Hu/Lie sucht Differenzierung

Hu/Lie sucht Differenzierung

Olimpia Gaia Martinelli | 11.01.2023 8 Minuten Lesezeit 0 Kommentare
 

HU/LIE war völlig fasziniert von der Skateboard- und Hip-Hop-Kultur der 1990er Jahre und sah darin einen Lebensstil aus Freiheit, Selbsttranszendenz, Transgression und Kreativität...

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)

Als Teenager, in den 90er Jahren, war ich total fasziniert von der Skate- und Hip-Hop-Kultur. Ich sah darin einen Lebensstil voller Freiheit, Selbsttranszendenz, Transgression und Kreativität. Ich begann mit Graffiti, um meine Gefühle auszudrücken, wobei ich mich von Graffiti-Künstlern aus Pariser und New Yorker Crews und insbesondere von Lee Quinones inspirieren ließ.

Mein blasiertes „Hu/Lie“, eine Zusammenziehung von „Humanity is a lie“, ist aus dieser Zeit entstanden und ich habe es danach behalten, weil es meine künstlerische Herkunft kennzeichnet.

Allmählich interessierte ich mich für die Kunstgeschichte und die unendliche Vielfalt des Schaffens einschließlich Installationen und Happenings, die für mich eine unerschöpfliche Quelle der Ausdruckskraft darstellten.

Was ist dein künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen hast du bisher experimentiert?

Ich trat der Fakultät für Bildende Kunst in Straßburg bei, wo ich verschiedene Medien berühren konnte, darunter Malerei und mechanische Skulptur. Es war sehr reich an Unterricht und ab dieser Zeit begann ich, meine künstlerische Praxis zu theoretisieren und mich voll und ganz der ästhetischen und technischen Forschung zu widmen.

Ich war sehr engagiert in der Arbeit mit dem Material und insbesondere in der Montage von Holz und Metall, die ich in kurzlebigen Installationen an ungewöhnlichen Orten im Freien wie städtischen Parks, Märkten, Fabriken ablehnte ...

Das Thema der Nutzung des Menschen in unserer Welt dominierte bereits meine Kreationen, insbesondere unsere kollektive und individuelle Unfähigkeit, die Natur zu erhalten. Ich erfand Hybridbäume, deren Metallstämme mit in Harz gefrorener Rinde bedeckt waren, um die Abholzung zugunsten unseres individualistischen Komforts anzuprangern.

Ich kehrte dann zur Malerei zurück, weil ich Gefühle spontaner ausdrücken musste, indem ich Materie und Farben in verstörenden Kompositionen manipulierte, aber immer den Menschen in den Mittelpunkt meiner Gedanken stellte.

Welche 3 Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

Ich erschaffe nicht, indem ich nach Differenzierung suche… Ich drücke mich aus, indem ich Kunst verwende, um sichtbar zu machen, was ich tief in mir vergraben habe. Ich definiere mich jedoch als engagierten Künstler, der das Unsichtbare sichtbar machen will, der gerechte und wesentliche Anliegen wie die Ökologie verteidigt. Das machen andere Künstler auch sehr gut, aber jeder auf seine Art und das macht uns einzigartig.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Generell inspiriert mich das Verhalten des Menschen in seiner Umwelt und seine Widersprüchlichkeiten, was mich dazu bringt, mich mit Themen zu beschäftigen, die mir am Herzen liegen wie der Kampf gegen soziale Ungerechtigkeit, Diskriminierung, Naturschutz etc.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Ich versuche, den Zuschauer nach seiner eigenen Identität, seinen eigenen Handlungen zu fragen, indem ich zwei Modi entgegensetze, den des übermäßigen Konsums (symbolisiert durch die Verwendung von Collagen aus zerrissenen Plakaten oder durch verkrustete Graffiti) und den des sozialen oder klimatischen Überlebens.

Ich möchte, dass meine Bilder wie ein Spiegel wirken, in dem sich jeder durch ein Blickspiel selbst hinterfragt.

Ich präzisiere, dass ich mich nicht in die Lage des fatalistischen Moralapostels versetzen möchte! Über die manchmal tragische Beobachtung hinaus muss die Hoffnung auf tragfähige Lösungen aufkommen. Welche Maßnahmen bin ich bereit zu ergreifen, um Ungleichheiten zu verringern? Wie verhalte ich mich angesichts von Armut? Was kann ich tun, um die Degeneration unseres Ökosystems zu begrenzen? ... das sind Fragen, die ich mir vor allem stelle und meine Malerei hilft mir, Antworten zu finden, mein eigenes Verhalten zu ändern.

Wenn meine Kreationen auch dazu beitragen, das Bewusstsein zu schärfen, soziale Situationen zu beleuchten, Zweifel oder Empathie zu wecken, das Bewusstsein für Umweltthemen zu schärfen, dann habe ich mein Ziel erreicht.

Von der Introspektion zur Expansion, so konzipiere ich meine plastische Emanzipation

Wie ist der Entstehungsprozess deiner Werke? Spontan oder mit langem Vorbereitungsprozess (technisch, Inspiration durch Kunstklassiker oder anderes)?

Ich habe zunächst einen langen Vorbereitungsprozess in dem Sinne, dass ich Untersuchungen rund um die Themen durchführe, die ich durch meine Malerei erforschen möchte. Für meine Serie „Das Streben nach Würde“, in der ich Frauen und Männer inszeniere, die Unglaubliches durchgemacht haben, werde ich zunächst die verschiedenen Migrationsbewegungen, die Gründe für das Exil, die Überlebensphasen, die angebotenen Lösungen, solidarisches oder ablehnendes Verhalten untersuchen.

Ich möchte mein Thema verstehen und dann anfangen, meine Gedanken in plastische Skizzen umzusetzen. Skizzen, Farb- und Kompositionstests sowie technische Erprobungen sind eine wesentliche Voraussetzung für die Kreation.

Dann gehe ich mit Blick auf die Leinwand in eine Art Meditation und lasse mich von den Strömen leiten, die mich durchqueren.

Verwenden Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? wenn ja, kannst du es erklären?

Meine Techniken variieren je nach Stimmung, aber vor allem je nach Thema. Ich bevorzuge das Malen mit einem Messer für einen harten Look, während ich eher den Pinsel verwende, um fließende Linien um einen hoffnungsvollen Look zu ziehen.

Alle meine Kreationen enthalten ein Element, das an die Konsumgesellschaft erinnert, sei es Graffiti oder die Collage von Plakaten, die ich auf der Straße heruntergerissen habe.

Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns sagen, welche?

Aus der Sicht der Werkzeuge verwende ich immer mehr recycelte oder umweltbewusste Materialien. Ich denke, dass auch wir Künstler Teil der Lösungen sein und verantwortlich handeln müssen. Außerdem widme ich 5 % meines Einkommens Spenden an Vereine zur Erhaltung des Ozeans und seiner Küsten.

In Bezug auf meine Themen verwende ich echte Fakten, um meinen kreativen Prozess zu füttern. Meine neue Serie mit dem Titel „Human Impact“ erinnert an die Folgen menschlichen Handelns für die Umwelt. Die Titel meiner Bilder sind integraler Bestandteil der Arbeit und beziehen sich auf weltweit aufgestellte Hitzerekorde. Ziel ist es, das Gewissen der Menschen zu treffen, indem aktuelle Phänomene stigmatisiert werden, die uns isoliert und belanglos erscheinen mögen.

Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? wenn ja, warum?

Ich male hauptsächlich auf Leinwänden von etwa 1m und hauptsächlich im Hochformat, weil das am besten zu den Gesichtern und Ausdrücken passt, die ich in meinen Bildern projiziere. Acryl, Tinte, Sprühdose, Collage … Ich mische auch gerne Techniken, um bestimmte Botschaften zu vermitteln.

Wo produzierst du deine Werke? Zuhause, in einer gemeinsamen Werkstatt oder in Ihrer eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Raum Ihre kreative Arbeit?

Ich habe das Glück, einen eigenen Raum in meinem Haus zu haben, aber ich strebe danach, mich einem Kollektiv von Künstlern mit gemeinsamen Workshops anzuschließen, um mich von der kollektiven Energie zu ernähren und aus meinem Rahmen herauszukommen.

Führt Ihre Arbeit Sie zu Reisen, um neue Sammler zu treffen, für Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es dir?

Ich lebe jeden Austausch mit meinen Zuschauern mit echter Begeisterung und dem Wunsch, mehr über die persönliche Geschichte jeder Person zu erfahren, über ihre Gefühle gegenüber meinen Kreationen. Der Blick, die Sensibilität, die Erfahrung des Betrachters nähren meine Arbeit und deshalb bleiben Ausstellungen, was immer sie sind und wo immer sie sind, für meinen kreativen Prozess unerlässlich.

Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstlerin in der Zukunft vor?

Ich habe keinen langfristigen Karriereplan, weil ich versuche, den gegenwärtigen Moment so gut wie möglich zu genießen. Ich lasse mich von meinen Inspirationen und meinen momentanen Wünschen leiten, um in diesem einzigartigen Leben voranzukommen.

Ich möchte mich bald der Gestaltung mehrerer Installationsprojekte widmen. Es erfordert etwas Logistik, aber ich weiß, dass es bald Realität sein wird. Ich freue mich darauf, in 3 Dimensionen zu arbeiten, indem ich verschiedene Medien wie Video, recycelte Objekte, aber immer mit einem sozialen Ton verwende.

Ich möchte auch Kooperationen mit Umweltverbänden entwickeln, damit wir uns gegenseitig bereichern und uns mit anderen Künstlern austauschen können, um gemeinsame Ausstellungen zu gemeinsamen Themen zu bauen, aber immer in einem engagierten Geist.

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Das Bild, das ich mache, heißt „Base Esperanza (AQ): 18°C“. Es bezieht sich auf den jüngsten Hitzerekord in der Antarktis und klingt wie eine Warnmeldung. Um dieses Thema hervorzurufen, habe ich mich entschieden, einen Entdecker zu malen, dessen Blick von zwei gegensätzlichen Gefühlen durchdrungen ist: Entschlossenheit und Resignation. Dieses Gesicht ist vor einem Landschaftshintergrund mit warmen Farben artikuliert, der jedoch an einen beispiellosen klimatischen Umbruch erinnert

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Auch wenn sie noch nicht geplant sind, jede kommende Ausstellung wird sicherlich die wichtigste sein!

Meine letzte Ausstellung rund um meine Serie „Streben nach Würde“ war jedoch sehr bedeutsam, weil sie den Höhepunkt eines langen persönlichen Prozesses symbolisierte und in der Galerie eines Vereins organisiert wurde, der sich dem Kampf gegen Diskriminierung verschrieben hat. Dies bildete ein mächtiges, sensibles, kämpferisches Ganzes.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte hätten schaffen können, welches würden Sie wählen? Und warum ?

Ohne zu zögern: Picassos Guernica!

Ich hätte gerne die Schaffenskraft von Picasso gespürt, als er dieses Meisterwerk gemalt hat.

Die Wut, der Wahnsinn der Männer, das Unverständnis, die Wut, die Gewalt, aber auch die Größe, die Farben und die Komposition tragen dazu bei, dieses Bild zu dem zu machen, was ich für das ultimative Werk engagierter Denunziation halte.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?

Ich möchte Künstler der Fluxus-Bewegung, darunter Alison Knowles, Marina Abramovic, Nam June Paik, Ben und Georges Brecht, einladen, ihre Vision von Kunst heute zu diskutieren, diejenigen, die den Begriff eines Kunstwerks an sich abgelehnt und Interdisziplinarität befürwortet haben , Kunst für jedermann und kollektives Schaffen.

Dies würde in Form eines nomadischen Picknicks geschehen, bei dem wir auf der Straße spazieren würden, in Museen für zeitgenössische Kunst, Veranstaltungshallen, Treffen militanter Freiwilliger, Bars ... um in einem Schuppen mit vielen Gegenständen und anderen förderlichen Instrumenten zu enden die Schaffung eines ephemeren und kollektiven Werks.


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