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Art Mouvant

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Galerie d'art
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L'ART MOUVANT INTERTACTILE Manifeste pour une esthétique du contact réel Tel. 01.42 85 52 49 L'art d'aujourd'hui est glacial, souvent sinistre, triste reflet de notre époque désenchantée, chacun peut s'en rendre compte. Certains en profitent pour tout rejeter en bloc et même glisser des propos racistes. Du coup la critique devient difficile. Tentons néanmoins une explication : on commence à se fatiguer de l'influence réfrigérante de quelques éléments devenus incontournables : la sacralisation, le conceptualisation, l'expression "sado-maso", la soumission à la machinerie actuelle (ordinateurs, vidéo, etc.). L'art jadis sacralisé par son contact avec le religieux demeure sacré par son contact avec l'argent : le sacré actuellement se mesure au nombre de dollars déboursés, les oeuvres ne peuvent donc pas être touchées. L'art dit conceptuel des années soixante même s'il relève déjà du passé, marque encore la production contemporaine comme un grand traumatisme ayant mis en cause les éléments essentiels de notre discipline. L'art qui se résume à la simple expression du malaise, nous provoque et nous fait peur, même si l'Art Brut nous a beaucoup touché et fait rêver. Quant aux machines, même si l'on s'en méfie parfois encore, on ne peut plus s'en passer et elles nous fascineront toujours quelque peu. Mais ne peut-on découvrir des modes d'emplois plus concrets ? Dénonçons donc : - le caractère envahissant et exclusif de l'art virtuel - le caractère intouchable des oeuvres d'art - le caractère solennel de la pratique du spectateur - le caractère souvent ennuyeux, maladif et/ou agressif de l'art actuel - la passivité du spectateur, instrumentalisé par des financiers mondialistes - le déclin de l'art français - et la morosité générale Comment donc se détacher des ces pesanteurs ? En détruisant, comme le suggéraient les Futuristes et Dada ? Non, au contraire en mariant les éléments accumulés au cours des siècles, en y ajoutant les nouveaux et en répondant aux grandes vagues de frustration qui surgissent pour réclamer un art plus populaire, plus ludique, plus concret. Puis en se faisant chasseur : L'art, monstre capricieux, suit un chemin apparemment inattendu, mais finalement prévisible. Les discours des historiens de l'art témoignent de cette cohérence dans le développement de cette bête curieuse, même si leurs discours pratiquent beaucoup l'illusion rétrospective. Suivons donc l'animal. On remarque un certain nombre d'habitudes qui pourraient faire dire que la bête est bien réactive, parfois brutale, souvent caractérielle. Elle pratique le tête à queue, opère des mues qui font craindre pour sa vie, se complaît, avec un masochisme évident, à des pensées morbides, à des pratiques financières destructrices de talents et à des faux semblants et des escroqueries impardonnables, mais elle rebondit toujours et comme l'hydre s'ébroue, prolifère et se rétablit, plus généreuse et plus forte. Laissons-la donc bousculer les habitudes du moment, c'est ainsi qu'elle progresse le mieux et vive son bon plaisir. Elle s'est trop longtemps nourrie de virtuel laissons la se saisir du concret. Un concret donné non seulement à voir mais aussi à toucher, à caresser, à tâter, à peloter, à chatouiller, à culbuter, à frôler, à expérimenter, à manipuler, à bidouiller, à défaire, à refaire, à réorganiser. L'art hyper-concret sera joyeux et ludique. Le tactile produit un réveil immédiat des sens et donc pousse à l'initiative, à l'action, ce qui joue aussi sur les consciences. L'art doit impliquer le spectateur au point d'en faire un partenaire non pas manipulé mais actif. Et Il doit le faire non pas au figuré mais au propre. Quelques éléments pour cette révolution: Premier élément, le contact direct : autoriser le spectateur à toucher et à "travailler" les oeuvres. Par ce biais, mettre en évidence le caractère ludique de l'art, et retrouver même des jeux enfantins, ce qui permettra au spectateur de s'approprier les fondements de la plastique, les accords de couleur, les rapports de valeurs, la création de forme, et le fonctionnement de la création, avec ses règles d'organisation, de désorganisation. En somme permettre à chacun d'utiliser son pouvoir d'action, de liberté, de réflexion et de compréhension face au devoir de création, sans oublier l'émotion, et enfin lui donner les clefs qui lui permettent de se créer lui-même des oeuvres et donc constituer son musée personnel. Second élément (qui n'est pas sans rapport avec ce premier contact): favoriser l'initiation du spectateur au mélange des disciplines et donc des associations multiples : - association poésie - art-plastique - association sculpture - peinture - association mécanique - sculpture peinte - association art-plastique- industrie etc. Troisième élément : le recours aux règles : Tout jeu repose sur un ensemble de règles qui en font tout l'intérêt. Les oeuvres présentées seront donc faites, non seulement pour qu'on puisse les manipuler, manuellement de préférence, mais aussi pour que l'on s'interroge sur leur fonctionnement et surtout sur les contraintes qui sont à l'oeuvre dans ce fonctionnement : contraintes spatiales, sémantiques, mécaniques, esthétiques, physiques, chimiques, optiques, littéraires, etc. En somme ces recherches, loin d'être univoques, se démultiplieront suivant les trois éléments que nous venons d'énumérer, éléments qui eux-même contiennent des paramètres multiples. Il s'agit donc d'un potentiel énorme qui peut être exploité par tout artiste que cela intéresse et qui pourra adhérer au groupe. le groupe

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