La técnica de la acuarela: Turner y Sargent describen Venecia

Personalmente, creo que no hay mejor manera de introducir la acuarela que presentar las investigaciones figurativas, en torno a esta técnica, de William Turner y John Singer Sargent, maestros que inmortalizaron destellos de la icónica ciudad de Venecia precisamente a través de la experimentación con este medio pictórico. . El recorrido artístico en cuestión también pondrá de manifiesto la estrecha relación que estos dos pintores mantuvieron con la citada ciudad italiana, ya objeto de célebres obras maestras de la historia del arte, de la talla de Gentile Bellini, Vittore Carpaccio o Canaletto. Hablando de William Turner, pintor y grabador inglés nacido en 1775, conocido exponente del romanticismo, movimiento que interpretó con un punto de vista personal, destinado a anticipar los rasgos estilísticos del impresionismo y, en algunos casos, incluso aquellos del abstraccionismo, permaneció en la capital veneciana en dos ocasiones, concretamente durante los viajes que el artista realizó en 1819 y, posteriormente, entre 1828 y 1929. En ambas estancias Turner capturó, dentro de sus cuadernos de viaje repletos de bocetos y acuarelas, una intensa instantes de vida lagunar, símbolos concretos del estrechísimo vínculo que el artista inglés forjó con la ciudad italiana, debido ciertamente al encanto de la típica luz veneciana, pero también a las conocidas referencias histórico-literarias, así como a la pintores de fama mundial de este último. En esa narrativa figurativa, muchas veces transformada en fiel y posterior óleo, emerge el dualismo de Venecia, que se narra, tanto como una ciudad pública con temas muy reconocibles, como un lugar más desenfadado y reservado, en el que la representación de lugares más tranquilos da voz a las reflexiones más introspectivas del artista. Precisamente en este sentido, tal producción de acuarelas es capaz de revelar un nuevo Turner, quien, desvinculado de su faceta de artista de la corte y miembro de la prestigiosa Royal Academy of Art, se presenta como un viajero curioso e infatigable, empeñado en perseguir el mito romántico del héroe solitario, que choca con los más dispares secretos de la naturaleza.

William Turner, San Giorgio Maggiore al atardecer , 1840. Acuarela. Londres: Galería Tate.

John Singer Sargent, canal veneciano, 1913. Acuarela. Nueva York: MET.

La sencillez y espontaneidad de estos bocetos caracteriza también a San Giorgio Maggiore al atardecer (1840), una acuarela en la que el inglés creó una vista de la basílica, captada desde su habitación de hotel, que, ubicada en el Hotel Europa (Palazzo Giustinian), permitió él para echar un vistazo a ese tema envuelto en la oscuridad. Hablando de Sargent, el impresionista estadounidense nacido en 1856 decidió, en el apogeo de su floreciente carrera como retratista, reinventarse, redescubriendo su creatividad a través de la creación de acuarelas, destinadas a ofrecer una especie de narrativa figurativa a su nuevo "nómada". "estilo de vida, es decir, centrado predominantemente en realizar viajes de descubrimiento a Europa y Oriente Medio. Entre los muchos destinos, Venecia representa sin duda el lugar más querido de Sargent, quien, después de su primer viaje en 1870, volvería allí más de diez veces durante un período de cuarenta años, produciendo alrededor de ciento cincuenta óleos y acuarelas de temática veneciana, ejecutados entre las décadas de 1880 y 1913. Un ejemplo de esta narración de la laguna es Venetian Canal (1913), una acuarela en la que el agua ondulante del canal refleja la luz del sol, así como la arquitectura cercana, en la que el pintoresco campanario de la iglesia del siglo XI de San Bernabé también se puede vislumbrar. Teniendo en cuenta la perspectiva de la vista, parece que el maestro retrató la escena como si hubiera estado cómodamente sentado en una góndola, posición desde la que el artista también captó el movimiento de algunos de los ciudadanos, quienes, frente a la atención prestados a la arquitectura, aparecen como presencias distantes, indicadas por unos pocos trazos de pincel. Rasgos estilísticos similares también distinguen una acuarela anterior, titulada Venecia, la prisión (1903), que representa una pequeña vista de un conocido rincón de la ciudad lagunar, donde vislumbramos el Palazzo delle Prigioni Nove que, con vistas a la Cuenca de San Marcos y unido al Palacio Ducal por el famoso Puente de los Suspiros, fue diseñado por Antonio Da Ponte en 1589 para convertirse en la sede de uno de los las magistraturas más antiguas de la República de Venecia. El primer plano de la obra, sin embargo, está ocupado por una serie de góndolas que, muy cerca unas de otras y detenidas sobre el agua, generan intensos reflejos cromáticos en la superficie del canal, mientras que la "palidez" de los edificios de detrás refleja la intensa luz del sol.

Natalia Veyner, Mañana de verano , 2022. Acuarela sobre papel, 51,5 x 63 cm.

Kate Matveeva, Corriendo hacia la luz , 2022. Acuarela sobre papel, 50 x 40 cm.

La técnica de la acuarela: de la Grecia antigua a la época contemporánea

Refiriéndose a la más accesible de las definiciones, Wikipedia describe la acuarela como una técnica pictórica caracterizada por el uso de pigmentos finamente molidos mezclados con aglutinantes, que posteriormente se diluyen en agua, para ser esparcidos sobre el soporte pictórico, con el fin de para crear composiciones a partir de colores suaves y delicados que caracterizan. Tal como se ve en los ejemplos de Turner y Sargent, tal herramienta de investigación artística, considerada rápida y fácilmente transportable en sus materiales, resulta perfecta para quienes pintan de viaje o al aire libre. A pesar de estos puntos fuertes, el uso de la acuarela no se hizo muy popular hasta el siglo XVII, aunque, aunque no precisamente en la forma conocida hoy, estuvo presente desde la época de los antiguos egipcios, así como en la cultura de China en el primeros siglos EC y, más tarde, en el mundo medieval de los miniaturistas, donde se utilizó con efectos más afines a la técnica moderna del gouache. Artistas como William Turner, William Blake, Charles-Joseph Natoire y Louis-Jean Desprez, en cambio, utilizaron una "versión" de la acuarela más afín a la contemporánea, en la que los colores se diluyen con agua simple y se esparcen en forma muy fluida. veladuras, superpuestas al blanco característico del papel. Precisamente a partir de la obra de estos últimos maestros, y por tanto entre finales del siglo XVIII y XIX, se considera finalmente a la acuarela como una técnica artística a la altura del óleo, ya que anteriormente se utilizaba principalmente para bocetos preparatorios o estudios. , como hicieron en alguna ocasión grandes maestros como Alberto Durero o Pisanello. La gran tradición de la acuarela sigue en el arte contemporáneo, donde la dignidad artística ahora establecida del medio se expresa a través del rico y diverso trabajo de los artistas de Artmajeur, bien ejemplificado por las obras de Ingaside, Irina Pronina y Karin Martina Wloczyk.

Ingaside, Liebres muy felices con bigotes , 2022. Acuarela sobre papel, 38 x 56 cm.

Dentro: Liebres muy felices con bigotes

La acuarela del artista de Artmajeur representa a tres alegres liebres que, probablemente invitadas a una fiesta de cumpleaños, participan en el evento luciendo lindos bigotes de papel y sosteniendo, sobre sus largas, tiesas y extendidas orejas, una decoración de triángulos y bicicletas, un festón cuya presencia ha sido rigurosamente estudiada para aludir a un clima festivo explícito, alegre y desenfadado. Sin embargo, desde un punto de vista puramente histórico-artístico, el mencionado animal fue el protagonista de una obra maestra claramente más seria, como la acuarela de 1502 de Albrecht Dürer, que, titulada Liebre , fue realizada por el artista para estudiar las características de la bestia, que, para la ocasión, probablemente había capturado y arreglado en su atelier. Fue precisamente en tal contexto que el animal pudo haber tenido miedo, sentimiento que pudo ser revelado precisamente por la actitud de sus orejas, nerviosas y rígidamente dispuestas hacia arriba. Todas estas atenciones al detalle atestiguan el amor del maestro alemán por los animales, que a menudo representaba con un marcado realismo, encontrado, en este caso particular, en la precisa representación de la dirección del pelaje de la liebre, que varía en los diferentes partes del cuerpo.

Irina Pronina, Lush Petunia , 2022. Acuarela sobre papel, 78 x 56 cm.

Irina Pronina: Petunia exuberante

La narrativa de la historia del arte en torno a los temas investigados por la acuarela no se limita sólo a la descripción de ciudades y animales, involucrando también el colorido mundo floral. De hecho, Lush Petunia de Irina Pronina parece dar continuidad a la investigación artística de Georgia O'Keeffe, pintora estadounidense más conocida por sus acuarelas y óleos de flores, que, realizados en primeros planos o a gran escala, fueron concebidos entre mediados de la década de 1920 y 1950. Durante esta etapa de su carrera, dicha artista, influenciada por el mundo floral desde muy temprana edad, desarrolló el tema antes mencionado dentro de composiciones "clásicas" al estilo de las naturalezas muertas, que, luego, se fueron acercando cada vez más, además de tender hacia el abstraccionismo. Precisamente de este último punto de vista parte claramente la interpretación realista de la petunia de Pronina, que, prefiriendo un encuadre más aireado que el primer plano "minimalista", nos permite observar múltiples ejemplares de una misma flor, destinados a convertirse en un símbolo de la personal visión del arte del artista de Artmajeur, dirigida a investigar principalmente las especies de flora más dispares.

Karin Martina Wloczyk, Kenn dein limit!, 2021. Acuarela/tiza sobre papel, 50 x 50 cm.

Karin Martina Wloczyk: ¡Límite de Kenn dein!

¡Límite de Kenn Dein! es una acuarela abstracta que, si bien contiene estridentes figuras geométricas, pertenece a la corriente lírica del mencionado movimiento, en el sentido de que, en lugar de estar dominada por el rigor y el control racional del abstraccionismo geométrico, deja amplio espacio a la imaginación, como así como para el universo personal del artista, quien se sintió libre para superponer, instintivamente, los cuadrados y rectángulos en la obra. Un principio similar se puede encontrar en una acuarela muy conocida en la historia del arte, como Al estilo de Kairouan , creada por Paul Klee en 1914 y conservada en el Kuntsmuseum de Berna, Suiza. El título de la obra maestra hace referencia explícita a la ciudad tunecina de Kairouan, que el artista visitó con Louis Moilliet y August Macke ese mismo año. A pesar de esta cita, la pintura abandonó la representación realista de la realidad para sustituirla por la presencia de rectángulos, polígonos y círculos abstractos de colores superpuestos entre sí. En cuanto a la técnica, sin embargo, la acuarela fue investigada por Klee de forma experimental: comenzó expresándose a través de una escala de grises, llegando, con el tiempo y un mayor dominio del medio, a la realización de obras con colores vivos.