jerónimo bosco

Jerónimo Bosch.

¿Quién fue Hieronymus Bosch?

Hieronymus Bosch, también conocido como Jheronimus van Aken, fue un renombrado pintor holandés de Brabante que vivió desde alrededor de 1450 hasta el 9 de agosto de 1516. Fue una figura destacada en la escuela de pintura de los primeros Países Bajos y es conocido por sus extraordinarias representaciones de religiosos temas e historias. Usando óleo sobre madera de roble como su medio principal, Bosch creó ilustraciones fantásticas que a menudo representaban el infierno de una manera macabra y pesadillesca.

Aunque no se sabe mucho sobre la vida personal de Bosch, existen algunos registros. Pasó la mayor parte de su vida en la ciudad de 's-Hertogenbosch, donde nació en la casa de su abuelo. Sus raíces ancestrales se remontan a Nijmegen y Aachen, lo que es evidente en su apellido "Van Aken". El estilo artístico único y pesimista de Bosch tuvo una profunda influencia en el arte del norte de Europa durante el siglo XVI, siendo Pieter Bruegel el Viejo su discípulo más conocido. Hoy, Bosch es reconocido como un pintor altamente individualista que poseía una profunda comprensión de los deseos humanos y los miedos más profundos.

Determinar la autoría de las obras de Bosch ha sido un desafío, y solo se le atribuyen con confianza unas 25 pinturas, junto con ocho dibujos. Aproximadamente seis pinturas más están asociadas con confianza a su taller. Algunas de sus obras maestras más célebres incluyen retablos trípticos, en particular "El jardín de las delicias".

Conceptos clave

El Bosco fue un artista pionero que introdujo ideas abstractas en su obra, utilizando frecuentemente la estructura narrativa del tríptico. Expertos y académicos han identificado varios temas contemporáneos en su narración, como cuestiones ecológicas, sociales y políticas. Sin embargo, sus creaciones más renombradas, particularmente su magnífica obra maestra, El jardín de las delicias (1490-1510), están llenas de simbolismo religioso y giran en torno al eterno conflicto moral de la humanidad entre la temeridad y la virtud.

Reconocido por muchos como el "creador de imágenes demoníacas" y un transmisor de absurdo visual y burla, las obras de arte de Bosch han planteado importantes desafíos para que críticos e historiadores las descifren. Sus enigmáticas pinturas le han valido el apodo de "El Bosco" en España, donde fue muy apreciado incluso antes del resurgimiento del interés por su arte en el siglo XIX. De hecho, Bosch es a menudo considerado como el "primer surrealista" y fue aclamado por el renombrado psicoanalista Carl Jung como el "explorador del inconsciente" pionero.

En contraste con los pintores holandeses como Jan van Eyck, cuyo estilo se caracterizó por una pincelada suave y precisa, la técnica artística de Bosch es dinámica y diversa. Sus pinceladas vibrantes exhiben una energía notable. Además, su excepcional atención al detalle se remonta a su temprana experiencia como dibujante, que lo distinguió como uno de los primeros artistas holandeses en crear dibujos como obras de arte independientes en lugar de solo bocetos preparatorios.

Ciertos historiadores han destacado que la fuente de inspiración de las criaturas distintivamente surrealistas y diabólicas que habitan en las obras de arte de Bosch se remonta a los manuscritos religiosos que datan desde finales del período medieval hasta el Renacimiento. Ya en 1605, el monje español José de Sigüenza observó que las pinturas de Bosch eran similares a "libros de inmensa sabiduría y significado artístico". Señaló además que los absurdos percibidos dentro de las obras de arte no eran del artista, sino reflejos de las propias locuras y delirios de la humanidad. Sigüenza consideró las pinturas de Bosch como sátiras pintadas, que ofrecían críticas agudas de los pecados humanos y el comportamiento irracional.

Hieronymus Bosch, San Juan Bautista en meditación , c.1489. Óleo sobre tabla, 48,5×40 cm. Museo Lázaro Galdiano, Madrid.

Vida temprana y formación

Jheronimus Anthonissen van Aken nació aproximadamente entre 1450 y 1456 (la fecha exacta de su nacimiento sigue siendo incierta, pero se ha estimado en base a un autorretrato de alrededor de 1508). Era hijo de Antonius van Aken y Aleid van der Mynnem, y nació en un hogar próspero en la residencia de su abuelo en la próspera y culturalmente vibrante ciudad de 's-Hertogenbosch, que formaba parte del Ducado de Brabante en los Países Bajos. . Su abuelo, Johannes Thomaszoon van Aken, fue un pintor muy apreciado a principios del siglo XV en 's-Hertogenbosch y estableció un notable legado artístico, ya que cuatro de sus cinco hijos, incluido Antonius, también se convirtieron en pintores.

Aparte de estos detalles, no se sabe mucho sobre los primeros años de Bosch, excepto por el hecho de que en 1463, un incendio catastrófico destruyó alrededor de 4.000 casas en 's-Hertogenbosch. Se cree que Bosch fue testigo de este evento devastador, que probablemente tuvo un profundo impacto en él. La historiadora de arte Claire Selvin sugiere que este trágico incidente puede haber influido en las obras de arte posteriores de Bosch, algunas de las cuales representan incendios de fondo, reflejando la impresión duradera del evento destructivo en el artista.

Cuando era joven, Jheronimus adoptó el nombre de Bosch como tributo a su ciudad natal, conocida localmente como Den Bosch o "el bosque". Desafortunadamente, se sabe muy poco sobre su entrenamiento ya que no dejó cuadernos, cartas u otros artefactos. Sin embargo, los registros de la ciudad de s-Hertogenbosch en 1475 indican que Hieronymus figuraba como miembro del taller de su padre. Es razonable suponer que su padre, posiblemente ayudado por uno de sus tíos, le enseñó el arte de la pintura. A pesar de este conocimiento, los orígenes de la extraordinaria imaginación de Bosch siguen siendo esquivos.

Alrededor de 1480-81, Bosch se casó con Aleid van der Mervenne, la hija de un comerciante. Aleid, que era mayor que Bosch, trajo consigo una importante herencia, incluida una propiedad familiar en el pueblo cercano de Oirschot, donde se establecieron. Se cree que Bosch nunca se aventuró lejos de su entorno inmediato y no viajó mucho. Según Salvin, a través de Fischer, Bosch se benefició de los recursos financieros, la tierra y el estatus social que se derivaron del matrimonio. Poco después de su unión, Bosch estableció su propio taller, marcando un importante punto de inflexión en su carrera como artista independiente. Esto le permitió formar conexiones con patrocinadores influyentes, incluida la realeza.

En 1486, el nombre y la profesión de Bosch se registraron en los registros de la ciudad de s-Hertogenbosch, designándolo como Insignis Pictor o "Pintor Distinguido". Se puede especular que debido a que s-Hertogenbosch estaba bajo el gobierno del Imperio Romano, Bosch probablemente estaba familiarizado con el arte del Renacimiento, que tuvo un impacto en los pintores flamencos. A la edad de alrededor de 40 años, en 1488, Bosch se unió a la Hermandad de Nuestra Señora, una asociación religiosa muy conservadora que consta de alrededor de 40 ciudadanos influyentes de 's-Hertogenbosch y 7.000 "miembros externos" repartidos por toda Europa. La Hermandad, a la que el padre de Bosch había servido una vez como asesor artístico, estaba dedicada a la Virgen y gozaba de un gran respeto en toda la Europa católica. Se cree que algunos de los primeros encargos de obras de arte devocionales de Bosch llegaron a través de la Hermandad, aunque no está claro si alguna de estas obras ha sobrevivido hasta el día de hoy.

Con respecto a una de las primeras obras conocidas de Bosch, la Crucifixión con santos y donante (c. 1485-1490), Fischer sugiere que, si bien se desconoce el lugar de exhibición original, la pintura tenía el propósito típico de asegurar la salvación del donante representado arrodillado en el base de la cruz, similar a otras obras de arte devocionales de la época. Esta pintura en particular se destaca un poco del resto del trabajo de Bosch, que a menudo presenta composiciones excéntricas, desorientadoras e inquietantes. Sin embargo, Bosch aplicaría más tarde su estilo distintivo a varios temas religiosos.

Sin embargo, el crítico de arte Tim Smith-Laing desafía la noción de que Bosch era un extraño o poco convencional de alguna manera. Si bien algunas investigaciones especulativas en la década de 1940 intentaron asociarlo con un culto sexual herético llamado Adamitas, y hubo sugerencias en la década de 1960 de que pudo haber experimentado alucinaciones al consumir trigo contaminado con cornezuelo de centeno, la opinión académica dominante pinta una imagen mucho más convencional. No hay evidencia que respalde estas teorías, y se cree ampliamente que Bosch era un miembro respetado y próspero de la sociedad, adherido al catolicismo ortodoxo. Tenía una gran demanda como pintor devoto, buscado por varios mecenas.

Hieronymus Bosch, El carro de heno de Hieronymus Bosch , c.1516. Óleo sobre tabla, 135×200 cm. Museo del Prado, Madrid.

período maduro

Mientras que otros artistas del norte de Europa se centraron en representar narraciones bíblicas, Bosch abordó el mismo tema de una manera notablemente original y distinta que contrastaba marcadamente con el armonioso estilo flamenco predominante. Volvió a imaginar estas historias a través de su vívida imaginación, transformando parábolas religiosas en extraordinarios reinos de fantasía llenos de absurdo y rico simbolismo eclesiástico. Fue durante su "período medio" vagamente definido que el estilo icónico de Bosch comenzó a surgir. Sus obras de arte presentaban figuras contorsionadas y distorsionadas, colores vibrantes, follaje ominoso y de gran tamaño, así como varios demonios y reptiles. En este período, creó obras como San Jerónimo en oración (c. 1485-90), San Juan Bautista en meditación (1490) y el retablo San Juan en Patmos (1490-95), que podría haber sido encargado por la Hermandad de Nuestra Señora Santísima.

Sin embargo, fue el Tríptico de la Adoración de los Magos (1494) el que a menudo se considera su primera verdadera obra maestra. Encargada por Peeter Scheyfve y Agneese de Gramme de Amberes, esta obra, que representa la Misa de San Gregorio, solidificó la reputación de Bosch, aunque más tarde se desvió de su estilo reconocido. Como señaló Smith-Laing, "Cuando Bosch murió en 1516, ya era uno de los pintores más renombrados de su tiempo, y pronto se convirtió en uno de los artistas más imitados y copiados. Hacia la década de 1530... toda una escuela de Surgieron pintores en Amberes dedicados a ese propósito exacto, cristalizando la imagen visionaria de Bosch". Smith-Laing enfatiza que cuando los "profesionales de marketing modernos" se interesaron en el trabajo de Bosch, se centraron principalmente en él como creador de imágenes infernales y diabólicas, a menudo pasando por alto sus obras más tranquilas y contemplativas como la Adoración de los magos.

Último periodo

Sin duda, El jardín de las delicias (1490-1510) se erige como la obra maestra más magnífica de El Bosco y su obra más reconocida. De hecho, para muchas personas, esta pintura es la única asociación que tienen con su nombre. En este punto de su carrera, el estilo de Bosch había alcanzado su punto máximo, mostrando su expresión artística madura. La obra de arte representa un paraíso terrenal donde la creación y la tentación de la mujer se yuxtaponen con escenas profundamente inquietantes y perturbadoras de libertinaje y hedonismo.

La cualidad onírica y pesadillesca de la pintura ha adquirido un estatus legendario, llena de numerosas diminutas figuras humanas desnudas, animales distorsionados y criaturas amenazantes que aparentemente surgieron de las profundidades de la imaginación ilimitada del artista. Sin embargo, según The Oxford Dictionary of Art and Artists, mientras que obras como The Garden of Earthly Delights poseen un poder imaginativo increíblemente vívido e incorporan narraciones y símbolos intrincados, los temas subyacentes pueden ser engañosamente sencillos, a menudo enraizados en la cultura popular de la era de Bosch. , incluyendo proverbios y literatura devocional. El diccionario también señala que visualmente, las figuras monstruosas que pintó se parecen a las criaturas peculiares que se encuentran con frecuencia en los márgenes de los manuscritos medievales y las gárgolas grotescas que adornan la arquitectura gótica. De hecho, incluso la catedral de 's-Hertogenbosch contiene ejemplos notables de estas gárgolas.
Además de la preocupación de Bosch por la dualidad del bien y el mal en el universo de Dios, exhibe una notable habilidad para lograr la armonía compositiva y una meticulosa atención al detalle que rivaliza con la de los pintores del Renacimiento. El renombrado historiador de arte EH Gombrich, haciendo referencia a El jardín de las delicias, comentó que Bosch había logrado algo sin precedentes: dar forma tangible a los miedos que habían plagado las mentes de las personas durante la Edad Media. Este logro fue posible gracias a la combinación de la influencia persistente de las ideas antiguas y las técnicas artísticas proporcionadas por el espíritu moderno del Renacimiento.

The Ship of Fools, que se cree que originalmente era parte de un tríptico, se considera ampliamente como una respuesta a la publicación del libro satírico inmensamente popular del mismo nombre de Sebastian Brant en 1494. Al igual que Brant, Bosch empleó el barco (en realidad, un bote pequeño). ) y sus pasajeros como metáfora de una sociedad moralmente corrupta en su conjunto. La reunión de juerguistas exuberantes demuestra una vez más la asociación del pecado con la música de Bosch, aunque no está claro por qué un monje y una monja proporcionan el entretenimiento musical en esta escena en particular. El mástil excesivamente largo del barco está rematado por una gran rama sobre la que se posa una lechuza, símbolo del pecado, motivo recurrente en las obras del Bosco. Algunos historiadores han especulado que la figura del "Hombre Árbol" en el panel del Infierno de El jardín de las delicias era un autorretrato del artista, pero el único autorretrato confirmado es un dibujo de 1508. Este dibujo, que se cree haber sido creados ocho años antes de la muerte de Bosch, puede sugerir la conciencia del artista de su edad avanzada y el deseo de establecer su legado artístico. La Hermandad de Nuestra Señora registró que Bosch murió en 1516, y se celebró un funeral por él el 9 de agosto en la Iglesia de San Juan en 's-Hertogenbosch.

A pesar de su lugar indiscutible en la historia del arte, el cuerpo de trabajo de Bosch consta de solo alrededor de 25 pinturas y ocho dibujos. Una de las razones de esta producción limitada se atribuye a la ola de destrucción de obras de arte consideradas inmorales durante la Reforma protestante del siglo XVI. Seis de sus obras fueron adquiridas o confiscadas por Felipe II de España a finales del siglo XVI (ahora conservadas en el Museo del Prado de Madrid), mientras que otras surgieron por toda Europa, dando como resultado un registro histórico fragmentado e incompleto de uno de los los artistas más extraordinarios de la historia.

Hieronymus Bosch, El Juicio Final, c.1486. Óleo sobre tabla, 99×117,5 cm. Museo Groeninge, Brujas.

Obras

Bosch creó un total de al menos dieciséis trípticos, de los cuales ocho han sobrevivido completamente intactos, mientras que otros cinco existen en forma fragmentada. Su cuerpo de trabajo se puede dividir en tres períodos: el período temprano (circa 1470-1485), el período medio (circa 1485-1500) y el período tardío (circa 1500 hasta su muerte). La mayoría de las pinturas supervivientes de Bosch, trece en total, se completaron en el período tardío, y siete se atribuyeron a su período medio. Los investigadores del Proyecto de Investigación y Conservación de Bosch realizaron investigaciones dendrocronológicas en los paneles de roble, lo que llevó a una datación más precisa de la mayoría de las pinturas de Bosch.

En contraste con las superficies lisas logradas a través de múltiples veladuras transparentes en el estilo tradicional de pintura flamenca, Bosch a veces empleó un enfoque más esquemático en sus obras. Sus pinturas presentaban superficies rugosas con técnicas de empaste, desviándose del deseo de los pintores holandeses contemporáneos de ocultar las pinceladas y presentar sus obras como creaciones divinas.

Aunque el Bosco no fechó sus pinturas de manera constante, sí firmó algunas de ellas, aunque ciertas supuestas firmas no son auténticas. Hoy quedan aproximadamente veinticinco pinturas atribuidas al Bosco. A finales del siglo XVI, Felipe II de España adquirió muchas de las obras del Bosco, lo que llevó al Museo del Prado de Madrid a albergar piezas notables como La adoración de los magos, El jardín de las delicias, Los siete pecados capitales y Las cuatro últimas cosas. (pintura de mesa) y El tríptico del carro de heno.

Bosch utilizó principalmente el aceite como medio para pintar sus obras en paneles de roble. Su paleta era relativamente restringida y consistía en pigmentos comunes disponibles durante su tiempo. Para cielos azules y paisajes lejanos, a menudo empleaba azurita. Los tonos verdes en sus pinturas se lograron utilizando esmaltes a base de cobre y pinturas hechas de malaquita o cardenillo, que se aplicaron para representar el follaje y los paisajes en primer plano. En cuanto a las figuras de sus composiciones, el Bosco se basó en pigmentos de laca amarillo plomo-estaño, ocres y rojos como el carmín o la laca más rubia.  

Hieronymus Bosch, Tentación de San Antonio , c.1500-1525. Óleo sobre tabla, 70×51 cm. Museo del Prado, Madrid.

Algunas interpretaciones

En el siglo XX, a medida que evolucionaron los gustos artísticos, artistas como Bosch ganaron una mayor aceptación en la escena artística europea. Durante este tiempo, algunos argumentaron que el arte de Bosch estaba influenciado por creencias heréticas asociadas con grupos como los cátaros o los adamitas, así como por oscuras prácticas herméticas. Esta perspectiva encontró apoyo en el hecho de que Erasmo, que tenía conexiones con la atmósfera religiosa progresista en 's-Hertogenbosch y los Hermanos de la Vida Común, compartía similitudes con El Bosco en sus escritos críticos.

Por otro lado, hubo quienes continuaron con una interpretación de la obra de Bosch que se remonta al siglo XVI, sugiriendo que su arte estaba destinado principalmente a entretener y cautivar, similar a los "grotteschi" del Renacimiento italiano. Mientras que los maestros anteriores representaron el mundo físico de las experiencias cotidianas, Bosch presentó a sus espectadores un reino de sueños y pesadillas, donde las formas parecían cambiar y transformarse. Felipe de Guevara, en uno de los primeros relatos de las pinturas de Bosch, lo describió como el "inventor de los monstruos y las quimeras". De manera similar, Karel van Mander, un artista y biógrafo de principios del siglo XVII, caracterizó la obra de Bosch como una colección de fantasías maravillosas y peculiares que a menudo eran más inquietantes que agradables de contemplar.

En los últimos años, los estudiosos han reevaluado la visión artística de Bosch y han llegado a considerarla menos fantástica, reconociendo que su arte refleja las creencias religiosas ortodoxas predominantes de su época. Sus representaciones de la pecaminosidad humana, así como sus representaciones del cielo y el infierno, ahora se consideran consistentes con las enseñanzas morales que se encuentran en la literatura y los sermones de finales de la Edad Media. Es ampliamente aceptado que el arte de Bosch tenía la intención de transmitir verdades morales y espirituales específicas, al igual que otras figuras del Renacimiento del Norte, como el poeta Robert Henryson. Se entiende que sus imágenes tienen significados simbólicos deliberados y precisos. Los estudiosos, incluido Dirk Bax, sugieren que las pinturas de Bosch a menudo traducen metáforas verbales y juegos de palabras de fuentes bíblicas y folclóricas a formas visuales.

Sin embargo, las diversas interpretaciones de las obras de Bosch plantean preguntas importantes sobre la naturaleza de la ambigüedad en el arte de su época. En los últimos años, los historiadores del arte han destacado la presencia de la ironía en las obras del Bosco, particularmente en "El jardín de las delicias", tanto en el panel central que representa las delicias como en el panel derecho que representa el Infierno. Proponen que esta ironía permite una sensación de desapego tanto del mundo real como del mundo de fantasía pintado, atrayendo tanto a espectadores conservadores como progresistas.

Joseph Koerner agrega otra capa a la discusión al sugerir que las cualidades crípticas en el trabajo de Bosch provienen de su enfoque en los enemigos sociales, políticos y espirituales. El simbolismo empleado por Bosch es deliberadamente oscuro, ya que pretende ocultar o dañar a estos enemigos.

Un estudio realizado en 2012 sugiere que las pinturas de Bosch también ocultan una fuerte conciencia nacionalista, sirviendo como una crítica al gobierno imperial extranjero de los Países Bajos de Borgoña, particularmente a Maximiliano Habsburgo. Según el estudio, el uso de imágenes y conceptos superpuestos por parte del Bosco también refleja su propio autocastigo, ya que aceptó encargos bien pagados de los Habsburgo y sus representantes, traicionando así la memoria de Carlos el Temerario.

Debates sobre la atribución

El número exacto de obras supervivientes atribuidas a Bosch ha sido objeto de mucho debate entre los estudiosos. Solo siete pinturas llevan su firma, y existe incertidumbre en torno a la autenticidad de algunas obras que se le atribuyeron anteriormente. Las copias y variaciones de sus pinturas comenzaron a circular desde principios del siglo XVI en adelante, y su estilo distintivo tuvo un impacto significativo, lo que llevó a una amplia imitación por parte de sus numerosos seguidores.

Con el tiempo, los académicos han atribuido progresivamente menos obras a Bosch a medida que los avances tecnológicos, como la reflectografía infrarroja, han permitido un examen más profundo del dibujo subyacente de una pintura. Los historiadores del arte de principios y mediados del siglo XX, como Tolnay y Baldass, identificaron inicialmente entre treinta y cincuenta pinturas como del Bosco. Una monografía posterior de Gerd Unverfehrt en 1980 le atribuye veinticinco pinturas y 14 dibujos.

A principios de 2016, después de un extenso estudio forense realizado por el Proyecto de Investigación y Conservación de Bosch, La tentación de San Antonio, un pequeño panel alojado en el Museo de Arte Nelson-Atkins, fue acreditado al propio Bosch, anulando su atribución anterior a su taller. . El Proyecto de Investigación y Conservación de Bosch también ha planteado dudas sobre la autoría de dos pinturas conocidas, Los siete pecados capitales en el Museo del Prado y Cristo con la cruz en el Museo de Bellas Artes de Gante, lo que sugiere que pueden haber sido ejecutados por Taller de Bosch en lugar de por el artista personalmente.

Las 5 mejores obras de arte

Hieronymus Bosch, Los siete pecados capitales y las cuatro últimas cosas , c. 1500. Óleo sobre tabla, 120cm × 150cm. Museo del Prado, Madrid.

Los siete pecados capitales y las cuatro últimas cosas (c. 1500)

Continuando con su exploración del tema del Juicio Final, la pintura de Bosch retrata los Siete Pecados Capitales dispuestos individualmente alrededor de un círculo central con Cristo saliendo de una tumba. Las Cuatro Últimas Cosas—Muerte, Juicio, Cielo e Infierno—ocupan las esquinas. Debajo de Cristo, un texto advierte: "Cuidado, cuidado, el Señor ve". Un banderín en la parte superior cita Deuteronomio 32:28, enfatizando la necedad de los que carecen de entendimiento, mientras que el banderín en la parte inferior cita Deuteronomio 32:20, indicando que Dios se apartó de ellos. Al alejarse de la pintura, se revela su simbolismo, con un gran círculo central que representa a Jesús como el ojo de Dios que todo lo ve, rodeado por un círculo más pequeño que representa los Siete Pecados Capitales.

La representación de las Últimas Cosas refleja las etapas por las que se cree que pasa el alma después de la muerte. Por ejemplo, "Muerte" retrata a un moribundo que recibe sus últimos ritos mientras un esqueleto, un demonio y un ángel esperan su muerte, simbolizando el golpe final, la lucha por su alma y el más allá. En "Heaven", un ángel protege a una mujer de un demonio, con Jesús y sus ángeles esperando la llegada de los justos. Dentro del círculo de los Pecados Capitales, escenas como "Ira" muestran a campesinos enemistados que se atacan entre sí, "Envidia" representa a una mujer tentada por un hombre rico ante la mirada envidiosa de sus padres, y "Orgullo" presenta a una mujer vanidosa admirándose a sí misma en un espejo sostenido por el diablo.

La pintura se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, que la muestra como una obra de arte original de Bosch. Sin embargo, existe cierto debate en torno a su atribución, aunque en general se acepta que fue creado en su taller. La pintura lleva el nombre de Bosch, pero hay evidencia que sugiere que un alumno pudo haber contribuido a ella, posiblemente agregando el nombre de Bosch por respeto o para realzar su valor. Teniendo en cuenta la desigual calidad de las figuras pintadas y el parecido con obras posteriores del Bosco caracterizadas por una técnica de pincel ancho, como El tríptico del carro de heno, el Museo del Prado sugiere que el Bosco pintó algunas escenas mientras un aprendiz trabajaba en otras.

Hieronymus Bosch, El tríptico del carro de heno, ca. 1516. Óleo sobre tablas de roble, 135cm × 200cm. Museo del Prado, Madrid.

El tríptico del carro de heno (c. 1512-15)

Las puertas exteriores del tríptico muestran una escena vibrante y colorida conocida como la "Peregrinación de la vida", que se desvía del estilo grisalla anterior que se ve típicamente en los paneles exteriores de Bosch. La crítica de arte Ingrid D. Rowland interpreta la figura de los paneles exteriores como un hombre común, que representa los desafíos que enfrenta en el viaje físico y espiritual de uno a través de la vida. Se enfatiza que la fe y la vigilancia constantes son necesarias para navegar por el traicionero camino de la existencia. Este tema de la peregrinación y los peligros potenciales de la vida presagia el desarrollo de la narrativa del pecado en los tres paneles interiores.

El primer panel interior representa la expulsión de los ángeles desobedientes del Jardín del Edén como castigo por sus pecados. Estos ángeles rebeldes experimentan una metamorfosis en figuras parecidas a insectos, haciéndose eco de las imágenes en el primer panel de El Juicio Final. El panel central retrata el descenso de la humanidad a un mundo pecaminoso bajo la atenta mirada de Cristo, el Redentor. En la parte inferior del cuadro, los trabajadores y padres honestos y humildes se contrastan con aquellos consumidos por la codicia, agarrando frenéticamente el heno sin darse cuenta del hecho de que el carro de heno está siendo conducido por choferes diabólicos directamente al infierno. En el panel final, Bosch presenta su visión incomparable del Infierno, que se representa como aún en construcción. Los constructores del diablo están ocupados construyendo una torre circular mientras los conductores de carretas diabólicos llevan a los pecadores a su nueva morada.

La historiadora del arte Pilar Silva interpreta la pieza como una ilustración de cómo la humanidad, independientemente de su clase social u origen, se ve poseída por deseos de bienes materiales, haciéndose vulnerable al engaño y la seducción del Diablo. Bosch sugiere que es necesario renunciar a los bienes terrenales y los placeres sensuales para evitar la condenación eterna. La pintura ofrece un tipo diferente de exemplum, ya que se centra no solo en hacer el bien sino también en evitar el mal y adherirse a este principio durante toda la vida. Si bien la mayoría de los estudiosos interpretan El tríptico del carro de heno en términos religiosos y moralistas, el historiador de arte Wilhelm Fränger propuso una teoría alternativa, sugiriendo que estos trípticos de "pecadores" fueron encargados por un culto misterioso en lugar de la Iglesia católica.

Hieronymus Bosch, Adoración de los Reyes Magos , c. 1485-50. Óleo sobre tabla, 138cm × 144cm. Museo del Prado, Madrid.

La adoración de los magos ( c. 1494)

El tríptico de Bosch ofrece una visión temprana de la visión brillantemente original y moralmente compleja del artista, representada a través de la historia de los Reyes Magos (o Reyes Magos) adorando al niño Jesús. El niño Jesús desnudo se sienta en el regazo de la Virgen María, mientras los Reyes Magos se acercan con dignidad regia. La historiadora del arte Pilar Silva señala la influencia de Jan van Eyck en la representación de María y Jesús, mientras que Bosch muestra sus habilidades pictóricas en las lujosas túnicas y ofrendas de los Reyes Magos. Su uso magistral de pinceladas finas para crear reflejos da la apariencia de detalles delicadamente dibujados.

En contraste con las narraciones típicas de la Epifanía del siglo XV, la pintura de Bosch incluye campesinos o pastores irreverentes y curiosos (que representan a los israelitas). Se paran como espectadores, asomándose desde detrás de una pared dañada del establo o incluso desde la azotea.

Uno de los elementos "boschianos" más distintivos de la pintura es la figura barbuda de pie dentro del establo, detrás de los Reyes Magos. Silva lo describe como el Anticristo, vestido con un manto que apenas cubre su cuerpo y con un velo transparente debajo. Las figuras dentro de la cabaña con él, incluida una mujer que se parece a las caricaturas de Leonardo y luce un tocado similar a los demonios en las obras de Bosch, exudan una expresión grotesca y siniestra.

En el paisaje, Silva identifica una casa con una bandera que representa un cisne y un palomar arriba, lo que indica que es un burdel. También observa a un hombre tirando de un caballo montado por un mono, que simboliza la lujuria, moviéndose hacia el burdel. La sensación de amenaza en la pintura se refuerza aún más en la distancia media, donde cargan dos ejércitos a caballo. Identificados como soldados de Herodes con tocados orientales, se les representa buscando a Jesús para matarlo. La ciudad en el horizonte representa Belén, y Bosch da rienda suelta a su imaginación dando a los edificios un aspecto oriental, con un molino de viento situado justo fuera de las murallas de la ciudad.

Hieronymus Bosch, El Juicio Final , c. 1482. Tríptico de óleo sobre madera, 163,7 cm × 242 cm. Academia de Bellas Artes de Viena.

El Juicio Final (1482-1505)

En la iglesia medieval, el concepto del Juicio Final ocupaba un lugar destacado, inculcando en los creyentes la creencia de que si ni siquiera Dios podía evitar que pecaran, el temor a la condenación eterna en las llamas del infierno ciertamente lo haría. Esta narración fue reiterada en numerosos sermones y libros, pero la singular visión del Bosco siempre la presentó como un escenario apocalíptico. La enciclopedia de Historia mundial del arte destaca una comparación entre el tratamiento de Bosch de la creación de Eva y la composición de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, y señala que si bien ambas obras se crearon en la misma época, evocan sentimientos muy diferentes. El Bosco, que reflejaba la época de decadencia de la Edad Media en el norte de Europa, tenía un fuerte sentido de la realidad del fuego del infierno, mientras que Miguel Ángel, durante el floreciente Alto Renacimiento italiano, enfatizó el aspecto humano de la historia.

Esta obra en particular, por cierto la más grande del Bosco, muestra la distintiva pincelada de empaste en relieve del artista, desafiando la técnica predominante de los pintores flamencos que favorecían la transparencia y una aplicación suave de la pintura. Aquí, la fétida imaginación de Bosch se muestra plenamente, mostrando su fascinación por el tema de la metamorfosis, como ángeles que se transforman en insectos, una mujer con piernas de lagarto, un ratón que se convierte en puercoespín (o viceversa) y una bruja grotesca. asando humanos en un asador. Sin embargo, a diferencia de muchas de sus otras obras, este tríptico se centra únicamente en el Cielo y el Infierno, sin representar un lugar intermedio como el purgatorio, donde las almas tradicionalmente tenían la oportunidad de reflexionar sobre sus acciones antes de que se determinara su destino final de salvación o condenación.

Las interpretaciones del arte de Bosch varían, algunos sugieren que estuvo influenciado por ideas heréticas, otros proponen que canalizó las ansiedades predominantes de su tiempo y otros lo consideran un "populista" o animador que presentó uno de los más grandes cuentos morales de la Biblia. una perspectiva absurda (una visión particularmente favorecida por los surrealistas). Independientemente de la interpretación, la Historia mundial del arte enfatiza que la historia familiar representada en las obras de Bosch habría sido fácilmente entendida y el mensaje subyacente creído tanto por los campesinos analfabetos como por los burgueses educados de la época. Sin embargo, reconoce que algunas de las imágenes de Bosch deben haber sido inquietantemente nuevas y angustiosas, posiblemente incluso evocando sentimientos de desesperación.

Hieronymus Bosch, El jardín de las delicias , 1490-1510. Óleo sobre tablas de roble, 205,5 cm × 384,9 cm. Museo del Prado, Madrid.

El jardín de las delicias terrenales (1490-1510)

La obra de arte más famosa de Bosch se encargó para celebrar la boda de la hija del conde Enrique II de Nassau, Bruselas. El tríptico tenía como objetivo representar los "beneficios y peligros" del matrimonio a través de una parábola bíblica. El panel izquierdo representa a Adán y Eva en el Jardín del Edén, mientras que el panel central representa un "paraíso" hedonista. El panel de la derecha presenta una representación vívida de un Infierno en llamas que espera a los pecadores y a los impenitentes. En la caja exterior, Bosch muestra el origen del mundo, específicamente el tercer día de la creación cuando se formó el paraíso terrenal, en tonos de escala de grises. Una pequeña figura de Dios con un libro abierto se representa en la esquina superior izquierda, acompañada de la inscripción en latín, "Porque él habló, y sucedió; él ordenó y se mantuvo firme".

En la escena del Jardín del Edén, un Dios joven preside el matrimonio de Adán y Eva. Los alrededores celestiales están llenos de animales, criaturas míticas, árboles, agua y una estructura fantástica que flota en el lago. El historiador de arte Wilhelm Fraenger observa el contacto físico entre Dios, Eva y Adán, creando una conexión inseparable a través de la cual fluye el poder divino, formando un complejo de energía mágica. Desde esta perspectiva, la escena visualiza la unión divina entre el hombre y Dios. En el panel central, Bosch ilustra la progresión del Jardín del Edén y el desarrollo de la humanidad a través de celebraciones alegres y actividades placenteras. Una vez más, criaturas fantásticas, plantas, estructuras y vainas orgánicas rodean las figuras.

La desnudez de las figuras indica que la escena se desarrolla antes de la expulsión del paraíso. Sin embargo, su enfoque en la autogratificación instantánea y sucumbir a la tentación (simbolizado por el motivo recurrente de la fresa) presagia el juicio final y el descenso a los infiernos. Bosch presenta un paisaje oscuro y caótico desprovisto de flora y fauna. Los numerosos instrumentos musicales probablemente simbolizan varias formas de pecado, con gaitas que representan la lujuria y los placeres sensuales. De pie en el centro de la escena se encuentra su icónico "hombre árbol", posiblemente un autorretrato, que observa el mundo como el propio artista.

El Jardín de las delicias ha inspirado una amplia gama de interpretaciones a lo largo de los siglos. Ha sido descrito como un comentario satírico sobre la naturaleza pecaminosa de la humanidad por el historiador español del siglo XVII José de Sigüenza, y en el siglo XXI, la historiadora del arte Pilar Silva lo vio como una reflexión sobre la naturaleza transitoria de la vanidad terrenal. La historiadora de arte Claire Selvin resumió maravillosamente la pieza, destacando la inclinación de Bosch por el humor y el absurdo. Enfatizó las poses contorsionadas y acrobáticas de las figuras desnudas, la participación de pájaros y animales en el jolgorio erótico, y la presencia de cómodas conchas y recintos de diversas formas y colores. Incluso en las macabras escenas de destrucción en el lado derecho del tríptico, se puede encontrar ligereza, con orejas gigantes empuñando cuchillos e instrumentos musicales monumentales que sirven como dispositivos de tortura. Más de 500 años después de su creación, The Garden of Earthly Delights continúa cautivando y entreteniendo a historiadores y entusiastas del arte por igual, mostrando la imaginación ilimitada de Bosch.

Legado

A lo largo de la vida de Bosch, sus obras de arte se recopilaron en varios países europeos, lo que le valió una gran admiración e inspiró a numerosos estudiantes y seguidores. En particular, Pieter Bruegel el Viejo, apodado el "Segundo Hieronymus", estuvo muy influenciado por el enfoque de Bosch para pintar paisajes. Si bien el interés por el trabajo de Bosch decayó en los siglos siguientes (excepto en España), experimentó un resurgimiento en la era moderna. Su influencia se extendió al movimiento surrealista ya artistas como Max Ernst, René Magritte y, en particular, Salvador Dalí, quien llegó a afirmar que el Bosco fue el primer artista moderno. La formación rocosa distintiva que se asemeja al rostro de Dalí en su famosa pintura, El gran masturbador (1929), se inspiró en una formación similar que se encuentra en el panel izquierdo de El jardín de las delicias. Leonora Carrington, tras encontrarse con las obras del Bosco en el Museo del Prado en 1939, también se inspiró en sus reconocidas composiciones. En su obra de arte The Giantess (1947), Carrington incorporó cazadores en un paisaje misterioso con peces alados y gente de mar flotando en un cielo parecido al océano, que recuerda a los paisajes representados por Bosch.

El crítico de arte Alastair Sooke destaca la fascinación perdurable con el trabajo de Bosch, particularmente debido a su tono apocalíptico que resuena en el contexto de los conflictos globales y el terrorismo internacional. Las referencias al arte de Bosch se pueden encontrar en varias formas de medios, incluidas películas, programas de televisión, videojuegos, libros e incluso colecciones de moda. El crítico de arte Tim Smith-Laing agrega que pocos, si es que alguno, de los contemporáneos de Bosch pueden reclamar una fama tan sostenida. Sus obras de arte continúan atrayendo a grandes audiencias en los museos, y su influencia se extiende mucho más allá de los medios tradicionales, con sus imágenes apareciendo en artículos que van desde libros, camisetas y postales hasta accesorios como bolsos, alfombrillas y fundas para teléfonos. Incluso hay botas Dr. Martens con estampados de su obra de arte.

Resumen

Posiblemente el pintor religioso más excepcionalmente innovador y moralmente intrincado del norte de Europa, Bosch se asocia principalmente con obras de arte que poseen una calidad inquietantemente vibrante y onírica. A pesar del número limitado de aproximadamente 25 piezas originales sobrevivientes, el simbolismo de pesadilla representado en sus pinturas es inmediatamente reconocible como claramente "boschiano" y se ha convertido en una característica destacada del género grotesco. Si bien el Bosco es sin duda considerado un iconoclasta, algunos historiadores han propuesto que, debajo de su imaginería inquietante, el artista era, de hecho, una figura profundamente tradicional. Contrariamente a una mentalidad perturbada, demostró una capacidad para la sutileza y complementó sus composiciones grotescas con obras decorativas y devocionales meticulosamente elaboradas que encarnaban sus creencias cristianas profundamente arraigadas.