Tetiana Cherevan: El dibujo ha estado conmigo desde la infancia.

¿Qué te inspiró a crear arte y convertirte en artista? (eventos, sentimientos, experiencias...)

El dibujo me ha acompañado desde la infancia; lo llevo en la sangre. Nuestra casa estaba llena de libros de historia del arte, y podía pasar horas hojeándolos, estudiando cada detalle y absorbiendo su atmósfera. Incluso antes de cumplir los 18, sabía que quería ser artista. Asistí a un taller que preparaba a los estudiantes para el ingreso a las universidades de arte. Más tarde, solicité el ingreso a la Academia de Artes de Kiev.

¿Cuál es tu formación artística, las técnicas y los temas con los que has experimentado hasta ahora?

Tengo una formación artística clásica, recibida en varias instituciones de Ucrania. Mi trayectoria comenzó con el dibujo y la pintura académicos, y gradualmente evolucionó hacia un arte contemporáneo más expresivo. Con los años, comencé a experimentar más, tanto con materiales como con temas. Trabajo con acrílico, óleo, gráficos, pan de oro, técnicas mixtas y, en ocasiones, incorporo caligrafía. Mi arte se centra en la figura femenina, la sensualidad, la encarnación y la libertad interior. También exploro temas como el shibari, la experiencia física, la ornamentación y el simbolismo. Mis obras siempre dialogan entre forma, emoción y significado.

¿Cuáles son los 3 aspectos que te diferencian de otros artistas y hacen que tu obra sea única?

Sensualidad y cuerpo femenino – Mis obras a menudo exploran la forma femenina como fuente de poder, deseo y mitología, evitando la vulgaridad y manteniendo una profunda tensión emocional.

Trabajo de línea improvisado: dibujo casi como si bailara: intuitivamente, permitiendo que las líneas emerjan a través del movimiento sin bocetos previos, lo que crea una energía cruda y personal.

Una fusión de modernidad y simbolismo: uso imágenes, adornos y motivos antiguos y los reinterpreto en un contexto contemporáneo para crear nuevos mitos.

¿De dónde viene tu inspiración?

Todo lo que sucede a mi alrededor influye en los temas de mi obra. La gente interesante que conozco a menudo forma parte de mi arte. Me inspiran las personas libres, abiertas y honestas: veo su presencia a través de las líneas, siento su energía y su mirada, y las plasmo en el lienzo. También me encanta estudiar las obras de grandes maestros como Gustav Klimt, Rafael y William Morris; su influencia se percibe en mis creaciones.

¿Cuál es tu enfoque artístico? ¿Qué visiones, sensaciones o sentimientos buscas evocar en el espectador?

Mi enfoque es intuitivo, emocional y profundamente conectado con el cuerpo. Suelo trabajar sin bocetos, permitiendo que la forma y la línea surjan durante el proceso. Quiero que el espectador sienta la presencia del cuerpo: el tacto, la tensión o la ternura. Mi arte habla un lenguaje que va más allá de las palabras, a través de la energía de una mirada, una pose, una línea. Busco crear un espacio donde el espectador pueda encontrar sus propios deseos, sueños, vergüenza o libertad.

¿Cuál es el proceso de creación de tus obras? ¿Espontáneo o requiere un largo proceso preparatorio (técnico, inspirado en clásicos del arte u otros)?

A menudo, la idea surge durante el propio proceso: a través de la acción, la interacción con la gente, una mirada, la forma en que la luz toca el cuerpo o las curvas de una figura. Trabajo con modelos vivos: posan para mí y les doy forma como si esculpiran con arcilla, buscando la expresión, la fluidez y la tensión interior. Luego comienza la fase de creación: boceto en Procreate, trabajo con referencias, creo collages, añado y combino elementos, y solo entonces paso al lienzo. Con las obras gráficas, el proceso es diferente: simplemente tomo el papel y empiezo a dibujar intuitivamente, entregándome a las impresiones. A menudo, no sé cuál será el resultado final; empiezo a añadir elementos durante el proceso para aportar equilibrio y estructura a la composición.

¿Utiliza alguna técnica de trabajo en particular? Si es así, ¿podría explicarla?

En mis pinturas, utilizo diversas técnicas según la época y la atmósfera de la serie. Por ejemplo, en mis obras de 2018, creé fondos con acrílico líquido y pinté las figuras encima con líneas oscuras, añadiendo gradualmente luces y acentos. En 2024, trabajé con una técnica inspirada en la pintura de iconos: construí el fondo con líneas texturizadas para dar volumen a la pintura, apliqué pan de oro encima y usé veladuras de óleo sobre los cuerpos de las figuras.

En mis obras, el fondo, el adorno y los dibujos en el cuerpo siempre fluyen unos tras otros, a veces formando flores en la piel, como tatuajes.

En mis obras gráficas, me encanta trabajar con tinta y plumillas antiguas; disfruto cómo la imperfección de la línea altera su precisión. Tanto en pintura como en diseño gráfico, suelo añadir pan de oro al final; para mí, no es solo un elemento decorativo, sino también una capa simbólica y radiante.

En general, me encanta experimentar con técnicas y añadir siempre algo nuevo cada vez.

¿Hay algún aspecto innovador en tu trabajo? ¿Podrías contarnos cuáles?

La innovación en mi trabajo no reside tanto en la tecnología, sino en cómo combino contenido, forma y enfoque. Exploro temas que antes se consideraban tabú: la encarnación, el erotismo, el shibari y la sensualidad femenina; sin embargo, los presento con delicadeza, con profundo respeto por el cuerpo y las emociones. También es innovadora mi combinación de elementos tradicionales, como el pan de oro y los motivos ornamentales, con una visión contemporánea de la figura.

Utilizo modelos como “esculturas vivientes” con las que trabajo intuitivamente, a menudo documentando el proceso performativo y luego transformándolo en pintura.
La etapa de preparación a menudo se asemeja a una actuación en sí misma, lo cual me inspira profundamente. Cada vez más, considero las fotos del proceso como partes significativas e integrales del acto creativo.

¿Tiene usted algún formato o medio con el que se sienta más cómodo? Si es así, ¿por qué?

Disfruto trabajando con diferentes técnicas; no me limito a un solo formato ni material. Sin embargo, me siento más cómoda cuando tengo suficiente espacio para moverme. Por eso me encanta trabajar en lienzos medianos y grandes. Me permiten pensar con el cuerpo y expresar mis líneas con libertad, casi como si bailara. Combino pintura y dibujo: acrílico, óleo, tinta y pan de oro. Cada medio abre nuevas posibilidades, y es en su combinación donde siento la mayor libertad creativa.

¿Dónde produces tus obras? ¿En casa, en un taller compartido o en tu propio taller? Y en este espacio, ¿cómo organizas tu trabajo creativo?

Trabajo en mi estudio, que también forma parte de mi casa. Es un espacio íntimo y profundamente personal donde me siento libre. Todo aquí está impregnado de arte: obras inacabadas, bocetos en las paredes, pintura en mi delantal y huellas de mi tacto en cada superficie. Mi estudio tiene espacio para lienzos grandes (¡y no paran de crecer!), así como para obras gráficas.

Tengo una mesa grande donde trabajo con mi computadora, creo bocetos digitales y dibujo piezas gráficas. Mis pinturas y mi paleta siempre están a mano. Tengo un gato que siente curiosidad por todo, especialmente por el momento en que aplico pan de oro. Se sienta cerca, fascinado por los reflejos dorados.

Mi estudio está ubicado en el casco antiguo de Barcelona. Una vez al año participo en las Jornadas de Puertas Abiertas de Barcelona y abro mis puertas a nuevos visitantes.

¿Tu trabajo te lleva a viajar para conocer nuevos coleccionistas, asistir a ferias o exposiciones? De ser así, ¿qué te aporta?

Cuando estaba empezando, mis pinturas viajaban por el mundo sin mí. Asistí por primera vez en persona a una exposición internacional en 2013: la Exposición Internacional de Arte Ucraniano en la Galería Artpeople de San Francisco. El alcalde de la ciudad me apoyó económicamente, y fue entonces cuando me di cuenta de lo importante que es para el artista estar presente: hablar de su obra, compartir su historia y conectar directamente con coleccionistas y espectadores.

Desde entonces, he viajado con frecuencia, participando en exposiciones internacionales, festivales de arte e inauguraciones de galerías en diferentes países. Durante la pandemia, mi exposición individual se celebró en el Centro de Arte Contemporáneo de Bangkok, pero no pude asistir. Los organizadores imprimieron una figura mía a tamaño real para que la gente pudiera tomarse fotos junto a ella.

Recientemente regresé del Festival de Arte Erótico de Seattle, la exposición de arte erótico más grande del mundo, que reúne a amantes del arte de todo el planeta. Para mí, estos eventos no son solo oportunidades para mostrar mi obra, sino también para conocer a nuevos coleccionistas, forjar vínculos significativos e intercambiar ideas con curadores, galeristas y el público. Estas experiencias siempre enriquecen mi práctica artística y abren nuevos caminos.

¿Cómo imaginas la evolución de tu obra y tu carrera como artista en el futuro?

En el futuro, sueño con tener un estudio independiente, un espacio donde no tenga que preocuparme por salpicar pintura en el suelo ni en las paredes, donde pueda trabajar con libertad en piezas grandes y tenga un espacio de almacenamiento adecuado para mis obras gráficas. Ahora mismo en Barcelona, es difícil permitirse tanto la vivienda como el estudio, así que trabajo desde casa. Llevo tres años viviendo aquí; me mudé en 2022 cuando Rusia invadió Ucrania y comenzó a bombardear mi país.

Profesionalmente, busco colaboraciones más profundas con galerías para poder concentrarme por completo en la creación artística. Mi objetivo es dejar de gastar tanta energía en logística y administración, y dedicarme por completo al proceso creativo.

¿Cuál es la temática, estilo o técnica de tu última producción artística?

Mis últimas obras —Celebra cada curva y Permiso para ser bella (118×89 cm, 2025)— son un manifiesto visual de la aceptación del cuerpo y del permiso para ser uno mismo sin complejos. Estas piezas surgieron de conversaciones con mujeres, de mi propia experiencia y del deseo de devolver la belleza al cuerpo, la belleza tal como es: viva, imperfecta y libre.

En Celebra Cada Curva, utilizo el motivo de una cortina, no para ocultar, sino para revelar lo que la sociedad nos enseñó a ocultar. Rafael una vez abrió las cortinas a dioses y santos; aquí, se abre para revelar algo sagrado en sí mismo: el cuerpo real y vivo.

Dos figuras femeninas envueltas en delicados lazos enfatizan su físico. Sus expresiones no hablan de vergüenza, sino del puro placer de ser: de ser ellas mismas, de vivir en sus cuerpos sin miedo. Al fondo, rostros borrosos sugieren observadores, una multitud que juzga o símbolos de control social; pero estas miradas ya no tienen poder. Las heroínas no se esconden, no se disculpan y no sienten vergüenza.

Me inspiré en la filosofía de Michaela Stark: cada pliegue es una historia, cada curva es arte y cada parte del cuerpo merece amor, así como en el enfoque sagrado de Rafael hacia la forma humana.

Estas pinturas están creadas con técnicas mixtas: óleo, acrílico, caligrafía y texto dorado. Trabajo con contrastes de luz y sombra, y con líneas improvisadas que se sienten como un toque. Este es mi manifiesto personal: belleza que no necesita permiso.

¿Nos puedes contar cuál fue tu experiencia ferial más importante?

Cada uno siente y elige su exposición más significativa a su manera... Por ejemplo, una de las exposiciones más importantes de mi vida tuvo lugar en mi ciudad natal, en el museo de arte local. Una empresa de café de la capital, para la que diseñé un empaque, asistió a la inauguración. Socios de una boutique gourmet sirvieron vino, un restaurante de sushi recién inaugurado ofreció sashimi, un artista culinario ofreció dulces y una banda en vivo tocó en mi honor. Vinieron amigos de diferentes rincones de Ucrania...

Y sabiendo que todo esto pasaría, le propuse matrimonio a mi pareja. En solo tres días, cosí mi vestido, llevé a mi bebé de seis meses y fuimos al registro civil. Les mostré un artículo de periódico donde mi retrato se titulaba "mi esposo", y aceptaron casarnos. Solo tres personas lo sabían: mi mejor amiga, el hermano de mi esposo y mi hijo mayor.

El día de la inauguración, nos casamos y fuimos directos a la exposición. Todos quedaron maravillados.
Fue un momento profundamente emotivo y esa exposición es muy especial, sólo para mí.

Pero profesionalmente, algunas de mis exposiciones más importantes tuvieron lugar en el Centro de Arte Contemporáneo (CCAB) de Bangkok, el Festival de Arte Erótico de Seattle y la Feria de Arte Stroke de Múnich. He tenido muchas exposiciones notables a lo largo de mi trayectoria. Mi trayectoria creativa tiene 25 años, ni muy corta ni muy larga.
Y lo más emocionante aún está por venir.

Si pudieras crear una obra famosa de la historia del arte, ¿cuál elegirías? ¿Y por qué?

No me gustaría haber creado la obra de nadie más. Respeto profundamente el gran legado de la historia del arte, pero creo que cada artista tiene su propia voz y una visión única.

Sin embargo, me inspiran profundamente las obras de Gustav Klimt, Rafael, Egon Schiele y Alphonse Mucha: su sentido de la línea, el ornamento, la luz y el cuerpo humano me resuena. No quisiera crear sus obras, pero agradezco poder dialogar con ellos a través de las mías.

16. Si pudieras invitar a cenar a un artista famoso (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Cómo le sugerirías que pasara la velada?

Invitaría a Gustav Klimt. No a una cena formal, sino a una velada tranquila en el estudio, con una copa de vino y charlando sobre mujeres, líneas, ornamentos y oro. Me encantaría ver cómo trabaja, cómo observa el cuerpo, la emoción, el silencio entre pinceladas.

Podríamos sentarnos juntos junto a un lienzo, compartir pensamientos sin palabras —a través de miradas, a través de detalles— y dejar que el arte hablara por nosotros. Y luego pasearíamos junto al mar, beberíamos más vino y nadaríamos desnudos bajo la luz de la luna. ☾