Alexandra Efimova: Ich experimentiere ständig

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)

Für mich ist Kunst eine Möglichkeit, meine Gefühle und Gedanken auszudrücken, meine persönliche Verbindung zum Kosmos und die Möglichkeit, meine Eindrücke durch Symbole und Zeichen mit meinem Betrachter zu teilen.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?

Ich beschäftige mich schon lange mit dem Thema „Körperlichkeit in der digitalen Realität“, aber für mich ist es ein sehr weites Thema. Meine Kunst berührt sowohl politische und wirtschaftliche Themen als auch die persönlichen Probleme eines jeden von uns. Es fällt mir leichter, mit dem Körper zu arbeiten, weil ich so meine Einstellung zu etwas, die emotionale Komponente, klar zum Ausdruck bringen kann. Es ist wie bei einem Porträt, aber in diesem Fall geht es nicht nur um das Gesicht.

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

Möglicherweise experimentiere ich ständig. Ich habe keinen Endpunkt. Für mich ist meine Arbeit eine Synthese mehrerer Richtungen und Techniken, was an sich schon interessant ist. Ich mache und erlebe jedes Projekt auf eine neue Art und Weise, habe aber gleichzeitig meinen eigenen Stil.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Dabei handelt es sich meist um Schwarzweißfilme und -fotografien. Auch Kommunikation mit anderen Künstlern, Erfahrungsaustausch. Auch Reisen wirkt sich positiv auf die Kreativität aus. Aber ich warte nicht auf Inspiration, sondern arbeite jeden Tag nach einem klaren Zeitplan, denn ich habe viele Ideen im Kopf.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Machen Sie sich zunächst einmal Sorgen. Denn auch eine negative Reaktion ist eine Reaktion. Wenn ich jemanden zum Nachdenken bringen kann und wenn er nach Hause geht, denkt er darüber nach, was er auf der Ausstellung gesehen hat, dann ist das für mich ein großer Sieg.

In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (Technik, Inspiration aus Kunstklassikern o.ä.)?

Das mag ungewöhnlich erscheinen, aber ich habe eine sehr lange theoretische Vorbereitung. Da ich neben dem, was ich schaffe, auch Projekte junger Künstler betreue, ist mein theoretischer Ansatz recht lang. Ich schreibe viel, beschreibe zukünftige Arbeiten, entwickle sie im Kopf und wähle den Raum und die Beleuchtung aus. Die Schaffung von Arbeitsplätzen erfolgt schnell. Da die meisten meiner Arbeiten eine abstrakte Komponente haben, erschaffe ich einen Ort, der nicht im Voraus vorhersehbar ist. Dann bleibt nur noch das Zeichnen und das ist mir sehr wichtig. Denn das Design muss cool sein. Das ist mein Ding – einfaches und cooles Zeichnen.

Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?
Wie ich oben sagte, handelt es sich um eine Synthese des abstrakten Spots und des Figurativen. Ich verwende diese Technik schon seit langem, weil sie meinen Charakter vollkommen widerspiegelt. Ich bin frei und impulsiv, manchmal unausgeglichen wie eine abstrakte Unschärfe. Und manchmal, wenn es um die Arbeit geht, ist sie sehr ruhig. Denn qualitativ hochwertige Ergebnisse sind das Wichtigste in meinem Leben.

Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, welche?

Jetzt probiere ich nach und nach eine Videoinstallation für mich aus. Das ist keine neue Richtung, aber für mich ist es eine Premiere. Ich vermittle gerne Bewegung und habe das Gefühl, dass mir bereits fehlt, was ich habe. Außerdem probiere ich in letzter Zeit selbst Skulpturen in Kombination mit natürlichen Materialien aus.

Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?

Es gibt keine besondere Präferenz, da ich das verwende, was den aktuellen Ablauf meines Projekts am besten widerspiegelt.

Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, in der Gemeinschaftswerkstatt oder in der eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?

Im Moment bin ich ein nomadischer Künstler. Vor kurzem musste ich mein Heimatland verlassen. Dort, in Russland, habe ich in einer Werkstatt gearbeitet. Jetzt hoffe ich wirklich auf einen Workshop in naher Zukunft. Wir arbeiten mit meinen Kollegen an diesem Thema. Ich nehme mein Schicksal mit Interesse an und egal, wo ich morgen sein werde, das Wichtigste für mich ist die Möglichkeit, meinen Weg fortzusetzen.

Führt Sie Ihre Arbeit dazu, zu reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bedeutet es für Sie?

Ja, ich muss beruflich immer noch viel reisen, denn neben der Ausstellungstätigkeit gibt es noch die Arbeit mit dem kulturellen Erbe Europas und die Kunstresidenz. Das ist für mich normal und weckt großes Interesse. Ich habe viele Freunde und Kollegen in verschiedenen Ländern und es ist für mich sehr wertvoll, sich bei einem Glas Wein zu treffen und Erfahrungen auszutauschen. Ich bin immer offen für die Kommunikation mit neuen Menschen.

Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?

Ich habe viele Projekte und Ideen. Manchmal scheint es, dass dies nicht für das Leben reicht. Ich möchte meine Botschaft weiterhin durch die Werke tragen, etwas sehr Wichtiges tun und jungen Künstlern helfen, sich in ihrer Arbeit weiterzuentwickeln. Außerdem möchte ich meine Kunstsammlung zusammentragen oder vielleicht im Laufe der Zeit eine Stiftung gründen, denn die Welt braucht Schönheit, aber mehr braucht die Welt einen „nüchternen Look“, und ich denke, es ist besser, in einer visuellen und universellen Sprache zu sprechen .

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Seit zwei Jahren spreche ich über den Zustand meines Landes. Über den Beginn des Krieges und über den Wunsch, ihn zu beenden. Ich glaube, dass Krieg in der modernen Gesellschaft undenkbar ist. Wenn ein Mensch Gutes tut und an andere denkt, wird er niemals einen Krieg beginnen. Ich drücke meinen Protest mit Hilfe des für mich wichtigsten Zeichens aus – des menschlichen Körpers. Es ist sowohl tot als auch lebendig, Trauer und Zusammenhalt, Angriff und Versöhnung. Manchmal imitieren diese Körper den Raum, manchmal tauchen sie fast aus ihm auf.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Im Jahr 2018 haben meine Kollegen und ich in Brügge ein Projekt für Sehbehinderte durchgeführt. Es wurde „Kein Museum“ genannt, weil es gegen alle Museumsgesetze verstieß. Die Installationsgemälde bestanden aus verschiedenen volumetrischen Materialien und die Menschen konnten sie berühren, das Parfüm riechen und Fotos mit ihnen machen. In jedem der Werke war eine Botschaft durch einen speziellen Text geschrieben. Die meisten Werke haben wir an Waisenhäuser und Stiftungen gespendet. Es war ein sehr wichtiges Projekt für mich. Mit einigen Gästen der Ausstellung kommunizieren wir bisher.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte schaffen könnten, welches würden Sie wählen? Und warum ?

Auf jeden Fall „Guernica“ von Picasso. Ich glaube, es ist die beste Arbeit, oder eine der besten. Ich erinnere mich an meine ersten Gefühle, als ich dieses Werk sah. So etwas würde ich gerne während meiner Reise machen.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?

Ich habe nicht darüber nachgedacht. Für mich ist es wahrscheinlich wichtig, eine Person persönlich zu kennen. Obwohl ich vielleicht ein Glas Wein mit Paul Nesh irgendwo auf dem Balkon in Paris verpasst hätte, weiß ich nicht, warum es Paris ist. Wahrscheinlich Buchverbände.