¿Eres un verdadero amante del arte japonés?

Si La Gran Ola de Kanagawa es el dramático icono de la fuerza bruta de la naturaleza, Viento del Sur, Cielo Despejado —también conocido como Fuji Rojo— es su contraparte perfecta: silencioso, quieto, en perfecto equilibrio. Dos caras de la misma montaña, dos perspectivas opuestas de la majestuosidad del paisaje japonés.

Esta estampa, una de las más célebres de la serie Treinta y Seis Vistas del Monte Fuji , es una obra maestra de aparente simplicidad. No hay acción, ni presencia humana, ni barcos luchando contra el mar. Solo el Monte Fuji, inmenso y solitario, tiñéndose de rojo al amanecer bajo un cielo despejado, acariciado por una suave brisa. Es un momento auténtico: quienes tengan la suerte de encontrarse cerca de la montaña en una fresca mañana de principios de otoño podrán verlo con sus propios ojos. El sol naciente ilumina la ladera oriental y la ilumina con su color. En japonés, se llama Aka Fuji («Fuji Rojo»). Hokusai lo convirtió en un icono.

Pero tras esta calma superficial se esconde una refinada estructura simbólica. La montaña, perfectamente triangular, ocupa el lado derecho de la imagen como una figura solemne, casi sagrada. Las escasas nubes a la izquierda equilibran la composición, creando una tensión sutil, casi musical. Es una escena atemporal, pero llena de detalles atmosféricos precisos: la nieve persistente en la cima, las oscuras sombras del bosque en su base, los tres tonos distintos de azul y rojo que conforman la atmósfera.

Las primeras impresiones de esta obra son excepcionales y preciosas: se distinguen por un cielo más suave e irregular y un uso sobrio del color, con un delicado halo azul de Prusia alrededor del pico. Estas se conocen como las versiones del Fuji rosa : más íntimas, menos espectaculares, pero quizás más cercanas a la intención original de Hokusai. Posteriormente, a medida que aumentó la demanda, los colores se intensificaron: se introdujo el pigmento rosa de Bengala, se acentuaron las nubes, se aplanó el cielo y se recortó el verde del bosque. La belleza, en este caso, se presenta en múltiples versiones.

Curiosamente, mientras que en Occidente es La Gran Ola la que domina el imaginario cultural, en Japón es este Fuji Rojo el más apreciado, casi una imagen talismánica. Según la tradición, soñar con el Monte Fuji es señal de buena fortuna, y un Fuji rojo lo es aún más: excepcional, poderoso y de simetría impecable. Quizás por eso la estampa ha gozado de un éxito iconográfico tan duradero, encarnando un ideal de paz, equilibrio y fuerza serena.

Yoshida Hiroshi, Fuji del lago Kawaguchi, 1926.

3. Yoshida Hiroshi, Fuji del lago Kawaguchi

Si Hokusai inmortalizó el Monte Fuji en su mítica y simbólica grandeza, Hiroshi Yoshida lo revivió en una dimensión más íntima y evocadora. Su grabado "Lago Kawaguchi" , parte de la serie "Diez Vistas del Fuji" , nos ofrece una visión contemplativa, serena, casi susurrante, del volcán más emblemático de Japón. Aquí no hay olas amenazantes, ni un amanecer rojo intenso; solo la quietud del agua, la nieve derretida y un paisaje que respira suavemente.

A diferencia de los grandes maestros del ukiyo-e , Yoshida no se limitó únicamente a la tradición. Su formación incluyó pintura al óleo y acuarela occidentales, academias de arte de Tokio y museos estadounidenses. De hecho, su primer éxito internacional llegó con una exposición en el Instituto de Artes de Detroit en 1899, justo cuando Japón entraba en el siglo de la industrialización. Lo que lo hace único es su capacidad para combinar la perspectiva occidental y el claroscuro con la sutileza narrativa del arte japonés.

En esta imagen, el Monte Fuji se ve desde el lago Kawaguchi, uno de los cinco lugares emblemáticos que ofrecen vistas del volcán. Es invierno, o quizás principios de primavera: la nieve aún cubre las orillas, pero comienza a derretirse. El agua refleja el mundo circundante en suaves ondas, captando la luz de un atardecer que se desvanece del rosa al naranja. Es una escena que Yoshida podría haber presenciado en alguna de sus muchas excursiones: era un ávido montañero y caminante, y conocía el paisaje japonés no solo como artista, sino también como viajero.

Una anécdota curiosa: a diferencia de muchos de sus predecesores, Yoshida participaba activamente en cada paso del proceso de grabado. En una época en la que los artistas solían dejar el tallado de xilografías en manos de artesanos especializados, Yoshida supervisaba personalmente cada etapa, experimentando con frecuencia con diferentes variaciones de color de la misma impresión para capturar los cambios de hora del día o los estados de ánimo de las estaciones. Para él, la luz era una forma de narrar historias: un simple cambio de pigmento bastaba para transformar un paisaje en una emoción.

Yokoyama Taikan, Hojas de otoño, 1931.

En Hojas de Otoño , Yokoyama Taikan aparta la mirada del omnipresente Monte Fuji y, en cambio, nos sumerge en una escena de pura poesía estacional. Este biombo (byōbu), con su imponente panorama de hojas de arce carmesí sobre un río azul y ondulante, no es solo una representación de la naturaleza: es la naturaleza idealizada, espiritualizada y armonizada a través de una lente única y japonesa.

Yokoyama fue una de las figuras clave en la creación y evolución del Nihonga , la forma moderna de pintura tradicional japonesa que surgió como reacción a la influencia de los estilos occidentales durante el periodo Meiji. Lo fascinante es cómo Taikan, si bien profundamente arraigado en la estética y la técnica japonesas, también se inspiró en las influencias occidentales de forma sutil e innovadora, algo que cultivó en sus viajes a Calcuta, Nueva York, Londres y París. De hecho, su encuentro en la India con Abanindranath Tagore, pionero del modernismo indio, desencadenó un singular intercambio entre Oriente y Oriente que influyó en la pintura moderna mucho más allá de Japón.

En Hojas de Otoño , no vemos nada de la tinta negra por la que Taikan se haría famoso más tarde, pero sí vemos su innovación distintiva: el "mōrō-tai", o "estilo brumoso", desarrollado junto con Hishida Shunsō. Atrás quedaron los contornos duros del yamato-e clásico. En cambio, las hojas parecen flotar, los árboles respirar y el río moverse en una delicada niebla de color degradado. Es una técnica que al principio fue criticada por falta de vigor —"borrosa y sin vida", dijeron algunos— pero que desde entonces ha sido reconocida por su poder atmosférico y su calidad onírica.

Hay una anécdota que revela la tenaz dedicación de Taikan a su oficio: durante sus viajes, a veces traía tierra, hojas e incluso fragmentos de flora local para molerlos y obtener pigmentos o estudiar la precisión del color. Para él, pintar la naturaleza no era imitación, sino inmersión. Esta atención al detalle natural, combinada con la filosofía espiritual del mono no awareness (el patetismo de las cosas), confiere a Hojas de Otoño su serena fuerza emocional.

Curiosamente, el nacionalismo de Taikan, heredado de su maestro Okakura Tenshin, lo llevó a menudo a pintar el monte Fuji como símbolo de la identidad japonesa. Pero aquí, elige un tema más sobrio: no la montaña de los dioses, sino la belleza fugaz del otoño. Y quizás esto sea aún más japonés.

4. Yokoyama Taikan, Hojas de otoño

Fujishima Takeji, Mar del Este, alrededor de 1928.

5. Fujishima Takeji, Mar del Este

Para concluir este recorrido por las imágenes del Monte Fuji y el paisaje japonés, Amanecer sobre el Mar del Este de Fujishima Takeji ofrece otra interpretación de la naturaleza: ya no es mítica como en Hokusai, ni contemplativa como en Yoshida, sino profundamente europea en su aliento y construcción pictórica. Aquí, el mar y el cielo se funden en una síntesis cromática que se siente casi espiritual, donde el elemento narrativo —un solo velero— se reduce a un simple susurro, como una respiración contenida.

Fujishima, un refinado intérprete del yōga (pintura de estilo occidental), fue uno de los artistas japoneses más capaces de conectar Oriente y Occidente. Su formación en París, con Fernand Cormon y Carolus-Duran, junto con su estancia en Roma, moldearon profundamente su enfoque pictórico: luz, volumen, simplicidad, rigor. A menudo repetía a sus alumnos que el secreto de la pintura se encontraba en una palabra francesa: simplicité . Para él, pintar significaba despojarse, eliminar todo lo superfluo.

Esta filosofía se plasma a la perfección en Amanecer sobre el Mar del Este , donde la escena se construye con solo cuatro franjas de color: el mar, las nubes, el cielo y más nubes, una abstracción que roza lo informal. Si elimináramos el pequeño bote de la izquierda, la pintura casi podría considerarse abstracta. Y, sin embargo, este paisaje dice mucho: no sobre un lugar específico, sino sobre la condición humana, sobre el silencioso paso del tiempo.

Hay una anécdota fascinante detrás de esta obra: en 1928, con motivo de la entronización del emperador Shōwa, Fujishima recibió el encargo de crear una pintura para el estudio imperial. Eligió el tema del amanecer como metáfora de un nuevo comienzo. Durante la década siguiente, persiguió el sol naciente por Japón y sus territorios: desde el monte Zao en el norte hasta Yu Shan en Taiwán, desde el mar hasta los desiertos de Mongolia. El amanecer se convirtió en su tema favorito en sus últimos años, como si buscara en el eterno ritmo del amanecer la respuesta definitiva a la verdadera esencia de la pintura.

En este sentido, Amanecer sobre el Mar del Este se acerca más a Turner o Monet que a Hiroshige. Es una obra nacida de la tradición europea, pero filtrada por la mirada de un artista japonés que interiorizó profundamente Occidente sin olvidar jamás sus propias raíces. ¿Un atardecer? ¿Un amanecer? En realidad, da igual. Lo que importa es la armonía, el ritmo, el silencio que habla.

Preguntas frecuentes

1. ¿Qué hace que el arte japonés sea único?
Su fusión de espiritualidad, naturaleza y minimalismo, combinada con una profunda continuidad cultural y apertura a la influencia externa, le otorga una voz distintiva en el arte global.

2. ¿Por qué es tan famosa La gran ola de Kanagawa de Hokusai?
Más allá de su impactante diseño, combina técnicas orientales y occidentales, simbolizando la inquietud y la belleza de Japón frente a la naturaleza y la modernización. También ejerció una gran influencia en artistas impresionistas y modernos occidentales.

3. ¿Qué es Nihonga y en qué se diferencia del yōga?
Nihonga se refiere a la pintura de estilo japonés que utiliza materiales y métodos tradicionales, mientras que yōga adopta técnicas occidentales como la pintura al óleo y la perspectiva lineal.

4. ¿El arte japonés es sólo tradicional o también contemporáneo?
Es ambas cosas. Japón destaca por preservar técnicas antiguas (como el bonsái, el raku y la xilografía) y, al mismo tiempo, se sitúa a la vanguardia del arte contemporáneo mundial con figuras como Yayoi Kusama y Takashi Murakami.

5. ¿Qué papel juega el monte Fuji en el arte japonés?
Es un símbolo nacional, un ícono espiritual y una musa artística, presente en innumerables obras desde el período Edo hasta reinterpretaciones modernas y contemporáneas. Refleja tanto la estabilidad como la transformación de la identidad japonesa.

6. ¿Cómo influyó el arte japonés en Occidente?
Los grabados ukiyo-e inspiraron movimientos occidentales clave como el impresionismo y el art nouveau. Artistas como Monet, Van Gogh y Debussy se inspiraron directamente en la estética japonesa.