En el título

Cuando pensamos en el oro dentro de la historia del arte, resulta bastante fácil, si no se da por hecho, centrarse y detenerse en una técnica artística en particular, que, por el momento, quiero dejar de lado, buscando para realzar otra narración, bastante inédita, destinada a explicar el objeto de nuestra investigación, refiriéndose exclusivamente a algunos títulos de obras maestras pictóricas, que, conteniendo la palabra oro, se han referido a las propiedades y al valor simbólico intrínseco del citado metal, sin llegar a haciendo uso de ella. Siguiendo el supuesto en cuestión, comienzo con la pintura al óleo sobre tabla de c. 1576-1581 realizada por Jacopo Zucchi y titulada, precisamente, La edad de oro, una obra maestra en la que el pequeño formato da cabida a una riqueza de personajes y detalles extraídos del tema mitológico, en referencia a la versión narrada por las Metamorfosis de Ovidio, cuyo tratamiento se hace explícito por la inscripción en italiano, que parece ser sostenida arriba por dos mujeres desnudas en vuelo. La escena, que en su parte superior presenta en su centro una montaña de la que brotan varios ríos, representados por dioses fluviales, mientras que en la parte inferior del soporte se representa la armonía entre humanos, animales y plantas, emplearía la palabra oro, el tema de nuestra investigación, de un modo bastante positivo, próspero e idílico, pues vincula este nombre al del Siglo de Oro: un tiempo mítico por excelencia, en el que los seres humanos vivían sin necesidad de leyes, ni tenían necesidad de cultivar la tierra, ya que toda planta era capaz de crecer espontáneamente. De hecho, sin utilizar el metal en cuestión, sino mencionando únicamente en el título sus propiedades benéficas, el cuadro nos traslada a una época lejana y codiciada, exenta de odios entre individuos y guerras, marcada por una eterna primavera, en la que no existe necesidad de construir casas para cobijo. Si para Zucchi el oro está asociado a una época maravillosa ya decididamente agotada, ¿qué opina Miró al respecto? Esto lo podemos averiguar, o más bien deducir, mirando la obra del artista surrealista español titulada, precisamente, El oro del azur (1967), una obra maestra donde, en realidad, la luminosidad la aporta el color amarillo en lugar de el oro, un cromatismo que sirve de fondo a formas y líneas negras, azules y rojas no identificadas, cuyo propósito es negarse a ceder a cualquier interpretación fija. De esta manera, incluso la referencia casi irrelevante al metal en cuestión se transforma en una auténtica declaración de la poética del pintor, quien es muy conocido por crear un vocabulario de signos constantes que, por no estar asociados con un diccionario de convención a los que referirse, permanecen en parte incognoscibles, a pesar de que el pintor reveló cómo cada uno de ellos en realidad se refería a una forma concreta.

SIN TÍTULO191212 (2019)Pintura de Tsunshan.

REUNIONES DE ORO (2022) Pintura de Alena Sobolevskaia.

en la tecnica

Habiendo ilustrado cómo aparecía el oro en algunos títulos de cuadros célebres, sin, por supuesto, haber tratado exhaustivamente el tema en cuestión, pasemos a analizar algunas obras maestras, que, efectivamente, acogen en su interior superficies doradas, ejecutadas mediante un técnica específica, que se explicará brevemente más adelante. Para hacer lo explicado partiré geográficamente, así como cronológicamente, de los Países Bajos, continuando por Italia y terminando en Austria, países donde los artificios de las obras que se describirán primero y, posteriormente, se analizarán al unísono en su técnica. de ejecución originada. Hablando de los Países Bajos traigo como ejemplo Trinity and Stories of St. Dionysius (1416) de Henri Bellechose, témpera y oro sobre tabla que inmortaliza dos escenas de los últimos días del santo en cuestión, destinadas a tomar forma en el evento de comunión. y la decapitación, encabezada en el centro de la representación de la Trinidad, donde Dios Padre sosteniendo la cruz de su hijo presencia la aparición de la coloba del Espíritu Santo. Volviendo sucintamente al Políptico de la Misericordia del italiano Piero della Francesca, el óleo, la témpera y la base de oro sobre tabla representan, en su parte central más convincente, a una Virgen que abre su manto ofreciendo cobijo y protección a las personas que la veneran, literalmente de los fieles representados de manera jerárquicamente menor. Del oro sagrado, entendido como perfecto telón de fondo para plasmar la atemporalidad, lo luminoso y lo abstracto, de la dimensión divina, pasamos al contexto secular de Klimt, explicitado, entre otras cosas, en la obra maestra fechada en 1902 y titulada Friso de Beethoven, en el que el pintor buscó dar forma a la Novena Sinfonía, componiendo una obra cuyas tres paredes pintadas constituyen una secuencia coherente, que, del choque entre la felicidad y las fuerzas hostiles, conducen al triunfo de la Oda a la Alegría. Finalmente, los propios Países Bajos, Italia y Austria nos acompañan en la revelación de la técnica pictórica en oro en cuestión: el fondo dorado, destinado a materializarse en la colocación de una finísima lámina de oro (hoja de oro) sobre el fondo de las pinturas, una práctica que tiene su origen más famoso en los mosaicos difundidos desde la época paleocristiana, que luego se convirtió en pintura, y que se fue dejando de lado gradualmente durante el siglo XIV, época en la que, gracias a las innovaciones de Giotto, comenzaron a aparecer fondos arquitectónicos y paisajísticos más realistas. preferente, lo que provocó una reducción progresiva del porcentaje del panel decorado en oro. En este punto, la narrativa histórica del arte toma otros caminos, desarrollándose en el análisis de tres pinturas de algunos de los artistas de Artmajeur, incluidas las partes doradas...

SUEÑO (2019)Pintura de Viktor Horiaiev.

Viktor Horiaiev: Sueño

Es domingo por la mañana y, tras una agitada y alcohólica noche de sábado, nos despertamos en una especie de visión mística, en la que nuestro lecho dorado nos envuelve en su propia luz, para revelarnos, quizás, lo que hemos estado haciendo los anteriores. noche, en medio de evidentes lapsus de memoria y, tal vez, de algún imperdonable arrepentimiento. A pesar de estos controvertidos pensamientos, la protagonista de la obra en cuestión parece bastante tranquila, como si hubiera alcanzado la serenidad que solo un resplandor divino puede conferir, tanto que está visiblemente absorta en contemplar sus sábanas doradas, aunque solo sea para imaginar. cuánto dinero podría ganar si los vendiera al comprador de oro más cercano. Tonterías aparte, ¿sabes cómo el oro combina con el tema de la cama y, por lo tanto, con el mundo de los sueños? El oro, un metal valioso y duradero que siempre se ha asociado con los conceptos de inmortalidad, eternidad y realeza, así como con las cualidades éticas de élite de pureza, lealtad, coraje, clemencia, caridad, justicia y fortaleza, es definitivamente un buen augurio. si se nos aparece en sueño, pues alude al éxito, consecución de metas propuestas y prosperidad. Además, el color del sol y de Apolo indica la virtud del soñante, como, por ejemplo, el sentido moral y el amor, presentándose también como un buen augurio para la deseable asunción de posiciones de liderazgo del mismo, así como la logro de la fama. En sentido negativo, por otro lado, un sueño dorado podría vincularse a una sensación de nostalgia por los años de juventud ya pasados, o a una especie de ansiedad alimentada por esos anhelados pero aún insatisfechos deseos.

AMOR PINTURA ORIGINAL. OBRA DECORATIVA DORADA HOJA DE ORO (2023)Pintura de Irina Bast.

Irina Bast: Me encanta la pintura original

No hace falta dar vueltas y más vueltas, la obra de Irina Bast ha dado lugar a una interpretación nueva e inédita del beso de Klimt, donde, sin embargo, no se da el hecho explícito del título de la obra maestra de 1907-08, como las efigies en Love original. la pintura simplemente junta sus rostros en el acto de dar a luz un tierno abrazo, evidentemente sin incluir el descanso de los labios sobre la superficie de la piel del amado. Sin embargo, la fuente de inspiración para el uso de la técnica del pan de oro sigue siendo desconocida en el caso del artista de Artmajeur, mientras que, en lo que respecta al maestro austriaco, se sabe cómo él, para dar vida a una obra maestra capaz de representar un símbolo del período de la Secesión, tomó ejemplos de los mosaicos bizantinos de Rávena, cuyo estudio dio lugar a la mencionada pintura, en la que los sujetos acercan sus cuerpos dentro de un fondo luminoso, abstracto y, por tanto, atemporal. En este contexto, donde se anula el espacio tridimensional, las efigies adquieren una apariencia bidimensional, mientras que, junto con el césped y las túnicas, se estructuran a través de campos hiperdecorados, cuya forma se define a través de contrastes de color y brillo. . En cuanto al significado de la obra maestra, sin embargo, captura el momento en que los universos masculino y femenino se interpenetran, concretando el triunfo del poder unificador de eros, destinado a unir dos mundos principalmente diferentes, reunidos dentro de un contenedor de oro luminoso, destinado en hacer concreta y divina la fuerza del amor.

SILENCIO LUMINOSO (2017)Pintura de Adriana Plucha.

Adriana Plucha: Silencio luminoso

Haciendo referencia a las palabras del artista en Artmajeur, las obras que forman parte de la serie Los jardines del mundo, inclusive, tanto de pintura como de escultura, otorgan al espectador, en el caso de Silencio luminoso mediante el uso del oro, la consecución de serenidad Este estado de ánimo ansiado por muchos se logra a través de un arte, que fomenta el ejercicio de la contemplación silenciosa, capaz de inducir una fructífera meditación interior, propiciada por esa peculiar combinación de minimalismo, color y delicadeza, dispuesta a enfatizar la espontaneidad de la naturaleza y los paisajes investigados. . Ciertamente, las principales fuentes de inspiración para la realización de este tipo de temas se extrajeron de la cultura asiática, en particular de los grabados y pinturas japonesas, conocidas por sus colores monocromáticos y su fuerte atención al detalle. Estas influencias cobran nueva forma a través del uso de una técnica de temple natural muy personal, que, basada en un aglutinante a base de huevo, ve el uso hábil del oro en escamas, así como el uso ocasional de pan de plata y platino. Finalmente, si tuviéramos que yuxtaponer Silencio luminoso con la narrativa más occidental de la historia del arte, el fondo dorado seguramente traería a la mente una iconografía espiritual atemporal, mientras que el tema floral, en sí mismo, podría evocar el corte de perspectiva según el cual, Aproximadamente 127 años antes, Van Gogh retrató su Rama de almendro en flor (1890).