Viktor Sheleg, Choice , 2021. Óleo sobre lienzo, 98 x 88 cm.
«Ya no vivimos, somos vividos. Ya no tenemos libertad, ya no sabemos decidir, el hombre está privado del alma, la naturaleza está privada del hombre […]. Nunca hubo una era más asolada por la desesperación, el horror, la muerte. Nunca ha reinado más silencio sepulcral sobre el mundo. Nunca el hombre ha sido más pequeño. Nunca ha estado más inquieto. Nunca ha estado más ausente la alegría, y más muerta la libertad. Y he aquí un aullido de desesperación: el hombre clama por su alma, un solo grito de angustia se eleva desde nuestro tiempo. También el arte grita en la oscuridad, llama al rescate, invoca al espíritu: es el expresionismo».
Las palabras del conocido crítico de arte austriaco Hermann Bahr (1863-1934), citadas en su ensayo de 1916 titulado Expresionismo, captan a la perfección la esencia de una corriente artística que, desarrollada principalmente en el norte de Europa a principios del siglo XX, reunía en ella varios núcleos, manifestó fuertemente la necesidad de revelar, a través de composiciones principalmente figurativas, el mundo interior de los artistas, más que centrarse en la mera representación del dato real. De hecho, con el término expresionismo nos alejamos del significado más genérico de la palabra expresión, en que todo artista es capaz de revelarse a sí mismo a través de su arte, pero sólo el expresionista lleva al espectador a "vivir" sus emociones más íntimas, provocando en reacciones psicológicas concretas y violentas. En este contexto, vale la pena señalar cómo esta innovación figurativa del siglo XX tiene orígenes mucho más remotos, que, ubicables ya a fines del siglo XIX, se encuentran ya en parte en las pinceladas arremolinadas de Van Gogh, la esencialidad de Gauguin, el drama y la crítica social de Munch, y el lenguaje antinaturalista y la deformación del arte primitivo de Munch. En cambio, ubicando el movimiento anterior dentro de la historia del arte, podemos referirnos al pensamiento del historiador del arte Giulio Carlo Argan quien, a fines del siglo XX, contrapuso el expresionismo con el impresionismo anterior: «literalmente, la expresión es lo opuesto a la impresión. La impresión es un movimiento de afuera hacia adentro: es la realidad (objeto) imprimiéndose en la conciencia (sujeto). La expresión es un movimiento inverso, de dentro hacia fuera: es el sujeto imprimiéndose sobre el objeto».
Cécile Duchêne Malissin, El infante , 2022. Acrílico/collage sobre lienzo de lino, 120 x 100 cm.
Louise Howard, Pequeñas bestias , 2022. Óleo sobre tabla, 140 x 122 cm.
expresionismo alemán
"¿Pero esto sigue siendo impresionismo?" llegó una respuesta desde el salón, "¡No, es expresionismo!"
En 1911, en una reunión de la Secesión de Berlín, un miembro del jurado pronunció estas palabras proféticas, anticipando la denominación del movimiento artístico del siglo XX acuñada más tarde por el crítico de arte e historiador Wilhelm Worringer. El expresionismo alemán representó la respuesta de los artistas al clima de la Alemania de principios del siglo XX, marcada por una política expansionista que, apuntando al nacimiento de un estado unitario, estuvo animada por un fuerte pensamiento nacionalista, reaccionario y represivo, peculiaridades perfectas para inculcar en los artistas manifiestan actitudes de rebeldía contra el arte oficial y todo tipo de conformismo. El primer grupo de expresionismo alemán se formó en Dresde en 1905 a partir de la investigación artística realizada por cuatro estudiantes de arquitectura que eran alumnos de Hermann Obrist, a saber, Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. Haciendo referencia a un pasaje de Así habló Zaratustra de Nietzsche, dicho grupo tomó el nombre de Die Brücke, que literalmente significa "artistas del puente", ya que estaban animados por un deseo de establecer una conexión con el futuro del arte, con el objetivo de reprimir a aquellos que buscan matar el espíritu creativo con un moralismo rígido y envejecido. En cuanto a los rasgos estilísticos de Die Brücke, quedan bien ejemplificados en la obra de Kirchner, el promotor más convencido y apasionado del movimiento, quien fue autor de imágenes agresivas, marcadas por contornos nítidos, negros profundos, fuertes contrastes cromáticos y figuras inarmónicas y mordaces. , destinado a denunciar las falsedades e hipocresías de la sociedad burguesa. El segundo grupo del expresionismo alemán, nacido en Munich en 1911 y apodado Der Blaue Reiter, o el Jinete Azul, hizo mayor hincapié en el cromatismo pictórico, hasta el punto de que los colores adquirieron un fuerte significado simbólico, lo que llevó al movimiento progresivamente hacia abstracción.
Yuliia Chaika, "Tiempo de yoga" , 2022. Acrílico/pastel sobre papel, 29 x 29 cm.
Parque Joven, Nuestro amor. Incluso si no lo decimos. #1 , 2022. Acrílico sobre lienzo, 91 x 72,5 cm.
Expresionismo francés y más allá...
La palabra expresionismo se utilizó por primera vez en una monografía de Paul Fechter dedicada a "Die Brucke" y "Der Blau Reiter". Posteriormente, el citado apelativo también se utilizó para referirse a los Fauves (1905-1910), literalmente "las bestias" o "los salvajes", ese grupo de pintores franceses que, teniendo a Henri Matisse como líder y fundador, se distinguieron por su intenso uso del color, literalmente transformado en vehículo de comunicación del estado emocional del artista. Finalmente, cabe destacar cómo la narrativa sobre el expresionismo no se agota únicamente en las corrientes mencionadas ya que, durante las décadas de 1970 y 1980, el movimiento fue protagonista de un renacimiento internacional, materializado a través de la obra de grandes artistas como Jean-Michel Basquiat. , Anselm Kiefer y Julian Schnabel. Finalmente, el éxito del expresionismo resulta palpable también dentro del arte contemporáneo, tal como lo demuestran las obras de algunos artistas de Artmajeur, como Erick Seror y Taco Eisma.
Erick Seror, Negro oscuro , 2022. Óleo sobre lienzo, 81 x 65 cm.
Erick Seror: Negro Oscuro
Los rostros grotescos y contritos, probablemente cargados de una fuerte sensación de malestar, que distinguen a los dos protagonistas principales de Dark Black, a saber, la mujer y el soldado, parecen repetirse, casi sin cesar y de forma mucho más dramática, en los retratos de sufrimiento. dispuestos homogéneamente en el suelo, detalles lúgubres que nos recuerdan las inquietantes expresiones de los sujetos inmortalizados por Bodegón con máscaras III de Emil Nolde y La intriga de James Ensor. Además de esta afinidad parcial presentada con los mencionados grandes maestros del expresionismo, el artista de Artmajeur también reutiliza el tema del uniformado, icónico protagonista del cuadro de Kirchner Autorretrato como soldado , en el que el conocido artista alemán, descargado de la guerra por su frágil equilibrio mental, se inmortalizó simbólicamente con la mano derecha amputada, dando lugar a una lúcida realización de su propia amarga derrota.
Picrato, Sagradas amistades , 2022. Acrílico sobre lienzo de lino, 80 x 80 cm.
Picrato: amistades sagradas
La obra de Picrate nos muestra cómo la introspección promovida por el expresionismo conduce también a la producción de obras destinadas a lanzar mensajes positivos, es decir, capaces de traducir en pintura esa serenidad, que distingue una vida interior más sana y equilibrada. Lo dicho queda bien ejemplificado en la mirada serena del protagonista del lienzo, colocada en un rostro distendido, capaz de atraer hasta la curiosidad de un pequeño pájaro, un animal que, en caso de peligro, seguramente habría huido. Fuertemente opuesto a este "himno a la quietud" se encuentra otro intenso primer plano de una figura masculina, representado por el famoso cuadro de Arnold Schoenberg titulado La mirada roja . En esta última obra maestra, probablemente un autorretrato del artista, se presenta un rostro masculino hierático y severo que, reducido a la forma esencial de un triángulo y realizado con pinceladas básicas, se distingue por sus grandes ojos rojos, capaces de transmitir para el espectador un resplandor espeluznante y ardiente cargado de angustia.
Taco Eisma, Sus palabras , 2022. Óleo sobre lienzo, 60 x 50 cm.
Taco Eisma: Sus palabras
El interior con figuras creado por Taco Eisma se distingue sobre todo por su cromatismo vivo e intenso, destinado a llamar la atención del espectador para involucrarlo en una particular y controvertida historia de amor: una estrella de rock se relaja en la habitación de su novia, mientras ella le habla desde una pantalla dispuesta en la pared. Pero, ¿realmente está escuchando? Precisamente esta duda Hamletic nos la propone el propio artista, cuya obra está predominantemente marcada por el poder del color, destinado a materializarse dentro de las atmósferas más absurdas. Hablando de historia del arte, otro interior que destaca por su cromatismo es The Pink Studio del maestro fauvista Henri Matisse, un ambiente en el que el rosa ocupa casi todo el espacio, forjando el atelier del artista como una especie de prisión dorada. De hecho, el propio Matisse escribió a Marcelle Marquet en octubre de 1941: «Estoy demasiado dentro de lo que hago. No puedo salir de eso, para mí no hay nada más».
Olimpia Gaia Martinelli
