Poonam Choudhary: Mi formación artística es en gran parte autodidacta.

¿Qué te inspiró a crear arte y convertirte en artista? (eventos, sentimientos, experiencias...)

El arte siempre ha sido para mí un viaje profundamente personal e intuitivo. Desde temprana edad, encontré consuelo y libertad al expresar mis emociones a través del color, la forma y la textura. Lo que realmente me inspiró a convertirme en artista fueron los momentos tranquilos e introspectivos de la vida: épocas de transformación, resiliencia y sanación.

Con los años, crear arte se convirtió en una forma de plasmar sentimientos y experiencias que las palabras a menudo no logran plasmar. La naturaleza, las emociones humanas y la conexión espiritual son temas recurrentes en mi obra. Cada pieza que creo nace del deseo de conectar, tanto conmigo mismo como con los demás, a través de la narrativa visual.

Convertirse en artista no fue un acontecimiento único, sino más bien un desarrollo continuo de pasión, curiosidad y necesidad de compartir la belleza y el significado con el mundo.

¿Cuál es tu formación artística, las técnicas y los temas con los que has experimentado hasta ahora?

Mi formación artística es en gran parte autodidacta, impulsada por años de exploración, experimentación y una profunda pasión por la expresión visual. Con el tiempo, he desarrollado mi propia voz y estilo trabajando con constancia y dejando que la intuición guíe mi proceso creativo.

Trabajo principalmente con acrílicos y técnicas mixtas, incorporando a menudo texturas densas para crear profundidad y dimensión. Mis superficies abarcan desde lienzos tradicionales hasta paneles de madera, lo que me permite explorar diferentes efectos y acabados. He experimentado con técnicas de espátula, formas fluidas, superposición y texturas escultóricas para evocar emoción y movimiento.

En cuanto a la temática, me atraen la naturaleza, el simbolismo y la interacción entre energía y emoción. El minimalismo, los paisajes abstractos y los motivos espirituales son elementos recurrentes en mi obra. Mi objetivo siempre es crear piezas que no solo sean visualmente atractivas, sino también emotivas.

¿Cuáles son los 3 aspectos que te diferencian de otros artistas y hacen que tu obra sea única?

Tres aspectos que diferencian mi trabajo del de otros artistas son:

Rica profundidad de textura
Utilizo texturas densas y técnicas de capas para crear una fuerte sensación de dimensionalidad en mis piezas. Esta cualidad táctil invita al espectador no solo a ver la obra, sino a sentir su energía y movimiento.
Simbolismo y conexión emocional
Mi obra suele entrelazar elementos simbólicos, como líneas y patrones minimalistas, paisajes florales y formas orgánicas abstractas, para reflejar temas más profundos como la resiliencia, la transformación y la paz interior. Cada pieza narra una historia que resuena emocionalmente en el espectador.
Equilibrio entre audacia y serenidad
Me esfuerzo por crear una armonía única entre paletas de colores vibrantes y composiciones serenas y fluidas. Este equilibrio permite que mis obras de arte transmitan una impresión audaz, a la vez que ofrecen una presencia serena y reflexiva en cualquier espacio.

¿De dónde viene tu inspiración?

Mi inspiración proviene de una profunda conexión con la naturaleza, la emoción y la energía invisible que nos rodea. Me atraen especialmente la naturaleza, el movimiento y las formas orgánicas: elementos que simbolizan la fluidez, la transformación y la quietud interior.

Las experiencias de la vida, tanto alegres como desafiantes, también alimentan mi creatividad. A menudo utilizo el arte como medio para procesar emociones y contar historias que las palabras no pueden expresar plenamente. La interacción entre luz y sombra, textura y color, me permite plasmar esos sentimientos en algo visual y significativo.

En última instancia, mi inspiración surge del deseo de crear obras que resuenen en los demás: arte que hable al alma, ofrezca una sensación de calma y evoque una fuerza silenciosa.

¿Cuál es tu enfoque artístico? ¿Qué visiones, sensaciones o sentimientos buscas evocar en el espectador?

Mi enfoque artístico es profundamente intuitivo y emocional. Comienzo cada pieza con una visión o sentimiento, permitiendo que el proceso se desarrolle orgánicamente a través de capas de textura, color y forma. Suelo trabajar con acrílicos y técnicas mixtas sobre madera o lienzo, creando profundidad para crear una fuerte presencia física y emocional.

A través de mi obra, busco evocar una sensación de calma, conexión e introspección en el espectador. Quiero que la gente sienta algo, ya sea una fuerza serena, un momento de reflexión o una sensación de flujo espiritual. Me inspiro especialmente en la naturaleza y el simbolismo, y utilizo estos elementos para explorar temas de transformación, resiliencia y paz interior.

En última instancia, espero que mi arte ofrezca no sólo belleza visual, sino también una resonancia emocional que permanezca en el espectador.

¿Cuál es el proceso de creación de tus obras? ¿Espontáneo o requiere un largo proceso preparatorio (técnico, inspirado en clásicos del arte u otros)?

Mi proceso creativo es un equilibrio entre la espontaneidad y la intención reflexiva. Cada pieza suele surgir de un sentimiento o una chispa visual, a veces inspirada por la naturaleza, experiencias personales o temas simbólicos. Suelo dibujar o visualizar la composición mentalmente, pero dejo mucho espacio para que la obra evolucione orgánicamente a medida que trabajo.

La textura juega un papel fundamental en mi proceso, por lo que suelo empezar creando capas sobre la superficie, experimentando con diferentes herramientas y medios para crear profundidad y dimensión. Si bien no sigo estrictamente las técnicas clásicas, me influyen el expresionismo abstracto y el simbolismo espiritual, y a menudo me inspiro tanto en formas de arte contemporáneas como tradicionales.

En muchos sentidos, el proceso es intuitivo —guiado por la emoción, el color y el ritmo—, pero también se sustenta en años de experimentación y práctica técnica. Esta fusión me ayuda a crear obras vivas y con resonancia emocional.

¿Utiliza alguna técnica de trabajo en particular? Si es así, ¿podría explicarla?

Sí, utilizo una técnica distintiva que combina la pintura acrílica con texturas densas y capas fluidas de acrílico. Mi proceso consiste en aplicar múltiples capas de pintura, barras de pastel al óleo, aerosol de óleo y medios acrílicos para crear una base rica en textura. Después, utilizo pinceles, espátulas y, a veces, herramientas poco convencionales para dar forma y refinar la superficie.

Una vez que la textura está en su lugar, aplico capas de pinturas acrílicas transparentes y opacas para desarrollar el color, la luz y el movimiento. Esta técnica me permite crear una sensación de dimensionalidad y fluidez, especialmente en obras inspiradas en el agua, la naturaleza y la energía.

El resultado es una superficie táctil y visualmente dinámica que invita a los espectadores a interactuar no sólo con las imágenes sino también con la presencia física de la pieza.

¿Hay algún aspecto innovador en tu trabajo? ¿Podrías contarnos cuáles?

Sí, hay varios aspectos innovadores en mi trabajo que creo que lo distinguen.

Una de las innovaciones clave es el uso de texturas densas y la costura del lienzo para crear capas que aportan una cualidad táctil y tridimensional a la pintura acrílica tradicional. Combino diversos medios, como pasta de modelar, geles y materiales mixtos, para crear profundidad y una superficie que se siente casi viva. Esto permite al espectador no solo ver la obra, sino también sentir su presencia.

Otro aspecto innovador es cómo integro simbolismo y formas fluidas y orgánicas para expresar temas emocionales y espirituales. Mis composiciones suelen inspirarse en elementos naturales como el agua o las carpas koi, pero su abstracción invita a la interpretación personal y a la conexión emocional.

Finalmente, exploro el movimiento visual mediante la superposición y la luz, utilizando pinturas transparentes y opacas para crear perspectivas cambiantes según la posición del espectador y la iluminación. Esto aporta una cualidad interactiva y evolutiva a cada pieza.

¿Tiene usted algún formato o medio con el que se sienta más cómodo? Si es así, ¿por qué?

Sí, me siento más cómoda trabajando con acrílicos sobre lienzo crudo. La versatilidad de la pintura acrílica me permite experimentar con diversas técnicas, desde veladuras hasta empastos, y se seca rápidamente, lo que facilita mi creatividad espontánea. Disfruto especialmente usando acrílicos porque ofrecen una gama de colores vibrantes y la capacidad de crear capas con textura, algo esencial para mi trabajo.

Elijo el lienzo crudo por su superficie de tacto orgánico y su capacidad para retener colores intensos, lo que aporta una cualidad táctil y dimensional a mis piezas. La combinación de acrílicos y lienzo crudo me permite explorar tanto el color como la textura de una manera orgánica e intuitiva, dotando a mi obra de profundidad y presencia.

Este medio y formato me permiten la libertad de expresar la resonancia emocional que busco en mi arte, al tiempo que ofrecen control técnico para detalles y capas intrincados.

¿Dónde produces tus obras? ¿En casa, en un taller compartido o en tu propio taller? Y en este espacio, ¿cómo organizas tu trabajo creativo?

Produzco mi trabajo en mi estudio en casa, donde tengo la libertad de crear en un ambiente personal e inspirador. El espacio está diseñado para fomentar la concentración y la creatividad, con abundante luz natural y una atmósfera tranquila y despejada.

Organizo mi trabajo creativo dividiendo el espacio en áreas específicas para las diferentes etapas del proceso. Por ejemplo, tengo una sección dedicada a preparar materiales y superficies, como aplicar colores al lienzo y mezclar medios. Otra área está habilitada para pintar, donde puedo trabajar en la superposición de colores y los detalles. Mantengo todas mis herramientas, pinceles y pinturas a mano, lo que permite un flujo de trabajo fluido e intuitivo.

Tener un espacio dedicado me ayuda a mantenerme organizado y a la vez me da la flexibilidad de moverme con libertad por las diferentes fases creativas. Es donde puedo sumergirme por completo en mi proceso, desde el concepto inicial hasta los toques finales.

¿Tu trabajo te lleva a viajar para conocer nuevos coleccionistas, asistir a ferias o exposiciones? De ser así, ¿qué te aporta?

Sí, mi trabajo me obliga ocasionalmente a viajar para asistir a exposiciones, ferias de arte y conocer a nuevos coleccionistas. Viajar a estos eventos me permite conectar con un público más amplio, mostrar mi obra en persona y forjar relaciones significativas con posibles compradores, curadores y otros artistas.

Además de ampliar mi red de contactos, estas experiencias me brindan oportunidades invaluables de retroalimentación e inspiración. Conectar con la gente cara a cara me permite comprender mejor cómo mi arte conecta con diferentes personas y culturas, lo que influye y enriquece mi proceso creativo.

Además, participar en ferias y exposiciones me permite mantenerme conectado con la comunidad artística más amplia, aprender sobre tendencias e intercambiar ideas con otros artistas, lo que me ayuda a crecer tanto profesional como artísticamente.

¿Cómo imaginas la evolución de tu obra y tu carrera como artista en el futuro?

Veo mi trabajo y mi carrera evolucionar de una manera que continúa profundizándose tanto artística como profesionalmente. En el futuro, aspiro a explorar nuevas técnicas y medios que expandan los límites de mi práctica actual, permitiéndome experimentar con nuevas texturas, colores y formas. Me interesa especialmente ampliar mi uso de técnicas mixtas y explorar obras a mayor escala que tengan un impacto aún mayor tanto en espacios privados como públicos.

En cuanto a mi carrera, planeo seguir forjando relaciones con coleccionistas, galerías y curadores, a la vez que expando mi presencia en mercados internacionales y ferias de arte. Visualizo mi obra en más exposiciones, así como colaborando con otros artistas e instituciones en proyectos innovadores que conecten el arte con otras formas de expresión creativa.

En definitiva, veo que mi arte no solo crece en complejidad y alcance, sino que también fomenta conexiones emocionales más profundas con mi público. Espero seguir evolucionando como artista, manteniendo los valores fundamentales de autenticidad y resonancia emocional que siempre han guiado mi trabajo.

¿Cuál es la temática, estilo o técnica de tu última producción artística?

El tema de mi última producción artística gira en torno a la transformación y la resiliencia. He estado explorando el simbolismo del agua, el movimiento y las formas naturales, en particular los peces koi, como representaciones de crecimiento, cambio y fuerza interior. La fluidez del agua sirve como metáfora del flujo constante de la vida, mientras que los peces koi representan la perseverancia y el camino hacia la autorrealización.

En cuanto al estilo, sigo trabajando con el expresionismo abstracto, combinando pinceladas dinámicas con texturas densas para crear una sensación de profundidad y dimensionalidad. He estado experimentando con técnicas mixtas en capas, incorporando pinturas acrílicas y pasta de modelar para crear superficies táctiles que invitan al espectador a sentir la energía de la pieza.

La combinación de estos elementos pretende evocar una sensación de poder silencioso e introspección, permitiendo al espectador conectarse emocionalmente con la obra a un nivel más profundo.

¿Nos puedes contar cuál fue tu experiencia ferial más importante?

Una de mis experiencias expositivas más importantes fue en Chicago, donde tuve la oportunidad de presentar mi obra junto a un grupo diverso de artistas talentosos. Esta exposición fue particularmente significativa porque marcó un momento crucial en mi carrera, permitiéndome interactuar directamente con coleccionistas, curadores y entusiastas del arte que conectaron profundamente con mis obras.

La experiencia fue invaluable en términos de visibilidad y retroalimentación, ya que recibí información valiosa sobre cómo mi arte impactó a un público más amplio. También me brindó la oportunidad de conectar con profesionales de la industria, lo que generó varias oportunidades futuras de colaboración y exhibición.

En general, fue una experiencia transformadora que me ayudó a crecer tanto personal como profesionalmente, reforzando mi compromiso con mi viaje artístico.

Si pudieras crear una obra famosa de la historia del arte, ¿cuál elegirías? ¿Y por qué?

Si hubiera podido crear una obra famosa en la historia del arte, elegiría "La noche estrellada" de Vincent van Gogh. La profundidad emocional y la energía vibrante que captura esta pintura me impactan profundamente. Admiro profundamente la capacidad de Van Gogh para transmitir sentimientos tan intensos a través de colores vibrantes y una pincelada dinámica.

La razón por la que elegí esta obra no es solo por su estatus icónico, sino por su capacidad para evocar emociones profundas. «La Noche Estrellada» refleja la experiencia humana de una manera a la vez personal y universal, capturando la tensión entre la angustia interior y la belleza del mundo natural. Sería increíble haber creado una pieza con un impacto emocional tan duradero y que siga inspirando a espectadores de todo el mundo.

En última instancia, esta pintura simboliza el tipo de arte que me esfuerzo por crear: arte que conmueve a la gente, desafía las percepciones y habla tanto a la mente como al corazón.

Si pudieras invitar a cenar a un artista famoso (vivo o muerto), ¿quién sería? ¿Cómo le sugerirías que pasara la velada?

Si pudiera invitar a cenar a un artista famoso, sería Vincent van Gogh. Su profundidad emocional y su singular enfoque del arte siempre me han fascinado, y me encantaría comprender el funcionamiento interno de su mente, especialmente su forma de ver y capturar el mundo que lo rodeaba.

Para la noche, sugeriría un ambiente relajado e íntimo, quizás en un tranquilo estudio de arte o jardín, rodeado de naturaleza. Podríamos hablar de su trayectoria artística, sus dificultades y qué inspiró sus obras más icónicas. También me encantaría conocer su opinión sobre la evolución del arte actual y su perspectiva sobre el panorama artístico moderno. Sería un intercambio enriquecedor, que fusionaría el pasado con el presente, y una oportunidad para conectar con un genio que influyó profundamente en el mundo del arte.