Frank Stella, una figura fundamental del arte abstracto durante más de seis décadas, falleció a la edad de 87 años. Su muerte ocurrió el 4 de mayo en su casa de la ciudad de Nueva York y fue anunciada por Marianne Boesky Gallery, su representante desde 2014. La galería elogió El cuerpo de trabajo notable y en continua evolución de Stella, que exploró las capacidades formales y narrativas de la geometría y el color, así como las distinciones entre pintura y objeto. "Trabajar con Frank durante la última década ha sido un tremendo honor", dijo Marianne Boesky, reflexionando sobre su impresionante legado.
A los 23 años, después de sólo un año de pintar en Nueva York, Stella hizo una sorprendente entrada en la escena artística de la ciudad en 1959 con su austera serie monocromática de rayas Black Paintings (1958-60). Estas pinturas, notables por el uso de esmalte doméstico negro y líneas finas donde el lienzo permanecía desnudo, debutaron en la histórica exposición Dieciséis americanos del Museo de Arte Moderno en 1959. La exposición, que también presentó obras de contemporáneos más antiguos como Robert Rauschenberg y Jasper Johns. , fue significativo, ya que el MoMA adquirió "El matrimonio de la razón y la miseria, II" (1959) de Stella. Stella pretendía que las Pinturas Negras se percibieran sin ilusión, con la pintura aplicada uniformemente con un pincel de decorador, creando un impacto visual directo y cohesivo.
Frank Stella, quien inicialmente adoptó una estética monocromática y austera, gradualmente incorporó tonos metálicos y luego colores vibrantes en su trabajo, mostrándolos en varias configuraciones geométricas. Sus lienzos con formas innovadoras aparecieron por primera vez en la serie Aluminium en su primera exposición individual en Castelli en 1960. Durante sus primeros años en Nueva York, las creaciones de Stella aparecieron en numerosas exposiciones fundamentales en las principales instituciones culturales de la ciudad, incluida "Abstracción Geométrica" (1962). ) en el Whitney Museum of American Art, "The Shaped Canvas" (1964) y "Systemic Painting" (1966) en el Solomon R. Guggenheim Museum, y "The Structure of Color" en el Whitney en 1971.
Nacido en 1936 en Malden, Massachusetts, un suburbio justo al norte de Boston, y criado en la ciudad adyacente de Melrose, Stella se mudó directamente a Nueva York después de su educación. Se mantuvo como decorador de casas mientras estudiaba pintura con Patrick Morgan en la Academia Phillips en Andover, Massachusetts, y más tarde en la Universidad de Princeton con el historiador de arte William Seitz y el artista abstracto Stephen Greene, graduándose en 1958. En 1959, Stella ya participaba en un grupo. exposiciones en Oberlin College, Ohio, y en Nueva York en Tibor de Nagy Gallery y Leo Castelli, lo que condujo a su importante inclusión en "Sixteen Americans" del MoMA.
Retrospectivas del MoMA
En 1965, Frank Stella, junto con contemporáneos como Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Claes Oldenburg y Jim Dine, fue seleccionado para representar a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia. En 1967, Stella había lanzado su serie Protractor en Leo Castelli. Estas obras, caracterizadas por sus colores vibrantes y formas semicirculares de gran escala que llevan el nombre de la herramienta de dibujo, solidificaron su impacto en el arte abstracto contemporáneo. En 1970, con sólo 33 años, Stella se convirtió en la artista más joven en ser honrada con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (MoMA). Su segunda exposición integral en el MoMA, "Frank Stella: Works from 1970 to 1987" (1987-88), comenzó con su serie Polish Village. Estas piezas, un homenaje a las sinagogas destruidas en Polonia durante la Segunda Guerra Mundial, marcaron su transición de los collages en bajo relieve a construcciones más complejas en alto relieve utilizando materiales como fieltro y cartón.
En una entrevista de 1999 con The Art Newspaper, Stella reflexionó sobre esta evolución en su trabajo: "Las pinturas en relieve me obligaron a involucrarme más activamente con el mundo real. Me encontré saliendo a buscar materiales como fieltro, madera contrachapada y aluminio alveolar. Este proceso aportó nuevos elementos a mi arte, pasando del entorno controlado del estudio a un uso más exploratorio de los materiales. Picasso también se aventuró más allá de los límites tradicionales en el uso de los materiales, aunque, según los estándares actuales, superó más los límites en términos de. innovación material que la exploración física."
Al reflexionar sobre los inicios de su carrera en 1999, durante un año en el que realizó una exposición de escultura en Bernard Jacobson en Londres, Frank Stella comentó los cambios en su círculo profesional y señaló: "He superado o sobrevivido a los marchantes de la década de 1960. Larry Rubin está jubilado; Leo Castelli falleció [murió ese mismo año]. De hecho, crecí en una generación diferente, y ahora todos se han ido. Mi mundo ya pasó y todavía estoy ahí afuera, esforzándome por seguir adelante. pero realmente no encajo en el duro mundo de hoy".
Stella evolucionó su práctica para incluir esculturas a gran escala y colaboraciones con arquitectos como Richard Meier, amigo desde hace 65 años. Juntos trabajaron en proyectos como el Tribunal Federal de Phoenix (inaugurado en 2000), el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (1995), el Foro Weishaupt cerca de Ulm en el sur de Alemania (1993) y la Iglesia del Jubileo en Roma (2003). , así como con Santiago Calatrava. Un proyecto notable es The Michael Kohlhaas Curtain (2008), una pintura de un estandarte de Stella de 30 metros de largo colocada sobre un marco en forma de anillo diseñado por Calatrava.
La exploración de Stella de la historia de la pintura
En los años académicos de 1983-1984, Stella pronunció las conferencias Charles Eliot Norton en la Universidad de Harvard, tituladas "Working Space" (publicadas posteriormente por Harvard en 1985). En estas conferencias, elogió el barroco y otros estilos históricos por su uso poético y constructivo del espacio y el volumen. Durante la exposición "Frank Stella: Experiment and Change" de 2017-2018 en el NSU Art Museum de Fort Lauderdale, que presentó más de 300 de sus obras, tanto Stella como la curadora Bonnie Clearwater hablaron sobre su profundo compromiso con la historia de la pintura. Stella relató un encuentro temprano con el Díptico de la Crucifixión de Rogier van der Weyden (hacia 1460) en el Museo de Arte de Filadelfia, que describió como una influencia fundamental en su comprensión de lo que el arte podía aspirar a lograr. En el catálogo de la exposición, Clearwater señaló que para Stella, el impacto visual convincente de una pintura era un objetivo más crucial que adherirse a las doctrinas del modernismo.
Barbara Rose, la primera esposa de Stella, surgió como una destacada crítica de arte y escribió en 1965 el influyente ensayo "ABC Art" para Art in America, que desempeñó un papel crucial en la configuración de la comprensión del minimalismo. En su ensayo, Rose sugirió que el "anonimato modesto" observado en las obras de artistas neoyorquinos como Donald Judd, Robert Morris y su entonces marido Stella (se separaron en 1969) era una reacción contraria a la desenfrenada situación personal. expresión prevaleciente en ese momento, así como una respuesta formal a los excesos pictóricos predominantes.
El enfoque sincero de Stella hacia el arte
Frank Stella era conocido por su discurso directo sobre su obra de arte. Su conocida afirmación "lo que ves es lo que ves" surgió durante una conversación con el historiador de arte Bruce Glaser. Cuando Glaser respondió: "Eso no deja mucho después, ¿verdad?" Stella replicó: "No sé qué más hay". Reflexionando sobre esto décadas más tarde en una entrevista con The Art Newspaper, Stella reiteró: "Lo he dicho muchas veces: la abstracción puede ser muchas cosas. En cierto sentido, puede contar una historia, incluso si al final es una historia pictórica."
En una entrevista de 1999 con Norbert Lynton para The Art Newspaper, Frank Stella compartió sus ideas sobre cómo percibía la evolución de su trabajo durante las primeras cuatro décadas de su carrera. "La gente suele preguntar: '¿Por qué cambias?' Mi respuesta es que realmente no cambio mucho. Los cambios en mi trabajo surgen de dos sentimientos principales: un poco de insatisfacción y un poco de esperanza, siempre en busca de algo nuevo. La gente espera que te "encuentres a ti mismo" y. establecer un estilo consistente, pero los artistas generalmente quieren seguir explorando", explicó.
Adoptando tecnología de vanguardia
Stella también fue reconocida por su temprana adopción y uso innovador de nuevas tecnologías. Desde finales de la década de 1980, se dedicó al diseño asistido por computadora (CAD) y comenzó a utilizar tecnologías de impresión 3D a mediados de la década de 2000. Según informó The Art Newspaper, Stella utilizó la impresión 3D para crear componentes de metal y resina para su serie de esculturas policromadas, Scarlatti Kirkpatrick. Esta serie se inspiró tanto en las sonatas para clave de Domenico Scarlatti, un compositor italiano del siglo XVIII, como en el trabajo académico de Ralph Kirkpatrick, un musicólogo estadounidense del siglo XX.
En una entrevista de 2013 con The Art Newspaper, Ron Labaco, curador del Museo de Arte y Diseño de Nueva York, analizó cómo la tecnología de impresión 3D permitió a Frank Stella crear proyecciones desde la pared de una manera que los métodos tradicionales, que habrían sido demasiado engorroso y pesado, no se pudo lograr. Labaco incluyó el trabajo de Stella en una exposición centrada en el arte por computadora titulada "Out of Hand: Materializing the Postdigital", que se desarrolló entre 2013 y 2014.
En 2022, Frank Stella lanzó su primer NFT (token no fungible) como parte de su proyecto "Geometries", en colaboración con la Artists Rights Society (ARS), que se estableció en 1987 para proteger los derechos de los artistas a través de derechos de autor, licencias, y seguimiento de artistas visuales en Estados Unidos. Esta asociación destacó la participación y el apoyo de larga data de Stella al ARS. Katarina Feder, directora de desarrollo de negocios de ARS, informó a The Art Newspaper: "Vendimos los 2.100 tokens y, lo que es más importante, generamos regalías de reventa a partir de ventas secundarias, una causa por la que Frank ha abogado durante mucho tiempo".
A través de su división digital ARSNL, la Artists Rights Society (ARS) involucró a los coleccionistas de NFT al compartir un video del proceso y una declaración curatorial del experto en análisis de arte Jason Bailey. "Los coleccionistas digitales se enamoraron de Frank y sus creaciones", señaló Katarina Feder, "y muchos crearon sus propios trabajos derivados, lo que Frank permitió. Le presentamos algunos de estos derivados a Frank y él quedó encantado con ellos". El atractivo de la caída de NFT para Stella, como explicó a la revista NFT Right Click Save, fue que "los NFT, en un sentido abstracto, parecen poder abordar algunos de los desafíos planteados por la creciente reproducibilidad en las tecnologías de imágenes y fabricación. De manera más tangible, ofrecen un mecanismo para que los artistas reclamen los derechos de reventa que creo que deberíamos poseer".
La postura progresista de Stella sobre la caída de NFT, alentando a los coleccionistas a crear derivados e imprimir la obra de arte en 3D, consolidó aún más su reputación como defensor de los derechos de los artistas. Gretchen Andrew, en su columna Art Decoded para The Art Newspaper, destacó la dedicación de Stella: "Frank siempre ha estado tan preocupado por la materialidad y las cualidades táctiles de sus obras como por defender los derechos de sus pares. Durante años, Ha sido una voz activa en la lucha por los derechos de participación".
La serie de estrellas
Entre las obras más famosas de la carrera posterior de Frank Stella se encuentra su serie Stars, que presenta grandes estrellas independientes de múltiples puntas. Una instalación notable de esta serie incluyó un par de estrellas de siete metros de altura exhibidas en el patio de la Royal Academy de Londres en 2015. En 2021, Stella presentó la Split Star de Jasper, una escultura de acero inoxidable, en la plaza del nuevo 7 World. Centro de Comercio de la ciudad de Nueva York. Esta escultura sirvió como un conmovedor reemplazo simbólico de dos de las grandes pinturas de Stella, Laestrygonia I y Telepilus Laestrygonia II, cada una de las cuales medía 10 pies por 10 pies, que anteriormente se encontraban en el vestíbulo del 7 World Trade Center original antes de que fuera destruido en el Ataques del 11 de septiembre.
El legado duradero de Frank Stella: innovación e impacto en el arte abstracto
Frank Stella, una fuerza indomable en el arte abstracto durante más de sesenta años, deja tras de sí un inmenso legado marcado por contribuciones pioneras en este campo. Su fallecimiento a los 87 años significa el fin de una era, pero también subraya el impacto duradero de su trabajo, desde las innovadoras "Pinturas Negras" hasta sus innovadoras esculturas a gran escala y colaboraciones con arquitectos. Las exploraciones de Stella abarcaron los ámbitos de la forma, el color y la dinámica espacial, remodelando el diálogo en torno al arte abstracto y sus intersecciones con las tecnologías modernas y los nuevos medios, incluidos los NFT. Su dedicación a la evolución de su expresión artística mientras defendía los derechos de los artistas destacó su papel no sólo como creador sino también como pensador visionario en el mundo del arte. El viaje de Stella de un joven pintor en Nueva York a un ícono venerado cuyas obras desafiaron y trascendieron los límites estéticos de su tiempo deja una huella duradera en el lienzo del arte contemporáneo.
Selena Mattei
| Revista ArtMajeur