Nachdem wir die künstlerischen Bezüge in TV-Shows und künstlerischen Hommagen an das Kino entdeckt haben , setzen wir unseren Überblick über die engen Verbindungen zwischen Kunst und Popkultur fort : Dieses Mal entdecken wir unsere Klassiker durch Comics und gezeichnete Streifen neu: Wir nassen uns die Finger und wir Blättern Sie um, los geht's!
1. Kunst und Comics
Dieser Artikel ist nachdenklich. Aber vor allem können wir Sie diese Referenzen nicht ohne einige Hintergrundkonzepte entdecken lassen. Aus diesem Grund werden wir in dieser einleitenden Erklärung (so gut wir können) versuchen, die Nuancen und Unterschiede zwischen dem, was wir als „großartige“ Kunst betrachten, und Comics zu analysieren.
In der Zugänglichkeit dieser beiden Medien liegen auf den ersten Blick die ultimativen Unterschiede zwischen der sogenannten "Bildenden Kunst" und der 9. Kunst (Comics). Das eine gilt als seltenes und oft teures Luxusgut , während das andere im Allgemeinen erschwinglicher ist und in großen Mengen produziert wird. Die Ähnlichkeiten liegen im kreativen Prozess des Autors (ein Designer und ein Maler arbeiten in der Regel unter den gleichen Bedingungen) sowie in der Originalität und Sammlerfähigkeit des fertigen Werks.
Die Grenze zwischen diesen beiden künstlerischen Bereichen bleibt hart, obwohl es im Laufe der Zeit verringert wird, dank dem Aufkommen der Pop Art in den 60er Jahren gibt es auch eine Anerkennung für die Arbeit von herausragenden Künstlern von Kunstinstitutionen , die Galeristen, Museen und Auktionshäuser sind . Von der Gier motiviert, reagieren sie auf eine immer stärker werdende Nachfrage von Comic-Fans , die nun die Mittel haben, sich die frustrierenden Versuchungen ihrer Kindheit anzueignen.
Und im Jahr 2021 kann man sich berechtigterweise fragen, was der Unterschied zwischen einem Mickey-Comic in einem Buch oder einer Zeitschrift und einem auf Leinwand gemalten Mickey-Comic ist?
Auf den ersten Blick , abgesehen von einigen Modifikationen in Farbe und Anordnung, unterscheidet nichts diese beiden Werke wirklich. Dennoch ist die Zeichnung auf der linken Seite zum Verkauf für $ 50 auf Amazon, während Roy Lichtensteins Werk, auf dem rechten Seite zur Verfügung, bei mehreren Millionen, und seine seltenen Reproduktionen verkaufen für ein paar tausend Tickets geschätzt wird.
Auch wenn illustrierte Werke für mehrere Jahrhunderte bestanden haben, Comics, wie es heute im Westen verstanden wird, wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts geboren. Damals war sie der Kunstwelt offensichtlich sehr fern . Seine Gestalter, seine Sponsoren ( Zeitungen und Zeitschriften ) und sein Publikum sahen dieses Medium als massentauglich an , da es dank der Neuerungen des Buchdrucks leicht reproduzierbar war. Lange Zeit verstanden sich Karikaturisten eher als Journalisten, Kolumnisten oder Satiriker, die mit ihrem Bleistifttalent einer Idee , einem Hauch von Humor oder einer zu verarbeitenden Information dienen. In den USA begann der Siegeszug der Comics schon sehr früh, insbesondere mit dem Erscheinen des ersten Superhelden Superman im Jahr 1938.
Andy Warhol, Zehn Marilyns , 1963-1967.
Dort war es üblich (sogar mechanisch) für Designer , ihre Originaltafeln und Skizzen direkt nach dem Drucken direkt in Manhattan-Müllcontainer zu werfen. Ein kurioses Beispiel für das Interesse, das diese Designer an ihren Zeichnungen zeigten: Weit davon entfernt, ihren Stil zu unterschätzen, hatten sie oft keine Ahnung von dem Wert, den ihre Arbeit darstellen könnte, und betrachteten sich nicht wirklich als Künstler. , sondern eher als Produzenten von Zeichnungen und Ideen (Kette), bestimmt für die breite Öffentlichkeit.
In der Nachkriegszeit und den frühen 1960er Jahren kam der Trend zur Pop Art auf. Andy Warhol und Roy Lichtenstein eigneten sich die Kartons der Comics an, um monumentale und ausgefeilte Werke zu schaffen, die schnell große Erfolge erzielen sollten. Als breiiger und populärer Spiegel unseres kulturellen Bewusstseins recyceln diese Künstler die Codes von Comics, um eine farbenfrohe Gesellschaftssatire zu destillieren. Umringt von Sammlern, Galeristen und Händlern sind ihre Werke schnell und zu sehr hohen Preisen ausverkauft, was (trotz ihrer selbst) eine Aufwertung der Primärarbeit ermöglicht, die von den Designern produziert wurde, die sie selbst kopiert (oder "im Rampenlicht" stehen ). schaffen ihre Pop-Art-Gemälde.
Wenn es nicht wenige Fans der ersten Stunde sind, erinnern sich nur wenige an Jerry Siegel und Joe Shuster , die Teenager, denen wir Superman verdanken. Wir alle kennen jedoch den exzentrischen und provokanten Künstler Andy Warhol , der in seiner Serie „ Myths “ die Figur des Superman übernahm. Es ist Gegenstand von Retrospektiven in vielen Museen und seine künstlerische Praxis wird durch eine Fülle mehr oder weniger kritischer Schriften dokumentiert. Ein gravierender Unterschied in der Behandlung dieser diskreten und vergessenen Erneuerer, Schöpfer eines ebenso imaginären wie lukrativen Imperiums, gegenüber bösartigen, triumphalen und (ein wenig) größenwahnsinnigen Pasticheuren.
Andy Warhol, Myths Series , 1981.
Trotz der Ungerechtigkeiten der Vergangenheit wird die finanzielle Kluft zwischen Comic und hoher Kunst drastisch reduziert. Heutzutage werden immer seltener Original-Comics in renommierten Auktionshäusern versteigert. Einige von ihnen erreichen sogar stratosphärische Größen, insbesondere wenn es um prestigeträchtige Lizenzen wie Superman auf der anderen Seite des Atlantiks oder Tintin in Europa geht. Durch die Art und Weise der Darstellung, im Jahr 2021, eine Zeichnung von Hergé für das Cover von Tims Album, The Blue Lotus brach die Welt Auktionsrekord für Comics, versteigert für 3.175.000 Euro inklusive Gebühren (Artcurial). Es gibt auch immer mehr Designer, die den Doppelhut von Designern und Künstlern tragen.
Für einige Refraktoren findet sich die Unterscheidung zwischen zeitgenössischer Kunst und Comics im Begriff der Abstraktion : Wo die Kunst die Form und den Inhalt (die Bedeutung) des Werks trennt, stellt der Comic die Form. , die Zeichnung, in den Dienst der Hintergrund: es veranschaulicht eine Idee . Obwohl diese Analyse bereits durch Jahrhunderte figurativer Kunst geschwächt ist, kann sie auch durch einige große Veränderungen in der Welt des Comics beiseite gefegt werden. Seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden Comics auf weniger erzählerische und experimentellere Wege gedrängt. Wir finden zum Beispiel immer mehr Graphic Novels, in denen Zeichnungen im Mittelpunkt der Geschichte stehen und Wörter ersetzen. Comics entwickeln sich, wie jede Kunstform, ständig weiter und sprengen die kleinsten Grenzen, die mit ihnen verbunden sind.
Jetzt Zeit zum Nachdenken! Um Ihnen das Lesen zu erleichtern, haben wir uns entschlossen, diese (nicht erschöpfende) Liste zu strukturieren, indem wir die Verweise auf antike Werke (religiöse Gemälde, Renaissance) und die Hommagen an relativ neuere Werke (von 1800 bis heute) trennen. Diese beiden Unterscheidungen erscheinen notwendig, weil sie nicht dem gleichen Zweck dienen: Die alten Referenzen heben eine Haltung oder eine Idee hervor , während die modernen Referenzen eine Lebensweise , eine Kultur oder eine einfache ästhetische Hommage darstellen .
2. Alte Referenzen: Allegorie im Dienste der Intrigen
Diese erste Zusammenstellung von Referenzen wird es uns ermöglichen, einen Blick darauf zu werfen, wie Designer sich die Codes emblematischer Meisterwerke aneignen, um eine Idee schnell zu verbreiten , indem sie sich auf unsere unbewussten kulturellen Referenzen stützen. Denn wenn es ein kollektives Bewusstsein gibt, gibt es auch ein kollektives Unbewusstes . Es ist mit Figuren , Bildern und Ikonographien bevölkert, die wir alle wahrnehmen, manchmal ohne den Namen zu kennen.
- Die Pietà
Michelangelo, La Pietà , 1499. Petersdom im Vatikan, Rom.
Hauptthema der religiösen Ikonographie , deren ikonischste Figur sicherlich diese Skulptur von Michelangelo , die Pietà . ist (oder Jungfrau des Mitleids) stellt die Jungfrau Maria dar, die den Tod ihres Sohnes Jesus betrauert, mit ihrer Leiche ausgestreckt auf ihren Knien .
Die Ästhetik und die dramatischen Haltungen dieses religiösen Themas ermöglichen es, im Gehirn des Lesers schnell eine Idee zu wecken : die der Trauer . Letztere können dann, bewusst oder nicht, die Handlung eines Comics identifizieren, indem sie diese alten Haltungen auf dem Cover des Albums identifizieren. Ein guter Tipp für Designer, die den Tod einer wichtigen Figur hervorheben wollen: Mehr als dreißig Comics präsentieren diese charakteristischen Merkmale der Pietà .
- Das letzte Abendmahl und der vitruvianische Mensch
Leonardo da Vinci, Das letzte Abendmahl , 1495-1498. Kirche Santa Maria delle Grazie, Mailand.
Hier ist ein weiteres ikonisches Werk und ein Überfluss in der grafischen Literatur. Das Praktische an Da Vincis Fresko ist, dass es absolut jeder kennt .
Legion of Super-Heroes #2 , Giffen und Levitz - DC Comics
Alice im Wunderland , Gill und Gregory (Cover von Jason Embury)
Trolls de Troy - Bände 13 bis 16, Mourier und Arleston (Cover von Jean-Louis Mourier)
Die Szenografie dieser Arbeit scheint nicht nur besonders angenehm zu erscheinen, sondern ermöglicht es dem Designer , verschiedene Punkte hervorzuheben : Erstens kann er die Ansammlung verschiedener Helden (Logik) hervorheben, aber er kann die Helden auch entsprechend ihrer Wichtigkeitsreihenfolge präsentieren , wobei die Hauptfiguren in der Mitte des Tisches platziert werden und die Charaktere im Hintergrund weiter hinten, an den Enden, verteilt werden. Er kann auch auf einen möglichen Verrat hinweisen , indem er die Figur des Judas verwendet .
Der vitruvianische Mensch seinerseits ermöglicht eine anatomische Darstellung des Charakters, die besonders für Superhelden interessant ist, die von besonderen Fähigkeiten profitieren, wie hier Spiderman und seine dunkle Version Venom .
- Die Geburt der Venus
Die Verwendung dieses kraftvollen Werks von Sandro Botticelli ist seltener, aber es wiederholt sich genug, um unterstrichen zu werden. Tatsächlich wird es hauptsächlich verwendet, um eine Geschichte hervorzuheben, die auf einer weiblichen Figur basiert . Das überrascht niemanden, Comics haben lange unter sexistischen Lastern gelitten, und nur wenige weibliche Charaktere sind so gut entwickelt wie ihre Adamsapfel-Pendants.
Auch die Bildenden Künste haben stark unter dieser systemischen Frauenfeindlichkeit gelitten: Wenn das Thema Sie interessiert, empfehlen wir Ihnen unsere aktuellen Artikel ( 4 Talentierte Künstler, die von der Berühmtheit ihres Mannes in den Schatten gestellt wurden , 4 Außergewöhnliche Frauen, die die Kunstgeschichte auf den Kopf gestellt haben) Versuchen Sie, die Debatte wieder in Einklang zu bringen.
3. Moderne Tribute: Symbole einer Gesellschaft und einer Kultur
In dieser zweiten Zusammenstellung geben wir einen kurzen Überblick über emblematische Werke: Gemälde, die für die amerikanische Kultur und Gesellschaft repräsentativ sind („ A merican way of life “), aber auch für die französischsprachige Kultur repräsentative Werke und einige reine ästhetische Hommagen .
- Der "American Way of Life"
Die amerikanische Kultur wimmelt von Gründungsmythen , die ihre Einheit und ihre Werte symbolisieren. Auch in der Malerei gibt es eine Fülle von Symbolen mit mehr oder weniger historischer Wahrhaftigkeit. Seit dem Goldenen Zeitalter der Comic- Kultur in den frühen 1940er Jahren haben sich viele Künstler diese Gemälde angeeignet, um ihren Zweck zu erfüllen. Durch die Zusammenstellung der am häufigsten angepassten Werke entdecken wir den gemeinsamen Kern , die emblematischen Meisterwerke der amerikanischen Geschichte :
- Edward Hopper, Nachtfalken , 1942.
Edward Hopper, Nachtfalken , 1942.
Guy Gardner: Krieger # 29 - "Es ist meine Party und ich werde kämpfen, wenn ich will" , Beau et Jimenez - DC Comics
Obwohl sich Edward Hopper dem Labelmaler des American Way of Life verweigert hat, ist klar, dass seine Werke eine charakteristische Atmosphäre der Stadt und des einsamen Amerikas aus der Mitte des 20. Jahrhunderts vermitteln. Ein Segen für Künstler, die die Codes seines ikonischen Meisterwerks neu anpassen können : Nighthawks.
- Grant Wood, Amerikanische Gotik , 1930.
Vielleicht noch ikonischer als das Werk von Hopper: American Gothic des Malers Grant Wood präsentiert das ländliche Amerika der 1930er Jahre . Ein Symbol, das in unserer Zeit zum Klischee geworden ist, so haben die Umleitungen dieses Werk in den Gründungsmythen Amerikas verankert. Kein Wunder also, dass sich die Karikaturisten es für ihre Geschichte aneignen.
- Jean Leon Gerome Ferris, Das erste Erntedankfest , 1912.
Klischeehafter kann man kaum sein als dieses Werk von Jean Leon Gerome Ferris , das das erste „ Thanksgiving “ darstellt und eine Schar altruistischer Kolonisten mit einem Stamm fügsamer und gieriger Indianer vermischt, die entschlossen sind, den Truthahn gemeinsam zu teilen. Eine (sehr) idealisierte Darstellung der amerikanischen Erzählung und historisch (sehr) ungenau.
- Emanuel Leutze, Washington beim Überqueren des Delaware , 1851.
- James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1, 1871.
James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1, 1871.
- Andrew Wyeth, Christinas Welt , 1948.
- Das emblematische Paar der französischsprachigen Kultur
Auch in Frankreich erleben wir schmackhafte Remakes kultureller Symbole der nationalen Einheit .
Unser kleines französischsprachiges Nugget, Asterix , bot uns eine delikate Neuinterpretation unseres revolutionären Mythos : Die Freiheit führt das Volk sowie unser dramatischer Mythos , der neben dem Louvre-Museum installiert wurde: Das Floß der Medusa . Eine ideale Rehabilitation, um die Schwierigkeiten der schlimmsten Piraten in der Geschichte der Piraterie zu veranschaulichen.
- Zum Vergnügen
Zum Abschluss stellen wir hier einige nicht klassifizierbare Referenzen zusammen : Manchmal heben die Tribute einfach das Talent oder den Einfluss eines Künstlers hervor und betreffen mehr die Ausübung des Stils als das eigentliche Interesse am Drehbuchschreiben.
Dies ist der Fall von „The Avengers Art Appreciation“ Projekt begleitete den Kinostart des Blockbuster Avengers 2012: Dutzende von Illustratoren hatten Spaß legendäre Künstler und ikonische Kegel i der Geschichte der Kunst inspirierten Comic - Abdeckungen vorzustellen.
Bastien Alleaume