¿Es posible asustar con el arte?

Salvador Dalí, El rostro de la guerra, 1940. Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam.

¿Por qué disfrutamos asustándonos?

Para responder a la pregunta planteada en el título, podemos referirnos a la certeza de la ciencia, disciplina que ha hecho saber que cuando experimentamos miedo, la amígdala activa modos reactivos rápidos y primitivos. Estos, combinados con hormonas listas para promover un estado de alerta, pueden aumentar la producción de insulina y los niveles de azúcar en sangre, además de hacer que nuestra respiración sea más dificultosa, que nuestro corazón lata más rápido, que nuestras pupilas se dilaten y que nos sintamos constantemente nerviosos, como si siempre estábamos dispuestos a huir. En realidad, sin embargo, es importante señalar que las hormonas liberadas en las situaciones antes mencionadas, incluidas las endorfinas y la dopamina, que en caso de emergencia deberían aliviar el dolor, también contribuyen a la experiencia de placer y excitación, intrínsecamente ligadas a una circunstancia. de proximidad al peligro.

Por tanto, el éxito de Halloween, pero también, por ejemplo, de las películas de terror más habituales, reside en que el mencionado estado de disfrute se puede vivir con seguridad, ya que no implica ningún peligro real, ya que el susto, por el contrario, ocasión, claramente simulada. Entonces, ahora que hemos desvelado la conexión entre miedo y placer, me gustaría entretenerlos ofreciéndoles una historia de terror, narrada por algunas obras maestras de la historia del arte, que, vistas una tras otra, podrían construir una historia con temática de Halloween.

Théodore Géricault, Las cabezas cortadas, 1818.

Artemisia Gentileschi, Judith decapitando a Holofernes, 1620. Óleo sobre lienzo, 158,8×125,5 cm. Nápoles, Museo Nacional de Capodimonte.

Asustar con arte...

Había una vez, y con esto quiero decir no sé dónde ni cuándo, había una figura solitaria sin rostro humano, con rasgos decididamente imponentes y aterradores. Su piel oscura y arrugada expresaba una enigmática expresión de dolor mezclado con desesperación. Espero que ahora se te erice la piel y que una gota de sudor esté lista para correr por tu frente, ante el solo pensamiento de enfrentarte al ser no identificado en cuestión, que, dentro de sus dos cuencas oculares y su boca, contiene dos cráneos, que , a su vez, tienen figuras mortales adicionales en sus cavidades. Completa esta visión llena de adrenalina la presencia del máximo símbolo del pecado, la serpiente, inequívocamente ligada al reino de Lucifer, que, en varios ejemplares, inflige dolor en el rostro en cuestión, haciéndole saborear las hojas de sus dientes.

Como mencioné anteriormente, este no es el escenario de una película de terror, sino una obra maestra de la historia del arte, concretamente "El rostro de la guerra" (1940) de Salvador Dalí, concebida para asustar al hombre ante una triste realidad de su existencia: la continua y eterna amenaza de la guerra. La aterradora historia del arte podría continuar, volviéndose aún más oscura, citando a Théodore Géricault, quien también era "apasionado" por las cabezas espantosas, como lo demuestra "Las cabezas cortadas" (1818). La obra en cuestión es aún más impresionante porque representa, sobre un fondo negro y en la penumbra, dos cabezas humanas cortadas que, colocadas como un bodegón sobre un lienzo, hacen que el espectador se toque el cuello para asegurarse de que su cabeza está todavía firmemente adherido. Además, cabe señalar que el relato de terror puede en este caso ir más allá de la naturaleza del tema y extenderse a la forma de ejecución, ya que se sabe que el artista instaló su estudio cerca del hospital, deleitando observar los enfermos, los moribundos y los cadáveres, hasta el punto de que algunos especulan que incluso tenía la "costumbre" de conservar en su estudio trozos de cuerpos humanos, a veces sacados del "teatro" de las decapitaciones.

Este último acontecimiento espantoso, sangriento y aterrador está dispuesto a aterrorizarnos con la imagen de la decapitación más famosa de la historia del arte, que, para asustaros, primero describiré y sólo más tarde revelaré en el título y el autor. Un hombre, ebrio después de un festín, se encuentra desnudo y acostado en una cama, creyendo que puede acostarse con una hermosa doncella que le es favorable. Sin embargo, el encuentro amoroso se convierte en un baño de sangre, ya que la joven en cuestión, tras despojarle de su espada, procede a degollarlo, ayudada por un sirviente que sujeta los brazos del soldado. Es precisamente esta última escena violenta la que ha quedado plasmada en el lienzo, dejando al espectador petrificado mientras contempla la decapitación, centrándose en los momentos finales de la existencia del rostro masculino y la espada atravesando su cuello, generando chorros de sangre dispuestos a salpicar el airear y manchar el colchón.

Ampliando progresivamente la mirada, el "fondo" de este retrato de la muerte lo ponen las manos de las dos mujeres, identificadas posteriormente en sus rostros dispuestas a revelar la energía gastada en el esfuerzo fatal. Si ahora tienen miedo de regresar a casa con sus esposas, tal vez haya logrado el propósito de mi historia, aunque, en realidad, la escena de violencia doméstica en cuestión es parte de la icónica "Judith decapitando a Holofernes" (1620) de Artemisia. Gentileschi, una obra donde se evidencia el mecanismo de venganza contra la opresión masculina, a partir del episodio en el que la pintora italiana fue violada por su colega Agostino Tassi. Pasando de las decapitaciones a técnicas de "castigo" más modernas, podemos llegar finalmente a mediados de los años 60, imaginando que vemos ante nuestros ojos una silla eléctrica vacía, colocada en una habitación desnuda, con una pequeña mesa de madera y un cartel que dice "silencio".

La luz colocada en el espacio vacío del suelo, justo delante de la silla, casi parece invitarnos a tomar asiento, haciendo que nos olvidemos del peligro del contexto, hasta el punto de atraparnos para siempre. Estas son mis impresiones sobre la última obra terrorífica analizada, "Electric Chair" (1964) de Warhol, obra maestra que forma parte de la aterradora serie "Muerte y desastre", rica en temas inspirados en tragedias como accidentes automovilísticos y suicidios ilustrados. en los periódicos. En este contexto, Andy quería demostrar cómo cuando uno ve una imagen horrible una y otra vez, en realidad pierde su efecto, un concepto que podría reutilizarse para releer mi narrativa, mostrándose bastante impasible ante la repetición inexorable del concepto aterrador de la muerte. . Finalmente, la historia, que tal vez ya no sea tan aterradora, continúa en las obras de los siguientes artistas de Artmajeur, como las de Vaxo Lang, Hanna Melekhavets y Bryah.

MUERTE Y ESPECTADORES (2021)Pintura de Vaxo Lang.

"MUERTE Y ESPECTADORES" de Vaxo Lang

La iconografía de la Piedad se creó inicialmente utilizando un marco rígido, en el que la figura erguida de María contrastaba con el cuerpo rígido horizontalmente de Cristo, una representación bien representada, como se ve, por ejemplo, en la Piedad de Perugino. Sin embargo, siguiendo la influencia de Miguel Ángel, la figura de Jesús fue representada de manera innovadora, suavemente recostado en el regazo de la Virgen, aportando una extraordinaria naturalidad a la escena, con el objetivo de unir a los dos personajes en un momento de conmovedora intimidad. Vaxo Lang, un artista de Artmajeur, abraza las lecciones del maestro italiano, aportando mayor flexibilidad al cuerpo moribundo representado, ahora observado por una rica multitud de espectadores, que se reúnen infinitamente dentro de un paisaje definido sólo por el cielo. La obra expresionista en cuestión revela, a través de su título explícito, su intención principal: "celebrar" la muerte como un evento de conocimiento, uno al que asistir para volverse más consciente. En cuanto al artista en cuestión, Vaxo Lang, nacido en 1993 y originario de Tbilisi (Georgia), parece bastante fascinado por los temas relacionados con la partida, que a menudo conecta con puntos de vista más bien introspectivos, capaces de fusionar el sufrimiento físico y mental.

"CRÁNEO" de Hanna Melekhavets

En el lienzo sólo hay un primer plano de un esqueleto, cuya anatomía está bien definida por los claroscuros, ahondando en las cavidades de los huesos del cráneo con tonalidades que van del azul al marrón y al negro. El sujeto en cuestión presumiblemente está sin vida, lo que nos recuerda al espécimen más "animado" creado por Van Gogh, capturado mientras fumaba un cigarrillo en la obra maestra titulada "Cráneo de esqueleto con cigarrillo encendido" (1885-86). Esta obra de pequeñas dimensiones probablemente se remonta al invierno de 1885-86, período en el que fue concebida para criticar prácticas académicas más conservadoras y "aburridas", incluido el tradicional estudio de los esqueletos para comprender la anatomía humana, que el artista irónicamente descartó al encendiendo un cigarrillo. En cuanto a Hanna Melekhavets, la pintora contemporánea afincada en Polonia demuestra un fuerte compromiso con las técnicas y lenguajes tradicionales, destinados a reflexionar tanto sobre la existencia como sobre el mundo, el infinito y el equilibrio entre los opuestos.

LA MUERTE (2022) Fotografía de Bryah.

"LA MUERTE" (2022) de Bryah

El artista de Artmajeur afirma que representó la muerte por estos motivos: "Es a partir de la muerte como punto de partida que la humanidad ha forjado reglas, creencias y concepciones, como las del infierno, el paraíso, el limbo, el abismo o cualquier otra término que uno elige usar. Inspirándome en este concepto, creé una serie de imágenes, incluida ésta en particular, titulada 'La Muerte', que captura el aspecto mórbido de la muerte, su esencia oscura y fría, el miedo a morir". En este punto, creo que es importante aclarar cómo la muerte en cuestión puede realmente asumir la peculiaridad de la vida misma, porque es precisamente el miedo al fin lo que nos impulsa a crear para permanecer en la Tierra para siempre. Un famoso ejemplo de la yuxtaposición entre la muerte y la creación artística vital, que ha inmortalizado los rasgos de su creador, es el "Autorretrato con la muerte tocando el violín" de Arnold Böcklin, una obra que representa al pintor con paleta y pincel en mano, interrumpido por Lady Death que impone su presencia tocando un violín de una sola cuerda. Este detalle sirve para evocar el mito griego de las Parcas, diosas que efectivamente tenían la tarea de hilar y cortar los hilos de la vida de los hombres, como si de un hilo se tratara.