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News & annoucements about Artmajeur

Oct 25, 2017
Art and management : a promising convergence Comments


Art, a mode of expression of a subjectivity, seems at first sight disconnected from the notions of organization, profit or profitability and rational management methods used in the management of a company.

Art, an individual activity, irrational, out of context and sensitive, generally arouses the skepticism of management and the mistrust of employees seeking "validating" technical training. It is these same well-established patterns that favor management and technology over human sciences and artistic disciplines. However, art and management have every interest in crossing each other to enrich each other.

The company has a lot to learn from the artistic process, in particular:

- the quest for meaning: the artistic process conveys values and carries a particular mission;

- project management: each work, composition or realization, requires a real project management;

- the mastery of the techniques of realization: without control of the basic techniques brought to evolve with the experimentation and the artistic approach towards personal and original techniques, the art does not exist (the artist must be an outstanding technician doubled a technical innovator);

- an iterative process: the artist constantly interacts with the work in progress, making the necessary adjustments to achieve the desired result;

- an approach of originality and creativity: what distinguishes the artist from the craftsman is this creative ability, this search for novelty. We speak of "performance" or artistic originality;

- a humanist approach: at the same time, a personal vision of the world and an uncompromising look at reality, art expresses in a particular aesthetic form the world around us;

- total risk taking: there is no certainty that the work is well received by the market;

- a highly competitive art market: art has no borders, competition is global. The artist, guided by a personal approach that has no commercial intention, is confronted with the hypercompetition and the material necessity of creating his market and building up his base of customers and users;

- A work of art is above all a "sensitive user experience" (emotion, wonder, energy). The artist must maximize this experience by facilitating the accessibility of his art if he wants to sell his work;

- an individual creation that inserts itself and interacts with its environment and society;

- a process of expression and personal realization.

The modern manager who wants to foster collaboration and creativity has every interest in developing his own creative potential and immersing himself in artistic processes in order to facilitate group creativity. Individual creativity is a state of mind that can be stimulated (exhibition visits, open courses, creativity workshops ...). Creation processes can be learned through contact with artists (artistic interventions in the company, visits to workshops, conferences, etc.).

The artist has a lot to learn from the manager.

Recently, the concept of artist-entrepreneur, an artist managing his artistic work as a business, has appeared. In an ultra-competitive market, the artist can be brought to disseminate his works to build an identity, a brand, to invent new communication and sales methods, to develop a range of products derived from the original production adapted to his market. Some artists produce works "ready to hang", more affordable, allowing them to cope with the costs of producing more ambitious works. This approach criticized by some purists is not necessarily a brake on originality or creativity. If the artist does not resign himself to producing "what works", but develops accessible artistic concepts of tomorrow. To have financial resources linked to the sale of his works is the goal and the dream of every artist, but also his greatest source of freedom and innovation.

Obviously, in a world that requires more and more flexibility, openness, originality and efficiency, these two approaches, artistic and managerial, are called to nourish each other to give birth to a creative management and organized arts activities.

Article proposed by:

 


Art management

 

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Oct 25, 2017
Art et management : une convergence prometteuse Comments


L’art, mode d’expression d’une subjectivité, semble de prime abord déconnecté des notions d’organisation, de profit ou de rentabilité et des méthodes de gestion rationnelle employées dans la direction d’une entreprise. 

L’art, activité individuelle, irrationnelle, hors cadre et sensible, suscite généralement le scepticisme des directions et la méfiance des collaborateurs en quête de formations techniques « validantes ». Ce sont ces mêmes schémas bien ancrés qui privilégient la gestion et la technique au détriment des sciences humaines et des disciplines artistiques. Pourtant, art et management ont tout intérêt à se croiser pour s’enrichir mutuellement.

L’entreprise a beaucoup à apprendre de la démarche artistique, en particulier :

– la quête de sens : la démarche artistique véhicule des valeurs et est porteuse d’une mission particulière ;

– la gestion de projet : chaque œuvre, composition ou réalisation, requiert une véritable conduite de projet ;

– la maîtrise des techniques de réalisation : sans maîtrise des techniques de base amenées à évoluer avec l’expérimentation et la démarche artistique vers des techniques personnelles et originales, l’art n’existe pas (l’artiste doit être un technicien hors pair doublé d’un innovateur technique) ;

– un processus itératif : l’artiste interagit en permanence avec le travail en évolution, procédant aux aménagements nécessaires pour atteindre le résultat souhaité ;

– une démarche constate d’originalité et de créativité : ce qui distingue l’artiste de l’artisan, c’est cette capacité créative, cette recherche de la nouveauté. On parle de « performance » ou d’originalité artistiques ;

– une démarche humaniste : à la fois, vision personnelle du monde et regard sans concessions sur la réalité, l’art dit sous une forme esthétique particulière le monde qui nous entoure ;

– une prise de risque totale : il n’y a aucune certitude que l’œuvre soit bien reçue par le marché ;

– un marché de l’art des plus concurrentiels : l’art n’a pas de frontières, la concurrence est globale. L’artiste, guidé par une démarche personnelle à priori sans intention commerciale, est confronté à l’hyperconcurrence et la nécessité matérielle de créer son marché et de constituer sa base de clients et d’utilisateurs ;

– Une œuvre d’art est avant tout une « expérience sensible utilisateur » (émotion, émerveillement, énergie). L’artiste se doit de maximiser cette expérience en facilitant l’accessibilité de son art s’il veut vendre ses réalisations ;

– une création individuelle qui s’insère et interagit avec son environnement et la société ;

– une démarche d’expression et de réalisation personnelle.

Le manager moderne soucieux de favoriser la collaboration et la créativité a tout intérêt à développer son propre potentiel créatif et à s’imprégner des processus artistiques, en vue de faciliter la créativité de groupe. La créativité individuelle est un état d’esprit qu’il est possible de stimuler (visites d’expositions, cours ouverts, ateliers de créativité...). Les processus de création peuvent s’apprendre au contact d’artistes (interventions artistiques dans l’entreprise, visites d’ateliers, conférences...).

L’artiste a de son côté beaucoup à apprendre du manager.

Il est apparu récemment le concept d’artiste-entrepreneur, artiste gérant son travail artistique comme une entreprise. Dans un marché ultra-concurrentiel, l’artiste peut être amené pour diffuser ses œuvres à bâtir une identité, une marque, inventer des procédés de communication et de vente inédits, développer une gamme de produits dérivés de la production originale adaptée à son marché. Certains artistes produisent des œuvres « prêtes à accrocher », plus abordables, leur permettant de faire face aux coûts de production d’œuvres plus ambitieuses. Cette démarche critiquée par certains puristes n’est pas forcément un frein à l’originalité ou la créativité. Si l’artiste ne se résigne pas à produire « ce qui marche », mais développe des concepts artistiques de demain accessibles. Disposer de moyens financiers liés à la vente de ses œuvres est le but et le rêve de tout artiste, mais aussi son plus grand moteur de liberté et d’innovation.

À l’évidence, dans un monde qui requiert de plus en plus de flexibilité, d’ouverture, d’originalité et d’efficacité, ces deux démarches, artistique et managériale, sont appelées à se nourrir mutuellement pour permettre l’émergence d’un management créatif et d‘activités artistiques organisées.

Article proposé par :

 


art management

 

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Oct 12, 2017
Configure your gallery to sell online Comments 5


We receive messages every days from collectors who wish to buy works but can not finalize their transactions because they are blocked by a lack of information necessary for the sale!

  • The dimensions of the work are missing
  • There is no price for delivery
  • Absence of payment method
  • Terms of sale not defined

 

Today's Internet users are used to finding this information easily and buy regularly from merchant sites: it is crucial to take the time to configure your gallery to allow collectors to feel reassured and confident. It is only in this way that it is possible to trigger the act of purchase!

 

 

The price of the work

  • Enter the price! If the price is not shown, you lose 90% of potential buyers!

 

Methods of payment

  • Set up at least 1 payment method in section MY ACCOUNT> SETTINGS
  • It is strongly recommended to offer PAYPAL to secure the transaction

 

Delivery fees

  • Configure the standard shipping prices on section MY ACCOUNT> SETTINGS
  • Specify any shipping costs by editing each work if necessary

 

Terms & Conditions

  • Choose the standard terms of sale, or write your own terms of sale on MY ACCOUNT> SETTINGS

 

Information on the work:

  • Very important: Specify the dimensions of the work
  • Indicate the title and write a description that indicates the context and tells the story of the work to make the visitor dream !

 

The visuals of the works:

  • Load a good photo, well centered, well lit
  • Do not add text / date / copyright
  • Crop it perfectly, remove any disruptive elements

 

We estimate that the number of sales on the platform could be multiplied by 10 or more if all buyers had all the required information on a work at the time they wish to make their purchase!

 

cap-2017-10-12-a-18-43-31.jpg Configure your gallery to sell online

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Oct 4, 2017
Artmajeur en page d'accueil sur Forbes ! Comments 1


Un trés bon article de la journaliste Audrey Chabal sur Artmajeur fait actuellement la page d'accueil de Forbes, à retrouver sur le lien suivnat : 
https://www.forbes.fr/entrepreneurs/art-majeur-democratise-achat-art-grace-a-internet/

 

cap-2017-10-13-a-11-15-20.jpg Artmajeur en page d'accueil sur Forbes !

 

forbes-home-page.jpg Artmajeur en page d'accueil sur Forbes !

forbes la presse en parle articles de presse interview Audrey Chabal

 

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Sep 26, 2017
Reportage TV - France 3 Comments


Interview TV à nos bureaux de Montpellier - France 3 reportage de J.Escafre / F.Jobard / F.Alibert

 

cap-2017-10-13-a-15-34-58.jpg Reportage TV -  France 3

articles de presse interview reportage tv france 3

 

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Jul 11, 2017
Australian aboriginal art: Millennial art threatened with disappearance Comments


The first Aboriginal rock paintings date back to the dawn of time (more than 50,000 years ago), much earlier than those found in Europe. First forms of known art, perpetuated on their original support (rock, sand ...) until twenty years ago then with modern techniques (canvas, acrylic ...), are now threatened with extinction.

Aboriginal art is both a sacred art and a ritual art used in initiation ceremonies. These representations evoke the Dream Time, the time of supernatural beings that have arisen from the earth, traveled and created the world and living beings. The space sacred time, space parallel to ours always pre-exists. Only initiates can come into contact with him during ritual ceremonies.

At the time of the creation of the world, these fantastic beings left traces in the landscape. The paintings are a kind of narrative and symbolic cartography which revive their work of creation of the world. By linking the two worlds, activating and diffusing the vital energy of the great ancestors, they allow life to perpetuate itself and the world not to disappear. Basically, the great Aboriginal artists are painting to ensure the survival of their community and more broadly of the world! Aboriginal art is a collective spiritual art with a naturalistic, figurative or geometric style.

The "aboriginal artistic movement" itself was born in the 1970s under the impetus of an English teacher Geoffrey Bardon who pushed the students of the community of Papunya (center of Australia) to reproduce on walls, panels or canvas the motifs of the Dream Time. According to the critic Robert Hughes, the last great pictorial artistic movement of the XXth century was born ... The sacred representations bearing power and history being reserved for the initiated, different techniques (such as pointillism) were used by the artists to preserve their secret character and show only the secular part. Success was such that Aboriginal art sales peaked at $ 200 million per year in the years 1990-2000. After having been ignored for a long time, this commercial success made it possible for the aboriginal communities to reconstitute themselves and to disseminate their millenary culture to the world in a suitable form.

Considered to be the legacy of an endangered civilization, this art was categorized by the art market as "ancient, ethnographic art", and progressively confined to stereotypes, techniques and standardized motifs giving the lead to "historical" artists and leaving little room for a more contemporary creation. Few merchants supporting young artists, the great initiates who bear the millennial pictorial tradition disappearing without transmitting their art, the vitality and the renewal of aboriginal art is seriously in danger. All the more the aboriginal communities, struggling for lack of means to assume both a role of social and artistic support, are threatened with regrouping near major cities by the regional governments.

Ancient rock art is also in danger, threatened by urban development, mining, erosion, and vandalism. 50% of the rock art could disappear within forty years if not soon protected. The support of some international museums such as the Musée du Quai Branly can not replace that of local authorities, which are struggling to recognize, preserve and support the identity, culture and art of the natives of the terra nullus "(a land which belongs to no one" according to the 1770 declaration of James Cook, one of the discoverers of Australia), yet an essential component of Australian identity.

Beyond this, without mobilization, what constitutes the heritage of mankind could eventually be reduced to a digital database of missing petroglyphs and paintings produced for the layman, truncated with their original sacred motifs, which would sign the end of Australian Aboriginal art.

Article proposed by:


Aboriginal art Australia

 

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Jul 11, 2017
L’art aborigène d’Australie : un art millénaire menacé de disparition Comments 1


Les premières peintures rupestres aborigènes remontent à la nuit des temps (plus de 50 000 ans). Elles sont antérieures à celles retrouvées en Europe (Chauvet ou Lascaux). Premières formes d’art connu, perpétuées sur leur support originel (roche, sable…) jusqu’à il y a une vingtaine d’années et en utilisant des techniques « modernes » ( toile, acrylique…) depuis les années 1970, elles sont à présent menacées de disparition.

L’art aborigène est à la fois un art sacré et un art rituel utilisé lors des cérémonies d’initiation. Il représente les récits mythiques du Temps du Rêve, le temps des êtres surnaturels qui ont surgi de la terre, voyagé et créé le monde et les êtres vivants. L’espace temps sacré, espace parallèle au notre, existe toujours, mais seuls les initiés peuvent entrer en contact avec lui lors de cérémonies rituelles.

Au moment de la génèse du monde, ces êtres mythiques surnaturels ont laissé des traces dans le paysage. Les peintures, sortes de cartographies narrative et symbolique, en figurent les itinéraires et redonnent vie aux actes de création du monde. En liant les deux mondes, le mode sacré et le monde profane, en activant et en diffusant l’énergie vitale des grands ancêtres, elles permettant à la vie de se perpétuer et au monde de ne pas disparaître. Les grands artistes aborigènes peignent pour assurer la survie de leur communauté et plus largement du monde ! L’art aborigène est un art spirituel fondamentalement collectif au style naturaliste, figuratif ou géométrique.

Le « mouvement artistique aborigène » proprement dit est né dans les années 1970 sous l’impulsion d’un professeur anglais Geoffrey Bardon qui poussa les élèves de la communauté de Papunya (centre de l’Australie) à reproduire sur des murs, des panneaux ou de la toile les motifs du Temps du Rêve. Selon le critique Robert Hughes, le dernier grand mouvement artistique pictural du XXème siècle était né… Les représentations sacrées porteuses de pouvoir et d’histoire étant réservés aux initiés, différentes techniques (comme le pointillisme) furent utilisées par les artistes pour préserver leur caractère secret et n’en montrer que la partie profane. Le succès fut tel que les ventes d’art aborigène culminèrent jusqu’à 200 Million USD par an dans les années 1990-2000. Après avoir été longtemps ignoré, ce succès commercial permit aux communautés aborigènes de se reconstituer et de diffuser leur culture millénaire au monde sous une forme adaptée.

Considéré comme l’héritage d’une civilisation en voie d’extinction, cet art fut catégorisé par le marché de l’art comme « art ancien, ethnographique ». Progressivement cantonné dans des stéréotypes, des techniques et des motifs standardisés, il donne la part belle aux artistes « historiques » et laisse peu de place à une création aborigène contemporaine. Rares étant les marchands à se risquer à soutenir de jeunes artistes, les grands initiés porteurs de la tradition picturale millénaire disparaissant sans transmettre leur art, la vitalité et le renouveau de l’art aborigène est sérieusement en question. D’autant que les communautés aborigènes disséminées dans le pays, souvent isolées et porteuses de leurs propres traditions, sont menacées de regroupement près des grandes villes par les gouvernements régionaux.

L’art rupestre ancien, est lui aussi en danger, menacé par le développement urbain l’exploitation minière, l’érosion et le vandalisme. 50% des œuvres rupestres pourraient disparaître dans les quarante prochaines années si elles ne sont pas protégées.

Le soutien de quelques institutions muséales internationales telles que le Musée du Quai Branly ne peut se substituer à celui des autorités locales qui peinent à reconnaître, préserver et soutenir l’identité, la culture et l’art des natifs de la « terra nullus » (terre qui n’appartient à personne » selon la déclaration en 1770 de James Cook, un des découvreurs de l’Australie), pourtant composante première de l’identité australienne.

Au-delà, sans mobilisation, ce qui constitue le plus ancien patrimoine de l’humanité pourrait à terme se réduire à une base de données numériques de pétroglyphes disparus et de peintures produites pour les profanes, tronquées de leurs motifs originels sacrés, ce qui signerait la disparation de l’art aborigène d’Australie, art premier essentiel se perpétuant depuis l’âge de pierre.

Article proposé par :


Art Aborigène Australie

 

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Jun 14, 2017
Merci à tous ! Comments 1


Merci à tous les artistes et amateurs d'art qui sont venus très nombreux nous rendre visite lors du Salon Art Shopping du 9 au 11 juin 2017 au Carrousel du Louvre à Paris.

Prochain rendez-vous : le 21 et 22 octobre 2017 au Carrousel du Louvre


Artmajeur Art Shopping

 

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Jun 13, 2017
Publication sur Les ludiques.com Comments


Pour la 20e édition du salon Artshopping, Le magazine de l'art et du divertissement parle du nouveau Magazine de Artmajeur.

Un article publiée par Andrée Muller

 

 


Artmajeur Artmajeur Magazine Art Shopping

 

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Jun 9, 2017
Retrouvez-nous le 10 et 11 juin 2017 au Carrousel du Louvre à Paris Comments


Venez nous rencontrer au Carrousel du Louvre le 10 & 11 juin 2017

Artmajeur sera sur le stand A07 dans le hall d'entrée.

Demandez vos invitations sur http://www.artmajeur.com/fr/contact-us


Artmajeur Art Shopping Carrousel du Louvre

 

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May 30, 2017
Pop art or how popular culture has become "style" Comments


Sixty years after its launch, pop art, one of the main cultural movements of the twentieth century, has gone through time and societal evolutions, well above all the trends.  Fed and likened to the popular culture, it transformed radically the whole artistic chain.

Popular art or pop art asserted itself by taking the opposite stance to the abstract expressionism (action painting by Jackson Pollock, colorful painting by Mark Rothko ...), too academic, too technical and too esoteric.

The themes were inspired by popular culture, its images, its advertising or drawing techniques. The ordinary consumption goods, treated with a touch of irony, conveying their forceful images to the public. The reproduction, duplication, superposition, combination of the popular iconography, enhanced with pure and vivid colors or geometric shapes were supposed to reflect the chaos produced by television, media, advertising, fashion, pop music, ...

Free from all conventions, pop art will revolutionize art. From the design of it, to its production, even by the way it is promoted.

• The idea, the powerful expression (style) of the work will be considered more important than the work itself. Its production, often using materials of industrial origin (acrylic, screen printing ...) will not require a lot of technicality. The workshop will become a factory, so dear to Andy Warhol.

• Reproduction and mass production will upset the traditional uniqueness of the work.

• The generally black-colored line contrasting with the clear line of the advertising or comic strip, is embellished with colors with no gradient effects that attract the eye and give more impact to the image.

• The use of symbols and popular images will desecrate the work of art.

• Happenings and environments will play an important role in the promotion and sale of this "ready to eat" art form.

Art in search of simplicity and efficiency, trying to make big impression thanks to its techniques and popular inspirations. Pop art has in turn enriched and stylized popular imagery.

It will strongly influence the generations of artists: from conceptual art, to graffiti artists or urban artists such as Basquiat or Keith Harring, the neo-pop (Morimura And the kitsch artist Jeff Koons) to vintage, graphic design and web design ...

Turning out to be particularly accurate in a digital world where the image, the immediate, the short-lived, the simple and clear, the hard-hitting prevail, its by-products became simple objects of consumption bought instinctively…How ironic! Pop art has literally melted into popular culture.

If its technical and esthetic qualities are debatable with regards to the realizations of great masters such as Velazquez, Monet or Picasso, its artists always reach millions in auctions. Its stylistic innovations used in numerous creative domains (advertising, design) are still powerful. Part of the collective cultural imagination, its visionary and opportunistic artistic approach is undoubtedly ranking first in the history of art and the culture.


Pop art

 

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May 30, 2017
Le pop art ou comment la culture populaire est devenue « style » Comments


Né il y a soixante ans, le pop art, un des principaux mouvements culturels du XXe siècle, a traversé le temps et les évolutions sociétales. Nourri puis assimilé par la culture populaire, il a métamorphosé radicalement l'ensemble de la chaine artistique.

Le popular art ou "pop art" s'est affirmé en prenant le contrepied de l'expressionnisme abstrait (action painting de Jackson Pollock, colorfield painting de Mark Rothko...) jugé trop académique, ésotérique et élitiste.

Il a emprunté à la culture populaire ses thèmes, ses images publicitaires ou dessinées, ses objets de consommation ordinaires, les traitant sur le mode ironique. La reproduction, la duplication, la superposition, la combinaison de cette iconographie populaire extraite de son contexte, rehaussée de couleurs franches ou de formes géométriques étaient censées refléter le chaos produit dans cette société de la deuxième moitié des années 1950 par la télévision, les médias, la publicité, la mode, la musique pop, la consommation effrénée...

S’affranchissant de toutes les conventions, le pop art va révolutionner l'art de fond en comble, de la conception à la production en passant par la promotion des œuvres :

  • L’idée, la puissance du concept servies par la puissance des images iconiques et l'innovation stylistique va être considérée comme plus importante que l’œuvre elle-même. Sa réalisation fera souvent appel à des matériaux et des techniques industrielles (acrylique, sérigraphie, ...), ne requérant pas une grand savoir faire, l'atelier devenant une Factory (l'usine chère à Andy Warhol) producteur de biens culturels;

  • La reproduction et la production en série vont bouleverser la conception traditionnelle d'unicité de l'oeuvre;

  • Le style "pop art" s'appuie sur le tracé de couleur noire, emprunté à la ligne claire du dessin publicitaire ou de la bande dessinée, des figures et des images, agrémenté de couleurs franches et vives dépourvues d'effets de matière afin de donner le plus fort impact à l’image ;

  • L’utilisation de symboles et d'images populaires va désacraliser l’œuvre d’art;

  • Les happenings et les environnements vont prendre une place importante dans la promotion et la vente de cet art à la chaîne prêt à consommer.

Art en quête de simplicité et d'efficacité, marquant les esprits grâce à ses techniques et ses inspirations populaires, le pop art a, en retour, enrichi et stylisé l'imagerie populaire.

Il va fortement influencer les générations suivantes d'artistes: des artistes conceptuels en passant par ceux du Land art ou du body art, les graffeurs ou les artistes urbains tels que Basquiat ou Keith Harring, les représentants du courant néo-pop (Morimura et l’artiste kitsch Jeff Koons) jusqu'au vintage, au graphisme et au web design...

XLLM​​

Particulièrement d'actualité dans une société du tout numérique où l’image, l’instantané, l’éphémère, le simple et clair, le percutant prédominent, les produits dérivés qu’il continue de générer s'arrachent, même s'ils sont devenus de simples objets de consommation dépourvus de toute distanciation critique...Quelle ironie ! Le pop art s'est fondu dans la culture populaire dont il se nourrissait pour mieux la critiquer et en profiter...

Même si son apport esthétique et créatif ne semble du même ordre que celui de grands courants  tels que l'impressionnisme, le cubisme..., force est de constater que ses innovations stylistiques  indémodables, sont utilisées dans de nombreux domaines créatifs (publicité, design, ...) et plébiscitées par les plus fortunés amateurs du marché de l'art, ses artistes phares atteignant des sommets.

Faisant à présent partie de l'imaginaire culturel collectif, les inspirations des artistes pop n'ont jamais été aussi puissantes, consacrant une démarche artistique opportuniste, pragmatique et visionnaire unique dans l'histoire de l'art et de la culture.

Article proposé par :


Pop art

 

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May 23, 2017
Parution du 1er numéro de Artmajeur Magazine - Printemps 2017 Comments


Découvrez gratuitement le tout nouveau Magazine de Artmajeur.​
Au sommaire de ce numéro:

  • Le papier cet inconnu
  • Dans la savanne
  • Rencontre avec Sekhmet
  • La vie en bleue

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Artmajeur Artmajeur Magazine Magazine Sekhmet bleue Savane papier

 

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May 9, 2017
Street art may become a digital subversive art in the future Comments


Born in the United States in the 1970s, street art regroups works (images, visual signatures) created in the street, other than graffiti style writing (signatures).

Recently legitimized by the art market, it has a strong public enthusiasm, echoed by digital technologies.

Street art is an ephemeral and unsolicited art, assimilated to vandalism, inscribed on the walls, façades of buildings of the urban area. Sticking to the evolutions of contemporary society, playful or aesthetic, it aims to be seen by the crowd in order to provoke, testify or embellish its everyday life.

Street artists use different techniques:

- graffiti: aerosol bombs projecting colored and indelible painting;

-stencil: cardboard, metal sheets or cut-out x-rays reproducing patterns or figures on which painting is "bulged";

- sticker;

- "yarn bombing" or technique of knitting: multiple yarns of wool of different colors;

- tape art: adhesive tapes (brown tape art), or canvas and waterproof used by masons (duct tape art);

- three-dimensional "street installations" designed to be moved and not "damaging" the public space.

This popular art, exposed to all winds, with a vocation of identity, protest and aesthetics, has since a while entered galleries and private collections. Some of Jean-Michel Basquiat's and Bansky's achievements were simply torn from their original urban location to be auctioned off.

Many "street artists” seeking a longevity and a remuneration for their work helped produce a derivative production," living room "works inspired by their originally urban work. Even these pieces are deprived of original street art characteristics (ephemeral, in situ, free ), more and more amateurs are attracted by big names of the urban counterculture.

It is clear that information technologies (mobile and digital internet), promoting a culture of image, ephemeral, instantaneous, are powerful tools for disseminating and preserving the works of street artists. Online communities of amateur have been formed providing an audience that surpasses that of physical space.

Everyone being focused on their smartphone rather than on urban space, it is likely that in the future street artists will create directly on digital support for a digital public. 

Article proposed by:


street art

 

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Mar 21, 2017
Land art : art et nature enfin réconciliés ? Comments 1


Né aux États unis à la fin des années 1960 en réaction contre l’ordre établi, les institutions muséales, le caractère mercantile et élitiste de l’art, le Land art désigne l’ensemble des courants artistiques qui utilisent la Nature comme lieu, matériau et surface d’inscription de leur travail. 

On distingue généralement deux types d’interventions artistiques:​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​

–les inscriptions de grande envergure à l’échelle du paysage («Earthworks »). À l’image des géoglyphes de Nazca, les pionniers du Land art tel Robert Smithson ont réalisé dans l’ouest désertique américain des « terrassements » ou des excavations monumentales inscrites dans le paysage ;

– les œuvres à échelle humaine réalisées avec des matériaux issus de la Nature (terre, pierres, boues, branches...).

Alors que les premières sont appelées à durer, même si elles sont érodées avec le temps par les éléments, les deuxièmes ont vocation à être éphémères en se dégradant ou se décomposant naturellement.

Ces entreprises artistiques étant réalisées dans des lieux inaccessibles, le support photographique est indispensable, attestant voire étant constitutif de l’œuvre. 

Par bien des aspects, le Land art a pris le contrepied des formes traditionnelles de l’art :

– l’œuvre originelle ne se réalisait plus dans un atelier, n’était plus transportable ou exposable et ne pouvait se détenir car, réalisée in situ, loin des yeux du public ;

– l’œuvre n’était plus une représentation de la Nature, mais s’inscrivait dans la Nature avec laquelle elle interagissait. Elle n’était plus figée, définitive, évoluant avec les conditions climatiques et les aléas naturels ;

–l’œuvre et son créateur n’étaient plus éternels.

Le Land art a connu depuis près de cinquante ans de nombreuses évolutions remettant en cause certaines de ses revendications initiales. Il est devenu transposable et exposable. Il a réintégré l’espace muséal au travers d’installations (telles que South Bank Circle de Richard Long par exemple) et a rejoint les plus grandes collections particulières. Il a connu différents prolongements tels l’art végétal ou « art dans la nature », l’art du Monde (« Earth act » qui interroge l’homme et le rapport qu’il entretient avec son environnement) ou l’art écologique.

Grâce au Land art, la Nature et l’art, création humaine cherchant à imiter ou transcender la Création naturelle, se sont enfin réconciliés. Au vu du boom actuel de l’art vert, ces réalisations naturelles sont appelées à réunir une audience de plus en plus large.

Article proposé par :


land art art et nature

 

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Mar 20, 2017
ART FAIR MÁLAGA '17 - CALL FOR ARTISTS UNTIL APRIL 28th 2017. Comments


Art Fair Málaga '17 call to artists and galleries until april 28th for its first edition, to be held on June 30th, July 1st and 2nd 2017 at the Trade Fair and Congress Center of Malaga. With an exhibition space of 6,000 m2 that can hold more than 400 artists and 50 art galleries, it will become the second largest International Contemporary Art Fair in Spain.

Art Fair Málaga '17 presents itself as an opportunity for those self presented artists who wish to make their work visible in the national and international art market, building a different proposal of inclusion, where professionals from the sector, galleries, institutions and collectors could participate, as well as those new artists that haven’t had yet the opportunity for their works to be recognized and valued in its whole magnitude. A space to establish a network of direct contacts between artists, galleries and the public, promoting a new culture of collecting, and recovering the old concept of Fair as a sales site.

According to their organizers the purpose of Art Fair Málaga ‘17 is to generate a space of visibility, because they understand that there are many and very good artists who have not yet the opportunity to introduce your work in the art market, do not have a gallery that represents them, and do not have access to art fairs, in Spain almost all the art fairs are just for galleries. On the other hand increasingly there are fewer galleries and many of them do not have access to the fairs, either for reasons of costs of participation, or because they are marginalized if they do not present a program of exhibitions that have previously attended. That’s why the Art Fair Málaga’s slogans are ‘WE BELIEVE IN THE OPPORTUNITIES, AND WE CREATE THEM’ and ‘YOUR WORK IS YOUR STORY, NOT YOUR CURRICULUM’.

Art Fair Málaga ' 17 hopes to attract more than 12,000 visitors in its first edition with the aim of bringing art to a wide audience that, besides touring the different stands, may participate in a program of talks, conferences, live painting, performances and recreational activities.

Art Fair Málaga '17 is aimed to galleries, collectives, and artists who work with painting, sculpture, drawing, original graphic works, photography, digital art, and other disciplines. The selection Committee appointed by Art Fair Málaga ' 17 will be responsible for rating and select the exhibition proposals. The quality of the works of the applicants will be valued mainly. The deadline for registration will be April 28th, 2017.

For more information

http://artfairmalaga.com/en/

info@artfairmalaga.com

 


Art Malaga '17 Call for artists

 

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Mar 20, 2017
ART FAIR MÁLAGA '17 - CONVOCATORIA A ARTISTAS HASTA EL 28 DE ABRIL DE 2017. Comments


Art Fair Málaga ’17 convoca hasta el día 28 de abril a Artistas y Galerías de Arte a presentarse para participar de su primera edición que se celebrará los días 30 de Junio, 1 y 2 de Julio en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga, y contará con un espacio expositivo de 6.000 m2 que puede albergar a más de 400 artistas y 50 galerías de arte. Art Fair Málaga '17 se convertirá así en la segunda Feria Internacional de Arte Contemporáneo más grande de España.

Art Fair Málaga ’17 se presenta como la oportunidad para aquellos artistas no representados por galerías que deseen hacer visible su obra en el mercado del arte actual, así como para las galerías que busquen introducirse y consolidarse en la agenda ferial internacional, en un espacio que propone derribar las barreras invisibles entre artistas, galerías, y nuevos coleccionistas. Creando una propuesta diferente, de inclusión, donde participen tanto los profesionales del sector como aquellos artistas que aún no han tenido la oportunidad de que su obra sea reconocida y valorada en su total magnitud. Un espacio donde establecer una red de contactos directos entre artistas, galerías y el público, sin intermediarios ni comisiones, promoviendo una nueva cultura de coleccionismo, y recuperando el viejo concepto de Feria como sitio de ventas.

Según sus organizadores, el propósito de Art Fair Málaga ’17 es “generar un espacio de visibilidad, ya que entienden que hay muchos y muy buenos artistas que aún no han logrado introducirse en el mercado del arte, no tienen una galería que les represente, y tampoco tienen acceso a participar en ferias, ya que en España casi todas las ferias son solo para galerías. Por otro lado, hay cada vez menos galerías, y muchas de ellas tampoco tienen acceso a las ferias, en algunos casos por cuestiones de costes de participación, o porque se les margina si no presentan un programa de ferias a las que hayan asistido previamente”. Por eso los slogans de Art Fair Málaga ’17 son “CREEMOS EN LAS OPORTUNIDADES, Y LAS CREAMOS” y “TU OBRA ES TU HISTORIA, NO TU CURRICULUM”.

Art Fair Málaga ’17 espera más de 12.000 visitantes, con el objetivo y la satisfacción de poder acercar el arte a un amplio público que podrá disfrutar de un programa de charlas, conferencias, pintura en vivo, performances y actividades recreativas.

Art Fair Málaga ’17 está dirigida a galerías, colectivos, y artistas que trabajan con pintura, escultura, dibujo, obra gráfica original, fotografía, arte digital y otras disciplinas. El Comité de Selección designado por Art Fair Málaga ’17 será el encargado de valorar y seleccionar las propuestas expositivas presentadas. Se valorará principalmente la calidad de las obras de los aplicantes. La fecha límite para la inscripción será el día 28 de abril de 2017.

Para más información

http://artfairmalaga.com/

info@artfairmalaga.com


Art Fair Malaga Convocatoria a artistas

 

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Jan 25, 2017
Artmajeur top startup of the week @lesPepitesTech ! Comments


Artmajeur was just elected top # 1 startup of the week @lespepitestech!

Thanks to all for votting and supporting us :)

 

cap-2017-01-25-a-15-07-06.jpg Artmajeur top startup of the week @lesPepitesTech !

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Dec 5, 2016
La lettre Artmajeur 5 décembre 2016 Comments


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Nov 21, 2016
Spécial étudiant : Les concours du magazine l'étudiant. Comments


Le magazine L'étudiant propose des concours/trophées destinés aux étudiants 


concours trophée de la création Salon formation artistiques

 

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