Paul Gauguin, Naturaleza muerta con tres cachorros, 1888. Óleo sobre madera, 91,8 x 62,6 cm. Mamá.
El género de la naturaleza muerta: ¡vamos a sumergirnos!
Vayamos directo al grano: cuando leas sobre naturalezas muertas en la web, podrás encontrar ejemplos de los períodos helenístico, romano, medieval y renacentista. Se caracterizan por la representación predominante de sujetos inanimados, tanto naturales como artificiales. A pesar de ser estas las características definitorias de este tipo de composición, no se convirtió oficialmente en un género distinto, reconocido, especializado y valorado hasta finales del siglo XVI. La historia continúa con importante popularidad y difusión en el siglo siguiente, aunque en el siglo XVIII la naturaleza muerta quedó relegada al final del ranking jerárquico de las artes figurativas. Sin embargo, la progresiva notoriedad adquirida por el género se atribuye principalmente al ejemplo flamenco entre los siglos XVI y XVII, contexto en el que se acuñó el término "stilleven", que literalmente significa "naturaleza muerta". Si bien este último significado se ha conservado en los idiomas ingleses, no ocurre lo mismo en los idiomas neolatinos, donde la palabra inmóvil ha sido reemplazada por muerto (por ejemplo, "natura morta"). Este cambio fue el resultado de una reinterpretación italiana del término, que tuvo lugar a finales del siglo XVIII, probablemente debido a un simple error de traducción, alterando la frase holandesa más antigua. En este punto, la narrativa continúa en mi ranking, demostrando el éxito de un género a menudo subestimado pero que de hecho es abordado por maestros inmortales de todos los movimientos, tendencias y corrientes artísticas.
Caravaggio, Cesta de frutas, 1597-1600. Óleo sobre lienzo, 46×64 cm. Pinacoteca Ambrosiana, Milán.
1.Caravaggio: Cesta de frutas (1600)
Empecemos por una de las obras más famosas de la historia del arte, perteneciente al género "desafortunado" de la naturaleza muerta. Me refiero, para empezar con una descarga de adrenalina y una tendencia al síndrome de Stendhal, a La Cesta de frutas de Caravaggio, una obra maestra que data de 1600. La pintura es importante tanto desde el punto de vista histórico-artístico como por su temática. No sólo es uno de los primeros ejemplos del género artístico de la naturaleza muerta, sino que también representa, siguiendo la estética del realismo italiano, no sólo una fruta inmaculada sino también una manzana podrida y hojas secas y agujereadas por insectos. Todo ello fue concebido por el maestro para aludir a la precariedad de la existencia humana pero también para celebrar la auténtica imperfección de la naturaleza. Esto incluye una canasta de mimbre tejida que, en el centro de la composición, sostiene racimos de uvas, peras, manzanas, higos y melocotones, descansando sobre una superficie de madera que corre paralela a la mirada del espectador. El espectador sólo puede centrarse en el realismo del tema, que en realidad queda desmentido por la presencia de algunos detalles. De hecho, ¿has notado que, increíblemente, el pintor cumplió la misión imposible de colocar frutas de diferentes estaciones una al lado de la otra? Por último, también quiero justificar la elección del tema por parte de Caravaggio, quien, en un contexto manierista tardío, se sintió justificado a expresar su interés por la naturaleza, a menudo utilizada anteriormente como mero elemento de fondo en retratos o temas religiosos.
Rembrandt, Buey sacrificado, 1655. Óleo sobre tabla. 95,5x68,8cm. Louvre, París.
2.Rembrandt: Buey sacrificado (1655)
Seguimos con las taquicardias, mareos, confusión y alucinaciones del síndrome de Stendhal, mientras nos acercamos a una obra maestra rica en significados simbólicos, destinada a testimoniar cómo entre los siglos XVI y XVII triunfaron las composiciones de bodegones, entre ellas aquellas en las que se representaban cadáveres de animales. Apareció, para ser entendido como un memento mori lúgubre y directo, capaz también de ejercitar a los artistas, que se acercaron a la complejidad de la forma y el color. Sin embargo, el Buey sacrificado de Rembrandt, una obra maestra que representa el cadáver descuartizado de un animal suspendido por sus dos patas traseras, que están atadas a una viga de madera, también nos recuerda el famoso ejemplo de la Crucifixión de Jesús. Ahora hemos llegado a un momento crítico en la descripción, ya que la obra en realidad representa una naturaleza muerta falsa. De hecho, la presencia de una mujer al fondo, que aparece detrás de una puerta entreabierta, convierte el cuadro en un cuadro de género, con la intención de representar una escena de la vida cotidiana.
Chaim Soutine, Canal de res, 1925. Óleo sobre lienzo, 147,32 x 113,03 cm. Colección del Instituto de Arte de Minneapolis.
3.Chaim Soutine: Canal de res (1925)
Para transformar lo anterior en una verdadera naturaleza muerta, ¡Chaim Soutine vino al rescate! Me refiero a su Beef Carcass de 1925, en realidad inspirada en la obra maestra descrita anteriormente, que fue reinterpretada en una serie de obras con el mismo tema por el maestro ruso. Cabe señalar, sin embargo, que otros grandes maestros, entre ellos Daumier y Slevogt, abordaron el mismo tema, aunque en el caso de Soutine se evidencia una interpretación especialmente emotiva, caracterizada por colores intensos y saturados que reflejan la excéntrica personalidad del pintor. Permítanme detenerme brevemente en este aspecto característico del artista para revelar algunos detalles sombríos sobre su ejecución de las naturalezas muertas de animales en cuestión. Soutine, amigo de los empleados de un matadero parisino, les compraba carne y la llevaba a su estudio para pintarla durante semanas, tiempo durante el cual también sufría una descomposición maloliente... No sabemos si esta fijación por el mundo animal surgió de una privación inicial, ya que se sabe que el artista, cuando aún era pobre, evitaba comprar carne porque era demasiado cara. Paradójicamente, una vez se hizo rico, decidió comprarlo sólo para estudiarlo y pintarlo...
Vincent van Gogh, Girasoles, 1888. Óleo sobre lienzo, 92,2 cm × 73 cm. Galería Nacional, Londres.
4.Vincent van Gogh: Girasoles (1888)
La mirada del espectador se fija en el único tema representado en la naturaleza muerta en cuestión: un ramo de girasoles dispuestos en un jarrón, cuyas formas descansan sobre una superficie amarilla, listas para destacarse contra una pared de color claro. Los girasoles, recolectados en distintos estados de madurez, aparecen de manera similar en una serie de siete obras del artista, concebidas para decorar la habitación en Arles que Van Gogh había destinado a su amigo y colega Gauguin. Permítanme detenerme por un momento en la palabra "amigo", revelando que, en realidad, el artista francés se acercó a Vincent sólo después de haber sido compensado económicamente por Theo van Gogh. Pero ¿por qué había necesidad de dinero? Bueno, digamos que Gauguin ya imaginaba que vivir con Vincent sería un poco problemático, y además le desagradaba la citada provincia mediterránea. En cualquier caso, Paul se deshizo de su amigo poco después, tras una de las disputas más famosas de la historia del arte, que abandonó Arles y desencadenó una crisis de autolesiones en Van Gogh, que culminó en el ahora trágico e icónico incidente del corte de orejas. Volviendo a las flores, también se sabe que los girasoles de las distintas composiciones varían en número, oscilando entre catorce y quince ejemplares. ¿Por qué esta elección en particular? Vicente apreciaba el número 14 porque se refería al número de los apóstoles, mientras que con el 15 se incluía a sí mismo dentro de la misma referencia (14 apóstoles + Vicente). Ironía: ¡este top ten habla de eventos que es mejor no probar en casa!
Paul Gauguin, Naturaleza muerta con tres cachorros, 1888. Óleo sobre madera, 91,8 x 62,6 cm. Mamá.
5.Paul Gauguin: Naturaleza muerta con tres cachorros (1888)
Como activista animal que soy, tenía que suplir la presencia, dentro de este top 10, de seres vivos fallecidos, propósito que cumplo hablando del Bodegón con tres cachorros de Gauguin, una obra que, al mismo tiempo, tiempo, me plantea dudas. De hecho, si hablamos de naturaleza muerta, ¿cómo es posible que los animales estén vivos? Si queremos ser fieles a los supuestos del género, la fauna pintada debería estar realmente muerta y, las vivas, sólo serían aceptables si estuvieran hechas a partir de modelos fallecidos. Lo que sí sabemos, sin embargo, es que en el contexto figurativo en el que Gauguin se encontraba trabajando, ahora estaba bastante libre de este tipo de limitación anterior, hasta el punto de que, en el momento de realizar Naturaleza muerta con tres cachorros, vivía en Bretaña junto con un grupo de artistas experimentales. Precisamente con este último se alejó de las representaciones más realistas, dando como resultado, en algunas ocasiones, rasgos estilísticos de sabor parcialmente abstracto, fruto de la unión que propugnaba entre sueño y naturaleza. En cualquier caso, un componente decisivo de la obra maestra es también la peculiar interpretación de los rasgos estilísticos del arte japonés, que se encuentran, por ejemplo, en la delineación en azul de los cuerpos de los cachorros, así como en el motivo de sus pelajes, destinados a recordar el del estampado del mantel.
Paul Cezanne, Naturaleza muerta con manzanas y naranjas, 1899. Óleo sobre lienzo, 74×93 cm. Museo de Orsay, París.
6.Paul Cezanne: Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (1899)
Aquí estamos, describiendo otra de las obras más populares del género: ¿por qué dije lo que dije? Bueno, es importante saber que en Naturaleza muerta con manzanas y naranjas, muchos historiadores del arte han reconocido un precursor del cubismo, ya que emplea formas geométricas para representar las frutas, junto con la presencia de líneas quebradas en los pliegues de la tela. Describamos ahora lo que se anticipaba: sobre un lienzo se disponen varias manzanas y naranjas, algunas esparcidas, otras reunidas en platos, que, en el lado derecho del soporte, también van acompañadas de la presencia de un cántaro. El lienzo antes mencionado descansa sobre un tejido floral, destinado a resaltar la presencia de colores complementarios azul y naranja. Profundicemos ahora en este aspecto cromático de la obra maestra, centrándonos íntegramente en describir sus objetos mediante variaciones tonales, que, en el caso de la fruta, van del amarillo al rojo. La visión de estos colores no se ofrece desde una perspectiva que se ciña a reglas geométricas, ya que el espacio es el resultado de la superposición de volúmenes muy simples, vistos desde un punto de vista elevado.
Frida Kahlo, Viva la Vida, Sandías, 1954. Museo Frida Kahlo. @danielharoro
7.Frida Kahlo: Viva la Vida, Sandías (1954)
La importancia y la iconicidad de la obra en cuestión se irán revelando a lo largo de la narración, pero por ahora quiero hacerles un adelanto diciéndoles que elegí este cuadro para demostrar el potencial del género de la naturaleza muerta, que es igualmente capaz de transmitir mensajes muy positivos y esperanzadores. Sin embargo, lo que acabo de mencionar surge de un fuerte contraste, elemento recurrente en la obra de Frida. En este caso, la dualidad se debe a que la artista pintó la obra maestra en un grave estado de salud, pero representó sandías, símbolo por excelencia de la vivacidad de la vida. Sin embargo, cuando observamos de cerca a estos sujetos, notamos que están pasando por diferentes etapas de maduración, muy probablemente en alusión a las diferentes etapas de la vida humana. En cualquier caso, el optimismo se transmite por el uso del rojo, combinado con el color verde complementario de la corteza de la fruta, aspecto cromático que crea un contraste agradable y vibrante. Finalmente, las intenciones del pintor, hasta entonces sólo especuladas, quedan claras en la sandía inferior, que lleva la frase: "Viva la Vida - Coyoacán 1954 México". Como concluye la narración sobre el cuadro, también lo hace la de Frida, ya que Viva la Vida es, en todos los aspectos, la última obra que creó la artista...
Salvador Dalí, Naturaleza muerta viva, 1956. Óleo sobre lienzo, 125 cm × 160 cm. Museo Salvador Dalí, San Petersburgo, Florida.@
8.Salvador Dalí: Naturaleza muerta viva (1956)
En contraste, la extraña asociación dinamismo-naturaleza muerta ocurre en Living Still Life de Salvador Dalí, una obra maestra de 1956 realizada durante el período que el catalán llamó Misticismo Nuclear, un momento pictórico en el que buscó investigar sobre la relación entre la mente consciente y la cuántica. física. ¿Cómo puedo intentar explicar lo anterior de forma sencilla? Bueno, Dalí, al realizar la obra maestra en cuestión, se inspiró, apelando a su mente consciente, recordando el ejemplo de Van Schooten, representado en su naturaleza muerta Mesa con comida. Hablando de física, entró en juego cuando el maestro transformó la mesa holandesa, dándole el milagro del movimiento, para ser interpretado, por supuesto, de manera perfectamente surrealista. En consecuencia, el género de bodegones generalmente estático se vuelve, como dice el título, ¡vivo! La existencia es, en este caso específico, testimoniada por el movimiento de los objetos, reducibles, en su componente más pequeño, a partículas atómicas. A través de este último llegamos al concepto generativo del cuadro, el mencionado Misticismo Nuclear, idisolutamente inspirado en la nefasta y aterradora bomba atómica lanzada por Estados Unidos sobre Japón.
Andy Warhol, Latas de sopa Campbell, 1962. Pintura de polímero sintético sobre lienzo, 51 cm × 41 cm. Museo de Arte Moderno.
9.Andy Warhol: Latas de sopa Campbell (1962)
Las 32 serigrafías idénticas, inspiradas en el envase de la sopa Campbell's, repiten intencionadamente el tema en cuestión, con el objetivo de crear una instalación que reproduzca la típica disposición en serie de los productos de los supermercados. El tema, interpretado en múltiples ocasiones por el artista, apareció por primera vez en la obra maestra en cuestión, que también fue concebida para aludir a la presencia constante de la sopa en la vida de los estadounidenses de aquella época. ¡Basta pensar que el propio Andy, una vez finalizado el trabajo, confesó haber comido el producto repetidamente durante veinte años! Además, a través de la omnipresencia de la imagen en cuestión, también cuestionó la idea de la pintura como medio de invención y originalidad porque el carácter serial de las Latas de Sopa Campbell se debe al uso de una técnica de serigrafía semimecanizada. Sin embargo, hay una inexactitud en todo lo que he escrito: ¿puedes encontrarla? Es broma, pero quiero aclarar que las latas de sopa no son, como se anunció anteriormente, idénticas entre sí porque cada cuadro representa una réplica de un modelo original con algunos detalles distintivos aplicados. En este punto, ¿Andy destacó sin querer esas características particulares que hacen que incluso los objetos industriales sean únicos?
Giorgio Morandi, Naturaleza muerta, 1949. Colección particular.
10.Giorgio Morandi: Naturaleza muerta (1950)
Varios objetos domésticos se agrupan casi en el centro del cuadro, donde descansan sobre una superficie indefinida, destacando sobre un fondo de tonalidades similares pero más claras. ¿Cuál es el motivo de la elección de inmortalizar algunos objetos dispuestos de forma sencilla? Para responder hay que remontarse a las décadas de 1940 y 1950, época en la que el pintor optó por este tipo de composiciones para centrarse más en el análisis de la técnica pictórica. Siempre persiguiendo este objetivo, sus naturalezas muertas también se volvieron menos "fantasiosas", ya que representaban principalmente los mismos temas, principalmente botellas, cántaros, jarrones y cuencos. Entonces, ¿qué hizo que cada obra fuera distinta de las demás? ¡El formato, el punto de vista y la luz! De hecho, Morandi se centró en mínimas variaciones de tono, aunque prefirió el uso de tonalidades de gris, marfil y blanco, sin olvidar la yuxtaposición de colores saturados como el naranja, el rosa y el azul. ¿Qué otras constantes se pueden agregar a su obra? El pintor solía pintar con sus típicas pinceladas engomadas, con el objetivo de crear visiones suaves con límites "fluctuantes". Esta característica se debe al hecho de que la luz brillante aclara las sombras, que, junto con las fuentes de luz, se representan mediante campos de color bidimensionales que efectivamente tienden a desmaterializar los objetos.
Olimpia Gaia Martinelli