¿Qué te inspiró a crear arte y convertirte en artista? (acontecimientos, sentimientos, experiencias...)
De niño recibí influencias muy significativas del entorno familiar. Mi madre es profesora de Educación Física, por lo que el foco en todo lo relacionado con el cuerpo en mi práctica artística vino de ella sin duda. Ella tenía un gimnasio que se llamaba Corpus a finales de los 80 y principios de los 90 y yo veía de cerca todo el funcionamiento del ambiente enfocado en la actividad física y prestaba atención a todo en ese contexto. Mi madre creó un grupo de baile vinculado al gimnasio y mis dos hermanas también bailaban en este colectivo, que participaba en festivales y otros eventos de la zona. Como espectador siempre seguía todo y como hijo y hermano menor siempre estaba con las mujeres de la casa viendo algunos ensayos, siguiendo los procesos desde los diseños de vestuario en papeles, pruebas de telas, hasta la elección de la música, en en fin, de alguna manera estuve presente en todas las etapas: desde los bocetos de los bocetos hasta el momento de presentación de la coreografía concebida. Y todo eso sin duda me influenció mucho. Y, claro, en el paso de los 80 a los 90, no había un entendimiento de políticas más inclusivas en ese contexto, entonces los cuerpos que pasaban ahí siempre eran los hegemónicos y, así, yo, que me encantaría poder bailar demasiado, no pudo asistir al lugar. Mi madre era la que hacía todo y yo siempre estaba mirando y admirando. Hoy me doy cuenta de que compongo una versión más salvaje de estas experiencias. Propongo cuerpos que retoman (con una mirada crítica) esa estética basada en un estándar de belleza de Jane Fonda, pero que emergen delirantes, libres, considerados extraños en nuestro mundo tan normalizador.
Mi abuelo era abogado, político progresista, profesor de historia y geografía, tocaba el violín, escribía y recitaba sus propios poemas en saraus. Admiré su actuación, su desempeño social y artístico, la forma en que proyectaba su voz en público y cómo hacía comentarios pertinentes. Aunque era una persona totalmente tranquila que casi siempre guardaba silencio, nunca tenía que pedir atención cuando empezaba a hablar, porque la gente se interesaba de inmediato por sus ideas siempre muy éticas. Y me encantaba escuchar a mi abuelo; era extremadamente erudito y tenía interés en una amplia gama de temas, y el día que le verbalicé que quería hacer teatro, inmediatamente me animó a unirme a algún grupo local e incluso me señaló algunas escuelas de artes escénicas.
¿Cuál es tu formación artística, las técnicas y temas que has experimentado hasta ahora?
Siempre tuve múltiples intereses y, cuando tenía apenas 11 años, comencé a hacer teatro amateur en Catanduva-SP. Tenía mucho interés en la actuación, la puesta en escena, el vestuario, la iluminación, la escenografía, el backstage, el diseño de sonido, entre otras cosas. No tenía ni veinte años y ya había trabajado como actor, iluminador y escenógrafo en varias producciones locales. En 2003, decidí ir a la facultad de Artes Escénicas y, luego, ingresé a la carrera de Dirección Teatral en la UFRJ de Río de Janeiro y, al mismo tiempo, cumplí disciplinas del curso de Vestuario, para lo cual pedí re -entrada en cuanto terminé Dirección Teatral. Poco a poco, me di cuenta de que mi interés era muy transdisciplinario. Tomé cursos libres y prácticas al mismo tiempo. Hice iniciación científica en el Museo de la Vida de la Fiocruz en el área de interpretación, pasantía de vestuario en una escuela de samba de segundo grupo y aún encontré tiempo para hacer talleres en el SESC Copacabana, en instituciones de educación superior en diversas áreas, incluso acrobacias aéreas en Intrépida Trupe . Trabajé con la utilería de Miguel Falabella y Cláudio Tovar en un musical que se presentó durante un año en el Teatro Carlos Gomes de Río de Janeiro, donde siempre reajustaba el vestuario y la escenografía.
En 2008, formé parte del equipo de dirección de un espectáculo dirigido por Antonio Abujamra en Funarte en São Paulo. Allí también surgió una fascinación por la dramaturgia. Luego, casi lista para ingresar al Círculo de Dramaturgia del Centro de Investigaciones Teatrales de Antunes Filho, opté por hacer una maestría en Teoría y Crítica del Arte en la Facultad de Bellas Artes de la ciudad de Oporto en Portugal y dejé Brasil, pero sin perder nunca la vínculo con el país.
Ya me interesaban las artes visuales y, cuando comencé mi investigación de maestría, que consistía en un curso teórico de este tipo y al no tener mucho apoyo institucional para presentar mis creaciones autorales en Portugal, encontré en el espacio urbano un entorno muy efectivo para experimentar. algunas acciones de desempeño, que siempre fueron documentadas. Destaco aquí que venía practicando la performance desde el 2003, pero recién en el 2006 realicé la primera acción con conciencia de lo que era este género artístico y recién en el 2008 comencé a tener la performance como mi principal medio de expresión.
Y concomitantemente con mi doctorado en Teatro y Estudios de Performance en la Universidad de Coimbra - iniciado en 2010 - Hilda de Paulo y yo decidimos tener una revista especializada en performance que no excluyera textos que no encajaran en un formato académico ortodoxo y, por lo tanto, Performatus. nació en 2012. Queríamos una revista que también abarcara los escritos más libres sobre la práctica artística y, a través de la revista, comenzamos nuestra colección privada de obras de arte y nuestros primeros pasos en la curaduría y organización de eventos.
De tantos intereses que podrían estar dispersos, finalmente asimilé cómo la performance es el medio de unir mi interés por las artes escénicas y visuales también, y también por otras áreas del saber humano. Entonces, me incorporé a la Universidad de Minho en grupos de investigación y también en un posdoctorado. Hoy soy profesor en esta universidad y, afortunadamente, imparto asignaturas que permiten la confluencia de varias áreas.
¿Cuáles son los 3 aspectos que te diferencian de otros artistas, haciendo que tu trabajo sea único?
Mis creaciones tienen sensualidad, sensorialidad y erotismo siempre completamente comprometidos como forma ético-política de hacer arte, por lo que son siempre discursos políticos innegablemente combinados con ejercicios estéticos.
¿De donde viene tu inspiración?
Constantemente vivo bajo el pleno ejercicio de escuchar el entorno en el que habito para luego darme cuenta de cómo un cuerpo es un estado provisional de una compleja colección de información del presente en el que se inserta. Puedo así decir que todo lo que me rodea es inspiración para mí ya que el cuerpo, la identidad y sus subjetivaciones son temas centrales de mi práctica inevitablemente autobiográfica. Destaco que el aspecto autobiográfico siempre acaba apareciendo en mis creaciones. Incluso porque tengo la performance como un medio de expresión sumamente relevante en mi práctica, esto termina siendo subrayado, porque la performance es un género en el que inevitablemente muchas veces se expone el yo del artista.
¿Cuál es tu enfoque artístico? ¿Qué visiones, sensaciones o sentimientos quieres evocar en el espectador?
Relato diferentes experiencias que provocan cambios constantes en mí y estas narrativas mías (desde mis vivencias) pueden ser útiles para otras personas o no. Pero lo que me interesa del arte es producir conocimiento a partir de las asimilaciones que hago sobre el mundo. Y afectar directa o indirectamente a quienes accedan a mi obra.
Me resuena una idea de que cuando notamos que cierto cuerpo ha sido alterado, significa que todo alrededor ya se ha transformado, porque el cuerpo es un poderoso indicador de los cambios que se están produciendo en una sociedad. El cuerpo es un revelador de contextos. Entonces, obviamente mis concepciones en el arte (a través de videos, performances, indumentos y adornos conceptuales y performativos, que se activan mediante instrucciones o no) son respuestas, son comentarios sobre todo lo que me rodea y que me afecta de diversas maneras dentro de este La cultura occidental en una era alucinantemente hiperindustrializada.
Ya sea en Brasil o Portugal o en cualquier otro país en el que siempre he trabajado (incluso en los lugares más distantes como Nueva Zelanda e Islandia), vivo en una estructura innegablemente colonialista y cisheteronormativa (por más avanzada que se considere una sociedad). El falo y el logos siguen ocupando un lugar de privilegio en la mayor parte del mundo (digo la mayor parte ya siendo muy optimista) y esta estructura dominante todavía subalterna nuestro deseo, negando las diferencias y estructurando los cuerpos según patrones estéticos y de comportamiento... Como si saliéramos de la misma fábrica y repitiéramos patrones dictados por regímenes completamente opresores.
Y así, reflexionando sobre los cuerpos y las diferentes singularidades, creo subversiones para desestabilizar las ideas dominantes. Y estas subversiones pueden ser insolentes o pueden crear armonías completamente lúdicas.
¿Cómo es el proceso de creación de tus obras? ¿Espontáneo o con un largo proceso preparatorio (técnico, inspiración en clásicos del arte u otros)?
Generalmente mi proceso es muy intuitivo. Y cuando una imagen empieza a ocupar mi imaginación, empiezo a reflexionar sobre esa imagen y, así, me doy cuenta si vale la pena materializar la idea o no. Si hay un método que practico con frecuencia, puedo decir que es la escritura crítica, porque antes de materializar una idea que se me ocurre, tomo notas como si estuviera escribiendo una crítica de arte de una obra que no es mía y, así , puedo evaluar la idea de una manera más distanciada.
¿Utiliza alguna técnica de trabajo específica? Si es así, ¿puedes explicarlos?
Realmente no soy un artista de la técnica, porque tengo intereses muy variados. Tengo formación en teatro y llevo mucho tiempo estudiando artes escénicas, y aunque la performatividad está muy presente en mi práctica, experimento con lenguajes sobre los que no tengo mucho dominio de la técnica. Mis dibujos son muy simples, así que comencé a diseñarlos para recortes de acrílico, para formas de neón, para configuraciones textiles, es decir, presento mis dibujos en superficies que no son solo papel. La escultura que realizo está atravesada por la indumentaria, por el cinético tan característico de las artes escénicas, y nunca sucede de manera tradicional.
¿Hay algún aspecto innovador en su trabajo? ¿Puedes decirnos cuáles?
No puedo decir si son aspectos innovadores, pero puedo asegurar que son coherentes dentro de mi trayectoria. Hay algo muy particular que veo en algunas de mis creaciones, más específicamente en los indumentos utilizados en situaciones performativas que además tienen la autonomía de ser exhibidos como objetos y esculturas independientemente de un cuerpo asociado. Otro aspecto que me puede diferenciar de una práctica de dibujo más convencional es que mis trazos se transponen a recortes en superficies rígidas y brillantes (acrílico, neón, etc.) y muchas veces tienen cinética con la ayuda de motores.
¿Tienes algún formato o medio con el que te sientas más cómodo? Si es así, ¿por qué?
La interpretación es mi principal medio de expresión artística. Llevo casi 30 años en las artes escénicas, así que este es un medio más seguro para mí porque tengo un buen conocimiento de las técnicas y conceptos relacionados con el arte en vivo.
¿Dónde produce su trabajo? ¿En casa, en un taller compartido o en tu propio taller? Y en este espacio, ¿cómo organizas tu trabajo creativo?
Produzco parte en casa, parte en mi propio estudio y, casi siempre, en el contexto de residencias artísticas o procesos creativos en instituciones con plazos definidos. Tanto en casa como en el estudio, me gusta organizar todo por colores y sectorizar los artículos como si estuviera en una tienda por departamentos, porque necesito controlar todo más fácilmente y así, teniendo el espacio obsesivamente arreglado, sé exactamente dónde cada artículo es.
¿Tu trabajo te lleva a viajar para conocer nuevos coleccionistas, a ferias o exposiciones? Si es así, ¿qué te aporta eso?
Esto es algo que me encanta de mi trabajo. Mi práctica me ha llevado a muchos lugares del mundo, permitiéndome conocer profesionales y personas vinculadas al circuito del arte, pero igualmente relevante fue poder tener acceso a otras culturas. Es interesante que cuanto más viajo con mi obra, más entiendo que existen innumerables circuitos artísticos y esto me hace vivir siempre como si estuviera descubriendo cosas nuevas, como si siempre hubiera caminos variados por delante.
¿Cómo imaginas la evolución de tu trabajo y tu carrera como artista en el futuro?
Me cuesta responder pensando en un futuro muy lejano, pero proyectando mis actuales anhelos incumplidos, veo mi práctica moviéndose hacia escalas más grandes, más escultóricas, más instalativas, interactivas y sonoras.
¿Cuál es el tema, estilo o técnica de tu última producción artística?
Mi última producción artística fue un regreso a la caja negra, montando un espectáculo llamado "Amalgama". Esta vuelta al ámbito teatral está siendo exquisita, porque ya lo hago con mirada tanto de artista escénico como de artista visual, y así me siento totalmente libre para crear propuestas híbridas que no se restringen a compromisos categorizadores.
La obra surgió de un intento de elaborar una solución estética capaz de armonizar doce singularidades distintas en una convivencia que podría ser una analogía de vivir en democracia, considerando disímiles repertorios y deseos culturales. La creación se afirma como un encuentro emancipatorio en el que el concepto de género no se puede restringir a las exigencias de la cisheteronorma que impone obligatoriamente una pareja limitada hombre/mujer. En un movimiento de negación de categorías universalizantes, creé una maraña de vestuario y accesorios con cuerpos y así se erigieron muchas identidades inestables, revelando sujetos volátiles como construcciones performativas, sustentando la identidad de género como una secuencia de actos.
¿Puede hablarnos de su experiencia expositiva más importante?
Podría enumerar muchas experiencias, pero creo que para mí fue sumamente importante mi participación en la BienalSur - Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur 2019, donde expuse mi obra "Estar a Par" (2017) en una sala donde solo había dos piezas: la mía y la icónica obra "Metamorfosis" (1976) de Michelangelo Pistoletto.
Si pudieras crear una obra famosa en la historia del arte, ¿cuál elegirías? ¿Y por qué?
"Tunnel" (1973) de Lygia Clark es una pieza que me fascina. De algo muy simple, se presume algo estéticamente atrevido. Es un simple tubo de tela elástica de 50 metros de largo por el que el público puede entrar y caminar. Las formas son bellas e irrepetibles, porque siempre están condicionadas a cada experiencia específica. Y lo que más me deslumbra es el aspecto ritualista de la obra, porque indiscutiblemente quien pasa por el túnel no sale como entró, es decir, hay una eficacia transformadora en esta obra.
Si pudieras invitar a cenar a un artista famoso (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Cómo sugeriría que pasaran la noche?
Me encantaría conocer a Márcia X. Si estuviera con ella, le propondría una cena informal para prepararnos para una noche alucinante en Madame Satã en São Paulo.
Olimpia Gaia Martinelli
| Revista ArtMajeur
