¿Cómo se cuenta una historia con un final feliz?

LA LLAVE (2023) Pintura de Natalya Chepulskaya.

Lo macabro, el pecado, la muerte, y la respuesta...

Un movimiento cultural, literario y artístico del siglo XIX, que, revelada sólo más tarde en su identidad, nos ilustrará, a través de algunas de sus obras maestras, la metáfora de la vida en la que cada uno de nosotros ha tropezado, destinada a asumir la forma de un relato figurativo, decidido a afrontar la oscuridad de la tentación y las limitaciones de la vanitas, para resurgir en la conciencia serena y elevada de la más pura sencillez del ser, del existir, del sentir y así: De intentar caminar sobre este planeta, a pesar de mil asomos y sufrimientos, adversidades, miedos y preocupaciones. La alegoría de nuestro ciclo de vida comienza con un pensamiento oscuro, a saber, el macabro que nos lleva al pecado, mostrando, en un principio, visiones un tanto aterradoras, pero reveladoras, que quise resumir, poniendo como ejemplo la imagen del más icónico animal retratado por Odilon Redon, pintor y grabador francés, quien, en su serie de noirs, privilegia el uso del blanco y negro para acercarse a un mundo de demonios, figuras aladas y cabezas cortadas, claramente inspirado en el trabajo igualmente oscuro de artistas como Francisco Goya, Edagar Allan Poe y Charles Baudelaire. Volviendo a la bestia representada por Redon, me refiero a The Weeping Spider, es decir, una de las obras más enigmáticas del artista, capaz de estremecer el alma del espectador con su insólita combinación de absurdo y tristeza, probablemente dirigida a posicionarse abiertamente en contra del punto realista. de vista, anticipando así la rebelión impresionista y dando imagen a las siguientes palabras escritas en Spleen por Baudelaire: "Un pueblo mudo de arañas infames tiende sus redes en el fondo de nuestros cerebros". De la misma manera, en efecto, el personaje antropomórfico retratado por el artista francés teje una red de emociones, con el propósito de atrapar al espectador en una trampa de pietismo, ya que quienes se cruzan con la mirada de la araña no pueden evitar apiadarse de su misteriosa condenación. . En este punto surge una pregunta espontánea, ¿cómo se puede continuar la narración siguiendo las intenciones anteriores, y así pasar del tema de lo macabro al del pecado?

Odilon Redon, La araña que llora, 1881. Carboncillo. Colección particular, Países Bajos.

Encontré la respuesta en el año 1842, fecha en que la araña adquirió una mala reputación gracias a la novela Biedermeier de Jeremias Gotthelf, un cuento alegórico en el que el animal simboliza las malas obras y las consecuencias morales de un pacto hecho con el diablo. Llegado así al tema de las transgresiones, en lugar de tratar un relato moralista, le dejo la palabra al cuadro de Franz von Stuck, que titulado El pecado (1893), inmortaliza el torso de una mujer de piel muy blanca, cuyos hombros se envuelven por una serpiente, un animal que, junto con el protagonista, dirige su mirada de desafío y provocación precisamente hacia el espectador. Esta nueva Eva, representada en un ambiente oscuro que evoca la dimensión sobrenatural, personifica el pecado a través de su naturaleza de mujer erótica y sensual, lo que le otorga el papel de una depredadora ávida de imponer su poder sobre su pareja. Surge así el tema de la muerte; de hecho, basta pensar en cómo las almas pecadoras serán castigadas sólo después de la junta de su partida, momento en que aparecerá ante ellas un esqueleto empuñando una guadaña, vestido con una capa negra provista de una capucha. Un personaje similar se encuentra en Muerte y vida de Klimt, pintura ejecutada entre 1908 y 1915, que tiene como propósito ilustrar la alegoría de nuestro curso vital, a través de la construcción de una narración figurativa en bucle único, ambientada en el diálogo de dos especulares partes: la derecha, que coloreada vivamente, explicita, a través de las múltiples formas del cuerpo humano, los conceptos de amor, amistad y maternidad, y la zona izquierda, en la que se revela la llegada solitaria de la muerte.

Gustav Klimt, Muerte y vida, 1910s. Óleo sobre lienzo, 1.805 x 2.005 mm. Museo Leopoldo.

Frida Kahlo, Viva la vida , 1945. Óleo sobre masonita, 720 x 520 mm. Colección Museo Frida Kahlo. @moncapilla

Esta última parece esperar ansiosa a revelarse entre los vivos, para golpearlos repentinamente con su bastón, envolverlos en su manto y privarlos del latido del corazón, enviando el siguiente mensaje macabro: todos, en el curso de su o su existencia, puede ser abatida, en cualquier momento, por el inexorable embate de la calavera con la guadaña. En este punto aparece ante nuestros ojos, como una suerte de luminosa revelación en la miseria de nuestra precariedad existencial, la figura salvadora de Frida Kahlo, pintora que en el cuadro Viva la vida (1954), a pesar de su delicada salud, la amputación de una de sus piernas y la proximidad inminente de su partida, inmortaliza con optimismo las diferentes tonalidades de varias sandías, símbolos de cambios madurativos, para ser entendidos como metáforas de las diversas etapas de una vida que, aunque no eterna, merece ser vivida, hasta su último aliento, con ilusión y resiliencia. Finalmente, volviendo al punto de partida, revelamos cómo esta narración ha unido todas las obras maestras marcadas por un enfoque simbolista, es decir, más o menos afín a las intenciones perseguidas por el mencionado movimiento decimonónico, cuya actitud intelectual y artística perseguía la objetivo de expresar la experiencia emocional individual a través de la representación de temas personales, espirituales y místicos, que, a menudo oscuros, a menudo estaban vinculados a la esfera de la religión, la mitología, el sueño y la nostalgia de un mundo antiguo muy alejado de la decadencia moderna. Este enfoque de la investigación figurativa continúa en las obras de arte contemporáneas de los artistas de Artmajeur, en particular las de: Yaroslav Kurbanov, Svetlana Savitskaya y Herve Fleury (RV).

MELODÍA OTOÑAL (2022) Pintura de Anna Grazi.

VOLLMOND (2008) Pintura de Yaroslav Kurbanov.

Yaroslav Kurbanov: Vollmond

¿Cómo reconocer que el desnudo de Kurbanov es una obra simbolista y no una exaltación "mera", "superficial" y sensual de los atributos corporales de la feminidad? El enfoque puramente figurativo de Vollmond, realizado al mencionar el género del desnudo, potencia la experiencia emocional individual, ya que, refiriéndose a las propias declaraciones del artista, traduce en imágenes las palabras íntimas pronunciadas por Jacques, dentro de la obra pastoril de Shakespeare titulada Como gustéis (1599). ), a saber, "Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres no son más que actores: tienen sus salidas y sus entradas: y un hombre en su tiempo representa muchos papeles, sus actos son siete edades". Esta parte del Acto II pretende equiparar el mundo a una obra de teatro, específicamente, refiriéndose a las siete etapas de la vida, dentro de las cuales, los seres humanos, a lo largo de toda su existencia, desempeñan múltiples papeles o papeles, sumamente afines a las diferentes partes de un drama o una obra de teatro. Dentro de la historia del arte simbolista, igualmente, esta subdivisión en actos existenciales puede asociarse con Las tres etapas de la mujer (1984) de Much y Las tres edades de la mujer (1905) de Klimt, obras maestras en las que los protagonistas sufren cambios debido al paso de muelles.

HABLANDO (2023) Pintura de Svetlana Savitskaya.

Habla: Svetlana Savitskaya

Hemos conocido y reconocido, durante nuestro estudio de la historia del arte, algunos seres angélicos representados como meros observadores de la escena, o como hábiles mensajeros, campaneros, encargados de enamorar, demoníacos traidores, etc. pero, probablemente, nunca hemos tenido la oportunidad de "espiarlos" en su vida cotidiana, es decir, cuando, por ejemplo, se reúnen en el bar cercano a sus casas, para hablar de sus actividades más o menos salvíficas. , intercambiar información sobre los deseos del jefe (Dios), chismear sobre las fechorías del diablo e ironizar sobre los muchos pecados que hay que sanar en el mundo. Precisamente este último contexto informal, en el que los ángeles son retratados en su rutina, más que en eventos sagrados o seculares de cierta profundidad, intensidad y participación, está bien representado por la pintura de Savitskaya, dentro de la cual, el motivo de reunión y discusión de los dos protagonistas tranquilos y relajados se hace explícito por la imagen que se manifiesta sobre sus cabezas: un mapa que, a través de las representaciones ligeramente "borrosas" y evanescentes de conflictos y peleas, insinúa situaciones terribles que deben evitarse. Finalmente, se contrasta el estudio de una intervención salvífica de estos ángeles sosegados y bebedores con el oscuro y despiadado ser alado de la obra simbolista La muerte del sepulturero (1895), cuadro de Carlos Schwabe en el que dicha criatura interviene en humanos. trayendo, en lugar de vida, alegría, buenas nuevas y resolución de problemas, la amenaza de la muerte.

Hervé Fleury (RV): Comedia 4

Presento la Comedia 4 de Fleury hablando, y luego explicando por qué, el Autorretrato con la muerte tocando el violín del simbolista Arnold Böcklin, pintor, dibujante, escultor y artista gráfico suizo, quien, en la obra maestra en cuestión, asoció su imagen de artista, empeñado en extraer colores de la paleta mediante el uso de un pincel, con la presencia de un nefasto esqueleto, quien, acomodado angustiosamente detrás de él, es llevado a rasguear con soltura y placer dicho instrumento. El retratado Böcklin, cuya expresión sugiere precisamente la escucha de tan siniestra y nefasta melodía, permanece inmóvil, como congelado, en la citada acción, probablemente imaginando cómo resonará tal música, seguramente de manera similar, en el momento de la su partida decisiva. Sin duda alguna, las sensibilidades contemporáneas acompañarían una sonata así a un videoclip, que, teniendo como protagonista los rasgos indefectibles de la calavera, bien podría transformarse en el fluir repetitivo de las animaciones bizarras, burlonas y “aterradoras”. de los protagonistas de Comedia 4.