Los cuervos en el arte: ¡obras más o menos conocidas!

Vincent van Gogh, Campo de trigo con cuervos , 1890. Óleo sobre lienzo, 50,2 cm × 103 cm. Museo Van Gogh, Ámsterdam.

Empezando por Vincent van Gogh...

Sobre un campo de trigo maduro vuela una bandada de cuervos, que, mirando atentamente el manto dorado, parece casi dirigirse hacia ese pequeño camino, que aparece en primer plano del soporte, destinado a hender los tallos amarillos para luego conseguir perdido en la naturaleza misma. El límite de este último está determinado, en su parte inferior, por bordes de hierba verde, así como por abundante suelo arcilloso, que encuentra su lugar bajo un cielo oscuro, en el que se arremolinan nubes negras, que parecen reproducir el mismo movimiento de las aves en cuestión. Bueno, el tema del artículo son precisamente estos últimos animales dentro de la narrativa de la historia del arte, un tema que podría abordarse haciendo referencia únicamente a la pintura descrita anteriormente, nada menos que la muy reconocida Trigal con cuervos (1890) de Vincent van Gogh, continuando la narración con el igualmente famoso El árbol de los cuervos (1822) de Caspar David Friedrich y los santos Antonio Abad y Pablo el Ermitaño (1634-1660) de Diego Velásquez. Sin embargo, queriendo saltarme temas ampliamente explotados, procederé a ilustrar otras pinturas de cuervos, realizadas por grandes maestros, ciertamente menos conocidas que las convencionales mencionadas anteriormente. A continuación, de acuerdo con esta última intención, les presentaré las obras sobre el tema de Alexei Kondratievich Savrasov, Vasily Vereshchagin, August Friedrich Schenck, John William Waterhouse, Marie Spartali Stillman y Lovis Corinth, empezando por la obra maestra del primer pintor. en cuestión, Las torres han regresado (1871).

Alexei Savrasov, Las torres han regresado , 1871. 62 cm × 48,5 cm. Galería Tretiakov.

Alexei Kondratievich Savrasov: Las torres han regresado (1871)

En primer lugar, es bueno presentar al artista (Aleksej Kondrat'evič Savrasov; 1830-1886), simplemente diciendo que fue un pintor ruso principalmente paisajista, que se distinguió por dar origen al estilo lírico del género. en cuestión. Sin embargo, a partir de Las torres han regresado (1871), la obra, conservada en la Galería Estatal Tretyakov (Moscú), se considera la obra más conocida de Savrasov, así como una pintura necesaria para el desarrollo de la pintura paisajística rusa. Además, "Las torres han regresado" fue el resultado de un largo estudio del artista, que tuvo lugar entre Yaroslavl y su posterior traslado a la gobernación de Lostroma, donde, en el pueblo de Molvitino, pudo inspirarse en las características de la Iglesia. de la Resurrección. En cualquier caso, la obra se completó en Moscú, capital en la que la obra maestra tuvo un gran éxito, ya que fue inmediatamente reconocida como una obra capaz de dar voz al alma sencilla del artista, inequívocamente sensible y cercana a la realidad de la naturaleza y sus cambios. De hecho, el cuadro capta el momento en el que, cada año, los cuervos regresan a sus nidos en las proximidades de la primavera, precisamente antes de que la nieve del invierno se haya derretido por completo, un instante bastante predecible y repetitivo, que, por milagro del arte, se transforma en un rito sagrado que debe ser contemplado en silencio, así como con una gran y sin precedentes atención.

Vasily Vereshchagin, La apoteosis de la guerra , 1871. Óleo sobre lienzo, 127 cm × 197 cm. Galería Tretiakov, Moscú.

Vasily Vereshchagin: La apoteosis de la guerra (1871)

El pintor ruso Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) fue un artista de guerra que, siendo miembro de la Orden de San Jorge, se destacó principalmente por el carácter gráfico de sus escenas realistas, que, precisamente por tales peculiaridades, sufrieron el ostracismo. de una parte de la intelectualidad rusa, hasta el punto de que algunos de ellos nunca fueron impresos ni exhibidos. En cambio, en La apoteosis de la guerra, el cuadro representa un montón de cráneos humanos, probablemente fruto de una batalla o de un asedio, que encuentran su lugar en un paisaje desolado extramuros de las murallas de la ciudad de Samarcanda, lugar donde el artista se encontró previamente luchando para el Ejército Imperial Ruso en lo que fueron las operaciones para conquistar el Turquestán Ruso. Sin embargo, falta lo que se acaba de describir en la oscura presencia de una bandada de cuervos, habiendo llegado, o aún llegando, al citado y lúgubre banquete, mientras las montañas mudas observan la escena, haciendo de línea divisoria del cuadro, y separando así las estepas vacías de la inmensidad del cielo. Finalmente, la descripción termina con las palabras del propio artista, quien, en el marco de la obra, escribió: dedicó el cuadro "a todos los grandes conquistadores, pasados, presentes y futuros", probablemente deseando oponerse a la llegada de la muerte, que , personificada por calaveras y cuervos, siempre se ha presentado como el enemigo más trágico de la memoria de la vida humana.

August Friedrich Schenck, Angustia , 1878. Óleo sobre lienzo, 151 cm × 251,2 cm. Galería Nacional de Victoria, Melbourne.

August Friedrich Schenck: Angustia (1878)

August Friedrich Albrecht Schenck (1828-1901), pintor activo principalmente en Francia, nació en la ciudad de Glückstadt, un municipio alemán en la época danés. Hablando de este último maestro, es importante señalar que su obra más conocida es precisamente la que representa, entre otras cosas, una bandada de cuervos: Angustia (1878). El lienzo en cuestión inmortaliza, como tema principal, a una madre oveja angustiada por la muerte de su hijo, cuyo cuerpo sin vida está rodeado por un grupo de pájaros negros, listos y esperando para devorarlo. Importante es la observación de los detalles de la obra, como el aire que se condensa cerca de la boca de la madre corderita, animal que acababa de terminar de emitir un agónico gemido de pena, mientras un hilillo de sangre avanza en la blanca nieve, extendiéndose desde la boca del bebé mamífero fallecido. El cielo bajo el cual ocurren tan nefastos hechos presenta las peculiaridades más tristes del período invernal, mostrándose gris y nublado, como un rostro que en cualquier momento puede estallar en una lluvia de llanto. Por último, resulta curioso saber cómo existe otra versión de la obra, a saber, El huérfano, recuerdo de Auvernia (1885), un cuadro que, conservado en el Museo de Orsay, presenta el cordero sobre el cuerpo sin vida de su madre. .

John William Waterhouse, El círculo mágico , 1886. Óleo sobre lienzo, 183 cm × 127 cm. Tate Britain, Londres.

John William Waterhouse: El círculo mágico

El moderno prerrafaelita John William Waterhouse (1849-1917) fue un pintor británico, cuya obra, nacida pocas décadas después de la disolución de la hermandad prerrafaelita, presenta, tanto la influencia de esta última, como la de los impresionistas que fueron sus contemporáneos, hecho que generó el desarrollo de rasgos estilísticos "limítrofes", que se materializan principalmente en temas mitológicos o artúricos. Su obra en la que se concreta la necesaria presencia de los cuervos es El círculo mágico, un óleo que pretende representar a una hechicera intentando utilizar una varita para dibujar un círculo de fuego en la tierra, a través del cual se pretende dar vida a un espacio ritual, donde un evento ceremonial puede tomar forma. La mujer es definitivamente el personaje principal del cuadro, a quien acompañan los cuervos y un sapo, presencias pintadas como símbolos populares de las actividades de brujería, que encuentran su lugar dentro de un entorno brumoso, un tanto irreal, místico y, sin lugar a dudas, paisaje mágico. El tema de El círculo mágico no debería sorprendernos, ya que el maestro recurrió a menudo en su obra pictórica a la explicación de temas relacionados con la magia y el poder de la profecía, indeleblemente ligados a la imagen de una hechicera, siempre dispuesta a evocar a la famosa Circe. de la Odisea.

Marie Spartali Stillman, Antígona dando ritos funerarios al cuerpo de su hermano Polinices (fecha desconocida), óleo sobre lienzo, se desconocen más detalles.

Marie Spartali Stillman: Antígona dando ritos de entierro al cuerpo de su hermano Polinices (fecha desconocida)

Marie Eufrosyne Spartali (1844 - 1927) fue una de las modelos favoritas de la Hermandad Prerrafaelita, una influyente asociación artística para la pintura victoriana, que la vio, más tarde, formarse también como pintora, cuya dilatada carrera fue apreciada por grandes de la pintura. el "género" como, por ejemplo, Dante Garbiel Rossetti. Hablando, sin embargo, de su obra que nos habla de cuervos, se trata de Antígona dando ritos de entierro al cuerpo de su hermano Polinices, un óleo entre los primeros del pintor, que en ese mismo momento estaba aprendiendo la técnica en cuestión de un uno de los principales exponentes de los prerrafaelitas, concretamente el maestro británico Sir Edward Coley Burne-Jones. Ese cuadro representa una escena de la tragedia griega Antígona, precisamente aquella en la que esta última heroína intenta llorar a su hermano muerto Polinices, mientras éste yace sobre una roca azotada por el viento en un paisaje desolado. Antígona, que en este mismo contexto intenta enterrar el cuerpo de su hermano, va en contra de los deseos del rey Creonte de Tebas, que impuso un decreto específico por el cual Polinices ni siquiera debía ser llorado. Esta última decisión se debe a que Polinices, que quería ascender al trono de Tebas, murió asediando la ciudad, comportándose a la manera de un enemigo, al que Creonte no quiso rendir honores fúnebres. Así, el cuadro representa el momento en que Antígona se opuso a la citada ley intentando dar a su hermano un entierro digno, hecho que, al ser descubierto, le costó la libertad y, posteriormente, la vida, ya que la mujer, una vez encarcelada, decidió ahorcarse, hecho que provocó el gesto extremo de Aemon, hijo de Creonte y prometido de la mujer. Entonces los cuervos de la obra también podrían representar una especie de alternativa salvadora providencial al daño que implica el entierro, porque si hubieran tenido el placer de devorar el cuerpo de Polinices no habría habido más derramamiento de sangre.

Lovis Corinth, Paisaje con un gran cuervo (1893), óleo sobre lienzo, 96 × 120 cm, Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie, Frankfurt.

Lovis Corinth: Paisaje con un gran cuervo (1893)

Lovis Corinth (1858-1925) fue un pintor, grabador y escritor alemán cuya obra sintetizó elementos del impresionismo y el expresionismo. Inicialmente comenzó como un artista principalmente naturalista, pero luego evolucionó su estilo mediante el uso de colores vibrantes, centrándose principalmente en retratos, desnudos, paisajes y escenas bíblicas, todos caracterizados por una extraordinaria vitalidad y poder. En cuanto a los paisajes, una de sus obras destacadas es “Paisaje con un gran cuervo” (1893). Esta pintura representa efectivamente el trabajo del artista en la década de 1890, cuando comenzó a dedicarse seriamente a este tema. En el caso de esta obra maestra, parece "evocar" el ejemplo cercano de "Campo de trigo con cuervos" de Vincent van Gogh (1890). De manera similar a la última pintura, en "Paisaje con un gran cuervo", estas aves simbolizan presagios de muerte siniestros, inconfundibles e inminentes, capturados mientras se elevan por el cielo, siendo los únicos seres vivos que animan un campo que de otro modo estaría desierto. Si bien somos muy conscientes de la agitación interna de Vincent, que se manifestaba constantemente en sus obras de arte, es importante señalar que Corinto también estaba afligido por una profunda melancolía, una característica prominente de sus momentos de depresión. Esta melancolía a menudo se ocultaba detrás de la imagen más tradicional de su vida social y de los aspectos generalmente más positivos de su trabajo. Finalmente, es imposible concluir esta colección de obras de arte con temas de cuervos sin mencionar otros ejemplos como "La ruina junto al mar" de Arnold Böcklin (1881), "Los cuervos ante el trineo" de Stanislaw Siestrzencewicz (c. 1900), "El Last Journey", "Paisaje con cuervos" de Egon Schiele (1911) y "The Pilgrim Folk" de Marie Spartali Stillman (1914).