La publicidad en el arte

carteles publicitarios

En las sociedades capitalistas, la publicidad, además de ser ubicua, también representa una de las formas de la cultura dominante, dirigida a incitar al consumo de bienes, que se presentan como medios indispensables para la consecución del bienestar y la felicidad.

¿Cuáles son los orígenes de la publicidad moderna?

En el siglo XVIII, los anuncios ocupaban, gratuitamente y con pequeños anuncios, la cuarta página de los periódicos, mientras que, a partir de los últimos treinta años del siglo XIX, se generalizó el uso del cartel publicitario. Estos últimos representan una de las formas más antiguas de publicidad existente que, nacida durante la segunda revolución industrial, estuvo inicialmente ligada a la promoción de calendarios de espectáculos teatrales o cabarets, lugares de diversión que se estaban extendiendo durante esos años. El cartel publicitario fue inventado por el francés Jules Chéret, quien, al exaltar de manera innovadora la parte figurativa del anuncio, frente a la textual, también incluyó la presencia de modelos. En Italia, en cambio, la historia del cartel publicitario está indisolublemente ligada al nombre del cartelista más innovador: Leonetto Cappiello (Livorno, 9 de abril de 1875 - Cannes, 2 de febrero de 1942).

Leonetto Cappiello, Bitter Campari , 1921. Litografía, 100 x 70 cm. Milán, Archivio Galleria Campari,.

Leonetto Cappiello y Campari

Campari, también conocido como Campari Bitter o Bitter Campari, es una popular bebida alcohólica italiana, utilizada en la preparación de famosos cócteles, como el Negroni y el Americano. Para publicitar Campari, Leonetto Cappiello, en 1921, propuso un cartel vanguardista, donde, por primera vez, una imagen reemplazaba el producto a vender. De hecho, en el cartel, la bebida alcohólica se representa en manos de un personaje animado: el "Spiritello". Este testimonial, una especie de genio de la lámpara envuelto en la cáscara de una naranja, era perfecto para combinar con la famosa bebida de naranja, tanto que pronto se convirtió en un personaje querido por el público italiano. Finalmente, el "spiritello", destinado a encarnar el producto sin ser al mismo tiempo ajeno a él, estaba animado por una sonrisa descarada, realizada con el propósito de tentar al espectador a comprar Campari.

Andy Warhol, Botellas verdes de Coca-Cola , 1962. Acrílico, serigrafía y lápiz grafito sobre lienzo, 210,2 × 145,1 cm. Nueva York, Museo Whitney de Arte Americano.

Andy Warhol: Coca Cola

Se Leonetto Cappiello, esponente dell'Art Nouveau, era stato ingaggiato dalla Campari per creare manifesti pubblicitari, che avevano unito in modo innovativo arte e consumismo, i rappresentanti della Pop Art americana degli anni Cinquanta e Sessanta, invece, inserirono spontaneamente le grandi marche nelle loro opere, per rivelare l'avvento della società dei consumi di massa. Questo può essere esemplificato dall'opera di Andy Warhol Green Coca Cola Bottles, che, creata nel 1962, raffigura 112 bottiglie vuote di Coca Cola, disposte in 7 file di 16 ciascuna. Green Coca Cola Bottles fue realizada con la técnica de serigrafía, apropiadamente scelta dall'artista per alludere ai meccanismi di produzione di massa tipici della società dei consumi. Tuttavia, i contorni delle bottiglie, probablemente stampati a mano, differiscono l'uno dall'altro nei loro contorni, nell'uniformità della vernice e nella loro inclinazione, dando a Green Coca Cola Bottles un tocco di realizzazione manuale. Infine, l'opera di Warhol, che criticava ironicamente, e allo stesso tempo glorificava, gli idoli ei valori superficiali della cultura americana, riuscì a portare nei musei i prodotti tipici dei supermercati. Infatti, l'artista stesso dichiarò l'uguaglianza tra supermercato e museo, sostenendo che in entrambi i luoghi si potevano "consumare prodotti" in modo simile.

Maxl, Marilyn & Mickey , 2021. Collage y acrílico, 102 x 102 cm.

Maxl: Coca Cola, Mickey Mouse y Marilyn Monroe

En la obra de arte del artista de Artmajeur, Maxl, el logotipo y los colores de Coca Cola adornan las características de un nuevo Mickey Mouse, que encuentra su lugar junto a una Marilyn Monroe, representada en su pose icónica más famosa. De hecho, este collage parece reunir, de forma totalmente innovadora, tres temas muy queridos por la obra de Andy Warhol: Coca Cola, Mickey Mouse y Marilyn Monroe. En consecuencia, la obra de Maxl parece ser un vocero de la poética del Pop Art estadounidense, caracterizada por un gran interés por las imágenes que remiten al mundo artificial en el que viven los consumidores, como los productos industriales cotidianos y los medios de comunicación de masas. La publicidad, la televisión y el cine, pero también los anaqueles de los supermercados, se convierten en los nuevos sujetos de las obras de arte, capaces de difundir una visión más colorida y viva de la realidad, bajo la cual, sin embargo, subyace un sentimiento de angustia y angustia latente.

Stephane Cazenave, Condado de Marlboro , 1991. Collage y acrílico, 50 x 65 cm.

Stéphane Cazenave: Marlboro

Entre los collages más famosos realizados por los exponentes del Pop art se encuentran sin duda los de Richard Hamilton, pionero del Pop art inglés. De hecho, una de sus obras de arte más famosas, titulada ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? , fue creado a partir de la yuxtaposición de fotografías e imágenes tomadas de la prensa estadounidense, representando una condensación de referencias a la cultura pop. El collage del artista de Artmajeur Stephane Cazenave, por su parte, destaca por haber combinado la técnica anterior, de forma muy personal y original, con la pintura acrílica, con la que se crea el fondo alrededor de la foto recortada del vaquero. El vaquero representa un personaje icónico del mundo de la publicidad, indisolublemente ligado a una conocida marca de cigarrillos americana, a la que la obra hace referencia explícita con las palabras "Marlboro". En conclusión, la obra de Cazenave destaca por su capacidad para combinar un tema de culto del mundo del consumismo con una técnica artística muy personal.

Tony Rubino, Papel Higiénico Chanel , 2021. Acrílico y litografía,
30,5 x 45,7 cm.

Tony Rubino: Chanel

Las obras investigadas hasta el momento, en línea con la poética del Pop art, no pretenden criticar a la sociedad, sino simplemente reflejar sus características. En apoyo de lo dicho, reporto la frase del célebre artista Roy Lichtenstein: ''No estoy muy seguro del tipo de mensaje social contenido en mi arte, si lo hay''. La obra de Tony Rubino, artista de Artmajeur, se aleja fuertemente de este contexto, de hecho, muy probablemente, quiso dar voz a su disidencia hacia la sociedad de consumo, plasmando la marca de una conocida casa de moda en un rollo de papel higiénico. papel. Es más, si el Pop art de Andy Warhol había preferido el uso de la serigrafía, técnica de impresión que permite la reproducción de imágenes en serie, Tony Rubino se ha decantado por la litografía, que, al producir solo un número muy limitado de ediciones, se desligó definitivamente de la cadena de montaje. producción de la sociedad de consumo. En conclusión, la obra del artista de Artmajeur representa una interpretación muy personal del Pop art, que se carga de nuevos significados.