Spirituelle Kunstwerke zu verkaufen

838 Original Kunstwerke, limitierte Auflagen und Drucke:

Eine Kunstform, vor allem Malerei, die vom Spiritismus beeinflusst wurde, wird als spirituelle Kunst, Geisterkunst, mediale Kunst oder psychische Malerei bezeichnet. Spirituelle Kunst hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Moderne und damit auf die Kunst von heute.

Georgiana Houghton und Piet Mondrian sind zwei bekannte spirituelle Künstler. Der Spiritismus diente auch als Inspiration für die bahnbrechende abstrakte Kunst von Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Kasimir Malevich und František Kupka. Houghton und andere spiritistische Künstler halfen Historikern, die Bedeutung des Spiritismus und des okkulten Milieus zu erkennen.

In den letzten Jahren erkennen nun viele Kunstexperten den Beitrag des Spiritismus zur Entwicklung der modernen abstrakten Kunst an. Führende zeitgenössische Künstler interagieren immer noch mit Spiritualität. Unter der Anleitung des renommierten brasilianischen Medium-Heilers John of God wurde die serbische Performance-Künstlerin Marina Abramovic zum Medium. In ihrer Arbeit sind viele spiritistische Elemente sowie Elemente aus afroamerikanischen und australischen Aborigine-Traditionen präsent.

Verschiedene Arten von Geisterkunst

Obwohl viele Künstler vom Spiritismus beeinflusst wurden, schufen nur sehr wenige das, was Spiritisten als „Geisterkunst“ bezeichnen. Was genau "Geisteskunst" ausmacht, kann in drei Hauptkategorien eingeteilt werden: "gefällte" Kunstwerke; Porträts von Geistern, die von Medienhänden während Seancen gemalt wurden; und Kreationen von Medienkünstlern, die behaupten, dass ihre Hände von Geistern geleitet werden.

Die Medien behaupten, dass die Geister im ersten Fall von "Niederschlag" keinen menschlichen Künstler benutzten, um ihre Hände zu führen; Stattdessen schufen sie die Gemälde selbst. In einem zweiten Beispiel für Geisterkunst, Geisterporträts, war es sehr beliebt, dass Medien Porträts der Geister zeichneten, von denen sie sagten, dass sie bei den Seancen während des Höhepunkts des Spiritismus anwesend waren. "Auragraphen", die die Geschichte, Gegenwart und Zukunft einer Person aus der Sicht eines Mediums oder Hellsehers darstellen, stehen der zweiten Art von "Geisterkunst" nahe.

Laut Spiritualisten besteht die dritte Art von "Geisterkunst" aus Werken der Architektur, Skulptur und Malerei, die von Geistern hergestellt werden, die die Hände des Künstlers lenken. In der zweiten Gruppe (Geisterporträts) sollen Geister häufig auch die Hände des Mediums lenken, aber in der dritten Kategorie werden eher verschiedene Kunstwerke als Porträts der Geister selbst geschaffen.

„Ausgefällte“ Kunstwerke

David Duguid (1832-1907) war das erste bekannte Medium, das Geisterbilder „ausfällen“ konnte. Obwohl Duguid häufig mit Hilfe von Geistermalern malte, schufen seine Führer während seiner Seancen auch "direkte" (gestürzte) Gemälde.

Die Campbell-Brüder, die in der spirituellen Gemeinde von Lily Dale, New York, lebten, waren vielleicht die ersten Medien, die sich auf das Präzipitieren von Gemälden spezialisierten. Obwohl Allen Campbell (1833–1919) und Charles Shourds (1863–1926) keine Brüder waren, teilten sie sich ein Haus und führten gemeinsam Seancen durch. Die Campbell-Brüder haben nie ihre Hände auf die Leinwand gelegt, als sie ihre bekanntesten Porträts schufen, darunter die von Napoleon und Abraham Lincoln, die öffentlich angefertigt wurden. Noch heute behaupten Touristen und Einheimische von Lily Dale, spirituelle Begegnungen vor den Meisterwerken der Campbells gehabt zu haben.

Die Bangs-Schwestern Elizabeth (1859–1920) und May Mary Elvira (1862–1917) waren gleichermaßen bekannt für ihre beeindruckenden Porträts von Verstorbenen. Obwohl sie häufig als Betrüger entlarvt wurden, wurden die Campbell Brothers und die Bangs Sisters von einem bedeutenden Teil der amerikanischen spirituellen Gemeinschaft stark geschützt.

Auch die „Swami Laura Horos“, auch bekannt als Ann Odelia Diss Debar (1849–1911), die behauptete, von den Geistern mehrerer europäischer alter Meister geleitet zu werden, wurde mit Geisterbildern in Verbindung gebracht. Debar wurde 1901 inhaftiert, nachdem sie des Betrugs und des unmoralischen Sexualverhaltens in ihrem Londoner Tempel für schuldig befunden worden war.

Auch Madame Helena Blavatsky (1831–1891), die bekannteste und legendärste Okkultistin des 19. Jahrhunderts und Begründerin der New-Age-Bewegung, beschäftigte sich zu Beginn ihrer Karriere mit der Entstehung von Geisterbildern.

Geisterportraits

Victor Hugo (1802–1855) schuf seine Geisterbilder während Séancen, die in seiner Residenz in Jersey, Kanalinseln, abgehalten wurden. Zu dieser Zeit wurde ein florierender spiritueller Markt auch von Menschen unterstützt, die in den Vereinigten Staaten nach Porträts ihrer verstorbenen Lieben suchten. Dort waren Wella Percy (1833–1900) und Lizzie Pet Anderson (1839–1896; prominent) Partner im Leben und im Spiritismus. Sie wurden von der Gallery of Spirit Art beworben, einer in Brooklyn ansässigen Publikation, die nur Kunstwerke enthielt, die mit Hilfe der Geister geschaffen wurden.

Geisterporträts, die bei Seancen erscheinen, sind immer noch ein Teil der aktuellen spiritistischen Szene, und für Personen, die glauben, ihre verstorbenen Lieben wiederzuerkennen, können sie eine sehr bewegende Erfahrung sein. Frank Leah (1886-1972) und Coral Polge (1924-2001), zwei britische Geisterkünstler, waren auf diesem Gebiet international bekannt.

Mehrere hundert Geistermaler führen die Tradition fort, darunter Coral Ryder und Ann Bridge Davies im Vereinigten Königreich, Francesca Ferraro in Kanada und Angelique van Bezouwen in den Niederlanden.

Kunst, die von Geistern produziert wird, die die Hände des Künstlers lenken

Brasilianische Spiritualisten, die Trancemalerei praktizieren, kanalisieren häufig die Werke bekannter Maler und Bildhauer. José Medrado (geb. 1961) ist weltweit bekannt für seine Trance-Acrylbilder und dafür, wie einfach es für ihn ist, mit Hilfe vieler Geisterhelfer ein Kunstwerk herzustellen. Im Trancezustand schuf er Gemälde unter dem Einfluss von Malermeistern wie Renoir, Vincent Van Gogh, Claude Monet, Matisse, Gauguin, Cassatt, Da Vinci, Morisot, Manet. In Brasilien auch als Medrado bekannt ist Luiz Antônio Gasparetto (1949-2018), der mit seinen Händen unter Anleitung von Degas, Sandro Botticelli, Amedeo Modigliani und vielen anderen renommierten Künstlern malt und bildhauert.

Einige Beispiele für Geisterarchitektur fallen ebenfalls in diese Kategorie. Durch den Einsatz von Medien enthüllte Iulia Hasdeu (1869–1888) die architektonischen Pläne sowohl für ihr berühmtes "Castle Hasdeu" in Câmpina als auch für ihr Grab in Bukarest. Das italienische Dorf Rosazza in der Nähe von Biella, das zwischen 1880 und 1899 für den italienischen Senator und Freimaurer Federico Rosazza (1813–1899) erbaut wurde, ist ein weiteres Beispiel für Geisterarchitektur. Es wurde vom Maler Giuseppe Maffei (1821-1901) entworfen. Es basierte auf Plänen, die ihm die Geister von Augustinus von Hippo (354–430), der nie in seinem Leben als Architekt gearbeitet hatte, und einem namenlosen Mann aus Volterra, Toskana, gegeben hatten.

Einfluss des Spiritismus auf die zeitgenössische Kunst

In den letzten Jahren ist das Interesse an Spiritualität in der Kunstindustrie wieder aufgelebt. Verstorbenen Künstlern, die sich intensiv mit Mystik und Religion auseinandergesetzt haben, wird in den Museen posthume Aufmerksamkeit geschenkt. Die fesselnde Hilma af Klint-Ausstellung im Guggenheim Museum in den Jahren 2018–19, die zur meistbesuchten Ausstellung in der Geschichte des Museums wurde, ist vielleicht das bekannteste Beispiel dafür. Das Whitney Museum of American Art zeigte 2020 Agnes Peltons erste Einzelausstellung ihrer Arbeiten seit mehr als 20 Jahren.

Der Begriff der Spiritualität gewinnt im 21. Jahrhundert in zahlreichen kulturellen Diskursen, auch in der zeitgenössischen Kunst, zunehmend an Bedeutung. Eine spirituelle oder religiöse Tradition kann in Kunst, die als spirituell angesehen wird, angespielt oder dargestellt werden. Die Verbindung von Kunst und Religion diente in der Vergangenheit als Mittler zwischen Spiritualität und Kunst. Trotz des Niedergangs der organisierten Religion in Westeuropa hat jedoch das Interesse an Spiritualität in anderen Bereichen der Kultur, insbesondere in den Künsten, zugenommen.

Entdecken Sie zeitgenössische KunstWerke auf Artmajeur

Zeitgenössische Kunst ist ein vibrierendes Netzwerk von künstlerischen Ausdrucksformen. Dieses kreative Universum umfasst eine breite Palette von Medien, von Gemälden, Skulpturen und Fotografien bis hin zu Zeichnungen, Gravuren, Textilkunst und digitalen Kunstwerken, wobei jedes Medium einen eigenen strahlenden Glanzstern darstellt. Künstler verwenden verschiedene Träger und Materialien, um ihre Visionen zum Leben zu erwecken, wie Leinwand, Holz, Metall und sogar innovative digitale Leinwände zur Schaffung von virtuellen Meisterwerken.

Ein zeitgenössisches Gemälde kann zum Beispiel seine Geschichte durch geschickte Pinselstriche mit Acryl- oder Ölfarben weben, während eine zeitgenössische Skulptur ihr Lied in der Sprache von Stein, Bronze oder gefundenen Objekten singen kann. Fotokunst fängt das Licht ein und manipuliert es, um markante Bilder zu produzieren, während Druckgrafik Techniken wie Lithographie und Siebdruck verwendet, um Mehrfachdrucke eines einzigen beeindruckenden Bildes zu produzieren. Textilkunst spielt mit Stoffen und Fasern, während digitale Kunst mit innovativer Technologie die Grenzen der Kreativität sprengt.

Die Anziehungskraft der zeitgenössischen Kunst liegt in ihrer Natur, die Grenzen verschiebt, ihrer ständigen Suche nach Experimenten und ihrer ständigen Reflexion über die Entwicklung der menschlichen Erfahrung. Diese grenzenlose Kreativität, verbunden mit ihrem starken sozialen und persönlichen Kommentar, macht jedes zeitgenössische Kunstwerk zu einem einzigartigen Symbol seiner Zeit, einem Spiegel, der die Realitäten und Träume unserer komplexen Welt reflektiert. Es flüstert uns zu, bewegt uns, provoziert Reflexionen und entfacht eine tiefe emotionale Antwort, die die Seele jedes Zuhörers weckt. Es ist tatsächlich die Sprache der Emotionen und Ideen, gesprochen in der Dialektik unserer Ära.

Ursprünge und Geschichte der zeitgenössischen Kunst

Die Geschichte der zeitgenössischen Kunst spielt sich in der Mitte des 20. Jahrhunderts ab und ist geprägt von seismischen Veränderungen in der künstlerischen Ausdrucksform. Nach dem Zweiten Weltkrieg begannen Künstler in den 1950er und 1960er Jahren, über die traditionellen Grenzen hinaus zu experimentieren und die Normen dessen, was Kunst sein konnte, in Frage zu stellen. Diese revolutionäre Ära brachte eine Vielzahl neuer künstlerischer Bewegungen und Formen hervor, wie zum Beispiel den abstrakten Expressionismus, die Pop-Art und den Minimalismus. Gemälde, die früher auf Realismus beschränkt waren, umarmten die Abstraktion, wobei Künstler Farbe und Form einsetzten, um Emotionen und Ideen auszudrücken. Bemerkenswerte Phasen wie das Aufkommen der Pop-Art Ende der 1950er und Anfang der 1960er Jahre sahen Kunstwerke, die die Populärkultur und die Massenmedien nachahmten und den Fokuswechsel der Gesellschaft widerspiegelten.

Die bildhauerischen Künste haben ebenfalls eine Metamorphose erfahren. Die Bildhauer begannen, mit neuen Materialien und Formen zu experimentieren und oft Kunstwerke zu schaffen, die mit dem Betrachter und dem umgebenden Raum interagieren und ein Gefühl der Verbindung fördern. Die zeitlose Praxis des Zeichnens hat sich ebenfalls weiterentwickelt, wobei Künstler innovative Techniken und Konzepte integrierten, um ihre Rolle in der zeitgenössischen Kunst neu zu definieren.

Die Fotografie, ein relativ neues Medium, hat sich zu einem mächtigen Werkzeug in der Landschaft der zeitgenössischen Kunst entwickelt. Im 19. Jahrhundert geboren, hat sie in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wirklich Fahrt aufgenommen und die Grenzen zwischen den schönen Künsten und der Dokumentation verwischt. Die Gravur, eine Praxis, die auf die Antike zurückgeht, hat ein erneuertes Interesse und eine verstärkte Experimentierfreude mit Techniken wie Lithographie, Gravur und Siebdruck erfahren.

Das Universum der Textilkunst hat sich erheblich erweitert, da Künstler begannen, die Vielseitigkeit und taktile Qualität von Stoffen und Fasern zu schätzen. Künstler begannen Textilien zu verwenden, um die Grenzen zwischen bildender Kunst, Handwerk und Design in Frage zu stellen.

Das Aufkommen digitaler Technologie gegen Ende des 20. Jahrhunderts läutete eine neue Ära für die zeitgenössische Kunst ein. Digitale Kunst entstand, als Künstler begannen, neue Technologien zu nutzen, um immersive und interaktive Erfahrungen zu schaffen, wobei oft die Grenze zwischen der virtuellen und der physischen Welt verwischt wurde.

Durch diese Zeiten des Wandels ist das Wesen der zeitgenössischen Kunst dasselbe geblieben: ein dynamisches und sich ständig weiterentwickelndes Spiegelbild der Zeit, in der wir leben, das ständig Grenzen sprengt und das Neue umarmt, immer in Frage stellt und immer erkundet.

Entwicklungen dieser zeitgenössischen Werke auf dem Kunstmarkt

Während wir uns durch das 21. Jahrhundert navigieren, entwickelt sich und erweitert sich die dynamische Landschaft der zeitgenössischen Kunst weiter und spiegelt unsere sich ständig verändernde Welt wider. Zeitgenössische Gemälde, einst hauptsächlich auf zwei dimensionale Leinwände beschränkt, umfassen nun eine Vielzahl von Formen und Techniken, von Multimedia-Installationen bis hin zu digitalen Kreationen, wobei jeder Teil ein reiches Geflecht aus Gedanken, Emotionen und Geschichten darstellt. Auch die Skulptur hat weitgehend die traditionellen Materialien wie Stein und Bronze überschritten, wobei Künstler Licht, Ton und sogar Bewegung einbeziehen und damit die Vergänglichkeit und den Fluss der modernen Welt verkörpern.

Die Fotografie hat in den Händen von zeitgenössischen Künstlern ihre Horizonte erweitert und sich nahtlos mit digitaler Technologie vermischt, um atemberaubende Bilder zu schaffen, die unsere Wahrnehmung der Realität in Frage stellen. Die Zeichnung hat ihrerseits die Grenzen des Papiers überschritten und multimediale Elemente und explorative Techniken integriert, um ihre Rolle im künstlerischen Diskurs neu zu definieren. Die Gravur blüht weiterhin, wobei Zeitgenössische Künstler traditionelle Methoden innovativ nutzen, um starke soziale und persönliche Kommentare zu liefern.

Textilkunst, früher als Handwerk betrachtet, spielt heute eine wichtige Rolle in der Welt der zeitgenössischen Kunst, da Künstler sie nutzen, um Fragen der Identität, Tradition und des kulturellen Erbes zu erforschen. In der Zwischenzeit hat die digitale Kunst, das neueste Mitglied der Familie der zeitgenössischen Kunst, die Art und Weise, wie wir Kunst schaffen und interagieren, revolutioniert und immersive Erfahrungen geboten, die die Grenze zwischen virtuell und physisch verwischen.

Diese verschiedenen Formen der zeitgenössischen Kunst haben einen bedeutenden Wert auf dem heutigen Kunstmarkt, nicht nur aufgrund ihrer ästhetischen Anziehungskraft, sondern auch aufgrund ihrer Fähigkeit, komplexe Ideen und Emotionen zu verkapseln und zu kommunizieren. Sammler, Kuratoren und Kunstliebhaber aus der ganzen Welt suchen nach diesen Werken, angezogen von ihrem intrinsischen Dynamismus, ihrer innovativen Verwendung von Materialien und ihren eloquenten Ausdrucksformen unserer geteilten menschlichen Erfahrung. Als Zeugnis unserer Zeit verkapseln diese zeitgenössischen Kunstwerke den Impuls unserer Gesellschaft und die Resonanz individueller Stimmen und gravieren unsere kollektive Erzählung für immer in die Annalen der Kunstgeschichte ein.

Berühmte zeitgenössische Künstler

Während wir in die vibrierende Welt der zeitgenössischen Kunst eintauchen, begegnen wir einer Vielzahl von Künstlern, die dieses dynamische Feld gestalten. Jeder von ihnen ist ein Meister in seinem Medium - Malerei, Skulptur, Fotografie, Zeichnung, Druckgrafik, Textil oder digitale Kunst - sie erweitern die künstlerischen Grenzen und spiegeln unsere Zeit wider und hinterfragen unsere Wahrnehmungen. Lassen Sie uns diese bemerkenswerten Beiträger und ihre revolutionären Werke erkunden.

1. Gerhard Richter - Bekannt für seinen facettenreichen Ansatz in der Malerei, fordert Richter die Grenzen des Mediums heraus und wechselt geschickt zwischen abstrakten und hyperrealistischen Stilen. Seine Werke, ob sie nun mit einem Spachtel gestreckte Pigmente oder unscharfe fotografische Bilder zeigen, führen einen faszinierenden Dialog mit der Wahrnehmung.

2. Jeff Koons - Ein wichtiger Vertreter der zeitgenössischen Skulptur, Koons schafft monumentale Werke, die Themen wie Konsum, Geschmack und Popkultur erforschen. Seine ikonischen Ballontiere, die aus spiegelglänzendem Edelstahl gefertigt sind, begeistern durch ihre sowohl spielerische als auch tiefgründige Aussage.

3. Cindy Sherman - Eine renommierte Fotografin, die ihr Objektiv nutzt, um Identität und soziale Rollen zu erforschen, insbesondere die von Frauen. Bekannt für ihre konzeptionellen Selbstporträts, übernimmt sie eine Vielzahl von Charakteren und erweitert die Grenzen der Fotografie als künstlerischen Ausdrucksform.

4. David Hockney - Hockney, mit einer umfangreichen Produktion über sechs Jahrzehnte hinweg, ist eine Schlüsselfigur der zeitgenössischen Zeichenkunst. Sein kühner Einsatz von Farbe und seine spielerische Erkundung der Perspektive vermitteln ein berauschendes Gefühl von Freude und eine uneingeschränkte Feier des Lebens.

5. Kiki Smith - Eine innovative Graveurin, Smiths Arbeit erforscht den menschlichen Zustand, insbesondere den weiblichen Körper und seine sozialen und kulturellen Konnotationen. Ihre Kupferstiche und Lithografien rufen universelle Erfahrungen des Lebens, des Todes und der Transformation hervor.

6. El Anatsui - Als Meister der Textilkunst schafft Anatsui wunderschöne Installationen, die aus weggeworfenen Flaschenverschlüssen und Aluminiumstücken wie Wandteppiche aussehen. Diese flexiblen und glitzernden Skulpturen vereinen traditionelle afrikanische Ästhetik und zeitgenössische künstlerische Sensibilität und behandeln Themen wie Konsum, Abfall und die Vernetztheit unserer Welt.

7. Rafael Lozano-Hemmer - Eine herausragende Persönlichkeit der digitalen Kunst, Lozano-Hemmer nutzt Technologie, um interaktive Installationen zu schaffen, die Architektur und Performance-Kunst kombinieren. Seine oft partizipativen Arbeiten erforschen Themen wie Überwachung, Privatsphäre und die Beziehung zwischen Menschen und ihrer Umwelt.

Bemerkenswerte zeitgenössische Kunstwerke

Das Panorama der zeitgenössischen Kunst ist ein dynamisches Patchwork aus verschiedenen Ausdrucksformen und innovativen Ideen, wobei jedes Werk einen einzigartigen Dialog mit seinem Publikum darstellt. Hier ist eine Auswahl renommierter zeitgenössischer Kunstwerke, die verschiedene Medien wie Malerei, Skulptur, Fotografie, Zeichnung, Druckgrafik, Textilkunst und digitale Kunst umfassen und diese lebhafte Bewegung tiefgreifend beeinflusst haben.

Diese Werke, in ihrer Vielfalt, illustrieren das reichhaltige Muster der zeitgenössischen Kunst, wobei jedes Stück ein einzigartiger Kommentar über unsere Welt und ein Zeugnis des unbegrenzten Potenzials kreativen Ausdrucks ist.