Pintores retratando a pintores

EL RETRATO DE S. DALY (2013) Pintura de Artush

¿Nace primero el retrato o el autorretrato del artista?

La pregunta que propongo más arriba se responde simplemente consultando Wikipedia, ya que ahora está bien establecido, cierto y algo dado por sentado cómo el género del retrato, presente desde las civilizaciones más antiguas, como la egipcia, precede en siglos a la difusión y popularidad del autorretrato, que se consolidó principalmente durante la Edad Media, aunque alcanzó su verdadera dignidad artística y máxima difusión en el Renacimiento tardío. En consecuencia, quizás sea posible imaginar a los pintores de la época más antigua inmortalizando a sus colegas, aunque este acto no puede considerarse como un reconocimiento de la función artística de las efigies en cuestión, ya que sólo al autorretrato se le otorgó oficialmente tal valor. De hecho, precisamente a partir del Renacimiento, época de mayor popularidad de este último género, la figura del escultor, pintor, etc., se transforma de la de un mero artesano ligado a la sola aplicación de los conocimientos técnicos, a la de un individuo de alta dignidad cultural, cuya profundidad intelectual se explicitaba precisamente en su obra. De ello se deduce que, en tal contexto humanista, el artista comenzó, tanto a sentir el deseo de firmar sus obras para celebrarse a sí mismo, como a recibir aprecio por sus autorretratos, destinados a dar importancia no solo a sus habilidades técnicas, sino también al propio retratado, ahora digno del honor de ser retratado, reconocido y celebrado. En este punto, quiero volver al artista que retrata a un artista, considerando cómo, seguramente después del Renacimiento, este género adquirió un valor similar al del autorretrato, en el que, casi con seguridad, quien retrataba a un colega veía en él, además de un potencial amigo, un estimado referente en el arte de su tiempo, así como una fuente indiscutible de inspiración a celebrar, honrar y difundir. Por tanto, es posible considerar algunos retratos de artistas realizados por pintores de renombre, que nos ilustran, además del discurso estilístico, las relaciones que se dieron entre los exponentes del arte de la misma época, así como el papel en el mundo creativo asumido por el hacedor y el sujeto inmortalizado.

LAS BURLAS DE VAN GOGH (2019)Pintura de Benoît Dutour

WINKS, PICASSO (2023)Pintura de Richard Routin.

¿Por qué todos quieren retratar a Vincent van Gogh?

Volviendo a la discusión anterior, para averiguar qué artistas habían sido más retratados por otros pintores, así como para desvelar la relación entre el creador y la efigie, tomé como ejemplo la popularidad de efigies como las de Pablo Picasso y Andy. Warhol, que seguramente quedaron vencidos por la particular recurrencia con la que se inmortalizó a Vincent van Gogh. No obstante, quiero comenzar el análisis comparando los retratos de los artistas y el contexto de ejecución, comenzando por el primer maestro español, representado, tanto por Juan Gris, como por Salvador Dalí. En cuanto al Retrato de Pablo Picasso (1912) de Gris, la obra se presenta como un homenaje a Picasso, un maestro al que Juan inmortalizó paleta en mano, mostrando todo su respeto por el hombre al que reconoce como líder de los círculos artísticos de París en la época, así como el innovador del cubismo, del que Grisè se propone como discípulo indiscutible. De hecho, el estilo de Juan remite al cubismo analítico de Picasso y su característica deconstrucción de la realidad, acompañada de un punto de vista simultáneo de objetos y una estructura cristalina, con el objetivo de fragmentar el tema del cuadro fechado en 1912 en varios planos y formas geométricas simples, organizados dentro de una estructura compositiva regida por diagonales. El propio Pablo es también el tema del Retrato de Picasso (1947) de Dalí, una pintura que, a diferencia de la descrita anteriormente, por sus rasgos estilísticos surrealistas y monstruosos, parecería sugerir cómo el artista catalán odiaba, más que amaba, la andaluz, cuando, en realidad, Salvador admiraba mucho la obra del maestro mayor, si bien percibía hacia su paisano una competencia incuestionable, probablemente encaminada a conquistar el trono del arte español. En este punto queda por resolver la siguiente cuestión: ¿cómo se puede inferir que el monstruoso Pablo de Dalí no representa un intento de eliminar al temido adversario? El respeto de Picasso por la integridad se nos revela en algunos detalles: el cuerno de carnero carnoso y en espiral en lugar de la oreja es un símbolo de vitalidad, liderazgo y autoridad reconocida, mientras que el largo anillo de cabello gris que se extiende como un dedo de la boca , que termina en una cuchara que contiene un instrumento musical, celebra uno de los motivos más preciados del arte de Picasso: la mandolina. Hablando de Warhol, por otro lado, los artífices de sus retratos son su amigo Basquiat, quien, a pesar de las formas poco realistas y estilizadas con las que retrata al rey del Pop art, por ejemplo en Dos Cabesas, prueba suerte en el género para pagar homenaje a su mentor e ídolo, y a Alice Neel, una pintora que quiso reutilizar los rasgos de algunas estimadas figuras del arte, evocando, en el caso de Andy, un acontecimiento en la vida del pintor, quien, retratado con enormes cicatrices mortuorias y dramáticas, nos devuelve a la epidosis del 68' en la que le disparó Valerie Solanas. Por último, juremos por el maestro que, según he podido investigar en Internet, parece estar entre los más populares del género retratista del artista: Vincent, que fue retratado por Paul Gauguin, amigo y admirador, con quien también tenía un proyecto artístico real, pero también por Peter Russel, un pintor que lo retrata con realismo, y Toulouse-Lautrec, un artista que lo plasma a través del uso de tiza. ¿Qué se desprende de los retratos de estos últimos pintores? Si Russel elige a Vincent como modelo para hacer explícita su amistad parisina, así como su especie de colaboración artística encaminada a experimentar con las técnicas impresionistas, dando voz a la historia del arte de la década de 1880 y sus exponentes más prestigiosos, Toulouse-Lautrec cuenta nos habla de un vínculo basado en una pasión compartida por los grabados japoneses, así como la creación de obras cuidadosas para capturar la esencia del París de la época. En todo caso, solo para responder a la pregunta inicial, es decir, por qué todo el mundo quiere retratar a Van Gogh, quería imaginarme con el atormentado maestro que resultó ser, además de extremadamente talentoso, infinitamente interesante precisamente por su malestar interior, una condición mental que, hábilmente utilizada en las artes, crea artistas desde un punto de vista sumamente personal y, por lo tanto, decididamente innovador, intenso, inolvidable y magnético. Finalmente, los pintores contemporáneos de Artmajeur también continúan rindiendo homenaje a sus ídolos, inmortalizando a algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos, tal como lo hicieron Crea Martin, Francioni Mastromarino y Gabriele Donelli.

CLAUDE MONET (2023)Artes digitales por Nicolas Chammat

CONVERSACIÓN CON MICHELANGELO BUONARROTI (2019)Pintura de Frédéric Martin

Frédéric Martin: Conversación con Miguel Ángel Buonarroti

En el recorrido figurativo del pintor francés Frédéric Martin encontramos una serie dedicada a los retratos de reconocidos maestros, temas que muy probablemente marcaron de forma indeleble la obra del artista de Artmajeur. En este conjunto de obras, donde se destacan los rasgos de pintores como Rubens y Rembrandt, ciertamente no podía faltar el gran Miguel Ángel, un genio retratado refiriéndose a la obra maestra, del mismo tema, de Daniele da Volterra. Este último cuadro incompleto, fechado hacia 1545, en el que el artesano, escultor y yesero italiano, autor también de un busto que representa a Buonarroti, inmortaliza al maestro a los setenta años, describiendo con gran precisión sus facciones y su mano izquierda, carece de detalle en el busto y el fondo, sin embargo. De manera similar es la interpretación de Martin, en la que agrega la presencia de la pintura roja que gotea sobre el vestido, así como el llamativo vendaje que rodea misteriosamente la cabeza de Buonarroti. Este mismo detalle me hizo preguntarme qué podría haber sucedido si Miguel Ángel hubiera conocido a Van Gogh, quien, un experto en vendajes usados estrictamente para cubrir las orejas faltantes, se representó a sí mismo en una condición similar en Autorretrato con la oreja vendada, una pintura al óleo de 1889 creada para inmortalizar las extremas consecuencias a las que condujo el fin de la amistad, así como de la sociedad artística, entre el holandés y Paul Gauguin. Llegados a este punto, volviendo a Michelangelo y Daniele da Volterra, me atrevo a suponer que el artista de Artmajeur quizás podría haber imaginado algún tipo de confabulación entre ambos, episodio que, probablemente debido a que el Braghettone cubrió Los desnudos de Buonarroti, habrían llevado a Miguel Ángel a cortarle la oreja en un gesto extremo de protesta.

LEONARDO DA VINCI 2021)Escultura de Francioni Mastromarino

Francioni Mastromarino: Leonardo da Vinci

La obra de Francioni Mastromarino parece ser una interpretación escultórica del conocido autorretrato de Leonardo da Vinci fechado en 1512, una obra maestra icónica conservada en la Galleria Nazionale d'Italia de Turín. Realizada en yeso rojo, representa al artista con unos sesenta años, aunque la efigie parece de una edad más avanzada. Además, Leonardo, que aparece inmortalizado con una larga cabellera blanca, es captado mirando al frente con una expresión enigmática que se sitúa a caballo entre la contemplación y la tristeza extrema. Tal ambigüedad ocular la confiere la realización borrosa de la mirada, recurso utilizado en la época para dar vida a los rasgos de los filósofos, tanto que muchos han deseado ver en el retrato una representación del Todopoderoso o algo parecido. Estas características están formadas por líneas finas e intrincadas, realizadas con tiza roja sobre papel marrón, el medio en el que cobró vida la representación más conocida de Leonardo da Vinci, un maestro atrapado en el individualismo del humanismo de su época. . Hablando en lugar de un retrato de un artista que deseaba representar al maestro antes mencionado, es muy conocido el de Lucano, una pintura de autor desconocido fechada en 1474, destinada a representar a Leonardo a la edad de unos cuarenta y cinco años, representado tres cuartos de de longitud con barba suelta y sombrero negro, dentro de un fondo indefinido. Finalmente, también se sabe que la obra, descubierta en 2008 en un armario de una casa privada italiana, se parece a otro retrato de Leonardo, a saber, el de Cristofano dell'Altissimo, fechado en el siglo XVI y conservado en la Galería de los Uffizi.

RETRATO DE HENRI MATISSE (2017)Pintura de Gabriele Donelli

Gabriele Donelli: retrato de Henri Matisse

El trabajo del artista de Artmajeur Donelli buscó rendir homenaje a múltiples maestros conocidos, quienes probablemente también tuvieron alguna influencia dentro del desarrollo estilístico del pintor italiano. El retrato en cuestión representa a Henri Matisse, un artista del que Donelle quizás heredó la vitalidad cromática realizada en amplios fondos de color. El sujeto de la viñeta antes mencionada ha sido capturado mientras está concentrado en trabajar en su estudio, equipado con un pincel y una paleta, dentro de un ambiente desnudo dominado por el azul y algunos otros colores, que animan una figura parcialmente realizada en blanco y negro. . Después de esta descripción, es obligado hablar del retrato más conocido de Matisse, a saber, el que, una vez más caracterizado por colores vivos, fue pintado por André Derain en 1905. La obra maestra en cuestión inmortaliza frontalmente al maestro francés, capturando la presencia. de una pipa, que cuelga del lado derecho de la boca del sujeto, mientras que los ojos de Henri están enmarcados por un par de anteojos casi invisibles. El artista, representado con el pelo corto y una larga barba, cobra vida sobre un fondo amarillo y verde, desprovisto de otras figuras o mobiliario. Este retrato, además de mostrarnos los rasgos del mencionado maestro, nos cuenta una historia, tal como fue concebida durante unas vacaciones de Derain cerca de Collioure, balneario del sur de Francia, donde André y Henri se retrataron, dando concretas vida a esa "comunión" artística que llevó a Derain a acercarse al uso de colores fuertes, no naturalistas, aplicados con pinceladas pequeñas y separadas.