¿Qué te inspiró a crear obras de arte y convertirte en artista? (acontecimientos, sentimientos, experiencias...)
Mi producción artística personal comienza alrededor de los cinco años. Mi primera gran influencia artística fue el descubrimiento, alrededor de los catorce años, del cine del nuevo Hollywood. Ver estas películas fue un impacto estético significativo porque su trabajo era temáticamente complejo, formalmente innovador, moralmente ambiguo y rico en resonancia mítica. El nuevo Hollywood ha visto nacer a algunos de los más grandes directores y grandes obras de la historia del cine donde la inmoralidad y la violencia extrema, antes censuradas por el código Hays, se entrelazan en historias crepusculares y desesperadas. La ambigüedad, la visión realista de los individuos y sus problemas, la voluntad de explorar las profundidades del alma humana y el uso de antihéroes son temas que se destacan en mi obra pictórica.
¿Cuál es tu formación artística, las técnicas y temas con los que has experimentado hasta ahora?
Al principio era más dibujante que pintor, luego experimenté con la pintura acrílica, que no apreciaba (Secado rápido, falta de matices, etc.). Descubrí la pintura al óleo y sus secretos en 2010, inmediatamente me convencí de que esta técnica serviría para mi propósito. También aprecio mucho el pastel seco que también me permite traducir las atmósferas frías que me gustan.
¿Cuáles son los 3 aspectos que te diferencian de otros artistas, haciendo que tu trabajo sea único?
- El deseo de no producir una obra de moda sino una obra atemporal.
- Propongo un diagnóstico del ser humano contemporáneo explorando lo más posible lo que constituye sus fortalezas y debilidades.
- Mantengo un nivel de exigencia muy alto para producir obras masterizadas y relevantes.
¿De donde viene tu inspiración?
La historia de la pintura con los maestros del género (Vermeer, Rembrandt, Van Eyck, Da Vinci, Botticelli, Raphaël, Caravaggio, Giorgione, Poussin, David, Munch, Manet, Hammershoi), Cine y poesía del siglo XIV.
¿Cuál es tu enfoque artístico? ¿Qué visiones, sensaciones o sentimientos quieres evocar en el espectador?
Desarrollo el concepto de “pintura silenciosa” a través de la pintura al óleo. La noción de pintura “silenciosa” es un intento de materializar el silencio con un medio que apareció en el siglo XV. El objetivo es poner en marcha una combinación de opciones estéticas para crear una atmósfera estancada, donde el tiempo parece estar suspendido. Paleta de colores restringida, ruinas contemporáneas como imagen del espacio mental de un ser humano y objetos inanimados como autómatas, muñecos y figuras de cera son los componentes principales.
La combinación de estos diferentes elementos tiende a acercarse al concepto de "extrañeza inquietante" teorizado por Sigmund Freud en 1919. De hecho, la pintura silenciosa es una estructura puesta en marcha para dar cuenta de las profundidades del alma humana. Lo extraño, etimológicamente lo externo, lo desconocido, también puede referirse a lo que se esconde en el fondo. Mi trabajo es en cierto modo una autopsia de la psique humana: el silencio como estado de sonido, el silencio como meditación, el silencio como dolor. La pintura como expresión, la pintura como convicción, la pintura como pasión.
¿Cómo es el proceso de creación de tus obras? ¿Espontáneo o con un largo proceso preparatorio (técnico, inspiración de los clásicos del arte u otros)?
Creo que el artista es un traductor de pensamiento. El escritor pone palabras en los pensamientos, el pintor le traduce estos pensamientos a través de imágenes. Intenta transformar en una representación visible y palpable la inscripción secreta alojada en lo más profundo de nosotros. Se trata de traducir la imagen anclada en lo más profundo del individuo para hacerla lo más efectiva posible. El artista utiliza multitud de herramientas a su disposición (organización y composición de la imagen, elecciones cromáticas, colocación y elección precisa de los distintos elementos que componen el lienzo) para plasmar sus pensamientos. Es un ir y venir constante entre la psique y la mano del pintor.
La creación es un proceso complejo e irregular que puede causar una gran frustración en el artista si no consigue transcribir sus ideas tal y como las había imaginado al principio. Parece que lo más difícil es unir la sustancia (ideas, sentimientos, recuerdos) y la forma de la manera más obvia posible. Lo ideal sería crear un trabajo lo más "fluido" posible, donde las largas horas de trabajo no aparezcan en la imagen. Siempre hay un desfase entre la idea inicial, esa cosa mental (una idea, un instante grabado en nuestra memoria como un recuerdo un tanto amorfo e inerte, sin estructura como un fantasma) y el objeto concreto que se produce después, lo que explica que siempre haya una especie de decepción, frustración después de la finalización de un proyecto. Es una lucha con el material, para dominarlo y llevarlo a la plena realización de la idea que animó al artista en su primera inspiración.
La realización de un cuadro o una escultura requiere una gran concentración así como una implicación constante, no es algo divertido ni que deba tomarse a la ligera, al contrario, hay que venderse el pellejo muy caro para triunfar. a la producción de plástico. En mi pintura trato de no ser nunca demasiado didáctico porque me parece que el diálogo entre creador y receptor de la obra es sobre todo rico en lo que no se dice, en lo que no se sabe. El espectador es empujado hacia una reflexión propia si no está sujeto a conclusiones prefabricadas por parte del artista. Además, la inspiración no viene por arte de magia sino por trabajo, por lo que el tema de un cuadro debe madurar en mí como la gestación de un niño hasta el parto.
La obra es el resultado de un largo proceso de reflexiones, análisis y descubrimientos, es una empresa compleja y un camino sembrado de escollos. Cada cuadro representa un examen para aprobar mi derecho a crear, enfrentarme a un lienzo en blanco es un desafío que debo superar con cada nueva creación. Acosado por las dudas y ante multitud de preguntas: ¿tomé la decisión correcta? ¿La composición es adecuada para mi tema? ¿Técnicamente pasaré esta parte de la cara? ¿Podré reproducir esta luz correctamente? El proceso de creación artística es en cierto modo un parto doloroso.
¿Utiliza alguna técnica de trabajo en particular? si es así, ¿puedes explicarlo?
En mi trabajo me aseguro de que el toque pictórico no se perciba, quede retraído del tema. Lo ideal es hacer olvidar la presencia del pintor para que el espectador solo vea los objetos. Por el contrario, Rembrandt, por ejemplo, busca hacer visible la línea de su pincel y crear efectos de empaste. Al igual que con Vermeer, mis pinturas siempre se ubican en interiores donde presto especial atención a la luz y la sombra porque estos son dos factores que me permitirán traducir este espacio mental atormentado, se trata de encontrar el equilibrio adecuado entre la sombra y la luz, todo reside pues en la iluminación o en su ausencia.
La escultura de las sombras por la luz es una etapa fundamental en mi obra, es ésta la que permitirá traducir visualmente las contradicciones del hombre. Esta forma de modelar la oscuridad y la luz en mis pinturas pretende dar al ojo una relación de oposición, de conflicto visual entre la luz y la oscuridad. No está ahí para traducir el silencio sino para simbolizar la dualidad y las paradojas del ser humano. Por un lado hay figuras modeladas en las sombras asociadas al lado oscuro de la existencia humana y por el otro las pinturas de edificios abandonados. En mis pinturas de edificios abandonados, hay un contraste visible entre la oscuridad del interior y el brillo del exterior para mostrar la oposición de los dos mundos.
¿Hay algún aspecto innovador en su trabajo? ¿Puedes decirnos cuáles?
Creo que el hecho de trasponer los rostros de las modelos sobre los maniquíes puede constituir un aspecto innovador en mi trabajo. Esto tiene el efecto de adelgazar la frontera entre lo vivo y lo no vivo, lo verdadero y lo falso, lo que crea confusión para el espectador. Hay un deseo de escenificar la dualidad, el hombre y su doble, una imitación de sí mismo. Ahora es una versión incorpórea la que compite con él. Estas criaturas ficticias representan una proyección mental de su inconsciente. Con la elección de una paleta de colores específica, esta elección me permite traducir la ambigüedad porque en efecto si El espíritu humano es inquietante misterioso fascinante, mi pintura debe ser su reflejo: inquietante, misterioso y fascinante.
¿Tienes algún formato o medio con el que te sientas más cómodo? si es así por qué ?
El tradicional lienzo de lino, por estas cualidades de longevidad. Pinto como los maestros holandeses de la edad de oro como Vermeer, Rembrandt, Van Dyck o Frans van Mieris. Pinto el lienzo de lino con varias manos de yeso y luego lijo progresivamente con una lija muy fina para afinar el trabajo y obtener la superficie más fina posible. La composición y el dibujo se trazaron primero con un lápiz de grafito seco.
Luego se tiñe el dibujo con un “jugo” a base de ámbar tostado diluido con trementina. Esta capa es de suma importancia. Usando el "jugo" anterior, el dibujo prepara el ojo para el sujeto mientras prepara el "agarre" de las siguientes capas, nutre el lienzo. Esto también permite pintar grasa sobre magro, lo que significa que se debe pintar con pintura cada vez más grasa y rica en aceite, y por lo tanto cada vez menos diluida. Este principio esencial evita todas las grietas de capas sucesivas.
Luego viene la etapa denominada “media pasta”, que consiste en pintar el cuadro en color trabajando texturas y desvanecimientos. Una vez terminado esto, utilizo un paso imprescindible para mí: las veladuras. Para resaltar la luz y envolver a las figuras en sombras profundas, se utilizarán varias manos de pintura translúcida. Mis veladuras se aplican con un medio graso según la tradición de los pintores de "la manera fina".
¿Dónde produce sus obras? ¿En casa, en un taller compartido o en tu propio taller? Y en este espacio, ¿cómo organizas tu trabajo creativo?
Pinto en casa, en una habitación convertida en estudio. Trabajo principalmente a última hora de la tarde y hasta muy tarde en la noche.
¿Tu trabajo te lleva a viajar para conocer nuevos coleccionistas, para ferias o exposiciones? Si es así, ¿qué te aporta?
Empecé a exponer mi obra en 2009 en pequeñas exposiciones provinciales. Posteriormente, las exposiciones se vincularon en toda Francia (Juvignac, Montpellier, Mantes la Jolie, París, Lyon, Mónaco) y luego en el extranjero (Roma, Londres, Nueva York).
Mi trabajo también ha sido premiado en concursos internacionales de arte (• Premio de pintura - Salon des Arts Graveson 2017 • Premio favorito del jurado - 35th Salon des Artistes Régionals de Juvignac 2019 • Grand Prix Arbustes - Salon International d'Art de Mantes-La-Jolie 2020 • Finalista del Concurso Internacional de Arte MALAMEGI LAB 16 – Roma, Octubre 2020 • Finalista de la 35° edición del Concurso Internacional de Arte “The Chelsea International Fine Art Competition” organizado por Agora Gallery, New York 2021 • Finalista del Concurso Internacional de Arte "Artists to Follow in 2021" USA 2021• Finalista en el concurso internacional de arte "Boynes Emerging Artist Award" Australia2021 • Finalista en el concurso internacional de arte "Art Gemini Prize" para exponer en Londres en el "Exhibitionist Hotel" Septiembre 2021 • Friends of el Premio Salon d'Automne sección "Arbustos" - Salon d'Automne - París octubre 2021 • Medalla Vermeil - Academia de las Artes, las Ciencias y las Letras - París octubre 2022)
El apoyo de los coleccionistas está empezando a crecer, lo que me permitirá realizar proyectos más ambiciosos más adelante.
¿Cómo imaginas la evolución de tu trabajo y tu carrera como artista en el futuro?
En cuanto a mi trabajo seguiré desarrollando este concepto de pintura silenciosa. En cuanto a mi carrera, espero encontrar mecenas y galerías que puedan defender mi pintura.
¿Cuál es el tema, estilo o técnica de tu última producción artística?
Es un óleo titulado “El desierto azul” que va en la línea de mi estilo, es decir una investigación sobre la psique de una persona que busca entender quién es. Probé algo nuevo en esta pintura, me pareció que lo que hace absolutamente únicos a los humanos son sus huellas dactilares. En este cuadro, la mujer que posó también dejó sus huellas reales en el cuadro, como un testimonio, una prueba de su singularidad.
¿Puede hablarnos de su experiencia expositiva más importante?
Tuve el placer de exponer en el prestigioso club Salmagundi de Nueva York, que es la meca del arte figurativo en Estados Unidos. Esta exposición me permitió calibrar mi trabajo con otros artistas internacionales reconocidos, lo que me animó a seguir en este camino.
Si pudieras haber creado una obra famosa en la historia del arte, ¿cuál elegirías? Y por qué ?
"Los esposos de Arfnolfini" de Jan Van Eyck (1434) porque es una obra que aún hoy conserva un profundo misterio y múltiples interpretaciones. Es un auténtico tour de force de los pars de Van Eyck, tanto en el fondo como en la forma.
Si pudieras invitar a cenar a un artista famoso (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Cómo le sugeriría que pasara la noche?
Creo que elegiré a Vermeer, hablaremos de su visión del mundo y del arte mientras disfrutamos de una buena comida.
Olimpia Gaia Martinelli
