder. 

Des oeuvres inaccessibles, cachées, invisibles ou à faire disparaître pour n'en garder que le souvenir, seraient tout autant capables de procurer des émotions artistiques.

Evoquer une oeuvre disparue ou invisible à l'oeil nu, permettrait de la faire revivre à posteriori.

Ces orientations artistiques très conceptuelles trouvent leur fondement dans le rejet de la tournure mercantile et spéculative prise par l'art contemporain.

Revers de la médaille, promouvoir l'émotion artistique suscitée par une oeuvre qui ne se voit pas ou ne se touche pas, et tout axer sur le récit ou le "story telling", pourraient disqualifier cette approche.

Le spectateur incrédule, empêché de faire son propre jugement en exerçant tous ses sens, en serait réduit à croire "l'artiste" sur parole...

Article proposé par :

 


art invisible

 

Afficher les commentaires (2) Lien permanent

21 nov. 2017
Conférence gratuite proposée par Artmajeur (Paris) Commentaires 2


Artmajeur vous propose de venir rencontrer à la galerie La Vitrine

Nicolas Sarazin 

directeur marketing d'Artmajeur.com, expert de la vente d’œuvres d’art en ligne.

 

Conférence gratuite pour les artistes :

“Vendre de l’art sur internet : les clés du succès”


2 sessions limitées à 40 places

Le 23 novembre 2017

de 11h à 13 h - accueil à partir de 10h30
de 15h à 17 h - accueil à partir de 14h30.

 

Lieu : La Vitrine am - 24 rue de Richelieu - 75001 Paris

 

Places limitées - inscription auprès de slamballe@artendirect.fr

 

Pour le bon déroulé de cette intervention, nous n’accueillerons plus les participants après le début de la conférence
- merci de votre compréhension -

 

comment-vendre-de-l-art-sur-internet.jpeg Conférence gratuite proposée par Artmajeur (Paris)

conférence gratuite Comment vendre de l'art sur internet

 

Afficher les commentaires (2) Lien permanent

15 nov. 2017
Créativité : mode d’emploi Commentaires


 

Socialter définit la créativité comme "le Graal du XXIe siècle" et le World Economic Forum la place au cœur des quatre compétences clés de notre époque avec la pensée critique, l’art de communiquer et de collaborer. Essentielle à la survie et au développement de l’entreprise, il apparait primordial de la favoriser et de l’intégrer à la culture d’entreprise. 

Qu’est-ce que la créativité ?

Il s’agit de la capacité d’une personne ou d’un groupe de personnes à concevoir et mettre en œuvre un nouveau concept, un nouvel objet ou à découvrir une solution originale à un problème. La créativité est à l’origine de l’invention (lorsqu’elle est utilisée pour un produit ou un service) et de l’innovation (lorsque cette invention s’applique à un marché).

Sommes-nous tous créatifs ?

Dans l’inconscient collectif, la créativité apparaît comme l’apanage de quelques génies solitaires, souvent maudits, dotés de dons innés et de facilités déconcertantes. En réalité, chaque personne a un potentiel créatif souvent sous-exploité ou bridé par le conformisme, le pessimisme, la peur de l’échec, le jugement familial ou social, l’éducation.

Quelles sont les caractéristiques des personnes créatives qu’il nous appartient de développer ?

– Une estime de soi à toute épreuve ;

– Une détermination, un engagement et une persévérance de tous les instants ;

– Une curiosité sans limites permettant d’embrasser tous les champs de la connaissance, de l’observation ou de la condition humaine ;

– Une grande rapidité de traitement d’informations de toute nature associée à un goût pour la complexité ;

– Une résolution éclair des problèmes associée à une génération quasi automatique d’idées ;

– Une capacité à imaginer d’autres mondes, d’autres systèmes, d’autres logiques.

La pensée d’un créatif est à la fois :

– analogique (liée à la libre association d’idées et d’images venant d’univers différents et souvent cloisonnés),

– divergente (originale, fluide et flexible),

– originale : dégagée des stéréotypes liés au genre,

–déconcertante : capable d’opérer des renversements radicaux.

Les grands ennemis du créatif sont la fatigue et le stress, la recherche de la perfection, la spécialisation, l’esprit « scolaire », la routine et le manque d’ouverture au monde.

Créer quelque chose qui n’a jamais existé demande de l’enthousiasme, de l’expérimentation et un détachement du savoir et du passé. C’est une attitude d’esprit ouverte, libre qui se nourrit de tout et est stimulée par les défis.

Comment devenir plus créatif ?

De nombreux exercices favorisant la génération d’idées et la résolution originale de problèmes existent. Néanmoins, développer une attitude d’esprit créative est la clé pour ceux qui souhaitent exploiter leur potentiel créatif, à savoir :

– S’imprégner de tout et être ouvert aux nouvelles expériences pour trouver l’inspiration et favoriser le processus analogique ;

– Se poser en permanence des questions pour approfondir vos connaissances ;

– Penser comme un enfant, se libérer des schémas, contraintes et interdits, s’éloigner de la raison ;

– Se remettre en cause et reconsidérer les acquis ;

– Entendre tous les points de vue pour développer de nouveaux cheminements et de nouvelles interactions ;

– Alterner phase créative et phase de repos mental ;

– Faire du sommeil son allié pour développer la pensée inconsciente ;

– Prendre de la distance sur les choses pour mettre en œuvre l’imagination ;

– Développer son sens de l’humour, avoir de l’esprit ;

– Prendre des risques, considérer les échecs comme un moyen de progresser et développer une détermination sans bornes ;

– Ne jamais censurer des idées ;

– Développer l’aspect ludique de la création en passant du coq à l’âne, en associant, en prenant le contrepied, en jouant du paradoxe.

Même si les grandes créations sont généralement le fait d’un individu relié à ses désirs, ses pensées, ses défis intérieurs, l’innovation est souvent un acte collectif, le fruit d’une créativité et d’une action originale d’équipe. Théoriquement, la créativité d’un groupe d’individus réunis devrait présenter un potentiel infiniment supérieur à celui d’une personne isolée. Dans la pratique, l’optimisation de "l’intelligence collective" suppose de créer les conditions de la créativité de groupe et de mettre en place l’organisation qui permet de reproduire à l’échelon d’une équipe le processus créatif individuel.

Différentes approches telles que le design thinking favorisent la diffusion de la culture de la créativité dans l’entreprise et l’organisation des différentes étapes de préparation, d’incubation, de génération de solutions et de validation. En entreprise, l’improvisation créatrice avec décision et implémentation immédiate n’existe pas. En revanche, la respect des différentes étapes créatives peut permettre l’émergence de complémentarités et d’un esprit d’équipe créatif qui vont permettre d’intérioriser le processus créatif et d’accélérer l’innovation de groupe.

Pour rester compétitif et favoriser l’innovation, un des moyens pour lever la résistance au changement des collaborateurs (n’y voyant aucun intérêt personnel, considérant ne pas avoir les compétences demandées ou se sentant menacés par l’inconnu) est de mettre en place une culture de la créativité appliquée dans les règles de l’art.

En redonnant confiance, en valorisant, en faisant collaborer à des projets communs au sein desquels chacun apporte sa contribution, en intéressant aux fruits collectifs, l’entreprise gagnera en flexibilité, adhésion et dynamisme, indispensables dans une économie ouverte de plus en plus mondialisée devant répondre à des besoins de plus en plus individualisés.

Article proposé par :

 

 

 

Afficher les commentaires Lien permanent

25 oct. 2017
Art et management : une convergence prometteuse Commentaires


L’art, mode d’expression d’une subjectivité, semble de prime abord déconnecté des notions d’organisation, de profit ou de rentabilité et des méthodes de gestion rationnelle employées dans la direction d’une entreprise. 

L’art, activité individuelle, irrationnelle, hors cadre et sensible, suscite généralement le scepticisme des directions et la méfiance des collaborateurs en quête de formations techniques « validantes ». Ce sont ces mêmes schémas bien ancrés qui privilégient la gestion et la technique au détriment des sciences humaines et des disciplines artistiques. Pourtant, art et management ont tout intérêt à se croiser pour s’enrichir mutuellement.

L’entreprise a beaucoup à apprendre de la démarche artistique, en particulier :

– la quête de sens : la démarche artistique véhicule des valeurs et est porteuse d’une mission particulière ;

– la gestion de projet : chaque œuvre, composition ou réalisation, requiert une véritable conduite de projet ;

– la maîtrise des techniques de réalisation : sans maîtrise des techniques de base amenées à évoluer avec l’expérimentation et la démarche artistique vers des techniques personnelles et originales, l’art n’existe pas (l’artiste doit être un technicien hors pair doublé d’un innovateur technique) ;

– un processus itératif : l’artiste interagit en permanence avec le travail en évolution, procédant aux aménagements nécessaires pour atteindre le résultat souhaité ;

– une démarche constate d’originalité et de créativité : ce qui distingue l’artiste de l’artisan, c’est cette capacité créative, cette recherche de la nouveauté. On parle de « performance » ou d’originalité artistiques ;

– une démarche humaniste : à la fois, vision personnelle du monde et regard sans concessions sur la réalité, l’art dit sous une forme esthétique particulière le monde qui nous entoure ;

– une prise de risque totale : il n’y a aucune certitude que l’œuvre soit bien reçue par le marché ;

– un marché de l’art des plus concurrentiels : l’art n’a pas de frontières, la concurrence est globale. L’artiste, guidé par une démarche personnelle à priori sans intention commerciale, est confronté à l’hyperconcurrence et la nécessité matérielle de créer son marché et de constituer sa base de clients et d’utilisateurs ;

– Une œuvre d’art est avant tout une « expérience sensible utilisateur » (émotion, émerveillement, énergie). L’artiste se doit de maximiser cette expérience en facilitant l’accessibilité de son art s’il veut vendre ses réalisations ;

– une création individuelle qui s’insère et interagit avec son environnement et la société ;

– une démarche d’expression et de réalisation personnelle.

Le manager moderne soucieux de favoriser la collaboration et la créativité a tout intérêt à développer son propre potentiel créatif et à s’imprégner des processus artistiques, en vue de faciliter la créativité de groupe. La créativité individuelle est un état d’esprit qu’il est possible de stimuler (visites d’expositions, cours ouverts, ateliers de créativité...). Les processus de création peuvent s’apprendre au contact d’artistes (interventions artistiques dans l’entreprise, visites d’ateliers, conférences...).

L’artiste a de son côté beaucoup à apprendre du manager.

Il est apparu récemment le concept d’artiste-entrepreneur, artiste gérant son travail artistique comme une entreprise. Dans un marché ultra-concurrentiel, l’artiste peut être amené pour diffuser ses œuvres à bâtir une identité, une marque, inventer des procédés de communication et de vente inédits, développer une gamme de produits dérivés de la production originale adaptée à son marché. Certains artistes produisent des œuvres « prêtes à accrocher », plus abordables, leur permettant de faire face aux coûts de production d’œuvres plus ambitieuses. Cette démarche critiquée par certains puristes n’est pas forcément un frein à l’originalité ou la créativité. Si l’artiste ne se résigne pas à produire « ce qui marche », mais développe des concepts artistiques de demain accessibles. Disposer de moyens financiers liés à la vente de ses œuvres est le but et le rêve de tout artiste, mais aussi son plus grand moteur de liberté et d’innovation.

À l’évidence, dans un monde qui requiert de plus en plus de flexibilité, d’ouverture, d’originalité et d’efficacité, ces deux démarches, artistique et managériale, sont appelées à se nourrir mutuellement pour permettre l’émergence d’un management créatif et d‘activités artistiques organisées.

Article proposé par :

 


art management

 

Afficher les commentaires Lien permanent

12 oct. 2017
Configurer sa galerie pour vendre en ligne Commentaires 3


Nous recevons tous les jours au support des messages de collectionneurs qui souhaitent acheter des oeuvres, mais qui ne peuvent pas finaliser leurs transaction car ils sont bloqués par un manque d'informations necessaires à la vente! 

  • Les dimensions de l'oeuvre sont manquantes
  • Il n'y a pas le de prix de la livraison
  • Abscence de méthode de paiement
  • Conditions de vente non définies

 

Les internautes d'aujourd'hui sont habitués à trouver facilement ces informations et achètent régulièrement sur les sites marchands : il est crucial de prendre le temps de configurer votre galerie pour permettre aux collectionneurs de se sentir rassurés et confiants. Ce n'est que de cette manière qu'il est possible de déclencher l'acte d'achat !

 

 

Le prix de l'oeuvre

  • Indiquez le prix ! Si le prix n'est pas indiqué, vous perdez 90% des acheteurs potentiels!

 

Les méthodes de paiement

  • Configurez au moins 1 méthode de paiement sur la section MON COMPTE > REGLAGES
  • Il est vivement recommandé de proposer PAYPAL pour sécuriser la transaction

 

Les frais de livraison

  • Configurer les prix d'envoie standards sur la section MON COMPTE > REGLAGES
  • Spécifiez éventuellement des frais d'envoie particuliers en éditant chaque oeuvre si nécessaire

 

Les conditions de vente

  • Choisissez les conditions de vente standard, ou écrivez vos propres conditions de vente sur la section MON COMPTE > REGLAGES

 

 

Les informations sur l'oeuvre:

  • Très important: Spécifiez les dimensions de l'oeuvre
  • Indiquez le titre et rédigez une description qui indique bien le contexte et qui raconte l'histoire de l'oeuvre pour faire rêver le visiteur !

 

Le visuel des oeuvres:

  • Chargez une bonne photo, bien centrée, bien éclairée
  • N'ajoutez aucun texte/date/copyright
  • Recadrez la parfaitement, enlevez tout élément perturbateur

 

D'après nos estimations, le nombre de ventes sur la plateforme pourrait être multiplié par 10 ou plus si tous les acheteurs disposaient de toutes les informations requises sur une oeuvre au moment ou ils souhaitent effectuer leur achat !

 

cap-2017-10-12-a-18-38-05.jpg Configurer sa galerie pour vendre en ligne

vente en ligne vente à distance

 

Afficher les commentaires (3) Lien permanent

4 oct. 2017
Artmajeur en page d'accueil sur Forbes ! Commentaires 1


Un trés bon article de la journaliste Audrey Chabal sur Artmajeur fait actuellement la page d'accueil de Forbes, à retrouver sur le lien suivnat : 
https://www.forbes.fr/entrepreneurs/art-majeur-democratise-achat-art-grace-a-internet/

 

cap-2017-10-13-a-11-15-20.jpg Artmajeur en page d'accueil sur Forbes !

 

forbes-home-page.jpg Artmajeur en page d'accueil sur Forbes !

forbes la presse en parle articles de presse interview Audrey Chabal

 

Afficher les commentaires (1) Lien permanent

3 oct. 2017
Chronique ToutLeco Artmajeur sur France Bleue Commentaires


La radio France Bleu difuse une chronique de la journaliste Ysis Percq dans l'émition TOULECO Du lundi au vendredi à 6h10 et 7h42

Retrouvez le podcast spécial sur Artmajeur disponible depuis le lien suivant : 

https://www.francebleu.fr/emissions/touleco-y-percq/herault/artmajeur-de-la-fac-de-montpellier-au-marche-mondial-de-l-art

 

cap-2017-10-13-a-12-07-10.jpg Chronique ToutLeco Artmajeur sur France Bleue

la presse en parle interview france bleue radio Ysis Percq

 

Afficher les commentaires Lien permanent

26 sept. 2017
Reportage TV - France 3 Commentaires


Interview TV à nos bureaux de Montpellier - France 3 reportage de J.Escafre / F.Jobard / F.Alibert

 

cap-2017-10-13-a-15-34-58.jpg Reportage TV -  France 3

articles de presse interview reportage tv france 3

 

Afficher les commentaires Lien permanent

17 août 2017
Travaux de maintenance serveurs Commentaires 5


Bonjour à tous,

dans le cadre de l'amélioration de nos services, de nouveaux serveur vont être installés, le weekend du 19 et 20 aout, ce qui peut causer des ralentissement ou des coupures de services plus ou moins importante en fonction du traffic sur le site, et peut notamment impacter l'affichage des images de manière temporaire.

Nous faisons le maximum pour déployer les nouveaux équipement aussi rapidement que possible et vous présentons nos excuses pour les troubles éventuels.

Les services seront à nouveau pleinement opérationnels dès lundi 21 au soir.
Merci pour votre patience !

 


mises à jour travaux nouveaux serveurs

 

Afficher les commentaires (5) Lien permanent

17 juil. 2017
Alternatives à Etsy / ALittleMarket Commentaires 1


Suite à l'abandon de la plateforme francaise spécialisée dans les créations artisanales "fait main" ALittleMarket par l'américain Etsy, de nombreux créateurs se retrouvent aujourd'hui obligés de migrer l'intégralité de leur activité sur Etsy, à des conditions qui ne leur conviennent pas forcément.

Les créateurs se plaignent notamment:

  • Des tarrifications de mise en ligne proposées
  • Des problèmes de concurence "déloyale", plagiat, production à la chaine, ou même de revente pure et simple qui dénaturent le concept d'artisanat
  • Du trop grand nombre de leur créations qui se retrouvent noyées sous une montagne d'offres d'interêt artistique limité ou peu abouties

Les plateformes basées sur les commissions de vente touchent de l'argent sur chaque transactions et n'ont pas d'interêt particulier à promouvoir les créateurs par rapport aux atteliers de confection ou revendeurs qui génèrent des ventes souvent à moindre prix.

Au contraire, depuis 17 ans, Artmajeur a fait de choix de proposer des prestations pour permettre au artistes de protéger, promouvoir et vendre leur travail sans commission. Nos services sont disponibles uniquement par abonnements abordables à tous : 4EURHT/mois. Pour ce prix, tout est illimité, les images sont toutes enregistrées avec un horodatage certifié qui permet de prouver l'antériorité de ses créations, et il n'y a pas de commissions sur les ventes.

Aujourd'hui, plus de 115 000 artistes du monde entier ont choisi Artmajeur pour présenter leur travail.

Les créateurs sont les bienvenus sur Artmajeur
Nous travaillions actuellement à la refondation de la section Artisanat d'Art, en collaboration avec des créateurs qui connaissent bien les problématiques de ce marché. D'ici les prochaines semaines, nous allons dédier une section entière de Artmajeur à l'artisanat d'art sous toutes ses formes. Notre idée est de proposer dans le même esprit que pour les oeuvres artistiques classiques (peintures/sculptures etc...), un espace sécurisé et abordable pour que les artistes et créateurs puissent montrer et vendre leurs créations !

 

Offre spéciale de Bienvenue
Une offre spéciale de bienvenu est actuellement proposée aux anciens membres de ALM / Etsy, si vous ne disposez pas du code de promotion, demandez le support avec l'adresse de votre boutique.

Découvrir nos services : 
http://www.artmajeur.com/fr/our-services

L'équipe est disponible pour répondre à toutes vos questions au support : www.artmajeur.com/fr/contact-us  / support@artmajeur.com

 

atillemarket-etsy-migration.png Alternatives à Etsy / ALittleMarket

Migration AlittleMarket

 

Afficher les commentaires (1) Lien permanent

11 juil. 2017
L’art aborigène d’Australie : un art millénaire menacé de disparition Commentaires 1


Les premières peintures rupestres aborigènes remontent à la nuit des temps (plus de 50 000 ans). Elles sont antérieures à celles retrouvées en Europe (Chauvet ou Lascaux). Premières formes d’art connu, perpétuées sur leur support originel (roche, sable…) jusqu’à il y a une vingtaine d’années et en utilisant des techniques « modernes » ( toile, acrylique…) depuis les années 1970, elles sont à présent menacées de disparition.

L’art aborigène est à la fois un art sacré et un art rituel utilisé lors des cérémonies d’initiation. Il représente les récits mythiques du Temps du Rêve, le temps des êtres surnaturels qui ont surgi de la terre, voyagé et créé le monde et les êtres vivants. L’espace temps sacré, espace parallèle au notre, existe toujours, mais seuls les initiés peuvent entrer en contact avec lui lors de cérémonies rituelles.

Au moment de la génèse du monde, ces êtres mythiques surnaturels ont laissé des traces dans le paysage. Les peintures, sortes de cartographies narrative et symbolique, en figurent les itinéraires et redonnent vie aux actes de création du monde. En liant les deux mondes, le mode sacré et le monde profane, en activant et en diffusant l’énergie vitale des grands ancêtres, elles permettant à la vie de se perpétuer et au monde de ne pas disparaître. Les grands artistes aborigènes peignent pour assurer la survie de leur communauté et plus largement du monde ! L’art aborigène est un art spirituel fondamentalement collectif au style naturaliste, figuratif ou géométrique.

Le « mouvement artistique aborigène » proprement dit est né dans les années 1970 sous l’impulsion d’un professeur anglais Geoffrey Bardon qui poussa les élèves de la communauté de Papunya (centre de l’Australie) à reproduire sur des murs, des panneaux ou de la toile les motifs du Temps du Rêve. Selon le critique Robert Hughes, le dernier grand mouvement artistique pictural du XXème siècle était né… Les représentations sacrées porteuses de pouvoir et d’histoire étant réservés aux initiés, différentes techniques (comme le pointillisme) furent utilisées par les artistes pour préserver leur caractère secret et n’en montrer que la partie profane. Le succès fut tel que les ventes d’art aborigène culminèrent jusqu’à 200 Million USD par an dans les années 1990-2000. Après avoir été longtemps ignoré, ce succès commercial permit aux communautés aborigènes de se reconstituer et de diffuser leur culture millénaire au monde sous une forme adaptée.

Considéré comme l’héritage d’une civilisation en voie d’extinction, cet art fut catégorisé par le marché de l’art comme « art ancien, ethnographique ». Progressivement cantonné dans des stéréotypes, des techniques et des motifs standardisés, il donne la part belle aux artistes « historiques » et laisse peu de place à une création aborigène contemporaine. Rares étant les marchands à se risquer à soutenir de jeunes artistes, les grands initiés porteurs de la tradition picturale millénaire disparaissant sans transmettre leur art, la vitalité et le renouveau de l’art aborigène est sérieusement en question. D’autant que les communautés aborigènes disséminées dans le pays, souvent isolées et porteuses de leurs propres traditions, sont menacées de regroupement près des grandes villes par les gouvernements régionaux.

L’art rupestre ancien, est lui aussi en danger, menacé par le développement urbain l’exploitation minière, l’érosion et le vandalisme. 50% des œuvres rupestres pourraient disparaître dans les quarante prochaines années si elles ne sont pas protégées.

Le soutien de quelques institutions muséales internationales telles que le Musée du Quai Branly ne peut se substituer à celui des autorités locales qui peinent à reconnaître, préserver et soutenir l’identité, la culture et l’art des natifs de la « terra nullus » (terre qui n’appartient à personne » selon la déclaration en 1770 de James Cook, un des découvreurs de l’Australie), pourtant composante première de l’identité australienne.

Au-delà, sans mobilisation, ce qui constitue le plus ancien patrimoine de l’humanité pourrait à terme se réduire à une base de données numériques de pétroglyphes disparus et de peintures produites pour les profanes, tronquées de leurs motifs originels sacrés, ce qui signerait la disparation de l’art aborigène d’Australie, art premier essentiel se perpétuant depuis l’âge de pierre.

Article proposé par :


Art Aborigène Australie

 

Afficher les commentaires (1) Lien permanent

10 juil. 2017
Aigle de Nice - Appel à Candidatures Commentaires


L’Aigle de Nice est une Association Loi 1901 enregistrée à la Préfecture des Alpes-Maritimes. Elle a été fondée en 1988 par l’auteur-chanteur de variétés françaises Alain Bideaux qui en est toujours le Président. Elle organise depuis cette date tous les mois de novembre un Grand Prix International d'Arts Plastiques ouvert à tous.
Pour en savoir plus : http://www.aigledenice.com/fr/


Aigle de nice

 

Afficher les commentaires Lien permanent

14 juin 2017
Merci à tous ! Commentaires 1


Merci à tous les artistes et amateurs d'art qui sont venus très nombreux nous rendre visite lors du Salon Art Shopping du 9 au 11 juin 2017 au Carrousel du Louvre à Paris.

Prochain rendez-vous : le 21 et 22 octobre 2017 au Carrousel du Louvre


Artmajeur Art Shopping

 

Afficher les commentaires (1) Lien permanent

13 juin 2017
Publication sur Les ludiques.com Commentaires


Pour la 20e édition du salon Artshopping, Le magazine de l'art et du divertissement parle du nouveau Magazine de Artmajeur.

Un article publiée par Andrée Muller

 

 


Artmajeur Artmajeur Magazine Art Shopping

 

Afficher les commentaires Lien permanent

9 juin 2017
Retrouvez-nous le 10 et 11 juin 2017 au Carrousel du Louvre à Paris Commentaires


Venez nous rencontrer au Carrousel du Louvre le 10 & 11 juin 2017

Artmajeur sera sur le stand A07 dans le hall d'entrée.

Demandez vos invitations sur http://www.artmajeur.com/fr/contact-us


Artmajeur Art Shopping Carrousel du Louvre

 

Afficher les commentaires Lien permanent

30 mai 2017
Le pop art ou comment la culture populaire est devenue « style » Commentaires


Né il y a soixante ans, le pop art, un des principaux mouvements culturels du XXe siècle, a traversé le temps et les évolutions sociétales. Nourri puis assimilé par la culture populaire, il a métamorphosé radicalement l'ensemble de la chaine artistique.

Le popular art ou "pop art" s'est affirmé en prenant le contrepied de l'expressionnisme abstrait (action painting de Jackson Pollock, colorfield painting de Mark Rothko...) jugé trop académique, ésotérique et élitiste.

Il a emprunté à la culture populaire ses thèmes, ses images publicitaires ou dessinées, ses objets de consommation ordinaires, les traitant sur le mode ironique. La reproduction, la duplication, la superposition, la combinaison de cette iconographie populaire extraite de son contexte, rehaussée de couleurs franches ou de formes géométriques étaient censées refléter le chaos produit dans cette société de la deuxième moitié des années 1950 par la télévision, les médias, la publicité, la mode, la musique pop, la consommation effrénée...

S’affranchissant de toutes les conventions, le pop art va révolutionner l'art de fond en comble, de la conception à la production en passant par la promotion des œuvres :

  • L’idée, la puissance du concept servies par la puissance des images iconiques et l'innovation stylistique va être considérée comme plus importante que l’œuvre elle-même. Sa réalisation fera souvent appel à des matériaux et des techniques industrielles (acrylique, sérigraphie, ...), ne requérant pas une grand savoir faire, l'atelier devenant une Factory (l'usine chère à Andy Warhol) producteur de biens culturels;

  • La reproduction et la production en série vont bouleverser la conception traditionnelle d'unicité de l'oeuvre;

  • Le style "pop art" s'appuie sur le tracé de couleur noire, emprunté à la ligne claire du dessin publicitaire ou de la bande dessinée, des figures et des images, agrémenté de couleurs franches et vives dépourvues d'effets de matière afin de donner le plus fort impact à l’image ;

  • L’utilisation de symboles et d'images populaires va désacraliser l’œuvre d’art;

  • Les happenings et les environnements vont prendre une place importante dans la promotion et la vente de cet art à la chaîne prêt à consommer.

Art en quête de simplicité et d'efficacité, marquant les esprits grâce à ses techniques et ses inspirations populaires, le pop art a, en retour, enrichi et stylisé l'imagerie populaire.

Il va fortement influencer les générations suivantes d'artistes: des artistes conceptuels en passant par ceux du Land art ou du body art, les graffeurs ou les artistes urbains tels que Basquiat ou Keith Harring, les représentants du courant néo-pop (Morimura et l’artiste kitsch Jeff Koons) jusqu'au vintage, au graphisme et au web design...

XLLM​​

Particulièrement d'actualité dans une société du tout numérique où l’image, l’instantané, l’éphémère, le simple et clair, le percutant prédominent, les produits dérivés qu’il continue de générer s'arrachent, même s'ils sont devenus de simples objets de consommation dépourvus de toute distanciation critique...Quelle ironie ! Le pop art s'est fondu dans la culture populaire dont il se nourrissait pour mieux la critiquer et en profiter...

Même si son apport esthétique et créatif ne semble du même ordre que celui de grands courants  tels que l'impressionnisme, le cubisme..., force est de constater que ses innovations stylistiques  indémodables, sont utilisées dans de nombreux domaines créatifs (publicité, design, ...) et plébiscitées par les plus fortunés amateurs du marché de l'art, ses artistes phares atteignant des sommets.

Faisant à présent partie de l'imaginaire culturel collectif, les inspirations des artistes pop n'ont jamais été aussi puissantes, consacrant une démarche artistique opportuniste, pragmatique et visionnaire unique dans l'histoire de l'art et de la culture.

Article proposé par :


Pop art

 

Afficher les commentaires Lien permanent

23 mai 2017
Téléchargez l'application Artmajeur Commentaires 1


Téléchargez l'application Artmajeur sur votre smartphone

et restez connecté en permanence avec Artmajeur. 

        

 

Afficher les commentaires (1) Lien permanent

23 mai 2017
Parution du 1er numéro de Artmajeur Magazine - Printemps 2017 Commentaires


Découvrez gratuitement le tout nouveau Magazine de Artmajeur.​
Au sommaire de ce numéro:

  • Le papier cet inconnu
  • Dans la savanne
  • Rencontre avec Sekhmet
  • La vie en bleue

LIRE EN LIGNE


Artmajeur Artmajeur Magazine Magazine Sekhmet bleue Savane papier

 

Afficher les commentaires Lien permanent

9 mai 2017
L’avenir du street art : l’art digital subversif? Commentaires 1


Né aux États-Unis dans les années 1970, le street art regroupe les expressions artistiques (images, signatures visuelles) réalisées dans la rue autres que celles appartenant à l’art graffiti de style writing (signatures de tagueurs ou de graffeurs).

Récemment récupéré et légitimé par le marché de l’art, il connait un fort engouement public, démultiplié par l’internet et le numérique.

Art visuel éphémère, non sollicité, assimilé à ses débuts à du vandalisme, le street art se déploie sur les murs, les façades des bâtiments ou les panneaux de signalisation de l’espace urbain. Revendicatif, collant aux évolutions de la société contemporaine, ludique ou esthétique, il a vocation à provoquer, interpeler et embellir la vie quotidienne des usagers de la ville.

Les street artists utilisent différentes techniques :

–le graffiti : bombes aérosol projetant de la peinture de différentes couleurs souvent indélébile ;

–le pochoir ou « stencil » : feuilles de carton, de métal ou de radiographies découpées reproduisant des motifs ou des personnages sur lesquelles est "bombée" une couche de peinture;

–le stiker ou autocollant ;

–le street tricot ,« yarn bombing » ou technique du tricot: multiples fils de laine de différentes couleurs ;

–le tape art : rubans adhésifs de déménagement couleur havane (« brown tape art »), ou toilés et imperméables utilisés par les maçons (« duct tape art ») ;

– les « installations de rue » en trois dimensions conçues pour être déplacées et ne pas causer de « dommages » à l’espace public.

Cet art pour tous, créé dans la rue, exposé à tous les vents est depuis quelques années entré dans les galeries et les collections privées. Certaines réalisations de Jean-Michel Basquiat ou de Bansky ont tout simplement été arrachées de leur lieu de création initial pour être vendues aux enchères.

De plus en plus de "street artistes soucieux de pérenniser leurs œuvres et de se faire rémunérer pour leur travail réalisent des oeuvres dérivés de leur pratique urbaine. Ces œuvres « de salon », privées des attributs du street art (éphémère, in situ, gratuit) trouvent de plus en plus d’amateurs sur un marché de l'art attiré par les grands noms de la contre-culture urbaine.

Le développement des technologies de l’information (internet mobile, numérique), en favorisant une culture de l’image, de l’éphémère, de l’instantané constitue un puissant outil de diffusion et de préservation des œuvres des street artists. Des communautés en ligne d’amateurs d'artistes urbains se sont formées procurant une audience dépassant largement l’espace physique de réalisation des oeuvres.

Nos yeux étant plus portés sur l'écran intime de notre smartphone que sur notre environnement urbain quotidien, il est envisageable que dans le futur les artistes reprenant la philosophie du street art créent directement sur un support numérique à destination d’un public numérique.

Article proposé par :

 

Afficher les commentaires (1) Lien permanent