Werbung in der Kunst

Werbung in der Kunst

Olimpia Gaia Martinelli | 25.11.2021 5 Minuten Lesezeit 0 Kommentare
 

Kunst und Werbung haben sich seit der zweiten industriellen Revolution verbunden und Werke und künstlerische Strömungen hervorgebracht, die sowohl die Welt der Kunst als auch die des Marketings revolutioniert haben. Doch wann begann diese fruchtbare Allianz und wie hat sie sich im Laufe der Jahrhunderte entwickelt?

Werbeplakate

Werbung ist in kapitalistischen Gesellschaften nicht nur allgegenwärtig, sondern stellt auch eine der Formen dominanter Kultur dar, die darauf abzielt, zum Konsum von Gütern zu verleiten, die als unverzichtbares Mittel zur Erlangung von Wohlbefinden und Glück dargestellt werden.

Was sind die Ursprünge moderner Werbung?

Im 18. Jahrhundert belegten Anzeigen kostenlos und mit Kleinanzeigen die vierte Seite der Zeitungen, während ab den letzten dreißig Jahren des 19. Jahrhunderts die Verwendung von Werbeplakaten weit verbreitet war. Letztere stellen eine der ältesten Formen der bestehenden Werbung dar, die, während der zweiten industriellen Revolution entstanden, ursprünglich mit der Förderung von Kalendern von Theateraufführungen oder Kabaretts verbunden war, Orte der Unterhaltung, die sich in diesen Jahren verbreiteten. Das Werbeplakat wurde von dem Franzosen Jules Chéret erfunden, der durch die innovative Hervorhebung des figurativen Teils der Werbung gegenüber dem textlichen auch die Präsenz von Modellen einbezog. In Italien hingegen ist die Geschichte des Werbeplakats untrennbar mit dem Namen des innovativsten Plakatkünstlers verbunden: Leonetto Cappiello (Livorno, 9. April 1875 - Cannes, 2. Februar 1942).

Leonetto Cappiello, Bitter Campari , 1921. Lithographie, 100 x 70 cm. Mailand, Archivio Galleria Campari,.

Leonetto Cappiello und Campari

Campari, auch bekannt als Campari Bitter oder Bitter Campari, ist ein beliebtes italienisches alkoholisches Getränk, das zur Zubereitung berühmter Cocktails wie Negroni und Americano verwendet wird. Um für Campari zu werben, schlug Leonetto Cappiello 1921 ein avantgardistisches Plakat vor, bei dem zum ersten Mal ein Bild das zu verkaufende Produkt ersetzte. Tatsächlich wird das alkoholische Getränk auf dem Poster in den Händen einer animierten Figur dargestellt: dem „Spiritello“. Dieses Testimonial, eine Art Geist der Lampe, eingehüllt in die Schale einer Orange, war perfekt, um mit dem berühmten Orangengetränk kombiniert zu werden, so sehr, dass es bald zu einer beliebten Figur des italienischen Publikums wurde. Schließlich wurde das „spiritello“, das darauf abzielt, das Produkt zu verkörpern, ohne gleichzeitig davon losgelöst zu sein, von einem frechen Lächeln animiert, das den Betrachter zum Kauf von Campari verleiten soll.

Andy Warhol, Green Coca-cola Bottles , 1962. Acryl, Siebdruck und Graphitstift auf Leinwand, 210,2 × 145,1 cm. New York, Whitney Museum of American Art.

Andy Warhol: Coca-Cola

Se Leonetto Cappiello, esponente dell'Art Nouveau, era stato ingaggiato dalla Campari per creare manifesti pubblicitari, che avevano unito in moderno innovative arte e consumismo, i rappresentanti della Pop Art americana degli anni Cinquanta e Sessanta, invece, inserirono spontaneamente le grandi marche nelle loro opere, per rivelare l'avvento della società dei consumi di massa. Es ist ein Beispiel für die Oper von Andy Warhol Green Coca Cola Bottles, das im Jahr 1962 erstellt wurde, raffigura 112 Flaschen von Coca Cola, disposted in 7 file di 16 ciascuna. Green Coca Cola Bottles fu realizzata con la tecnica della serigrafia, appositamente scelta dall'artista per alludere ai meccanismi di produzione of massa tipici della società dei consumi. Tuttavia, i contorni delle bottiglie, probabilmente stampati a mano, differentiscono l'uno dall'altro nei loro contorni, nell'uniformità della vernice e nella loro inclinazione, dando a Green Coca Cola Bottles totocco di realizzazione manuale. Infine, l'opera di Warhol, che critava ironicamente, e allo stesso tempo glorificava, gli idoli ei valori superficiali della cultura americana, riuscì a portare nei musei i prodotti tipici dei supermercati. Infatti, l'artista stesso dichiarò l'uguaglianza tra supermercato e museo, sostenendo che in entrambi i luoghi si potevano "consumare prodotti" in modo simile.

img-6158.jpg Maxl, Marilyn & Mickey , 2021. Collage und Acryl, 102 x 102 cm.

Maxl: Coca Cola, Micky Maus und Marilyn Monroe

In dem Kunstwerk des Künstlers von Artmajeur, Maxl, schmücken das Logo und die Farben von Coca Cola die Gesichtszüge einer neuen Micky Maus, die ihren Platz neben einer Marilyn Monroe findet, die in ihrer berühmtesten ikonischen Pose dargestellt ist. Tatsächlich scheint diese Collage auf völlig innovative Weise drei Themen zu vereinen, die Andy Warhol am Herzen liegen: Coca Cola, Mickey Mouse und Marilyn Monroe. Infolgedessen scheint Maxls Werk ein Sprecher der Poetik der amerikanischen Pop Art zu sein, die sich durch ein starkes Interesse an Bildern auszeichnet, die auf die künstliche Welt verweisen, in der Verbraucher leben, wie alltägliche Industrieprodukte und Massenmedien. Werbung, Fernsehen und Kino, aber auch die Regale von Supermärkten werden zu neuen Sujets von Kunstwerken, die in der Lage sind, eine farbenfrohere und lebendigere Vision der Realität zu verbreiten, unter der jedoch ein Gefühl von Angst und latenter Angst liegt.

img-20210408-175649.jpg Stephane Cazenave, Marlboro County , 1991. Collage und Acryl, 50 x 65 cm.

Stéphane Cazenave: Marlboro

Zu den berühmtesten Collagen der Vertreter der Pop-Art gehören sicherlich die von Richard Hamilton, dem Pionier der englischen Pop-Art. In der Tat ist eines seiner berühmtesten Kunstwerke mit dem Titel „Was macht das heutige Zuhause so anders, so ansprechend? , entstand durch die Gegenüberstellung von Fotografien und Bildern aus der amerikanischen Presse, die eine Verdichtung von Bezügen zur Popkultur darstellen. Die Collage des Artmajeur-Künstlers Stephane Cazenave hingegen zeichnet sich dadurch aus, dass sie die obige Technik auf sehr persönliche und originelle Weise mit Acrylmalerei kombiniert hat, die verwendet wird, um den Hintergrund um das zugeschnittene Foto des Cowboys zu schaffen. Der Cowboy stellt eine ikonische Figur aus der Welt der Werbung dar, die untrennbar mit einer bekannten amerikanischen Zigarettenmarke verbunden ist, auf die sich das Werk mit den Worten „Marlboro“ explizit bezieht. Zusammenfassend zeichnet sich die Arbeit von Cazenave durch ihre Fähigkeit aus, ein Kultthema der Konsumwelt mit einer sehr persönlichen künstlerischen Technik zu verbinden.

chaneltp.jpg Tony Rubino, Chanel Toilet Paper , 2021. Acryl und Lithographie,
30,5 x 45,7 cm.


Tony Rubino: Chanel

Die bisher untersuchten Werke wollen, der Poetik der Pop-Art folgend, keine Gesellschaftskritik üben, sondern lediglich ihre Eigenheiten widerspiegeln. Um das Gesagte zu untermauern, gebe ich den Satz des berühmten Künstlers Roy Lichtenstein wieder: „Ich bin mir nicht sicher, welche Art von sozialer Botschaft in meiner Kunst enthalten ist, falls es eine gibt.“ Die Arbeit von Tony Rubino, Künstler von Artmajeur, löst sich stark von diesem Kontext, denn er wollte höchstwahrscheinlich seinem Widerspruch gegen die Konsumgesellschaft Ausdruck verleihen, indem er die Marke eines bekannten Modehauses auf einer Toilettenrolle abbildete Papier. Hatte die Pop-Art von Andy Warhol außerdem die Siebdrucktechnik bevorzugt, eine Drucktechnik, die die Reproduktion von Bildern in Serie ermöglicht, so hat sich Tony Rubino für die Lithografie entschieden, die sich mit einer sehr begrenzten Auflage definitiv vom Fließband löst Produktion der Konsumgesellschaft. Zusammenfassend stellt die Arbeit des Künstlers von Artmajeur eine sehr persönliche Interpretation der Pop-Art dar, die mit neuen Bedeutungen aufgeladen ist.


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