Αφού ανακαλύψαμε τις καλλιτεχνικές αναφορές στις τηλεοπτικές εκπομπές και τα καλλιτεχνικά αφιερώματα στον κινηματογράφο , συνεχίζουμε την επισκόπηση των στενών δεσμών μεταξύ τέχνης και ποπ κουλτούρας : αυτή τη φορά, ανακαλύπτουμε ξανά τα κλασικά μας μέσα από κόμικς και στριπτισμένες: βρέχουμε το δάχτυλό μας και γυρίστε σελίδα, πάμε!
1. Τέχνη και Κόμικς
Αυτό το άρθρο είναι στοχαστικό. Αλλά πριν από όλα, δεν μπορούμε να σας αφήσουμε να ανακαλύψετε αυτές τις αναφορές χωρίς κάποιες έννοιες στο παρελθόν. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο, σε αυτήν την εισαγωγική δήλωση, θα προσπαθήσουμε (όσο καλύτερα μπορούμε) να αναλύσουμε τις αποχρώσεις και τις διαφορές μεταξύ αυτού που θεωρούμε «μεγάλη» τέχνη και κόμικς.
Με την πρώτη ματιά, οι τελικές διαφορές μεταξύ αυτού που ονομάζεται "Καλές Τέχνες" και της 9ης Τέχνης (κόμικς) βρίσκονται στην προσβασιμότητα αυτών των δύο μέσων. Το ένα θεωρείται πολυτελές , σπάνιο και συχνά ακριβό εμπόρευμα, ενώ το άλλο είναι γενικά πιο προσιτό, παράγεται σε μεγάλες ποσότητες. Οι ομοιότητες βρίσκονται στη δημιουργική διαδικασία του συγγραφέα (ένας σχεδιαστής και ένας ζωγράφος εργάζονται γενικά υπό τις ίδιες συνθήκες) , καθώς και στην πρωτοτυπία και τη συλλεκτικότητα του τελικού έργου.
Το όριο μεταξύ αυτών των δύο καλλιτεχνικών πεδίων παραμένει σκληρό, αν και μειώνεται με την πάροδο του χρόνου, χάρη στην έλευση της ποπ αρτ στη δεκαετία του '60. Υπάρχει επίσης μια εκτίμηση του έργου των εμβληματικών καλλιτεχνών από ιδρύματα τέχνης που είναι ιδιοκτήτες γκαλερί, μουσεία και οίκοι δημοπρασιών Το Με κίνητρο την απληστία, ανταποκρίνονται σε μια ολοένα και πιο έντονη απαίτηση από τους λάτρεις των κόμικς , οι οποίοι έχουν πλέον τα μέσα να αποκτήσουν τους απογοητευτικούς πειρασμούς της παιδικής τους ηλικίας.
Και το 2021, μπορεί κανείς νόμιμα να αναρωτηθεί ποια είναι η διαφορά μεταξύ ενός κόμικ Μίκυ σε ένα βιβλίο ή περιοδικό και ενός κόμικ Μίκυ ζωγραφισμένου σε καμβά;
Με την πρώτη ματιά , εκτός από μερικές τροποποιήσεις χρωμάτων και διάταξης, τίποτα δεν ξεχωρίζει πραγματικά αυτά τα δύο έργα. Παρόλα αυτά, το σχέδιο για την αριστερά είναι διαθέσιμα προς πώληση για $ 50 για την Amazon, ενώ το έργο του Roy Lichtenstein, από την δεξιά, εκτιμάται σε αρκετά εκατομμύρια, και σπάνια αναπαραγωγές του πουλήσει για μερικές χιλιάδες εισιτήρια.
Ακόμα κι αν τα εικονογραφημένα έργα υπήρχαν εδώ και αρκετούς αιώνες, τα κόμικς, όπως εννοείται σήμερα στη Δύση, γεννήθηκαν στις αρχές του 20ού αιώνα . Εκείνη την εποχή, ήταν προφανώς πολύ μακριά από τον κόσμο της τέχνης . Οι σχεδιαστές του, οι χορηγοί του ( εφημερίδες και περιοδικά ) και το κοινό του είδαν αυτό το μέσο ως προορισμένο για τη μάζα , επειδή ήταν εύκολα αναπαραγώγιμο χάρη στις καινοτομίες του τυπογραφείου. Για πολύ καιρό, οι σκιτσογράφοι έβλεπαν τον εαυτό τους περισσότερο ως δημοσιογράφους, αρθρογράφους ή σατιριστές, χρησιμοποιώντας το ταλέντο τους με το μολύβι για να εξυπηρετήσουν μια ιδέα , ένα χιούμορ ή μια πληροφορία προς επεξεργασία. Στις Ηνωμένες Πολιτείες, ο θρίαμβος των κόμικς ξεκίνησε πολύ νωρίς, ειδικά με την εμφάνιση του πρώτου υπερήρωα, του Superman , το 1938.
Andy Warhol, Ten Marilyns , 1963-1967.
Εκεί, ήταν σύνηθες (ακόμη και μηχανικό) οι σχεδιαστές να ρίχνουν τα αρχικά τους πάνελ και σκίτσα κατευθείαν στα σκουπίδια του Μανχάταν, αμέσως μετά την εκτύπωση. Ένα περίεργο παράδειγμα του ενδιαφέροντος που έδειξαν αυτοί οι σχεδιαστές στα σχέδιά τους: μακριά από το να υποτιμούν το στυλ τους, συχνά δεν είχαν ιδέα για την αξία που θα μπορούσε να αντιπροσωπεύσει το έργο τους και δεν θεωρούσαν πραγματικά τους εαυτούς τους καλλιτέχνες., Αλλά μάλλον ως παραγωγούς σχέδια και ιδέες (αλυσίδα), που προορίζονται για το ευρύ κοινό.
Η μεταπολεμική περίοδος και οι αρχές της δεκαετίας του 1960 εμφανίστηκαν η τάση της Pop Art. Ο Andy Warhol και ο Roy Lichtenstein οικειοποιήθηκαν τα κουτιά των Κόμικς για να δημιουργήσουν μνημειώδη και γυαλισμένα έργα που θα επιτύχουν γρήγορα μεγάλη επιτυχία. Ένας πολυσύχναστος και δημοφιλής καθρέφτης της πολιτιστικής μας συνείδησης, αυτοί οι καλλιτέχνες ανακυκλώνουν τους κώδικες των κόμικς για να αποστάξουν μια πολύχρωμη σάτιρα της κοινωνίας. Περιτριγυρισμένοι από συλλέκτες, ιδιοκτήτες γκαλερί και εμπόρους, τα έργα τους ξεπουλάνε γρήγορα και σε πολύ υψηλές τιμές, επιτρέποντας (παρά τον εαυτό τους) μια επανεκτίμηση της πρωτογενούς εργασίας, που παρήγαγαν οι σχεδιαστές που οι ίδιοι έχουν αντιγράψει (ή "στο προσκήνιο" ) δημιουργούν τους πίνακες Pop Art τους.
Αν δεν είναι λίγοι οι θαυμαστές της πρώτης ώρας, λίγοι είναι εκείνοι που θυμούνται τους Τζέρι Σίγκελ και Τζο Σούστερ , τους εφήβους στους οποίους χρωστάμε τον Σούπερμαν . Ωστόσο, όλοι γνωρίζουμε τον εκκεντρικό και προκλητικό καλλιτέχνη Andy Warhol , ο οποίος ανέλαβε τον χαρακτήρα του Superman στη σειρά του " Myths " . Είναι το θέμα των αναδρομικών σε πολλά μουσεία και η καλλιτεχνική του πρακτική τεκμηριώνεται από μια υπερβολική αφθονία περισσότερων ή λιγότερο κριτικών κειμένων. Μια έντονη διαφορά στη μεταχείριση μεταξύ αυτών των διακριτικών και ξεχασμένων καινοτόμων, δημιουργών μιας αυτοκρατορίας τόσο φανταστικής όσο και προσοδοφόρας, απέναντι σε κακόβουλους, θριαμβευτές και (λίγο) μεγαλομανείς πασιτέρες.
Andy Warhol, Myths Series , 1981.
Παρά τις αδικίες του παρελθόντος, το οικονομικό χάσμα μεταξύ κόμικς και υψηλής τέχνης μειώνεται δραστικά. Σήμερα είναι όλο και λιγότερο σπάνιο να βλέπουμε πρωτότυπα κόμικς να βγαίνουν σε δημοπρασία σε δημοφιλείς οίκους δημοπρασιών. Μερικά από αυτά φτάνουν ακόμη και σε στρατόσφαιρα , ειδικά όταν πρόκειται για έγκυρες άδειες όπως ο Superman στην άλλη πλευρά του Ατλαντικού ή ο Tintin στην Ευρώπη. Ενδεικτικά, το 2021, σχέδιο του Hergé για το εξώφυλλο του άλμπουμ του Tintin, The Blue Lotus έσπασε το παγκόσμιο ρεκόρ δημοπρασίας για κόμικς, δημοπρατήθηκε για 3,175 εκατομμύρια ευρώ συμπεριλαμβανομένων των τελών (Artcurial). Υπάρχουν επίσης όλο και περισσότεροι σχεδιαστές που φορούν το διπλό καπέλο σχεδιαστών και καλλιτεχνών.
Για ορισμένα πυρίμαχα, η διάκριση μεταξύ σύγχρονης τέχνης και κόμικ βρίσκεται στην έννοια της αφαίρεσης : όπου η τέχνη διαχωρίζει τη μορφή και το περιεχόμενο (το νόημα) του έργου, το κόμικ θέτει τη μορφή., Το σχέδιο, στην υπηρεσία του φόντο: απεικονίζει μια ιδέα . Αν και αυτή η ανάλυση έχει ήδη αποδυναμωθεί από αιώνες εικονιστικής τέχνης, μπορεί επίσης να παρασυρθεί από ορισμένες σημαντικές αλλαγές στον κόσμο των κόμικς . Από το δεύτερο μισό του 20ού αιώνα, τα κόμικς ωθούνται σε λιγότερο αφηγηματικά και πιο πειραματικά μονοπάτια. Βρίσκουμε, για παράδειγμα, όλο και περισσότερα γραφικά μυθιστορήματα όπου τα σχέδια βρίσκονται στο επίκεντρο της ιστορίας και αντικαθιστούν λέξεις. Τα κόμικς, όπως κάθε μορφή τέχνης, εξελίσσονται συνεχώς και διαταράσσουν τα μικρότερα όρια που συνδέονται με αυτά.
Τώρα, ώρα για περισυλλογή! Για να διευκολύνουμε την ανάγνωσή σας, αποφασίσαμε να δομήσουμε αυτόν τον (μη εξαντλητικό) κατάλογο διαχωρίζοντας τις αναφορές σε αρχαία έργα (θρησκευτικούς πίνακες, Αναγέννηση) και τα αφιερώματα σε σχετικά πιο πρόσφατα έργα (από το 1800 έως σήμερα). Αυτές οι δύο διακρίσεις φαίνονται απαραίτητες επειδή δεν εξυπηρετούν τον ίδιο σκοπό: οι παλιές αναφορές αναδεικνύουν μια στάση ή μια ιδέα , ενώ οι σύγχρονες αναφορές προτείνουν έναν τρόπο ζωής , έναν πολιτισμό ή ένα απλό αισθητικό αφιέρωμα .
2. Παλιές αναφορές: αλληγορία στην υπηρεσία της ίντριγκας
Αυτή η πρώτη συλλογή αναφορών θα μας επιτρέψει να δούμε πώς οι σχεδιαστές προσαρμόζουν τους κώδικες των εμβληματικών αριστουργημάτων για να διαδώσουν γρήγορα μια ιδέα , χρησιμοποιώντας τις ασυνείδητες πολιτιστικές αναφορές μας. Γιατί αν υπάρχει συλλογική συνείδηση, υπάρχει και συλλογικό ασυνείδητο . Είναι γεμάτο με μορφές , εικόνες και εικονογραφία που όλοι διακρίνουμε, μερικές φορές χωρίς να γνωρίζουμε το όνομα.
- Το Pietà
Michelangelo, La Pietà , 1499. Βασιλική του Αγίου Πέτρου στο Βατικανό, Ρώμη.
Κύριο θέμα της θρησκευτικής εικονογραφίας , η πιο εμβληματική μορφή της οποίας είναι σίγουρα αυτό το γλυπτό του Μιχαήλ Άγγελου , του Πιέτου (ή Virgin of Pity) αντιπροσωπεύει την Παναγία που θρηνεί για τον θάνατο του γιου της Ιησού, με το πτώμα της απλωμένο στα γόνατά της .
Η αισθητική και οι δραματικές στάσεις αυτού του θρησκευτικού θέματος καθιστούν δυνατή την γρήγορη εισαγωγή μιας ιδέας στον εγκέφαλο του αναγνώστη : αυτή του πένθους . Το τελευταίο μπορεί στη συνέχεια, συνειδητά ή όχι, να εντοπίσει την πλοκή ενός κόμικ αναγνωρίζοντας αυτές τις αρχαίες στάσεις στο εξώφυλλο του άλμπουμ. Μια καλή συμβουλή για τους σχεδιαστές που θέλουν να αναδείξουν τον θάνατο ενός σημαντικού χαρακτήρα : υπάρχουν περισσότερα από τριάντα κόμικς που παρουσιάζουν αυτά τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του Pietà .
- Ο Μυστικός Δείπνος και ο Βιτρούβιος Άνθρωπος
Λεονάρντο ντα Βίντσι, Ο Μυστικός Δείπνος , 1495-1498. Εκκλησία της Santa Maria delle Grazie, Μιλάνο.
Εδώ είναι ένα άλλο εμβληματικό έργο και ο υπερπληθυσμός στη γραφική λογοτεχνία. Το πρακτικό με την τοιχογραφία του Ντα Βίντσι είναι ότι το γνωρίζουν όλοι .
Legion of Super -Heroes # 2 , Giffen and Levitz - DC Comics
Alice in Wonderland , Gill and Gregory (Εξώφυλλο Jason Embury)
Trolls de Troy - Τόμοι 13 έως 16, Mourier and Arleston (εξώφυλλο Jean -Louis Mourier)
Εκτός από το να φαίνεται ιδιαίτερα ευχάριστο στην επαναπροσαρμογή, η σκηνογραφία αυτού του έργου επιτρέπει στον σχεδιαστή να τονίσει διαφορετικά σημεία : πρώτα, μπορεί να αναδείξει τη συγκέντρωση διαφορετικών ηρώων (λογική) , αλλά μπορεί επίσης να παρουσιάσει τους ήρωες. Σύμφωνα με τη σειρά σπουδαιότητας τους , τοποθετώντας τους κύριους πρωταγωνιστές στο κέντρο του τραπεζιού και, στη συνέχεια, διασκορπίζοντας τους χαρακτήρες στο παρασκήνιο πιο πίσω, στα άκρα. Μπορεί επίσης να υπονοήσει μια πιθανή προδοσία , χρησιμοποιώντας τη μορφή του Ιούδα .
Ο Βιτρούβιος άντρας από την πλευρά του επιτρέπει μια ανατομική αναπαράσταση του χαρακτήρα, ιδιαίτερα ενδιαφέρουσα για υπερήρωες που επωφελούνται από ιδιαίτερες ικανότητες, όπως εδώ ο Spiderman και η σκοτεινή του εκδοχή, Venom .
- Η γέννηση της Αφροδίτης
Η χρήση αυτού του ισχυρού έργου του Sandro Botticelli είναι πιο σπάνια, αλλά είναι αρκετά επαναλαμβανόμενη για να υπογραμμιστεί. Πράγματι, χρησιμοποιείται κυρίως για να αναδείξει μια ιστορία βασισμένη σε γυναικείο χαρακτήρα . Αυτό δεν αποτελεί έκπληξη για κανέναν, τα κόμικ έχουν υποφέρει εδώ και καιρό από σεξιστικές κακίες και λίγοι γυναικείοι χαρακτήρες μπορούν να βρεθούν τόσο καλά ανεπτυγμένοι όσο οι αντίστοιχοι μήλοι του Αδάμ.
Οι Καλές Τέχνες έχουν επίσης υποφέρει πολύ από αυτή τη συστηματική μισογυνία : αν το θέμα σας ενδιαφέρει, σας προτείνουμε τα πρόσφατα άρθρα μας ( 4 Ταλαντούχοι Καλλιτέχνες που εκλείπουν από τους Διάσημους του Συζύγου τους , 4 Έκτακτες Γυναίκες που έχουν ανατρέψει την Ιστορία της Τέχνης) ) προσπαθήστε να επαναφέρετε κάποια ισοτιμία στη συζήτηση.
3. Σύγχρονα αφιερώματα: σύμβολα μιας κοινωνίας και ενός πολιτισμού
Σε αυτή τη δεύτερη συλλογή , θα κάνουμε μια σύντομη επισκόπηση των εμβληματικών έργων: πίνακες αντιπροσωπευτικοί της αμερικανικής κουλτούρας και κοινωνίας (« Ένας μερικάνικος τρόπος ζωής »), αλλά και έργα αντιπροσωπευτικά της γαλλόφωνης κουλτούρας και μερικά καθαρά αισθητικά αφιερώματα .
- Ο "αμερικανικός τρόπος ζωής"
Η αμερικανική κουλτούρα είναι γεμάτη από ιδρυτικούς μύθους που συμβολίζουν την ενότητα και τις αξίες της . Και στη ζωγραφική, τα σύμβολα αφθονούν, με περισσότερο ή λιγότερο ιστορική αλήθεια. Από τη Χρυσή Εποχή της κουλτούρας των κόμικς στις αρχές της δεκαετίας του 1940, πολλοί καλλιτέχνες οικειοποιήθηκαν αυτούς τους πίνακες για να εξυπηρετήσουν τον σκοπό τους. Συγκεντρώνοντας τα πιο επαναδιατυπωμένα έργα, ανακαλύπτουμε τον κοινό πυρήνα , τα εμβληματικά αριστουργήματα της αμερικανικής ιστορίας :
- Edward Hopper, Nighthawks , 1942.
Edward Hopper, Nighthawks , 1942.
Guy Gardner: Warrior # 29 - "Είναι το πάρτι μου και θα παλέψω αν θέλω" , Beau et Jimenez - DC Comics
Αν και ο Έντουαρντ Χόπερ αρνήθηκε τον ζωγράφο του αμερικανικού τρόπου ζωής, είναι σαφές ότι τα έργα του μεταφέρουν μια χαρακτηριστική ατμόσφαιρα της πόλης και της μοναχικής Αμερικής από τα μέσα του 20ού αιώνα. Ένα όφελος για καλλιτέχνες που μπορούν να αναπροσαρμόσουν τους κωδικούς του εμβληματικού αριστουργήματος του: Nighthawks .
- Grant Wood, American Gothic , 1930.
Perhapsσως ακόμη πιο εμβληματικό από το έργο του Hopper: American Gothic του ζωγράφου Grant Wood παρουσιάζει την αγροτική Αμερική στη δεκαετία του 1930 . Ένα σύμβολο που έχει γίνει κλισέ στην εποχή μας, έτσι οι εκτροπές έχουν αγκυροβολήσει αυτό το έργο στους ιδρυτικούς μύθους της Αμερικής. Δεν είναι λοιπόν περίεργο που οι σκιτσογράφοι το οικειοποιήθηκαν προς όφελος της ιστορίας τους.
- Jean Leon Gerome Ferris, Η πρώτη Ημέρα των Ευχαριστιών , 1912.
Είναι δύσκολο να είναι πιο κλισέ από αυτό το έργο του Jean Leon Gerome Ferris , το οποίο απεικονίζει την πρώτη « ευχαριστία » , αναμειγνύοντας ένα σωρό αλτρουιστικών αποίκων με μια φυλή πειθήνιων και άπληστων Ινδιάνων, αποφασισμένων να μοιραστούν την γαλοπούλα μαζί. Μια (πολύ) εξιδανικευμένη αναπαράσταση της αμερικανικής αφήγησης, και ιστορικά (πολύ) ανακριβής.
- Emanuel Leutze, Ουάσινγκτον διασχίζοντας το Delaware , 1851.
- James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black No. 1, 1871.
James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black No. 1, 1871.
- Andrew Wyeth, Christina's World , 1948.
- Το εμβληματικό ζευγάρι της γαλλόφωνης κουλτούρας
Και στη Γαλλία, γινόμαστε μάρτυρες γευστικών επαναλήψεων πολιτιστικών συμβόλων εθνικής ενότητας .
Το μικρό γαλλόφωνό μας ψήγμα, ο Αστερίξ , μας πρόσφερε μια λεπτή επανερμηνεία του επαναστατικού μας μύθου: Η Ελευθερία οδηγεί τους ανθρώπους , καθώς και ο δραματικός μας μύθος, εγκατεστημένος δίπλα στο Μουσείο του Λούβρου: Η σχεδία της Μέδουσας . Μια ιδανική αποκατάσταση για να απεικονίσει τις δυσκολίες των χειρότερων πειρατών στην ιστορία της πειρατείας.
- Για ευχαρίστηση
Για να τελειώσουμε, συγκεντρώνουμε εδώ μερικές αταξινόμητες αναφορές : Μερικές φορές, τα αφιερώματα αναδεικνύουν απλά το ταλέντο ή την επιρροή ενός καλλιτέχνη και αφορούν περισσότερο την άσκηση του στυλ παρά το πραγματικό σενάριο.
Αυτή είναι η περίπτωση του «Η Avengers Art εντύπωση» έργο συνόδευσε την θεατρική απελευθέρωση των blockbuster Avengers το 2012: δεκάδες εικονογράφους είχε πλάκα να φαντάζεται κωμικό καλύμματα εμπνευσμένο από το θρυλικό καλλιτέχνες και εικονική κώνου i της ιστορίας της τέχνης.
Bastien Alleaume