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EN LA ESCUELA DE BALLET II (2022) Pintura de Serghei Ghetiu.

Habiendo venido a estudiar compulsivamente la historia del arte, devorando libros, artículos en línea, manuales, tratados, etc., me hago la pregunta del "siglo": ¿es posible hablar de Degas sin detenerme en el multidiscutido e ilustrado bailarinas? Probablemente no, ya que, nuevamente, han encontrado su lugar dentro de la narrativa, que, aunque de manera marginal, destaca su recurrencia icónica y reconocibilidad, presentándolos, una vez más, como un manifiesto indiscutible de la obra del artista francés. Sin embargo, he tratado de detenerme en temas menos "explotados", que quería ubicar en un contexto histórico del arte conciso, destinado a ilustrar su evolución a lo largo de los siglos. Para lograr mi objetivo, comencé por observar más de cerca el lienzo "menos popular" titulado La familia Bellelli (1858 - 1860), una obra que, concebida en Florencia pero terminada en París, inmortaliza a Laurie de Gas, que es decir, la tía paterna del artista, quien tuvo la oportunidad de hospedar al pintor durante su viaje formativo a Italia. De hecho, fue precisamente esta última mujer la que residió en la citada capital toscana, lugar donde se unió en matrimonio con Gennaro Bellelli, hombre con el que tuvo dos hijas, Giovanna y Giulia. Hablando brevemente de la obra maestra, dentro de una sala amueblada con sobriedad y elegancia, en la que destaca en la pared el retrato sanguíneo del abuelo paterno de Laurie, encontramos a toda la familia Bellelli posando con tal naturalidad y despreocupación que parecen casi inconscientes de la obra del artista. Esta composición no es totalmente causal, sin embargo, ya que ha sido sabiamente estudiada por el pintor para plasmar ciertos rasgos psicológicos, cuando menos fundamentales, de los personajes. Laurie parece, con su postura distanciada de su marido y su mirada de tres cuartos, manifestar toda su decepción por la vida de casada, insatisfacción que es confirmada por su marido, que incluso se sienta de espaldas a la familia. En cuanto a las hijas, sin embargo, se muestran distantes y distanciadas en medio de las dinámicas conflictivas que manifiestan sus padres. Tal interés por el mundo interior, destinado a animar las efigies, encuentra su contrapartida en la tradición superior y anterior de los retratos familiares en un interior, en su momento, bien ejemplificados por la obra anterior de Goya, resumida en el conocido cuadro de La Familia. de Carlos IV, óleo sobre lienzo de hacia 1801 en el que el maestro español retrata a los miembros de la corte española con un corte crudo y realista, es decir, sin idealizar sus fisonomías, que en cambio se enriquecen con una clara caracterización psicológica, dirigida a " deformando" los rostros en expresiones "grotescas". En este contexto, cabe señalar cómo incluso el más antiguo Familia y corte de Ludovico Gonzaga, fresco de Andrea Mantegna fechado entre 1465 y 1474, presenta otras figuras de pie o sentadas, que, al no mostrar intimidad entre ellas, se distancian de la mayor implicación emocional encontrada en Tondo doni de Miguel Ángel (c. 1506) y, más tarde, La familia Cappiello de Leonetto Cappiello (1909) o La familia de Egon Schiele (1918).

DANZA DE SPACO DEGAS (2022) Pintura de Spaco.

Edgar Degas, La familia Bellelli , 1858-67. Óleo sobre lienzo, 200 x 250. París, Musée d'Orsay.

Sin embargo, otro tema lamentablemente desafortunado surge del análisis de The Rape (ca. 1868), un óleo sobre lienzo en el que Degas presenta a una mujer en enaguas que, sentada en una silla y encorvada sobre sí misma, parece asumir una actitud de desamparo, humillación y fragilidad, reforzados por la presencia desconcertante de un hombre, que la observa con una mirada fría y cruda, mientras ella mantiene las manos en los bolsillos y las piernas separadas. De hecho, esta obra maestra, originalmente titulada El interior por el artista, representa un resumen de la relación del maestro francés con el estudio de la luz nocturna, que solía plasmar a través de la exaltación de la tenue luz del crepúsculo, velas o lámparas. . Volviendo, en cambio, al tema más sangriento, es decir, a propósito de la violencia contra las mujeres, un estudio cuidadoso de la historia del arte revela la recurrencia de un tema tan brutal, que se encuentra en las primeras pinturas de Tiziano El milagro del marido celoso (1511), Dánae de Correggio ( c. 1501) y Susana y los viejos de Tintoretto (c. 1557). Respecto a este último óleo sobre lienzo, el maestro veneciano ha querido inmortalizar en él a uno de los protagonistas del Libro de Daniel, a saber, Susana, que, completamente desnuda en el interior del jardín de su marido, se dispone a bañarse, mientras tergiversa un momento al mirar ella misma en el espejo. A esta lánguida figura se suman las de dos viejos lujuriosos, uno de los cuales, no puede apartar los ojos de la superficie del agua colocada al final del cuerpo de la doncella, sobre la que, muy probablemente, se encuentra la parte más íntima de su fisicalidad. siendo reflejado. Tal la historia bíblica cuenta cómo estos justicieros se escondieron deliberadamente en el jardín de su esposo para chantajear a la mujer: o ella aceptará hacer lo que ellos quieren, o dirán que la han descubierto con un amante. El episodio, que continúa en el Libro de Daniel, nos remite a la historia del arte contemporáneo, que tampoco ha rehuido denunciar los abusos que han sufrido las mujeres por parte del género masculino. Ejemplos de lo dicho son, entre muchos trabajos, Tap and touch cinema (1968-1971) de Valier Export, Nan un mes después de ser maltratada (1984) de Nan Goldin, y Cut piece (1964) de Yoko Ono.

MUJER EN LA BAÑERA (2022) Pintura de Isabel Mahe.

Edgar Degas, Mujer peinándose, 1887-90. Pastel sobre papel aplicado a cartón, 82 x 57 cm. París: Musée d'Orsay.

El último tema abordado se resume, sin embargo, en un gesto femenino repetitivo, íntimo y cotidiano, como es el de peinarse, que es el protagonista de la obra maestra de Degas titulada Woman Combing Her Hair, es decir, un conocido pastel de hacia 1887, teniendo como antecedente más icónico la figura afín inmortalizada por Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, precisamente la pintada en la Luneta con Aminadab (1511-12). El protagonista del ciclo de frescos en cuestión se encuentra en la genealogía de Cristo, que, popularizada en el Evangelio según Mateo, pretende representar a Aminadab, príncipe de los levitas, acompañado de su esposa. Hablando en lugar de las pinturas más clásicas de Degas, se analizarán a través de la comparación con los remakes más contemporáneos, realizados por algunos de los artistas de Artmajeur, como, por ejemplo: Jean Mirre, Angelika Poels y Tatiana Le Metayer.

ABSINTHE DESPUÉS DE DEGAS (2022) Pintura de Jean Mirre.

Jean Mirre: Absenta después de Degas

Los rápidos toques de pincel que componen los campos de color de tantas obras maestras impresionistas parecen confluir aquí en forma de multitud de "rayas" de tinta, que, paralelas y perpendiculares, se superponen sobre una extensión de pintura al óleo. . Con estas palabras quería resumir la empresa pictórica de Jean Mirre, encaminada a reinterpretar, en las peculiaridades estilísticas antes mencionadas, una de las obras más conocidas de Degas, como es La absenta (hacia 1875), un lienzo que plasma, en el interior del Café de la Nouvelle Athènes en la plaza Pigalle (París), Ellen Andrée, la estrella del teatro francés de la época, y Marcellin Desboutin, un calcógrafo cuyas facciones resumen bien el espíritu bohemio imperante en la época. En este contexto, estos actores se encuentran personificando a una prostituta y un vagabundo, quienes, extremadamente probados por la vida, parecen haberse atrapado en el mismo espacio dispuesto entre la mesa de café y el sofá, un lugar donde, oprimidos por una desesperación silenciosa, son consolados por el pasajero calmante del alcohol. De hecho, a pesar de estar sentados uno al lado del otro, parecen solos y distantes, con la mirada perdida en el vacío, buscando, probablemente, los últimos destellos de lucidez para sofocarlos con una resaca trascendental, cuya fuerza pueda borrar, por unas horas, la triste multitud de sus pensamientos. En este punto merece la pena volver a la obra del artista de Artmajeur, cuyo cromatismo vivo parece reflejarse en los rostros más despreocupados de los dos bebedores, como si, casi milagrosamente, hubieran empezado a poder disfrutar de una copa. por el simple placer de hacerlo, sin exagerar en la búsqueda de otra realidad, quizás más tolerable.

INSPIRADO EN DEGAS (2022) Pintura de Angelika Poels.

Angelika Poels: Inspirada en Degas

El acrílico de Poels, tal como sugiere su título, se inspiró en una obra de Degas, maestro francés que a menudo retrataba a las mujeres en su vida más íntima, capturándolas desde diferentes y certeras perspectivas compuestas de formas sinuosas y gestos convencionales. Al igual que estos últimos puntos de vista, la composición ideada por el artista en Artmajeur también se muestra con toda la precisión de su estudiado encuadre, lo que nos hace imaginar a Poels intentando agacharse junto a la efigie, para captar su fisicalidad plegada en un movimiento. , que, probablemente por la intención de lavar, se desarrolla en un entorno de difícil interpretación. Es indiscutible que tal visión proviene de Degas, ya que el acrílico parece ser una continuación en perspectiva de La tina (1886), re-proponiendo una contemplación del cuerpo humano que, dado el bajo encuadre, parece aún más íntimo, a pesar de aparecer como "ofuscado" por una técnica de pintura puramente expresionista. En cuanto a la obra maestra de 1886, sin embargo, bien podría resumirse en unas palabras que el mismo Degas apuntó en sus escritos: “Hasta ahora el desnudo se ha presentado en poses que asumían la contemplación de un público. Pero las mujeres no son personas simples… Los muestro sin coquetería, en estado de bestias de lavado". Estas declaraciones dejan claro cómo el maestro se apartó del arte oficial, rechazando el desnudo idealizado y estetizado, para promover una feminidad que, privada de todo colorido social, se presentaba en sus momentos más auténticos y vulnerables. Mirando Inspirado por Degas, después de leer esta cita, nos damos cuenta de que las intenciones de los grandes maestros del pasado siguen siendo muy relevantes hoy en día, sobre todo si nos ponemos a pensar en todos esos filtros, esas ficciones y retoques, que animan y distorsionan lo contemporáneo. imagen femenina.

"BLUE DANCERS", DESPUÉS DE EDGAR DEGAS (2017) Pintura de Tatiana Le Metayer.

Tatiana Le Metayer: Bailarinas azules, después de Edgar Degas

El pastel del artista Artmajeur tiene claras intenciones: revivir, haciéndola accesible a las masas, una de las mayores obras maestras de la historia del arte, como son las Cuatro bailarinas azules de Degas, una obra de 1897 que tiene como objetivo inmortalizar para siempre la elegancia y la sinuosidad del movimiento de unas doncellas, que con suma gracia y delicadeza, se preparan de diversas maneras para entrar en escena. Lo que hace único a este último pastel es el encuadre, que desde arriba nos proyecta directamente sobre los “bustos” en azul de las bailarinas, sujetos que eclipsan el fondo ejecutado con cromatismos integrados y afines pensados para dar amplio protagonismo a la escena dominante. Si bien todo el contexto captado puede parecer muy espontáneo, el artista ejecutó varios bocetos preparatorios, los cuales, ponderados con pericia, generaron una composición con el propósito de simular el desestudiado en su decidido rechazo a la vista frontal de la imagen. Además, incluso los movimientos presentan cadencias teatrales certeras, pero disimuladas, destinadas a escenificar una especie de ballet, que, puntuado por una hábil y simétrica división del espacio, deja en su parte inferior una duda sin resolver, relativa a la semejanza del bailarín. quien aparece cuidadosamente capturado fuera de la pantalla.