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News & annoucements about Artmajeur

Nov 15, 2017
Creativity : user manual Comments


Socialter defines creativity as "the Grail of the 21st century" and the World Economic Forum places it at the heart of the four key competencies of our time with critical thinking, the art of communicating and collaborating. Essential to the survival and development of the company, it is essential to promote and integrate it into the corporate culture.

What is creativity?

It is the ability of a person or group of people to design and implement a new concept, a new object or to discover an original solution to a problem. Creativity is at the origin of invention (when used for a product or service) and innovation (when this invention applies to a market).

Are we all creative?

In the collective unconscious, creativity appears as the prerogative of some solitary geniuses, often cursed, endowed with innate gifts and disconcerting facilities. In reality, each person has a creative potential often under-exploited or constrained by conformism, pessimism, fear of failure, family or social judgment, education.

What are the characteristics of the creative people it is up to us to develop?

- self-esteem in any event;

- determination, commitment and perseverance at all times;

- an unlimited curiosity to embrace all fields of knowledge, observation or the human condition;

- high speed of information processing of any kind associated with a taste for complexity;

- a flash resolution of problems associated with an almost automatic generation of ideas;

- an ability to imagine other worlds, other systems, other logics.

The thought of a creative is both:

- analogue (linked to the free association of ideas and images coming from different and often compartmentalized universes),

- divergent (original, fluid and flexible),

- original: free from gender stereotypes,

-deconcerting: capable of operating radical reversals.

The great enemies of the creative are fatigue and stress, the search for perfection, specialization, the "academic" spirit, the routine and the lack of openness to the world.

Creating something that has never existed requires enthusiasm, experimentation and a detachment of knowledge and the past. It's an open, free-spirited attitude that feeds on everything and is driven by challenges.

How to become more creative?

Many exercises that promote idea generation and problem solving exist. Nevertheless, developing a creative mindset is the key for those who wish to exploit their creative potential, namely:

- absorb everything and be open to new experiences to find inspiration and promote the analog process;

- constantly ask questions to deepen your knowledge;

- to think like a child, to free oneself from schemas, constraints and forbidden, to move away from reason;

- to question and reconsider the gains;

- hear all points of view to develop new paths and new interactions;

- alternate creative phase and mental rest phase;

- make sleep his ally to develop the unconscious thought;

- take a distance on things to implement the imagination;

- develop one's sense of humor, have wit;

- take risks, consider failures as a way to progress and develop boundless determination;

- never censor ideas;

- develop the fun aspect of creation by moving from cock to donkey, associating, taking the opposite, playing the paradox.

Even if the great creations are generally the fact of an individual connected to his desires, his thoughts, his inner challenges, the innovation is often a collective act, the fruit of a creativity and an original action of team. Theoretically, the creativity of a group of individuals together should have infinitely greater potential than that of an isolated person. In practice, the optimization of "collective intelligence" involves creating the conditions for group creativity and setting up the organization that allows the individual creative process to be replicated at the team level.

Different approaches such as design thinking promote the spread of the culture of creativity in the company and the organization of the different stages of preparation, incubation, generation of solutions and validation. In business, creative improvisation with decision and immediate implementation does not exist. On the other hand, the respect of the different creative stages can allow the emergence of complementarities and a creative team spirit that will allow to interiorize the creative process and accelerate the group innovation.

To remain competitive and foster innovation, one of the means to remove the resistance to change of employees (seeing no personal interest, considering not having the required skills or feeling threatened by the unknown) is to set up a culture of creativity applied in the rules of the art.

By restoring trust, enhancing value, by collaborating on joint projects in which everyone contributes, by making a difference in the collective fruits, the company will gain in flexibility, adhesion and dynamism, essential in an open economy more and more globalized before meet increasingly individualized needs.

Article proposed by:

 

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Nov 15, 2017
Créativité : mode d’emploi Comments


 

Socialter définit la créativité comme "le Graal du XXIe siècle" et le World Economic Forum la place au cœur des quatre compétences clés de notre époque avec la pensée critique, l’art de communiquer et de collaborer. Essentielle à la survie et au développement de l’entreprise, il apparait primordial de la favoriser et de l’intégrer à la culture d’entreprise. 

Qu’est-ce que la créativité ?

Il s’agit de la capacité d’une personne ou d’un groupe de personnes à concevoir et mettre en œuvre un nouveau concept, un nouvel objet ou à découvrir une solution originale à un problème. La créativité est à l’origine de l’invention (lorsqu’elle est utilisée pour un produit ou un service) et de l’innovation (lorsque cette invention s’applique à un marché).

Sommes-nous tous créatifs ?

Dans l’inconscient collectif, la créativité apparaît comme l’apanage de quelques génies solitaires, souvent maudits, dotés de dons innés et de facilités déconcertantes. En réalité, chaque personne a un potentiel créatif souvent sous-exploité ou bridé par le conformisme, le pessimisme, la peur de l’échec, le jugement familial ou social, l’éducation.

Quelles sont les caractéristiques des personnes créatives qu’il nous appartient de développer ?

– Une estime de soi à toute épreuve ;

– Une détermination, un engagement et une persévérance de tous les instants ;

– Une curiosité sans limites permettant d’embrasser tous les champs de la connaissance, de l’observation ou de la condition humaine ;

– Une grande rapidité de traitement d’informations de toute nature associée à un goût pour la complexité ;

– Une résolution éclair des problèmes associée à une génération quasi automatique d’idées ;

– Une capacité à imaginer d’autres mondes, d’autres systèmes, d’autres logiques.

La pensée d’un créatif est à la fois :

– analogique (liée à la libre association d’idées et d’images venant d’univers différents et souvent cloisonnés),

– divergente (originale, fluide et flexible),

– originale : dégagée des stéréotypes liés au genre,

–déconcertante : capable d’opérer des renversements radicaux.

Les grands ennemis du créatif sont la fatigue et le stress, la recherche de la perfection, la spécialisation, l’esprit « scolaire », la routine et le manque d’ouverture au monde.

Créer quelque chose qui n’a jamais existé demande de l’enthousiasme, de l’expérimentation et un détachement du savoir et du passé. C’est une attitude d’esprit ouverte, libre qui se nourrit de tout et est stimulée par les défis.

Comment devenir plus créatif ?

De nombreux exercices favorisant la génération d’idées et la résolution originale de problèmes existent. Néanmoins, développer une attitude d’esprit créative est la clé pour ceux qui souhaitent exploiter leur potentiel créatif, à savoir :

– S’imprégner de tout et être ouvert aux nouvelles expériences pour trouver l’inspiration et favoriser le processus analogique ;

– Se poser en permanence des questions pour approfondir vos connaissances ;

– Penser comme un enfant, se libérer des schémas, contraintes et interdits, s’éloigner de la raison ;

– Se remettre en cause et reconsidérer les acquis ;

– Entendre tous les points de vue pour développer de nouveaux cheminements et de nouvelles interactions ;

– Alterner phase créative et phase de repos mental ;

– Faire du sommeil son allié pour développer la pensée inconsciente ;

– Prendre de la distance sur les choses pour mettre en œuvre l’imagination ;

– Développer son sens de l’humour, avoir de l’esprit ;

– Prendre des risques, considérer les échecs comme un moyen de progresser et développer une détermination sans bornes ;

– Ne jamais censurer des idées ;

– Développer l’aspect ludique de la création en passant du coq à l’âne, en associant, en prenant le contrepied, en jouant du paradoxe.

Même si les grandes créations sont généralement le fait d’un individu relié à ses désirs, ses pensées, ses défis intérieurs, l’innovation est souvent un acte collectif, le fruit d’une créativité et d’une action originale d’équipe. Théoriquement, la créativité d’un groupe d’individus réunis devrait présenter un potentiel infiniment supérieur à celui d’une personne isolée. Dans la pratique, l’optimisation de "l’intelligence collective" suppose de créer les conditions de la créativité de groupe et de mettre en place l’organisation qui permet de reproduire à l’échelon d’une équipe le processus créatif individuel.

Différentes approches telles que le design thinking favorisent la diffusion de la culture de la créativité dans l’entreprise et l’organisation des différentes étapes de préparation, d’incubation, de génération de solutions et de validation. En entreprise, l’improvisation créatrice avec décision et implémentation immédiate n’existe pas. En revanche, la respect des différentes étapes créatives peut permettre l’émergence de complémentarités et d’un esprit d’équipe créatif qui vont permettre d’intérioriser le processus créatif et d’accélérer l’innovation de groupe.

Pour rester compétitif et favoriser l’innovation, un des moyens pour lever la résistance au changement des collaborateurs (n’y voyant aucun intérêt personnel, considérant ne pas avoir les compétences demandées ou se sentant menacés par l’inconnu) est de mettre en place une culture de la créativité appliquée dans les règles de l’art.

En redonnant confiance, en valorisant, en faisant collaborer à des projets communs au sein desquels chacun apporte sa contribution, en intéressant aux fruits collectifs, l’entreprise gagnera en flexibilité, adhésion et dynamisme, indispensables dans une économie ouverte de plus en plus mondialisée devant répondre à des besoins de plus en plus individualisés.

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Oct 25, 2017
Art and management : a promising convergence Comments


Art, a mode of expression of a subjectivity, seems at first sight disconnected from the notions of organization, profit or profitability and rational management methods used in the management of a company.

Art, an individual activity, irrational, out of context and sensitive, generally arouses the skepticism of management and the mistrust of employees seeking "validating" technical training. It is these same well-established patterns that favor management and technology over human sciences and artistic disciplines. However, art and management have every interest in crossing each other to enrich each other.

The company has a lot to learn from the artistic process, in particular:

- the quest for meaning: the artistic process conveys values and carries a particular mission;

- project management: each work, composition or realization, requires a real project management;

- the mastery of the techniques of realization: without control of the basic techniques brought to evolve with the experimentation and the artistic approach towards personal and original techniques, the art does not exist (the artist must be an outstanding technician doubled a technical innovator);

- an iterative process: the artist constantly interacts with the work in progress, making the necessary adjustments to achieve the desired result;

- an approach of originality and creativity: what distinguishes the artist from the craftsman is this creative ability, this search for novelty. We speak of "performance" or artistic originality;

- a humanist approach: at the same time, a personal vision of the world and an uncompromising look at reality, art expresses in a particular aesthetic form the world around us;

- total risk taking: there is no certainty that the work is well received by the market;

- a highly competitive art market: art has no borders, competition is global. The artist, guided by a personal approach that has no commercial intention, is confronted with the hypercompetition and the material necessity of creating his market and building up his base of customers and users;

- A work of art is above all a "sensitive user experience" (emotion, wonder, energy). The artist must maximize this experience by facilitating the accessibility of his art if he wants to sell his work;

- an individual creation that inserts itself and interacts with its environment and society;

- a process of expression and personal realization.

The modern manager who wants to foster collaboration and creativity has every interest in developing his own creative potential and immersing himself in artistic processes in order to facilitate group creativity. Individual creativity is a state of mind that can be stimulated (exhibition visits, open courses, creativity workshops ...). Creation processes can be learned through contact with artists (artistic interventions in the company, visits to workshops, conferences, etc.).

The artist has a lot to learn from the manager.

Recently, the concept of artist-entrepreneur, an artist managing his artistic work as a business, has appeared. In an ultra-competitive market, the artist can be brought to disseminate his works to build an identity, a brand, to invent new communication and sales methods, to develop a range of products derived from the original production adapted to his market. Some artists produce works "ready to hang", more affordable, allowing them to cope with the costs of producing more ambitious works. This approach criticized by some purists is not necessarily a brake on originality or creativity. If the artist does not resign himself to producing "what works", but develops accessible artistic concepts of tomorrow. To have financial resources linked to the sale of his works is the goal and the dream of every artist, but also his greatest source of freedom and innovation.

Obviously, in a world that requires more and more flexibility, openness, originality and efficiency, these two approaches, artistic and managerial, are called to nourish each other to give birth to a creative management and organized arts activities.

Article proposed by:

 


Art management

 

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Oct 25, 2017
Art et management : une convergence prometteuse Comments


L’art, mode d’expression d’une subjectivité, semble de prime abord déconnecté des notions d’organisation, de profit ou de rentabilité et des méthodes de gestion rationnelle employées dans la direction d’une entreprise. 

L’art, activité individuelle, irrationnelle, hors cadre et sensible, suscite généralement le scepticisme des directions et la méfiance des collaborateurs en quête de formations techniques « validantes ». Ce sont ces mêmes schémas bien ancrés qui privilégient la gestion et la technique au détriment des sciences humaines et des disciplines artistiques. Pourtant, art et management ont tout intérêt à se croiser pour s’enrichir mutuellement.

L’entreprise a beaucoup à apprendre de la démarche artistique, en particulier :

– la quête de sens : la démarche artistique véhicule des valeurs et est porteuse d’une mission particulière ;

– la gestion de projet : chaque œuvre, composition ou réalisation, requiert une véritable conduite de projet ;

– la maîtrise des techniques de réalisation : sans maîtrise des techniques de base amenées à évoluer avec l’expérimentation et la démarche artistique vers des techniques personnelles et originales, l’art n’existe pas (l’artiste doit être un technicien hors pair doublé d’un innovateur technique) ;

– un processus itératif : l’artiste interagit en permanence avec le travail en évolution, procédant aux aménagements nécessaires pour atteindre le résultat souhaité ;

– une démarche constate d’originalité et de créativité : ce qui distingue l’artiste de l’artisan, c’est cette capacité créative, cette recherche de la nouveauté. On parle de « performance » ou d’originalité artistiques ;

– une démarche humaniste : à la fois, vision personnelle du monde et regard sans concessions sur la réalité, l’art dit sous une forme esthétique particulière le monde qui nous entoure ;

– une prise de risque totale : il n’y a aucune certitude que l’œuvre soit bien reçue par le marché ;

– un marché de l’art des plus concurrentiels : l’art n’a pas de frontières, la concurrence est globale. L’artiste, guidé par une démarche personnelle à priori sans intention commerciale, est confronté à l’hyperconcurrence et la nécessité matérielle de créer son marché et de constituer sa base de clients et d’utilisateurs ;

– Une œuvre d’art est avant tout une « expérience sensible utilisateur » (émotion, émerveillement, énergie). L’artiste se doit de maximiser cette expérience en facilitant l’accessibilité de son art s’il veut vendre ses réalisations ;

– une création individuelle qui s’insère et interagit avec son environnement et la société ;

– une démarche d’expression et de réalisation personnelle.

Le manager moderne soucieux de favoriser la collaboration et la créativité a tout intérêt à développer son propre potentiel créatif et à s’imprégner des processus artistiques, en vue de faciliter la créativité de groupe. La créativité individuelle est un état d’esprit qu’il est possible de stimuler (visites d’expositions, cours ouverts, ateliers de créativité...). Les processus de création peuvent s’apprendre au contact d’artistes (interventions artistiques dans l’entreprise, visites d’ateliers, conférences...).

L’artiste a de son côté beaucoup à apprendre du manager.

Il est apparu récemment le concept d’artiste-entrepreneur, artiste gérant son travail artistique comme une entreprise. Dans un marché ultra-concurrentiel, l’artiste peut être amené pour diffuser ses œuvres à bâtir une identité, une marque, inventer des procédés de communication et de vente inédits, développer une gamme de produits dérivés de la production originale adaptée à son marché. Certains artistes produisent des œuvres « prêtes à accrocher », plus abordables, leur permettant de faire face aux coûts de production d’œuvres plus ambitieuses. Cette démarche critiquée par certains puristes n’est pas forcément un frein à l’originalité ou la créativité. Si l’artiste ne se résigne pas à produire « ce qui marche », mais développe des concepts artistiques de demain accessibles. Disposer de moyens financiers liés à la vente de ses œuvres est le but et le rêve de tout artiste, mais aussi son plus grand moteur de liberté et d’innovation.

À l’évidence, dans un monde qui requiert de plus en plus de flexibilité, d’ouverture, d’originalité et d’efficacité, ces deux démarches, artistique et managériale, sont appelées à se nourrir mutuellement pour permettre l’émergence d’un management créatif et d‘activités artistiques organisées.

Article proposé par :

 


art management

 

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Oct 12, 2017
Configure your gallery to sell online Comments 5


We receive messages every days from collectors who wish to buy works but can not finalize their transactions because they are blocked by a lack of information necessary for the sale!

  • The dimensions of the work are missing
  • There is no price for delivery
  • Absence of payment method
  • Terms of sale not defined

 

Today's Internet users are used to finding this information easily and buy regularly from merchant sites: it is crucial to take the time to configure your gallery to allow collectors to feel reassured and confident. It is only in this way that it is possible to trigger the act of purchase!

 

 

The price of the work

  • Enter the price! If the price is not shown, you lose 90% of potential buyers!

 

Methods of payment

  • Set up at least 1 payment method in section MY ACCOUNT> SETTINGS
  • It is strongly recommended to offer PAYPAL to secure the transaction

 

Delivery fees

  • Configure the standard shipping prices on section MY ACCOUNT> SETTINGS
  • Specify any shipping costs by editing each work if necessary

 

Terms & Conditions

  • Choose the standard terms of sale, or write your own terms of sale on MY ACCOUNT> SETTINGS

 

Information on the work:

  • Very important: Specify the dimensions of the work
  • Indicate the title and write a description that indicates the context and tells the story of the work to make the visitor dream !

 

The visuals of the works:

  • Load a good photo, well centered, well lit
  • Do not add text / date / copyright
  • Crop it perfectly, remove any disruptive elements

 

We estimate that the number of sales on the platform could be multiplied by 10 or more if all buyers had all the required information on a work at the time they wish to make their purchase!

 

cap-2017-10-12-a-18-43-31.jpg Configure your gallery to sell online

sell online how to sell art online

 

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Oct 12, 2017
Configurer sa galerie pour vendre en ligne Comments 3


Nous recevons tous les jours au support des messages de collectionneurs qui souhaitent acheter des oeuvres, mais qui ne peuvent pas finaliser leurs transaction car ils sont bloqués par un manque d'informations necessaires à la vente! 

  • Les dimensions de l'oeuvre sont manquantes
  • Il n'y a pas le de prix de la livraison
  • Abscence de méthode de paiement
  • Conditions de vente non définies

 

Les internautes d'aujourd'hui sont habitués à trouver facilement ces informations et achètent régulièrement sur les sites marchands : il est crucial de prendre le temps de configurer votre galerie pour permettre aux collectionneurs de se sentir rassurés et confiants. Ce n'est que de cette manière qu'il est possible de déclencher l'acte d'achat !

 

 

Le prix de l'oeuvre

  • Indiquez le prix ! Si le prix n'est pas indiqué, vous perdez 90% des acheteurs potentiels!

 

Les méthodes de paiement

  • Configurez au moins 1 méthode de paiement sur la section MON COMPTE > REGLAGES
  • Il est vivement recommandé de proposer PAYPAL pour sécuriser la transaction

 

Les frais de livraison

  • Configurer les prix d'envoie standards sur la section MON COMPTE > REGLAGES
  • Spécifiez éventuellement des frais d'envoie particuliers en éditant chaque oeuvre si nécessaire

 

Les conditions de vente

  • Choisissez les conditions de vente standard, ou écrivez vos propres conditions de vente sur la section MON COMPTE > REGLAGES

 

 

Les informations sur l'oeuvre:

  • Très important: Spécifiez les dimensions de l'oeuvre
  • Indiquez le titre et rédigez une description qui indique bien le contexte et qui raconte l'histoire de l'oeuvre pour faire rêver le visiteur !

 

Le visuel des oeuvres:

  • Chargez une bonne photo, bien centrée, bien éclairée
  • N'ajoutez aucun texte/date/copyright
  • Recadrez la parfaitement, enlevez tout élément perturbateur

 

D'après nos estimations, le nombre de ventes sur la plateforme pourrait être multiplié par 10 ou plus si tous les acheteurs disposaient de toutes les informations requises sur une oeuvre au moment ou ils souhaitent effectuer leur achat !

 

cap-2017-10-12-a-18-38-05.jpg Configurer sa galerie pour vendre en ligne

vente en ligne vente à distance

 

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Oct 4, 2017
Artmajeur en page d'accueil sur Forbes ! Comments 1


Un trés bon article de la journaliste Audrey Chabal sur Artmajeur fait actuellement la page d'accueil de Forbes, à retrouver sur le lien suivnat : 
https://www.forbes.fr/entrepreneurs/art-majeur-democratise-achat-art-grace-a-internet/

 

cap-2017-10-13-a-11-15-20.jpg Artmajeur en page d'accueil sur Forbes !

 

forbes-home-page.jpg Artmajeur en page d'accueil sur Forbes !

forbes la presse en parle articles de presse interview Audrey Chabal

 

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Oct 4, 2017
Artmajeur on Forbes Home page Comments


A very good article of the journalist Audrey Chabal on Artmajeur currently makes the home page of Forbes, to be found on the following link:
https://www.forbes.fr/entrepreneurs/art-majeur-democratise-achat-art-grace-a-internet/

 

cap-2017-10-13-a-11-15-20.jpg Artmajeur on Forbes Home page

 

forbes-home-page.jpg Artmajeur on Forbes Home page

forbes interview press review

 

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Oct 3, 2017
Chronique ToutLeco Artmajeur sur France Bleue Comments


La radio France Bleu difuse une chronique de la journaliste Ysis Percq dans l'émition TOULECO Du lundi au vendredi à 6h10 et 7h42

Retrouvez le podcast spécial sur Artmajeur disponible depuis le lien suivant : 

https://www.francebleu.fr/emissions/touleco-y-percq/herault/artmajeur-de-la-fac-de-montpellier-au-marche-mondial-de-l-art

 

cap-2017-10-13-a-12-07-10.jpg Chronique ToutLeco Artmajeur sur France Bleue

la presse en parle interview france bleue radio Ysis Percq

 

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Sep 26, 2017
Reportage TV - France 3 Comments


Interview TV à nos bureaux de Montpellier - France 3 reportage de J.Escafre / F.Jobard / F.Alibert

 

cap-2017-10-13-a-15-34-58.jpg Reportage TV -  France 3

articles de presse interview reportage tv france 3

 

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Sep 26, 2017
TV interview on France 3 Comments


Interview TV at our offices in Montpellier - France 3 reportage by J.Escafre / F.Jobard / F.Alibert

 

cap-2017-10-13-a-15-34-58.jpg TV interview on France 3

interview france 3 tv interview

 

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Aug 17, 2017
Travaux de maintenance serveurs Comments 5


Bonjour à tous,

dans le cadre de l'amélioration de nos services, de nouveaux serveur vont être installés, le weekend du 19 et 20 aout, ce qui peut causer des ralentissement ou des coupures de services plus ou moins importante en fonction du traffic sur le site, et peut notamment impacter l'affichage des images de manière temporaire.

Nous faisons le maximum pour déployer les nouveaux équipement aussi rapidement que possible et vous présentons nos excuses pour les troubles éventuels.

Les services seront à nouveau pleinement opérationnels dès lundi 21 au soir.
Merci pour votre patience !

 


mises à jour travaux nouveaux serveurs

 

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Aug 17, 2017
Maintenance work on servers Comments


Hello everyone,

As part of the improvement of our services, new servers will be installed on the weekend of 19 and 20 August, which can cause slower or more severe downtime depending on the traffic on the site, and Can in particular impact the display of the images temporarily.

We do our utmost to deploy the new equipment as quickly as possible and apologize for any inconvenience.

The services will be fully operational again on Monday 21st evening.
Thank you for your patience !


maintenance new servers

 

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Jul 17, 2017
Alternatives à Etsy / ALittleMarket Comments 1


Suite à l'abandon de la plateforme francaise spécialisée dans les créations artisanales "fait main" ALittleMarket par l'américain Etsy, de nombreux créateurs se retrouvent aujourd'hui obligés de migrer l'intégralité de leur activité sur Etsy, à des conditions qui ne leur conviennent pas forcément.

Les créateurs se plaignent notamment:

  • Des tarrifications de mise en ligne proposées
  • Des problèmes de concurence "déloyale", plagiat, production à la chaine, ou même de revente pure et simple qui dénaturent le concept d'artisanat
  • Du trop grand nombre de leur créations qui se retrouvent noyées sous une montagne d'offres d'interêt artistique limité ou peu abouties

Les plateformes basées sur les commissions de vente touchent de l'argent sur chaque transactions et n'ont pas d'interêt particulier à promouvoir les créateurs par rapport aux atteliers de confection ou revendeurs qui génèrent des ventes souvent à moindre prix.

Au contraire, depuis 17 ans, Artmajeur a fait de choix de proposer des prestations pour permettre au artistes de protéger, promouvoir et vendre leur travail sans commission. Nos services sont disponibles uniquement par abonnements abordables à tous : 4EURHT/mois. Pour ce prix, tout est illimité, les images sont toutes enregistrées avec un horodatage certifié qui permet de prouver l'antériorité de ses créations, et il n'y a pas de commissions sur les ventes.

Aujourd'hui, plus de 115 000 artistes du monde entier ont choisi Artmajeur pour présenter leur travail.

Les créateurs sont les bienvenus sur Artmajeur
Nous travaillions actuellement à la refondation de la section Artisanat d'Art, en collaboration avec des créateurs qui connaissent bien les problématiques de ce marché. D'ici les prochaines semaines, nous allons dédier une section entière de Artmajeur à l'artisanat d'art sous toutes ses formes. Notre idée est de proposer dans le même esprit que pour les oeuvres artistiques classiques (peintures/sculptures etc...), un espace sécurisé et abordable pour que les artistes et créateurs puissent montrer et vendre leurs créations !

 

Offre spéciale de Bienvenue
Une offre spéciale de bienvenu est actuellement proposée aux anciens membres de ALM / Etsy, si vous ne disposez pas du code de promotion, demandez le support avec l'adresse de votre boutique.

Découvrir nos services : 
http://www.artmajeur.com/fr/our-services

L'équipe est disponible pour répondre à toutes vos questions au support : www.artmajeur.com/fr/contact-us  / support@artmajeur.com

 

atillemarket-etsy-migration.png Alternatives à Etsy / ALittleMarket

Migration AlittleMarket

 

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Jul 11, 2017
Australian aboriginal art: Millennial art threatened with disappearance Comments


The first Aboriginal rock paintings date back to the dawn of time (more than 50,000 years ago), much earlier than those found in Europe. First forms of known art, perpetuated on their original support (rock, sand ...) until twenty years ago then with modern techniques (canvas, acrylic ...), are now threatened with extinction.

Aboriginal art is both a sacred art and a ritual art used in initiation ceremonies. These representations evoke the Dream Time, the time of supernatural beings that have arisen from the earth, traveled and created the world and living beings. The space sacred time, space parallel to ours always pre-exists. Only initiates can come into contact with him during ritual ceremonies.

At the time of the creation of the world, these fantastic beings left traces in the landscape. The paintings are a kind of narrative and symbolic cartography which revive their work of creation of the world. By linking the two worlds, activating and diffusing the vital energy of the great ancestors, they allow life to perpetuate itself and the world not to disappear. Basically, the great Aboriginal artists are painting to ensure the survival of their community and more broadly of the world! Aboriginal art is a collective spiritual art with a naturalistic, figurative or geometric style.

The "aboriginal artistic movement" itself was born in the 1970s under the impetus of an English teacher Geoffrey Bardon who pushed the students of the community of Papunya (center of Australia) to reproduce on walls, panels or canvas the motifs of the Dream Time. According to the critic Robert Hughes, the last great pictorial artistic movement of the XXth century was born ... The sacred representations bearing power and history being reserved for the initiated, different techniques (such as pointillism) were used by the artists to preserve their secret character and show only the secular part. Success was such that Aboriginal art sales peaked at $ 200 million per year in the years 1990-2000. After having been ignored for a long time, this commercial success made it possible for the aboriginal communities to reconstitute themselves and to disseminate their millenary culture to the world in a suitable form.

Considered to be the legacy of an endangered civilization, this art was categorized by the art market as "ancient, ethnographic art", and progressively confined to stereotypes, techniques and standardized motifs giving the lead to "historical" artists and leaving little room for a more contemporary creation. Few merchants supporting young artists, the great initiates who bear the millennial pictorial tradition disappearing without transmitting their art, the vitality and the renewal of aboriginal art is seriously in danger. All the more the aboriginal communities, struggling for lack of means to assume both a role of social and artistic support, are threatened with regrouping near major cities by the regional governments.

Ancient rock art is also in danger, threatened by urban development, mining, erosion, and vandalism. 50% of the rock art could disappear within forty years if not soon protected. The support of some international museums such as the Musée du Quai Branly can not replace that of local authorities, which are struggling to recognize, preserve and support the identity, culture and art of the natives of the terra nullus "(a land which belongs to no one" according to the 1770 declaration of James Cook, one of the discoverers of Australia), yet an essential component of Australian identity.

Beyond this, without mobilization, what constitutes the heritage of mankind could eventually be reduced to a digital database of missing petroglyphs and paintings produced for the layman, truncated with their original sacred motifs, which would sign the end of Australian Aboriginal art.

Article proposed by:


Aboriginal art Australia

 

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Jul 11, 2017
L’art aborigène d’Australie : un art millénaire menacé de disparition Comments 1


Les premières peintures rupestres aborigènes remontent à la nuit des temps (plus de 50 000 ans). Elles sont antérieures à celles retrouvées en Europe (Chauvet ou Lascaux). Premières formes d’art connu, perpétuées sur leur support originel (roche, sable…) jusqu’à il y a une vingtaine d’années et en utilisant des techniques « modernes » ( toile, acrylique…) depuis les années 1970, elles sont à présent menacées de disparition.

L’art aborigène est à la fois un art sacré et un art rituel utilisé lors des cérémonies d’initiation. Il représente les récits mythiques du Temps du Rêve, le temps des êtres surnaturels qui ont surgi de la terre, voyagé et créé le monde et les êtres vivants. L’espace temps sacré, espace parallèle au notre, existe toujours, mais seuls les initiés peuvent entrer en contact avec lui lors de cérémonies rituelles.

Au moment de la génèse du monde, ces êtres mythiques surnaturels ont laissé des traces dans le paysage. Les peintures, sortes de cartographies narrative et symbolique, en figurent les itinéraires et redonnent vie aux actes de création du monde. En liant les deux mondes, le mode sacré et le monde profane, en activant et en diffusant l’énergie vitale des grands ancêtres, elles permettant à la vie de se perpétuer et au monde de ne pas disparaître. Les grands artistes aborigènes peignent pour assurer la survie de leur communauté et plus largement du monde ! L’art aborigène est un art spirituel fondamentalement collectif au style naturaliste, figuratif ou géométrique.

Le « mouvement artistique aborigène » proprement dit est né dans les années 1970 sous l’impulsion d’un professeur anglais Geoffrey Bardon qui poussa les élèves de la communauté de Papunya (centre de l’Australie) à reproduire sur des murs, des panneaux ou de la toile les motifs du Temps du Rêve. Selon le critique Robert Hughes, le dernier grand mouvement artistique pictural du XXème siècle était né… Les représentations sacrées porteuses de pouvoir et d’histoire étant réservés aux initiés, différentes techniques (comme le pointillisme) furent utilisées par les artistes pour préserver leur caractère secret et n’en montrer que la partie profane. Le succès fut tel que les ventes d’art aborigène culminèrent jusqu’à 200 Million USD par an dans les années 1990-2000. Après avoir été longtemps ignoré, ce succès commercial permit aux communautés aborigènes de se reconstituer et de diffuser leur culture millénaire au monde sous une forme adaptée.

Considéré comme l’héritage d’une civilisation en voie d’extinction, cet art fut catégorisé par le marché de l’art comme « art ancien, ethnographique ». Progressivement cantonné dans des stéréotypes, des techniques et des motifs standardisés, il donne la part belle aux artistes « historiques » et laisse peu de place à une création aborigène contemporaine. Rares étant les marchands à se risquer à soutenir de jeunes artistes, les grands initiés porteurs de la tradition picturale millénaire disparaissant sans transmettre leur art, la vitalité et le renouveau de l’art aborigène est sérieusement en question. D’autant que les communautés aborigènes disséminées dans le pays, souvent isolées et porteuses de leurs propres traditions, sont menacées de regroupement près des grandes villes par les gouvernements régionaux.

L’art rupestre ancien, est lui aussi en danger, menacé par le développement urbain l’exploitation minière, l’érosion et le vandalisme. 50% des œuvres rupestres pourraient disparaître dans les quarante prochaines années si elles ne sont pas protégées.

Le soutien de quelques institutions muséales internationales telles que le Musée du Quai Branly ne peut se substituer à celui des autorités locales qui peinent à reconnaître, préserver et soutenir l’identité, la culture et l’art des natifs de la « terra nullus » (terre qui n’appartient à personne » selon la déclaration en 1770 de James Cook, un des découvreurs de l’Australie), pourtant composante première de l’identité australienne.

Au-delà, sans mobilisation, ce qui constitue le plus ancien patrimoine de l’humanité pourrait à terme se réduire à une base de données numériques de pétroglyphes disparus et de peintures produites pour les profanes, tronquées de leurs motifs originels sacrés, ce qui signerait la disparation de l’art aborigène d’Australie, art premier essentiel se perpétuant depuis l’âge de pierre.

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Art Aborigène Australie

 

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Jul 10, 2017
Aigle de Nice - Appel à Candidatures Comments


L’Aigle de Nice est une Association Loi 1901 enregistrée à la Préfecture des Alpes-Maritimes. Elle a été fondée en 1988 par l’auteur-chanteur de variétés françaises Alain Bideaux qui en est toujours le Président. Elle organise depuis cette date tous les mois de novembre un Grand Prix International d'Arts Plastiques ouvert à tous.
Pour en savoir plus : http://www.aigledenice.com/fr/


Aigle de nice

 

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Jun 14, 2017
Merci à tous ! Comments 1


Merci à tous les artistes et amateurs d'art qui sont venus très nombreux nous rendre visite lors du Salon Art Shopping du 9 au 11 juin 2017 au Carrousel du Louvre à Paris.

Prochain rendez-vous : le 21 et 22 octobre 2017 au Carrousel du Louvre


Artmajeur Art Shopping

 

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Jun 13, 2017
Publication sur Les ludiques.com Comments


Pour la 20e édition du salon Artshopping, Le magazine de l'art et du divertissement parle du nouveau Magazine de Artmajeur.

Un article publiée par Andrée Muller

 

 


Artmajeur Artmajeur Magazine Art Shopping

 

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Jun 9, 2017
Retrouvez-nous le 10 et 11 juin 2017 au Carrousel du Louvre à Paris Comments


Venez nous rencontrer au Carrousel du Louvre le 10 & 11 juin 2017

Artmajeur sera sur le stand A07 dans le hall d'entrée.

Demandez vos invitations sur http://www.artmajeur.com/fr/contact-us


Artmajeur Art Shopping Carrousel du Louvre

 

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