Stammeskunst Skulpturen zu verkaufen

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Wie definiert man Stammeskunst Stil ?

Die bildende Kunst und die materielle Kultur indigener Völker werden als Stammeskunst bezeichnet, manchmal auch als nicht-westliche Kunst, ethnografische Kunst oder, kontroverser, als primitive Kunst bezeichnet. Stammeskunst hat typischerweise eine rituelle oder spirituelle Funktion. Das Design und die Handwerkskunst von Objekten aus Stammeskulturen, typischerweise mit ländlichen Anfängen, wird als Stammeskunst bezeichnet.

Im 19. Jahrhundert betrachteten berühmte westliche Kunstschaffende nicht-westliche Kunst nicht einmal als Kunst. Stattdessen wurden diese Objekte als Relikte und Beispiele „exotischer“ oder „primitiver“ Gesellschaften angesehen. Aber in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts hat sich die Einstellung zu Stammeskünsten geändert. Bevor die Postmoderne in den 1960er Jahren aufkam, sahen Kunstkritiker die Stammeskunst hauptsächlich von einem formalistischen Standpunkt aus und achteten wenig auf die symbolische Bedeutung, den historischen oder kulturellen Kontext oder die Absicht des Künstlers des Stücks. Seitdem genießt Stammeskunst, wie afrikanische Kunst in westlichen Sammlungen, einen hohen Stellenwert bei internationalen Sammlern, Ausstellungen und dem Kunstmarkt.

Der Ausdruck „Stammes“ könnte eine weniger raffinierte Art von Kunst bedeuten, die mit Primitivismus in Verbindung gebracht wird und auf einen Mangel an Können, Design, Absicht oder Konzept hindeutet. Da Museen jedoch ihre Bestände in Anbetracht der Tatsache, dass Stammeskunst alles andere als einfach und primitiv ist und häufig eine Kunstfertigkeit aufweist, die weit über das hinausgeht, was wir erwarten, überprüfen und rekurrieren, gewinnt sie immer mehr öffentliches Interesse. Außerdem hat es die Kraft, unsere Seelen zu erreichen. Unsere inneren Instinkte können geweckt werden und wir verbinden uns mit ihrer Wahrheit als Ergebnis ihrer unwiderstehlichen Präsenz und emotionalen Energie, wodurch unsere Wahrnehmung spiritueller Tiefe verbessert wird.

In der Vergangenheit haben westliche Anthropologen, private Sammler und Museen für Ethnographie und Naturgeschichte Stammeskunstwerke gesammelt. In Museumssammlungen kann Stammeskunst in drei Hauptkategorien unterteilt werden: Kunst aus Amerika und Ozeanien, insbesondere aus Australien, Melanesien, Neuseeland und Polynesien; und afrikanische Kunst, insbesondere aus Subsahara-Afrika.

Afrikanische Stammeskunst

Steinschnitzereien, Holzschnitzereien (Masken und Skulpturen), Schmuck, Korbwaren, Textilien, Pfeifen, Musikinstrumente, Waffen, Perlenarbeiten und die Gestaltung architektonischer Merkmale wie Türen und Wandverzierungen sind Beispiele afrikanischer Stammeskunst. Die Entwicklung dieser Handwerke wurde durch die Zugänglichkeit von Werkzeugen, Ressourcen und Know-how beeinflusst; nicht alle Stämme beschäftigten sich mit diesen künstlerischen Bemühungen. Das typischste Material war Holz, das häufig mit Ton, Farbe, Muscheln, Perlen, Elfenbein, Metall, Federn, Tierhaaren, Bast und in seltenen Fällen sogar mit Halbedelsteinen verziert wurde.

Afrikanische Kunst war ein grundlegender Bestandteil einer allumfassenden Religion. Die angeblich in allen Lebewesen vorhandenen Lebenskräfte wurden durch bestimmte Bilder dargestellt, die als ihre Verkörperungen oder Repräsentanten fungierten. Die Essenz der Stammesherkunft wurde durch diese Darstellungen der Toten bewahrt, die häufig für sie sprachen und den Menschen die Möglichkeit gaben, sich mit den Ahnengeistern zu verbinden. Afrikanische Stammesartefakte wurden typischerweise als religiöse Kunst geschaffen – für einen bestimmten rituellen oder zeremoniellen Gebrauch – trotz der Tatsache, dass viele der verwendeten Formen weltliche Komponenten beinhalten und einige Kunstwerke rein dekorativ und ornamental sind.

Die Einweihung in Altersgruppen wie die „Gesellschaften“ junger Männer oder alter Männer, die jeweils ihre eigenen einzigartigen Symbole und Kultmotive haben, ist die Grundlage vieler Stammesrituale. Solche "Gesellschaften" sind bekannt für ihre Fülle an geschnitzten Figuren und Masken, von denen viele Schutzgottheiten wie den Gott des Donners oder den Gott des Feuers darstellen. Obwohl Schnitzereien von einigen Gesellschaften fast ausschließlich als Luxusartikel hergestellt wurden, waren sie ebenso allgegenwärtig und beliebt wie Masken und hatten eine rituelle Bedeutung. Der Yoruba-Stamm in Nigeria war ein erfahrener Rundfigurenschnitzer und krönte seine typischen großen Masken häufig mit Horden sehr lebendiger Puppen, wodurch die Illusion entstand, dass eine Party im Gange sei. Bildhauer konnten aufgrund des hervorragenden Kalibers und Ansehens der afrikanischen Skulptur unter anderen Stämmen, insbesondere den Yoruba, eine Größe und Bekanntheit erlangen, die der eines bekannten Künstlers im Westen ähnelten.

Ozeanische Stammeskunst

Die Subregion Ozeanien besteht aus vier verschiedenen ethnogeografischen Regionen: Polynesien, Mikronesien, Melanesien und Australasien. Die ozeanische Stammeskunst bezieht sich auf die kulturellen Traditionen und die kreative Geschichte der Ureinwohner, die in diesen vier Gebieten leben. Diese Lapita-Kultur hatte schließlich einen Einfluss auf den Großteil von Polynesien, Mikronesien und Melanesien. Ein weiterer Faktor war die vietnamesische Dong-Son-Zivilisation, die ab etwa 600 n. Chr. blühte und ein bedeutender Händler im westlichen Pazifik war. Bronzeartefakte dieser Zivilisation wurden in ganz Ozeanien gefunden.

Obwohl jede Region und Inselgruppe ihre einzigartigen ästhetischen Traditionen hatte, die ihr Kunsthandwerk prägten, war die ozeanische Stammeskunst mit heidnischen Ereignissen verbunden, die das Übernatürliche, die Anbetung von Geistern und die Fruchtbarkeit beinhalteten. Eine Vielzahl von Kunstformen, darunter Körperbemalung, Tätowierung, Malerei, Bildhauerei, Holzschnitzerei und Textilkunst, wurden hergestellt, wobei die meisten der von Künstlern und Handwerkern verwendeten Materialien verderblich waren. Infolgedessen sind nur wenige Beispiele - mit Ausnahme von Steingebäuden und Skulpturen - erhalten geblieben.

Die monumentalen Steinskulpturen (Moai) auf Rapa Nui/Osterinsel und den Marquesas, die die Verwendung von Designs mit anthropomorphen Figuren mit hervorstehenden Zungen und hervortretenden Augen veranschaulichen, die in vielen östlichen und abgelegenen Gebieten Polynesiens verbreitet sind, gehören zu den berühmten Beispielen polynesischer Kunst die überlebt haben. Andere Beispiele sind stark verzierte Rindenstoffe in Westpolynesien.

Da sie in komplizierten heidnischen Riten und Kultpraktiken in ganz Melanesien verwendet wurden, waren Masken ein Schlüsselmotiv in der indigenen Kunst. Zu den Relikten mikronesischer Stämme gehören neben Körperbemalung und Tätowierung auch geschnitzte Holzschalen, bemalte Boote und stilisierte Holzmasken. Körperbemalung, Felsmalerei, Rindenmalerei, Felsgravuren, Menhire, Schnitzereien, Skulpturen und ornamentale Verzierungen an Werkzeugen und Waffen sind nur einige Beispiele für die zahlreichen Stile und Medien, die in der Kunst der australischen Aborigines verwendet werden.

Amerikanische Stammeskunst

Die Kunst der amerikanischen Indianer wurde sowohl vom nomadischen, jägerartigen Lebensstil der ersteren als auch von der etwas statischeren, aber dennoch verarmten Umgebung der späteren zutiefst beeinflusst. Ein weiterer wichtiger Aspekt bei der Entstehung regional unterschiedlicher kreativer Traditionen war die Zugänglichkeit von Ressourcen wie Holz, Weide, Metall, Tierknochen, Ton und Baumwolle.

Die Stämme im Südwesten waren Experten im Weben, Herstellen von Keramik und Fresken. Zu diesen Stämmen gehörten die Zuni-, Navaho- und Hopi-Völker sowie die Hohokam im südlichen Arizona, die Ansazi im nördlichen Arizona und New Mexico, die Mimbres im Südwesten von New Mexico und die Ansazi. Amerikanische Ureinwohner aus dem Südwesten erfanden die Sandmalerei, die oft als Trockenmalerei bekannt ist (insbesondere die Navajo).

Im Mittleren Westen waren die Stämme allein für die Gestaltung der Kultur verantwortlich. Diese Stämme waren bekannt für ihre komplizierte Textilkunst sowie für ihre bekannten Erdarbeiten oder „Bildnishügel“, die so gebaut wurden, dass sie verschiedenen Tieren ähneln. Die Stammeskunst umfasste neben geschnitzten Holzschalen und polierten Stein- und Kupferornamenten auch gemeißelte Steinpfeifen mit Mustern, die von extrem realistisch bis abstrakt reichten.

Die südöstliche Region produzierte auch Pfeifen in Form von Vögeln und Tieren, fein geschnitzte Muscheln und kunstvoll bemalte Kleidungsaccessoires. Trotz der Verwendung von minderwertigem Ton war es für die Herstellung exquisiter Töpferwaren bekannt. Keramikstücke wurden mit einer Vielzahl von floralen und geometrischen Mustern für zeremonielle, religiöse und private Zwecke hergestellt und geschmückt.

Korbwaren der amerikanischen Ureinwohner waren eine herausragende Kunstart an der Westküste, insbesondere in Kalifornien. Insbesondere der Irokesenstamm der nordöstlichen Indianer war bekannt für seine gewebten Wampum-Gürtel, Stachelschwein-Federarbeiten und Masken der False Face Society. Die beste Stammeskunst, die im Nordwesten produziert wurde, war die Skulptur, insbesondere die Holzschnitzerei. Totems, kleine Holzfiguren und Masken, die sorgfältig bemalt und häufig mit Steinen und Abalone-Muscheln eingelegt waren, gehörten zu den beliebtesten Stilen handgeschnitzter Skulpturen.

Wie Tribal Art die moderne Kunst beeinflusste

Mitte des 19. Jahrhunderts, als immer mehr Expeditionen Stammesartefakte zurückbrachten, begann das Interesse an dem, was damals als Primitivismus/primitive Kunst bekannt war – typischerweise die Kunst Schwarzafrikas – zu wachsen. Bedeutende Stammeskunstausstellungen aus dem späten 19. und frühen 20. Jahrhundert stellten der westlichen Kunstgemeinschaft auch nicht-westliche Kunst vor. Wichtige Ausstellungen, wie die American Indian Art von 1941 und die African Negro Art von 1935, fanden im Museum of Modern Art statt.

Künstler entdeckten in Statuen von Stammesgöttern und Ritualmasken ein Modell für eine Alternative zur westlichen Kunst, deren nicht-naturalistische, stark stilisierte Formen auch kraftvolle, hochemotionale Bilder enthielten. Stammeskunst hatte einen bedeutenden Einfluss auf berühmte Künstler wie Vincent Van Gogh und Henri Matisse, Paul Gauguin und Pablo Picasso. Die auffälligste frühe Wirkung war der Kubismus, der durch die Fragmentierung des Bildes und das Aufgeben der Perspektive das westliche Paradigma schnell schwächte, indem er sich hauptsächlich auf die formalen Implikationen der Stammeskunst stützte. Abstrakte Kunst war eines der Hauptergebnisse davon.

Die deutsche Gruppe Die Brücke begann sich etwa zur gleichen Zeit mehr auf die primitiven, instinktiven und rituellen Elemente der nicht-westlichen Kunst zu konzentrieren und begründete die große moderne Kunstbewegung, die als Expressionismus bekannt ist. Die Dadaisten förderten den Zusammenbruch des westlichen Paradigmas, indem sie sich von Stammeskunst, Kubismus und Expressionismus in Zürich, New York und schließlich Paris inspirieren ließen. Dadas malerisches oder skulpturales Werk bestand hauptsächlich aus Collage und Assemblage, ihrem dreidimensionalen Gegenstück. Dass Kunst aus allem entstehen kann und nicht gemalt, geschnitzt oder modelliert werden muss, wurde durch diese Arbeit aus gefundenen Materialien belegt. Seine Bildsprache enthielt häufig Aspekte der Stammeskunst und war auf politischer, sozialer oder ästhetischer Ebene konfrontativ. Dada präsentierte die Konzepte, die schließlich zur Konzeptkunst führten, deren Einfluss sich mit denen der anderen Strömungen der modernen Kunst vermischte, um den riesigen, breiten, enorm reichen, vielfältigen und global vielfältigen Fluss zeitgenössischer Kunst zu schaffen, den die Welt derzeit genießt.

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Zeitgenössische Tribal Art Skulpturen sind eine Form von OriginalkunstWerken, die traditionelle Techniken der Stammeskunst mit modernen Materialien und Konzepten verbinden. Diese Skulpturen bestehen in der Regel aus natürlichen Materialien wie Holz, Stein und Ton, können aber auch synthetische Materialien wie Metall und Kunststoff enthalten. Die Unterstützungen, die für diese Skulpturen verwendet werden, können variieren, von Sockeln bis hin zu Wandhalterungen und sogar Außeninstallationen. Was diese Skulpturen einzigartig macht, ist ihre Fähigkeit, die kulturelle und spirituelle Bedeutung der Stammeskunst zu vermitteln und gleichzeitig eine Aussage über die zeitgenössische Gesellschaft zu machen. Die Künstler hinter diesen Skulpturen nutzen ihre Kreativität und Fähigkeiten, um Werke zu schaffen, die nicht nur schön, sondern auch zum Nachdenken anregend sind. Die Verwendung von traditionellen Techniken und Materialien in Kombination mit modernen Themen hat zu einem Kunststil geführt, der wirklich einzigartig ist.

Ursprünge und Geschichte

Zeitgenössische Tribal Art Skulpturen haben ihren Ursprung in den traditionellen Skulpturen, die von indigenen Gemeinschaften auf der ganzen Welt produziert wurden. Diese Skulpturen wurden für verschiedene Zwecke geschaffen, von religiösen Ritualen bis hin zur alltäglichen Verwendung. Die Geschichte der Tribal Art Skulpturen lässt sich bis in prähistorische Zeiten zurückverfolgen, aber es war während der Kolonialzeit, dass diese Skulpturen die Aufmerksamkeit der westlichen Welt erlangten. Dies lag an ihrem exotischen und "primitiven" Aussehen, das von Sammlern und Museen sehr geschätzt wurde. Im 20. Jahrhundert ließen sich Künstler wie Picasso und Matisse von Tribal Art Skulpturen inspirieren und integrierten ihre Ästhetik in ihre eigenen Werke.

Entwicklungen dieser Werke auf dem zeitgenössischen Kunstmarkt

Zeitgenössische Stammeskunstskulpturen haben sich in den letzten Jahren stark weiterentwickelt und moderne Techniken und Materialien integriert, wobei sie ihre traditionellen Wurzeln beibehalten haben. Diese Skulpturen sind zunehmend beliebt auf dem zeitgenössischen Kunstmarkt, wo Sammler und Enthusiasten einzigartige und authentische Stücke suchen.

Ähnliche berühmte Künstler

Zeitgenössische Künstler, die für ihre Arbeit in zeitgenössischen Stammeskunstskulpturen anerkannt wurden, sind unter anderem Kiki Smith, Nick Cave und Nnenna Okore. Kiki Smith ist bekannt für ihre Skulpturen, die den menschlichen Körper und dessen Beziehung zur Natur erforschen und oft natürliche Materialien wie Bronze und Glas einbeziehen. Die Arbeit von Nick Cave konzentriert sich darauf, tragbare Skulpturen zu schaffen, die Elemente von Mode und Performance-Kunst verschmelzen. Nnenna Okore verwendet Materialien wie Jute und Papier, um großformatige Skulptureninstallationen zu schaffen, die ihre nigerianische Herkunft inspirieren. Diese Künstler haben zur fortlaufenden Diskussion über den Schnittpunkt von zeitgenössischer Kunst und traditionellen Stammeskunstformen beigetragen und durch ihre Arbeit Themen wie Identität, Kultur und Geschichte erforscht. Die Beliebtheit zeitgenössischer Stammeskunstskulpturen hat zu einem gesteigerten Interesse an der kulturellen Bedeutung und Geschichte indigener Kunstformen sowie zu einer tieferen Wertschätzung für die Fähigkeiten und Kreativität von zeitgenössischen Künstlern geführt, die in diesem Bereich arbeiten.

Bemerkenswerte zeitgenössische Skulpturen der Stammeskunst

Zeitgenössische Kunstskulpturen der Stämme haben in den letzten Jahren an Beliebtheit gewonnen und präsentieren die Schönheit und die komplexen Designs indigener Kulturen. Hier sind einige bekannte Kunstwerke und ihre Beschreibungen:

1. "Ngati Pumau" von George Nuku, erstellt im Jahr 2013, ist eine atemberaubende Skulptur aus fluoreszierendem Acryl, Holz und Muscheln. Das Kunstwerk repräsentiert das ancestral waka (Kanu) der Maori-Kultur, welches ihre Reise und Verbindung zum Meer symbolisiert.

2. "Spiral Jetty" von Robert Smithson, erstellt im Jahr 1970, ist eine Land-Art-Skulptur im Great Salt Lake, Utah. Die große spiralförmige Kunst ist aus Steinen und Erde gemacht und erzeugt einen markanten Kontrast zum hellrosa Wasser des Sees.

3. "Nkisi Nkondi" von einem unbekannten Künstler, erstellt im späten 19. Jahrhundert, ist eine kraftvolle Skulptur aus der Kongo-Kultur. Das Kunstwerk zeigt eine hölzerne Figur mit Nägeln, die in ihren Körper getrieben sind und die spirituelle Kraft und den Schutz des Nkisi (Geist) repräsentieren.

4. "The Messenger" von Michael Nicoll Yahgulanaas, erstellt im Jahr 2010, ist eine zeitgenössische Haida-Kunstskulptur aus Edelstahl und lackiertem Aluminium. Das Kunstwerk zeigt eine Fusion aus antiken Haida- und asiatischen Kunststilen und präsentiert die kulturelle Herkunft und zeitgenössische Vision des Künstlers.

5. "The Dreamers" von Brian Jungen, erstellt im Jahr 2018, ist eine Serie von Skulpturen, die aus Nike Air Jordan Sneakers gemacht sind. Das Kunstwerk repräsentiert das Erbe des Künstlers als First Nations und kritisiert die Kommerzialisierung der indigenen Kultur.

Insgesamt zeigen diese zeitgenössischen Skulpturen der Stammeskunst die Vielfalt und Reichhaltigkeit der indigenen Kulturen auf und betonen ihre Bedeutung in der heutigen Kunstwelt.