el arte de bailar

La danza es una forma de arte intensa, apasionada, sublime y carismática, a través de la cual el cuerpo humano expresa, siguiendo un plan preestablecido o mediante la improvisación, las sensaciones más herméticas y ocultas del alma. Desde la antigüedad, la danza, muchas veces acompañada de música o composiciones sonoras, ha sido parte fundamental de los rituales, que han representado momentos inolvidables de agregación colectiva, como ceremonias y fiestas populares. De hecho, esta disciplina ha estado muy probablemente presente en todas las culturas humanas, tanto que, entre las primeras obras de arte que la representan, encontramos las pinturas del antiguo Egipto, la antigua Grecia, los etruscos y los romanos. Además, este tópico ha sido investigado por el arte también durante la Edad Media, el Renacimiento, el Clasicismo del siglo XVII, el Neoclasicismo, el Impresionismo y la pintura del 900'.

Pintura mural egipcia de la Tumba de Nebamon con jugador y bailarines, 1370 a. Londres: Museo Británico.

Mujer tocando címbalos , siglo I aC Fresco, Pompeya: Villa de los Misterios.

Danza Macabra , siglo XV. Códice iluminado. París: BnF © Bibliothèque nationale de France Antonio Canova, Bailarín con címbalos , 1809-14. Mármol 187 cm (altura). Berlín: Museo Bode.

Antonio Canova: Bailarín con Clavecines

En cuanto al Neoclasicismo, un excelente ejemplo de escultura con tema de danza es Bailarina con címbalos de Antonio Canova. En este sentido, es importante subrayar cómo, en la producción artística del maestro italiano, dicho tema ha sido tratado en múltiples ocasiones. De hecho, Canova representó la danza a través de diosas, musas, figuras mitológicas, relieves, dibujos y pinturas al temple, para inmortalizarla en tantas poses y movimientos como fuera posible. Sin embargo, las esculturas, creadas por el maestro italiano, representan la investigación más desafiante sobre el tema, ya que lograron inmortalizar la plasticidad de la figura humana en acción. La Bailarina con címbalos , parte de un tríptico de esculturas del mismo tema, representa a una joven que, sorprendida mientras ejecuta un paso de baile, agarra delicadamente unos clavicémbalos con las manos. El cuerpo de esta última, de pie sobre la punta de un pie, intenta estirarse verticalmente, como si quisiera seguir el sonido producido por los instrumentos musicales. Finalmente, la cabeza de la niña, vuelta hacia abajo, parece querer captar las vibraciones sonoras, mientras su cuerpo, cubierto por un fino y refinado vestido, se hace visible en sus formas sinuosas.

Gino Severini, Bailarina de azul , 1912. Óleo sobre lienzo, 61 x 46 cm. Venecia: Colección Peggy Guggenheim.

Gino Severini: Bailarina de azul

El tema de la danza también fue querido por Gino Severini, quien, atraído por el mundo de los cafés parisinos, lo retrató en dos pinturas famosas, como Bailarina de azul y Bailarina de blanco , ambas realizadas en 1912. Hablando de Bailarina de azul , esta La obra de arte, que representa la expresión pura del dinamismo de la danza, nació de la unión del estudio de la figura humana en movimiento con los reflejos de la luz, que se encuentran en la pintura gracias a la presencia de algunas lentejuelas. Estos últimos elementos luminosos fueron insertados en la obra a través de la técnica del collage, nacida en ese mismo período gracias a la investigación artística de Pablo Picasso y Georges Braque. Volviendo al dinamismo, este también se le confiere al cuadro a través de la ejecución fragmentaria de la bailarina, que se distingue claramente sólo en ciertas partes de su rostro y manos. En este contexto, los planos angulares, que rompen la forma al dispersarla en el espacio, están dominados por una amplia gama de gradaciones de color azul, destinadas a dar relieve y dinamismo a las formas. Finalmente, la bailarina, que como su autora se encuentra a medio camino entre el cubismo y el futurismo, asume una forma cónica, lo que le permite adquirir una especie de movimiento arremolinado.

Martin-Freville, Opéra , 2016. Acrílico sobre lienzo, 116 x 73 cm.

Martin-Freville: Ópera

La danza es también protagonista de muchas obras creadas por los artistas de Artmajeur, como, por ejemplo, el lienzo de Martin-Freville, donde, sobre un fondo marcado por simples pinceladas, destaca la figura de una bailarina, que en ropa de escenario, tiene la intención de realizar un paso clásico complejo. Los bailarines clásicos fueron el tema favorito de un artista muy famoso, como Edgar Degas, quien creó muchas obras que representan este tema, entre las cuales, una de las más famosas es sin duda La Escuela de Danza . En este último cuadro, que documenta los ensayos tras bambalinas de un teatro, las bailarinas, en tutús y zapatillas, quedan atrapadas en el momento en que, bajo la atenta mirada del anciano maestro, interpretan distintas posturas. El ambiente en el que se desarrolla la escena está dominado por un color de fondo neutro, con tendencia al ocre, que identifica el escenario, mientras que las paredes son de color verde claro. Es precisamente sobre estos matices cromáticos que los tutús blancos de las bailarinas destacan con fuerza en la parte central de la obra, llamando inmediatamente la atención del espectador. Finalmente, el encuadre del cuadro, inmediato, instantáneo y casi de reportaje, ciertamente se ha inspirado en la fotografía, que ganaba terreno en la época de Degas. Por tanto, la pintura de Martin-Freville, que tiene como único centro de interés el cuerpo de la bailarina, representa una versión simplificada de la obra maestra francesa, en la que se valora más la danza, en su cualidad de arte pasional, encaminada a la expresión de los más sensaciones herméticas y ocultas del alma.

Shulman, Bailarín callejero , 2021. Óleo sobre lienzo, 120 x 50 cm.

Shulman: bailarina callejera

El cuadro de Shulman, artista de Artmajeur, representa a un hombre con ropa elegante que, dentro de un fondo blanco, en el que solo está presente su sombra y los reflejos de sus movimientos, se propone bailar de forma salvaje. Los apasionados movimientos del protagonista de esta obra nos recuerdan a los de Louise Weber, conocida como "La Golosa", y a los de Edme Etienne Renaudin, conocido con el nombre artístico de "Valentin le Désossé", protagonistas de la obra maestra de Toulouse-Lautrec , titulado Danza en el Moulin Rouge . La obra del maestro francés, sin embargo, a diferencia de la de Shulman, no se limita únicamente a inmortalizar el baile de los dos protagonistas, ya que también retrata el trasfondo del famoso club parisino, el Moulin Rouge, y muchos otros personajes, que son intención de moverse y charlar. Cabe señalar que, entre estas figuras, se encuentra pintada incluso la de la célebre bailarina Jane Avril, quien, empeñada en bailar vigorosamente, fue protagonista de otras obras de Toulouse-Lautrec. Además, esta pintura también se denota por la presencia del padre del artista, quien fue retratado en el fondo con una espesa barba blanca. Así, la originalísima obra del artista de Artmajeur, desprovista de la representación del fondo y otros personajes, consigue romper con la tradición figurativa expresada por los más grandes maestros de la historia del arte, potenciando, de forma innovadora , sólo el baile salvaje de su único protagonista.

Alexandra Van Lierde, Selfie bailando , 2021. Óleo sobre lienzo, 100 x 80 cm.

Alexandra Van Lierde: Selfie bailando

Las obras de arte, que tienen como tema figuras danzantes, han inmortalizado a menudo las costumbres y tradiciones de la época en que fueron concebidas, como, por ejemplo, el cuadro Bailando en el Moulin de la Galette de Auguste Renoir, que representa un momento de la vida cotidiana en el París de finales del siglo XIX. Este lienzo, en el que encontramos personajes bailando o conversando en una mesa, se caracteriza por pequeñas pinceladas de colores saturados, encaminadas a reproducir el efecto del sol, que se filtra entre las ramas de los árboles. Además, Renoir logró otros efectos luminiscentes mediante la yuxtaposición de colores contrastantes, como, por ejemplo, el oscuro de la ropa de los hombres, que se pintó junto a la luz de la de las mujeres. Además, la obra está marcada por una fuerte profundidad, que le otorga la superposición de las cabezas de los personajes y un encuadre de tipo fotográfico, en el que se inmortaliza el hecho tal y como apareció a los ojos de los franceses. Maestro. La pintura de la artista de Artmajeur, Alexandra Van Lierde, al igual que la de Renoir, ha logrado, mediante el uso de personajes danzantes, inmortalizar una época, concretamente la contemporánea. De hecho, en este lienzo, donde se pintaron únicamente dos niñas, dentro de un espacio indefinido, se expresa, a través de la representación de un selfie, la esencia de una sociedad marcada por el uso de las nuevas tecnologías y las redes sociales. Por tanto, la atmósfera intimista de la obra de Van Lierde, también podría leerse como una crítica a un mundo en el que las personas tienden a aislarse detrás de una pantalla.