4.098 Sonuçlar "Port de mer "

Port de mer ile ilgili özgün sanat eserlerinden oluşan özel bir seçkiye göz atın

Çevrimiçi sanat galerimiz, dünyanın dört bir yanından yükselen ve ünlü sanatçılara ait Port de mer sanat eserinin özel bir seçkisi de dahil olmak üzere en geniş çevrimiçi orijinal sanat eseri koleksiyonuna sahiptir. Artmajeur gerçekten de günümüzün en büyük çağdaş sanatçılarının tabloları, heykelleri ve fotoğrafları gibi milyonlarca sanat eseri sunuyor!

Artmajeur'de sevdiğiniz tüm sanat eserlerini güvenle satın alın
Satılık Port de mer sanat eseri mi arıyorsunuz? Port de mer  ile ilgili tabloları ve ayrıca heykelleri, fotoğrafları veya çizimleri güvenle satın alabilirsiniz: tüm satın alımlarınız 14 günlük iade politikamız kapsamındadır, sorgusuz sualsiz! Galeride sergilenen eserler ücretsiz kargo ile garantili fiyattan satılmaktadır.

Yakınınızdaki "Port de mer " tablolarını ve sanat eserlerini bulun
Artmajeur'deki coğrafi arama motoru ayrıca yakınınızdaki sanat eserlerini bulmanızı sağlar, bu şekilde şehrinizde, bölgenizde veya seçtiğiniz herhangi bir yerde orijinal sanatı kolayca bulabilirsiniz. Bazı satıcılar, stüdyoları bulunduğunuz yere yakınsa, parselleri kendileri de teslim edebilir.

Özel bir Tablo ve Sanat Eseri Seçkisi edinin
Evinizi olabildiğince kişiselleştirmenin mükemmel bir yolu, özel bir sanat eseri seçimidir. Sanat eserleri, seçtiğiniz konu, boyut, tür, şekil, stil, tema, renk ve konuda sunulur. El yapımı veya başka türlü yüzlerce tablodan oluşan bir sanat koleksiyonunuz varsa, ilgi alanlarınızı en iyi ifade edenleri seçebilirsiniz.

Koleksiyonunuz için zevkinize ve tarzınıza uygun tabloları seçmek için yan menü seçeneklerini kullanabilirsiniz. Sadece renk, tema, fiyat, konu gibi seçenekleri seçerek seçiminiz otomatik olarak güncellenecektir. Ayrıca beğendiğiniz sanat eserlerini favori olarak kaydedebilirsiniz: bu, kişisel favorilerinizi ileride kullanmak üzere saklamanıza olanak tanır. Eserlerinizi başkalarıyla paylaşmanız gerekiyorsa, koleksiyonlarınızı da herkese açık hale getirebilirsiniz; bu, tercih ettiğiniz sanatı diğer sanatseverler, arkadaşlar ve hatta müşterilerle paylaşmanın yaratıcı bir yoludur.

Koleksiyonunuzu oluşturmak için sanat eserlerini bulmanıza ve satın almanıza yardımcı olacak bir sanat danışmanı edinin

Port de mer  ile ilgili çok sayıda sanat eseri olabilir: İster ilk kez çevrimiçi satın alıyor olun, ister zaten sık sık satın alıyor olun, doğru eseri çevrimiçi olarak bulmak hem gözünüzü korkutabilir hem de zaman alabilir:

• Doğru seçim nasıl yapılır ve doğru sanat eseri nasıl satın alınır?
• Orijinal bir sanat eseri için en iyi fiyat nasıl ödenir?
• Mevcut çok sayıda koleksiyon arasında nasıl gezinilir?

Sanat danışmanlarından oluşan ekibimiz size yardımcı olmak için burada: Artmajeur, çevrimiçi sanat satın almayı kolay ve güvenli hale getirmek istiyor. Tüm sanat eserlerimiz yüzde 100 para iade garantisi ile gelir, böylece bizimle çevrimiçi satın alma konusunda tamamen güvende hissedersiniz.

Mükemmel parçayı bulmanıza yardımcı olmak için sanatçıların sanat eserlerini doğrudan web sitemize yüklemeleri için bir platform oluşturduk. Günümüzün en iyi sanatçılarına ait binlerce baskı, heykel ve tabloya göz atın. Fiyatlar, aradığınız sanat eserinin türüne ve boyutuna ve alan gereksinimlerinize bağlı olarak, çok uygun fiyatlı sanat eserlerinden yatırım yapmak için çok değerli parçalara kadar değişmektedir. Çevrimiçi olarak sunulan orijinal sanat eserlerinin çeşitliliğini görmek şaşırtıcı. Artmajeur, eviniz için güzel ve pahalı bir yağlı boya tablo veya bir mobilya parçası arıyorsanız her şeye sahiptir.

Oryantal sanat: çeşitli kültürlerden geniş bir yaratıcılık yelpazesi

Asya sanatının tarihini oluşturan Asya'nın her yerinden çok çeşitli sanatsal gelenekler vardır. Orta Asya, Doğu Asya, Güney Asya, Güneydoğu Asya ve Batı Asya, Asya kıtasının en belirgin parçalarıdır.

Doğu Asya sanatı Çin, Japonya ve Kore kültürlerini içerirken, Orta Asya sanatına Avrasya Bozkırının Türk halklarından gelen eserler hakimdir. Güneydoğu Asya sanatı, Tayland, Laos, Vietnam, Singapur, Endonezya ve Filipinler sanatlarından oluşurken, Güney Asya sanatı, Hint alt kıtasının sanatlarına atıfta bulunur. Yakın Doğu veya Batı Asya'dan Sanat, antik çağlardan Mezopotamya sanatını ve modern çağdan İslam sanatını içerir.

Asya sanatının evrimi birçok açıdan Batı sanatına benzer. Kültürler, sanatın İpek Yolu transferi, Keşif ve sömürgecilik Çağı boyunca kültürel alışveriş, internet ve mevcut küreselleşme gibi yollarla birbirine karıştı. Taş Devri sanatını hariç tutarsak, Mezopotamya sanatı Asya'daki en eski sanattır.

Orta Asya sanatı

Çağdaş Kırgızistan, Kazakistan, Özbekistan, Türkmenistan, Azerbaycan, Tacikistan, Afganistan, Pakistan ve günümüz Moğolistan, Çin ve Rusya'nın bazı bölgelerinin tümü, zengin bir tarihe ev sahipliği yapan Orta Asya bölgesinin bir parçası olarak kabul edilir. çok çeşitli sanatsal gelenekler. Antik çağlardan orta çağa Orta Asya sanatı, bölgenin çeşitli nüfusunu ve kültürel mirasını göstermektedir. Orta Asya'nın kültürel mirası, bölgenin sanatsal eserlerinin kanıtladığı gibi, bölgenin çok kültürlü yapısını şaşırtıcı şekillerde yansıtıyor. İskit sanatı, Greko-Budist sanatı, Serindian sanatı ve hatta modern Pers kültürü, sanatın İpek Yolu üzerinden aktarımını da içeren bu dolambaçlı tarihin bir parçasıdır.

Yerleşik toplulukların çevresinde karma ekonomiler uygulayan göçmen çobanlar, MÖ 2. binyılın sonlarından nispeten yakın zamana kadar Orta Asya'nın otlaklarını (Hazar Denizi'nden Orta Çin'e ve güney Rusya'dan kuzey Hindistan'a) ev olarak adlandırdılar. Bu pastoral göçebelerin tarih öncesi 'hayvan tarzı' sanatı, sadece onların zoomorfik mitlerini ve şamanik ritüellerini değil, aynı zamanda yerleşik kültürün sembollerini kendi uygulamalarına dahil etme açıklıklarını da ortaya koymaktadır.

Dünyanın dört bir yanından kültürler Orta Asya'da buluşup birleşerek, onu Çin'i Akdeniz'e bağlayan antik İpek Yolu'nun sinir merkezi haline getirdi. MÖ üçüncü ve ikinci binyıllarda büyüyen topluluklar, Orta Asya'yı İndus Vadisi, Mezopotamya ve Mısır'a bağlayan geniş bir ticaret ağının parçasıydı.

İslam sanatının son yüzyıllarda Batı sanatı üzerinde büyük bir etkisi oldu, ancak daha eski kültürler, Çin, İran ve Yunanistan sanatlarının yanı sıra göçebeler arasında ortaya çıkan Hayvan üslubu da dahil olmak üzere çok çeşitli kaynaklardan ilham aldı. bozkırlar.

Doğu Asya sanatı

Doğu Asya'dan gelen kültürel uygulamalar arasında görsel sanatlar, edebiyat ve Çin, Kore ve Japonya'nın sahne sanatları yer alır. Pratik bir amaçları olmadığı ve el emeği gerektirmediği göz önüne alındığında, Çin'de sadece resim ve hat sanatına "gerçek güzel sanatlar" statüsü verilir. Heykel, bronz döküm ve oymacılığının yanı sıra seramik, tekstil, metalurji ve lake eşya üretimi de zanaat olarak kabul edilir. Geleneksel Çin binaları neredeyse genellikle ahşaptan yapılır ve bir platforma, direk ve lento çerçevesine, çatı destekleyici braketlere ve ağır, eğimli bir çatıya sahiptir.

Budist ikonografisi, yerli Japon temaları ve gelenekleri ve Çin görsel sanatları dahil olmak üzere üç faktörün Japon görsel kültürü üzerinde önemli etkileri olmuştur. Yedinci yüzyılda inşa edilen Hry Tapınağı, Japon mimarisini karakterize edecek asimetrik düzenleri kullanan ilk yapıydı. İkonik ukiyo-e baskısına dönüşen çok renkli ahşap baskı ve 16. ila 18. yüzyılların ekran ve panel resimleri, Japon ressamların doğadan soyutlama ile meşgul olmalarının başlıca örnekleridir. Yapıda ve heykelde taş kullanımı ve enfes bir seladon cilasının geliştirilmesi, Kore'nin sanata en belirgin katkılarından ikisidir.

Dünya edebiyatları arasında Çin'inki en uzun kesintisiz tarihe sahiptir (3.000 yıldan fazla). Tarihi, Kore ve Japonya ile paylaştığı yazı diliyle girift bir şekilde iç içe geçmiştir. Balladlar, efsaneler, maskeli dramalar, kukla gösterisi metinleri ve p'ansori ("hikaye söyleme") metinlerinin tümü Kore'nin zengin sözlü tarihinin bir parçasıdır ve ülkenin ayrıca sağlam bir yazılı şiir geleneği vardır (özellikle hyangga ve sijo formları) . Ne Japonya'nın ne de Kore'nin kendi yazı dili olmadığından, her iki ülkenin de edebi gelenekleri büyük ölçüde Çin'den ödünç alındı (ancak Japon hece sistemleri yaklaşık 1000 ortaya çıktı ve Kore Hangul'u 15. yüzyılda geliştirildi). Japonya'dan gelen şiir, özellikle haiku biçiminde, dünya çapında hassas duyarlılığıyla ünlüdür ve ülkenin Genji'nin Hikayesi gibi birçok edebi hazinesiyle birlikte 7. yüzyıla kadar uzanır.

Doğu Asya müziği, Batı müziği gibi, 12 tonlu bir kelime dağarcığına dayanan pentatonik bir gam oluşturmuştur, ancak temeli farklıdır. Doğu Asya toplulukları nispeten küçük olma eğilimindedir ve bölgedeki besteciler tipik olarak melodi ve ritmi armonik karmaşıklığın üzerinde önceliklendirir. Doğu Asya ülkelerinde müzik, dans ve dramanın sıklıkla bağlantılı olduğunu ve Doğu Asya dansı ve tiyatrosunun ilişkili kategorilerinde biçimin belirgin evrimine dair hiçbir kanıt bulunmadığını belirtmekte fayda var. Dans törenleri, dans operası (jingxi veya "Pekin" ve diğer Çin operası türleri), gölge tiyatrosu, kukla tiyatrosu ve müzikli ve danslı diyalog oyunları, Doğu Asya gösteri sanatlarının (örn. kabuki). Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun ve Murasaki Shikibu'nun çalışmaları da ikebana, Jgan tarzı kağıt katlama, kaydırma boyama, shinden-zukuri, shoin-zukuri, sukiya tarzı, Tempyu tarzı ve Tori tarzı mimari.

Güney Asya sanatı

Hindistan, Pakistan, Bangladeş ve Sri Lanka Sanatları genellikle Güney Asya olarak bilinir. Sanskritçe, Pkritçe ve bölgesel dillerdeki çok sayıda eski metinsel literatür, ortak bir kültürel ve etik bakış açısına sahip olduğu için Hint alt kıtasının insanlarını bir araya getirmeye yardımcı oldu. Bölgenin yüzyıllar boyunca siyasi kalıplardan oluşan bir kaleydoskopa bölünmesine rağmen, alt kıta bir bütün olarak ortak müzik ve dans geleneklerine, ritüel ritüellere, dini uygulamalara ve edebi fikirlere sahiptir.

Rmyaa ve Mahbhrata gibi Güney Asya destanları, bölgedeki birçok halk arasındaki karmaşık ilişkiler ağı hakkında fikir verir. Birbirinden çok uzak yerlerdeki tanrılar ve kahramanlar arasında ailevi bir ilişki olduğuna dair açık kanıtlar vardır ve yer adlarının çoğu ortak geçmişlere atıfta bulunur. Ayrıca bölgede birleşik bir siyasi düzen kurmak için sürekli çabalar olmuştur. Örneğin MÖ üçüncü yüzyılda, İmparator Aoka bu bölgenin çoğunu kontrol ediyordu; MS on birinci yüzyılda, Chai kralı I. Rajendra Hindistan ve Güneydoğu Asya'nın çoğunu ele geçirdi; ve MS on altıncı yüzyılda, büyük Babür Ekber de aynısını yaptı. Güney Asya tarihi boyunca sınırlar büyüdü ve küçüldü, resmi olarak bütün bölgeler olarak birleşip ayrıldı, ancak kültür boyunca tutarlı kaldı.

Paylaşılan fiziksel ortamı nedeniyle bölgenin dağlarının ve nehirlerinin güzelliği için yaygın bir takdir vardı. Kuzey sınırı boyunca uzanan Himalayalar, dünyanın en yüksek dağlarıdır ve kültürel bir ihtişam, saflık ve bozulmamış kar idealini temsil eder. Brahmaputra ve İndus gibi nehirler, sağladıkları suyun bolluğu nedeniyle kendi bölgelerinde "anne" olarak onurlandırılır.

Sırasıyla ngas ve yakas olarak bilinen su perilerinin ve sylvan perilerinin bölgenin göl ve su kaynaklarında yaşadığına dair yaygın bir inanış vardır. Keşmir, Karkoa'da erken bir hanedanın adı, nga ibadetinin simgesidir. Çeşitli yerlerde ortaya çıkarılan ngas ve yakas heykelleri gibi eski dini eserler, asırlardır bozulmamış tonlamalarını kaybetmeden sözlü olarak aktarılan dini metinler gibi ortak bir adanmışlık anlayışına işaret ediyor. Benzer bir klasik dansı betimleyen heykeller Pakistan'ın Gandhra, Bhrhut ve Amarvat şehirlerinde bulunabilir.

Güney Asya'da, sadece bir dalda uzmanlaşmadan önce bir dizi farklı sanatta bilgili olmak şarttır. Heykel, resim ve dans gibi, tüm dünyayı tasvir ettiği için, birinin diğerine hakim olmadan her bir sanat biçiminde yetkin olamayacağı mantıklıdır. Dans, hareket ve ritim yoluyla bir ifade biçimidir; bu nedenle, müzikal ritmi anlamak çok önemlidir. Müzik ve dansta duygu uyandırmak için edebiyat ve retorik bilgisinin önemli olduğu görülür; müzikte, dansta, heykelde veya resimde ifade edilecek lezzet (rasa) yazılı kelimeye biraz aşinalık gerektirir. Sanatlar bu nedenle birçok düzeyde birbirine bağlıdır.

Güney Asya'daki sanatlar, yalnızca saygın bir boş zaman etkinliği olarak değil, aynı zamanda daha yüksek bir güce bağlılık ve tapınma eylemi olarak da uygulandı. Sanat eserlerini kusurlar için inceleyen prenslere edebi göndermeler var. Sanatçının hem teori hem de pratikteki başarıları ve tutkuları, sekizinci yüzyılda inşa edilen Pattadakal'daki Mallikrjuna tapınağının stra-dhra ("mimar") adından bahseden tek bir yazıtta örnekleniyor.

Güney Asya kültürleri, sanatçılara uzun zamandır ayrıcalıklı bir statü vermiştir. Mahkeme şairler, müzisyenler ve dansçılarla doluydu. Parlak bir dansçı Rjendra Ca'dan övgü aldı ve yine Rjendra tarafından desteklenen Tiruvoiyr'deki tapınağın mimarı, bir yazıtta kapsamlı mimari ve sanat anlayışından dolayı övüldü. Ancak halk sanatları ile yüksek sanatlar arasında güçlü bir bağ vardı. Örneğin, kabile grup dansları ile Batı klasik sanatı, dansı ve müziği arasında benzerlikler vardı. Hint yarımadası, yuvarlak heykel (citra) ve kabartma heykel (ardhacitra) ile her ikisi de önemli konumlara sahip olan zengin bir sanatsal tarihe sahiptir.

"Heykel görünümü" anlamına gelen Citrbhsa, üçüncü en yüksek sanat formudur. 5. yüzyıl şairi Klidsa'nın bir dramasından bir dize, bir resmin modellenmesinde tasvir edilen yükseklik ve derinliklerde gözün nasıl yuvarlandığını açıklayarak, ışık gölgesinin etkisinin (örn., modellemeyi ifade etmek için ışık ve gölge kullanımı) ne kadar önemli olduğunu gösterir. . Ustalar, bir resmin sağlam ve zarif bir şekilde çizilmesi gereken çizgi taslağı, ardından gölgelendirme ve diğerleri tarafından değer verilen modelleme tasviri, kadınsı zevke hitap eden dekoratif unsur ve rengin ihtişamına en çok önem verir. , ortak zevke hitap eden. Bu kadar küçük bir çizimle bu kadar çok form gösterebilmeniz çok etkileyici. Güney Asya resim ve heykelinde, bölgenin görsel sanatlarında portrenin merkeziliğini gösteren sayısız edebi başarılı portre örneği vardır. Altıncı yüzyılda yazılan Viudharmottara, portreyi dört kategoriye ayırır: doğal, lirik, sofistike ve karma. Ayrıca saç ve göz şekillerine ve renklerine göre farklı insan türlerini kategorize eder. Pek çok sanatsal bakış açısının bir özetini ve ayrıca kısaltmanın temellerinin bir açıklamasını içerir. Bir şiirin şaire ayna tutması gibi, resim ve heykellerin de yaratıcılarının özelliklerini alacağı düşünülmüştür.

Güney Asya'nın yabancı etkilere maruz kaldığı uzun geçmişine rağmen, bölge her zaman bu unsurları yerel uygulamalarda birleştirmenin yollarını bulmuştur ve sadece bir kopyadan ziyade benzersiz bir sentez üretmiştir. Bu aynı zamanda Pakistan'ın o zamanlar (MÖ 4. yy) Greko-Romen kültürüne batmış olan Gandhra bölgesinin sanat eserlerine de yansımıştır. Hint motiflerinin ve stillerinin baskın Batı stiline dahil edilmesi, bu dönemin heykelciliğinin ayırt edici özelliğidir.

MS birinci yüzyıldaki Kuşan istilasından sonra, açık bir dış etki akışı oldu, ancak nihayetinde yerli kültür zafer kazandı. 16. yüzyıldan itibaren Güney Asya'yı yöneten ve Orta Asya'dan gelen Müslümanlardan oluşan Babür İmparatorluğu, konularına ağırlıklı olarak Hint eğitimini empoze ederek bölgeyi kültürel olarak birleştirdi. Müslüman sanatı, İran Şahı'nın sarayından sanatçılar getiren ve Hint ve Pers tarzlarını kaynaştıran bir tarih yaratan ikinci Babür imparatoru Humayn'ın saltanatı altında gelişti.

Her bölgenin sanatı kendi siyasi yapısını, ahlaki ve etik normlarını ve sosyal yapılarını yansıtır. MÖ üçüncü yüzyıl gibi erken bir tarihte, hükümdarlar halka hizmet etme ve onlara neredeyse evlat gibi davranma konusunda istekliydiler. 4. ve 6. yüzyıllarda Kuzey Hindistan'ın Gupta İmparatorluğu'na ait muhteşem sikkeler, hükümdar idealini rakipsiz okçu, birleştirici, uzun ve görkemli asil ruh, tebaaların refahı için fedakar ve onun kahramanı olarak tasvir eder. insanlar (onu görkemli bir fil üzerinde tasavvur eden). Sadece fetih ve sadece savaşı tasvir eden sanat eseri. Savaş ve fetih, sembolik at kurbanları, kralın konseyi, diplomatik resepsiyonlar, barış görüşmeleri, tapınak inşası, güzel sanatların (dans ve müzik dahil) takdir edilmesi ve kralların taç giyme töreni, kapsamlı olarak tasvir edilen birçok hükümet faaliyetinden sadece birkaçıdır. 4. ve 9. yüzyıllardaki Güney Hindistan Pallava hanedanının tarihini betimleyen bir dizi heykel.

Dharma'yı vurgulayan heykellerin, yükümlülüğü yönlendiren geleneklerin veya yasaların ahlaki tutumları yansıtması gibi, ahlaki eylemleri tasvir eden heykeller de öyle. Ahimsa ilkesinin veya başkalarına karşı şiddetsizlik ilkesinin görselleştirilmesinin yaygın bir yolu, bir geyiğin görüntüsüdür ve kutsal bir yerin ideali, tipik olarak, geyiğin serbestçe dolaşabileceği bir yer olarak tasvir edilir. Sanat eseri genellikle öznelerin kendi veya başkalarının fedakarlıklarından zevk aldıkları sahneleri tasvir eder. Dünyanın en eski masal koleksiyonlarından biri olan Paca-tantra'dan hikayeler, heykellerde basit ama etkili bir şekilde tasvir edilmiştir. Güney Asya sanatı, alt kıtanın sosyal yapısına nesiller boyu nüfuz etmiş olan dindarlığı, inancı ve ahlaka saygıyı tutarlı bir şekilde tasvir eder.

Güneydoğu Asya sanatı

Güneydoğu Asya sanatı, yazılı, sözlü ve görsel biçimlerini içerir. Hint kültürünün bölgenin gelişimi üzerinde önemli bir etkisi olmasına rağmen, bu zamandan önce gelen bazı ortak özellikler var. Batik kumaşlar, gamelan orkestraları ve wayang kukla tiyatrosu gibi Hindistan'dan kaynaklanmayan sanat stilleri popülerliğini koruyor. Yerli ıslak pirinç (veya padi) ekimi, metalurji, denizcilik, ata kültleri ve dağa tapınma yaygındı.

Güneydoğu Asya, geniş Çinhindi Yarımadası'nın yanı sıra, Doğu Hint Adaları olarak bilinen bölgenin diğer adalarını da kapsar. Güneydoğu Asya iki ayrı bölüme ayrılabilir: anakara ve adalar. Myanmar (Burma), Tayland, Laos, Kamboçya, Vietnam, Malezya, Singapur, Endonezya ve Filipinler bu bölgeyi oluşturan devlet kurumlarıdır. Filipinler başlangıçta Güneydoğu Asya'nın bir parçası olarak görülmese de, Çin ve Japonya'ya yakınlığı ve Güneydoğu Asya kültürleriyle yakın kültürel benzerlikleri nedeniyle şimdi genellikle bölgenin bir parçası olarak kabul ediliyor.

Güneydoğu Asya'nın tamamı, bölgenin tarihini ve kültürünü şekillendiren benzer bir iklim ve topografyayı paylaşıyor. Kültürel olarak, dağlarda yaşayanlar vadilerde yaşayanlardan ayrılma eğilimindedir.

Başlangıçta, Güneydoğu Asya halkının tarih öncesi zamanlara dayanan bir özgünlük eksikliğini paylaştığına ve diğer kültürlerle etkileşimlerinde "yaratıcı" olmaktan çok "alıcı" olduklarına inanılıyordu. Daha sonra Myanmar ve Tayland'daki kazılar ve keşifler, bazı bilim adamlarını, medeniyetin tarih öncesi zamanlarda Çin'den Güneydoğu Asya'ya taşındığı kabul edilen teoriye karşı çıkmaya teşvik etti. Bunun yerine, Güneydoğu Asya anakarasındaki insanların bitki yetiştirdiğini, çanak çömlek yaptığını ve antik Orta Doğu insanlarıyla aynı zamanlarda bronzda çalıştığını ve bu nedenle uygarlığın Güneydoğu Asya anakarasından Çin'e bin yıl önce yayıldığını savundular. Güneydoğu Asyalılar güzel şeyler yaratmanın pratik işiyle her zaman daha fazla ilgilendikleri için, zengin bir sanat teorisi, edebi ya da dramatik eleştiri mirasına sahip değiller.

Güneydoğu Asya'da, özellikle anakaranın batı yarısındaki insanlar, dayanıksız malzemeler üzerinde çalıştıkları için, sanat formlarının yaratılış ve evriminin adım adım izini sürmek mümkün değildir. Bölgenin yoğun ağaçlandırma geçmişi göz önüne alındığında, estetik nedenlerle kullanılan en eski malzemenin ahşabın olması mantıklıdır. Metal ve taşta yeni edindikleri ustalıklarına rağmen, büyük taş heykel ve taş yapı çağı geçtikten sonra (yaklaşık 13. yüzyıl) bile gelişmeye devam eden geleneksel ahşap oymacılığı pratiğini asla terk etmediler. Myanmar'ın batı Shan eyaletinde, Salween Nehri boyunca arkeologlar, ev direklerindeki daha sonraki Naga heykellerine çarpıcı bir benzerlik gösteren tarih öncesi mağara çizimlerini ortaya çıkardılar. Güneş sembolünün tüm Güneydoğu Asya'da bir sanat motifi olarak bulunabilmesine ve Naga evlerinin saçaklarının altındaki oymaların nasıl bir insan kafasına sahip olmanın huşu, zaferi ve sevincini çağrıştırdığına benzer şekilde, Güneydoğu Asya'nın daha sonraki estetik geleneği, Güneşi ve bir insan kafatasını tutan avuçları açık bir çift insan elinin mağara resimleri. Mağara resimleri, bölgenin sanatlarının her zaman büyülü-dini geçmişiyle iç içe olduğunun kanıtıdır.

Eskiden Hanoi yakınlarındaki Dong Son'da kullanılan bronz tambur döküm tekniğinin Çin'den geldiğine inanılıyordu. Bununla birlikte, Tayland'daki yeni kazılar, hem davulların hem de sözde Dong Son uygarlığının Güneydoğu Asya anakarasına özgü olduğunu göstermiştir. Ne olursa olsun, Karen tarafından 20. yüzyılın ilk yıllarına kadar binlerce yıldır dökülen bronz davullar, Güneydoğu Asya'nın estetik mirasının sürekliliğini göstermektedir. Anakara Güneydoğu Asya'nın dağları altın, gümüş ve diğer metalleri sağladığından, metal işlemenin erken dönemde gelişmesi gerekiyordu. Güneydoğu Asya'nın dağlık halkları, zarif gümüş düğmeler, kemerler ve mücevherler yapma ve kullanma konusunda uzun bir geçmişe sahiptir. Tekstil desenleri aynı estetik çizgiyi takip eder. Şarkılar, danslar ve diğer müzikal ifade biçimleri geleneksel olarak kabile törenlerinde kullanılmıştır.

Güneydoğu Asya'daki yöneticilerin desteği altında sanat gelişti. İsa'nın doğumu sırasında, kabile kabileleri, pirinç üreticileri olarak yıllarca yerleşik yaşam sürdükten sonra, resmi olarak şehir krallıkları veya köy kümeleri halinde örgütlenmeye başladılar. Bu görüşe göre bir kral, yüce bir kabile reisinden biraz daha fazlasıydı. Kabileler zaten ruhlara tapma geleneğine sahip olduklarından, hükümdarlar herkes için bağlılığın nesnesi olacak yeni bir tanrı aradılar. Yeni ulusal tanrılara duyulan bu özlem, Güneydoğu Asya'nın Hinduizm ve Budizm tanrılarına açık olmasına katkıda bulundu. Güneydoğu Asya'daki krallar yeni dinlerin yayılmasından sorumluydu, bu nedenle bölgenin tapınakları ilk yüzyıldan on üçüncü yüzyıllara kadar altın bir çağ gördü.

Tapınaklar kültürel faaliyetlerin merkezleri haline geldi ve duvarları mimari, heykel ve dini duvar resimleri için tuvaller haline geldi. Hinduizm'in kutsal metinlerinin dili olan Sanskrit bilginleri, yerel bir Sanskrit edebiyatı oluşturdukları doğu Çinhindi'nin ve adaların eski imparatorluklarında saray mensubuydular. Bu edebi çaba, yalnızca büyük Hindu destanları Mahabharata ve Ramayana aracılığıyla sıradan insanlara ulaştı. Hindu tanrıları, şeytanlar ve güçlü adamlar hakkındaki hikayeler, Sanskritçe kutsal yazıların ulaşamayacağı zamanlarda Hinduizmi genel insanlara açıklamak için gerekliydi. 8. yüzyıldan önce gelişen Pyu-Burmalı Prome imparatorluğundaki yarımadanın karşısında, iki nedenden dolayı böyle bir gelişme olmadı: birincisi, Hinduizm Burma'da hiçbir zaman geniş çapta kabul görmedi ve ikincisi, daha açık Burma toplumu ne bir kurum geliştirdi, ne de Burma. bir tanrı-kral ya da kalıtsal bir asalet.

Daha sonra Pagan kralları Pali uzmanları tarafından kuşatıldı, ancak Pali araştırması sarayda değil, krallığın dört bir yanındaki manastırlarda yapıldı ve Buda'nın öğretilerini en uzak köylere bile getirdi. Dünyanın her yerinden Budist rahipler ve akademisyenler Pali'yi incelemek için Pagan'a seyahat ederken, Kamboçya ve Java'daki kralların mahkemeleri yalnızca Sanskrit araştırmalarının bölgesel merkezleri olarak kaldı. Jataka (Buda'nın doğumu) hikayeleri, Hinduizm'i kitlelere anlatmak için kullanılan Hint destanları gibi, Pali yazılarını okuyamayan sıradan insanlara Budizm'i açıklamak için kullanıldı. Kamboçya ve Java'daki tapınaklar, Jatakas'tan sahneleri tasvir eden oymalar ve fresklerle süslenmişti, tıpkı büyük destanlardaki olayları tasvir edenlere çok benziyordu.

Majapahit hanedanından sonra İslam'ın Güneydoğu Asya adasına gelişi, halihazırda var olan yerli ve Hindu-Budistlerin üzerine üçüncü bir kültürel katman kurdu. Eskinin küllerinden yeni bir Birmanya imparatorluğu gelişti ve Budizm'i anakara Güneydoğu Asya'ya yayma misyonunu sürdürdü. 18. yüzyılda Burma'nın Siam'ı işgali, beraberinde Burma oyununun gelişimini teşvik eden Hindu kültürünü getirdi. Çin tarafından yeniden fethedilen Vietnam, yarımadanın diğer tarafında Çin kültüründen giderek daha fazla etkilenmeye başladı. Kısa bir İslami kültürel altın çağının ardından, Güneydoğu Asya'nın ada uluslarının yerli halkı yabancı egemenliğine boyun eğmek zorunda kaldı. Sadece Burma ve Siam'da, Güneydoğu Asya'nın güçlü krallıklar olarak yıllarca süren savaşlarından ortaya çıkan iki hükümet, yerel sanatlar gelişmeye devam etti.

Din ve ulusal tarih uzun zamandır Güneydoğu Asya sanatının merkezinde yer almıştır. Buda'nın ve Hinduizm tanrılarının yaşamı ve karakteri bir yana, dini doktrin önemli bir ilgi alanı değildi. Büyük imparatorluklar yıkıldıktan sonra, ancak ihtişam ve güç hatıraları devam etti, ulusal tarihte yeni bir tema ortaya çıktı: geçmişten gelen efsanevi kahramanlara saygı.

Buda imgesi zamanla gelişirken, sanatçılar için popüler bir konu olmaya devam etti. Sanatçının kendi çağdaş zamanından sahneleri arka plan olarak kullanarak yerel rengi tanıtmanın yanı sıra, fresk ve kabartma heykellerde önceki yaşamlarından sahneleri tasvir etmesi, Jatakas'ın belirli ahlaki erdemleri vurguladığı için insanlara Budist etiğini öğretme amacına hizmet etti. Buda önceki yaşamlarında.

Aynısı, sanatçıya benzer bir şans sunan ve benzer bir işleve hizmet eden Hindu destanlarındaki olayların tasvirleri için de geçerliydi. Zaman geçtikçe, tanrılar ve tanrıçalar, kahramanlar ve prensesler, münzeviler ve sihirbazlar, iblisler ve ejderhalar, uçan atlar ve kanatlı kızlar vb. dini temaları kapsıyor.

Bir tür insanüstü ruh olan naga'nın farklı temsilleri, naga'nın Budist ve Hindu kutsal metinlerinden alınıp ulusal benzerleriyle kaynaştırılmasıyla dünyanın farklı yerlerinde ortaya çıktı. Burma nagasının kafasında kendine özgü bir arması vardır. Mon için naga bir timsahtı, ancak Khmer ve Endonezya için dokuz başlı bir yılandı.

Güneydoğu Asya'nın iblisleri Pali-Sanskritçe yakkha veya yaksha terimi altında bir araya getirilmiş olsa da, her ülkenin heykel ve resimlerinde farklı kimlikleri korunmuştur. Muson ormanına aşina olmayan aslan, yine de Hindu ve Budist mitolojisinin tanrılarıyla olan ilişkisi nedeniyle popüler bir yerli amblem ve tema haline geldi. Khmer İmparatorluğu, bir bereket tanrısı olarak yılan-ejderha tapınma pratiğini terk ettikten sonra bile, dokuz başlı naga, koruma ve kraliyet gücünün bir sembolü haline geldi ve taş nagalar, kraliyet sarayları ve kutsal tapınaklar üzerinde nöbet tuttu. Naga ibadeti Budistler tarafından hoş karşılanmadı.

Birmanya ve Mon sanat tarihi boyunca, naga her zaman Buda'ya boyun eğen bir rolde tasvir edilmiştir, genellikle bobinlerinden Buda için bir koltuk oluşturur veya onu elementlerden korumak için devasa başlığını kaldırır. Bir Mon tapınağının koruyucu figürü geleneksel olarak iki gövdeli ve bir insan başlı bir aslan olarak tasvir edilirken, Bir Burma tapınağının koruyucu figürü geleneksel olarak tepeli bir aslan olarak tasvir edilmiştir. Tai'nin Khmer ve Mon naga sanat geleneklerini miras aldığı iddiasına rağmen, iyi iblis bu kültürlerde tapınak koruyucusu olarak hizmet etti.

Hint hayvanları, sanata giren eski sembolizmin ve hayvan tasvirlerinin bir parçası oldu. Örneğin, Mons, amblem olarak kırmızı tırmığı seçti, Birmanya, Budist mitolojisinde tavus kuşunun güneşle ilişkilendirildiği gerekçesiyle güneşi en sevdikleri kuş, tavus kuşu olarak yeniden şekillendirdi ve Endonezya'da Garuda adlı efsanevi kuş, Vishnu'nun aracı, yerel kartalla birleşti. Bu kuşların tasvirleri süsleme olarak kullanım bulmuştur. Bir zamanlar Güneydoğu Asya evlerinin sazdan çatılarını ve ahşap duvarlarını süsleyen hayvanların stilize edilmiş versiyonları, daha gösterişli saraylara ve tapınaklara doğru yol aldı. Muson ormanlarından ağaç, meyve ve çiçek tasarımları, Hint çiçek desenleri ve antik geometrik motiflerle birleştirildi.

Güneydoğu Asya sanatı, Hindistan hariç, diğer herhangi bir bölgenin sanatından tamamen farklıdır. Burma, tarihsel olarak Çin ile hayati bir ticaret bağlantısı olmasına rağmen, geleneksel Burma sanatında Çin etkileri şaşırtıcı bir şekilde yoktur. Tai, Güneydoğu Asya'ya geç geldi ve yanlarında bazı Çin sanatsal geleneklerini getirdi, ancak bu uygulamaları Khmer ve Mon'unkiler lehine hızla terk ettiler. Bugün, bu erken temasların tek izleri, tapınakların mimari özelliklerinde, özellikle de sivrilen çatıda ve lake eşyalarda görülebilir.

Vietnam bin yıldır Çin'in bir kolonisi olduğundan, Çin kültürü Vietnam sanatını etkiledi. Günümüz güney Vietnam'ında Hinduizmin arkeolojik kanıtları, 15. yüzyılda Vietnam tarafından ele geçirilen antik Champa monarşisinin zamanına kadar uzanıyor. Kuzey Vietnam Budist heykellerinde Çin etkileri görülebilir. Kamboçya ve Endonezya'nın tapınak mezarlarını Vietnam imparatorlarınınkiyle veya Vietnam'ın zengin ve onurlu Buda heykellerini Kamboçya ve Burma'nın çileci ve zarif Buda heykelleriyle karşılaştırmak, Doğu Asya ve Güneydoğu Asya'dakiler. Hayvan ve insan figürlerini reddeden ve gündelik dünyanın aldatıcı güzelliğinin ardındaki gerçeği ortaya çıkarmaya çalışan İslam sanatı da Güneydoğu Asya sanatıyla aynı şekilde çok az paya sahiptir. Güneydoğu Asya sanatı, Hinduizm ve Budizm'in şehvetli dünyanın yanıltıcı ve geçici olduğu öğretilerini görmezden geldi.

Güneydoğu Asya sanatında gerçeklik ve fantezi bir arada bulunur ve hayata olumlu bir bakış açısı her parçaya nüfuz eder. Bazıları, klasik Khmer ve Endonezya sanatının tanrıların günlük yaşamlarını temsil etmeye odaklandığını, ancak Güneydoğu Asya perspektifine göre tanrıların günlük yaşamlarının kendilerininkiyle aynı olduğunu belirtti: neşeli, dünyevi ve ilahi. Güneydoğu Asya sanatı yalnızca Avrupa'nın "sanat için sanat" anlayışını yansıtmakla kalmadı, aynı zamanda Avrupa'daki sanatın laik ve dini kategoriler olarak bölünmesini de yansıtmadı. Muhteşem bir tapınağı ve lake bir tabağı süsleyen aynı motifler, Birmanyalı bir adamın kalçalarına dövülmüştü. Güneydoğu Asyalı sanatçı, Avrupalı meslektaşlarının aksine her anatomik açıdan doğruluğa önem vermediği için model kullanmaya gerek duymadı. Fantastik unsurların kullanımı ve insan hayatındaki iyiliği kutlamanın stresi, Güneydoğu Asya sanatını farklı kılan şeydir.

Japon sanatına odaklanın

Antik seramik ve heykellerden ipek ve kağıt üzerine mürekkep boyama ve kaligrafiye, ukiyo-e resimlerinden ağaç baskılara, seramik ve origamiye, çağdaş manga ve animeye kadar Japon sanatıyla ilgili çok çeşitli sanat formları ve medya bulunmaktadır. Japonya, M.Ö. 10. binyılda Japonya'da insan varlığının ilk işaretlerinden günümüze kadar zengin ve çeşitli bir tarihe sahiptir.

Japonya hem yabancı fikirlerin hızlı akını hem de dünyanın geri kalanından uzun süreli izolasyon yaşadı. Japonlar, estetik açıdan hoş buldukları diğer kültürlerin özelliklerini özümsemek ve uyarlamak konusunda uzun bir geçmişe sahiptir. Yedinci ve sekizinci yüzyıllarda, Budizm'in yayılmasına yanıt olarak Japonya'da sofistike sanat yaratıldı. 9. yüzyılda Japonlar Çin'den uzaklaşıp kendilerine özgü ifade tarzlarını geliştirdikçe, seküler sanatlar ön plana çıktı; O zamandan 15. yüzyılın sonlarına kadar hem dini hem de laik sanatlar gelişti. Nin Savaşı Japonya'da (1467-1477) patlak verdiğinde, bir asırdan fazla siyasi, sosyal ve ekonomik çalkantı başlattı. Tokugawa shogunate'in tasfiyelerinden kurtulan sanat eserleri büyük ölçüde laikti ve din günlük yaşamda çok daha küçük bir rol oynadı. Batı stillerinin aniden ortaya çıkışı Meiji Dönemi (1868-1912) sırasında önemli bir olaydı.

Japonya'da hem amatörler hem de uzmanlar, birincil sanatsal ifade biçimi olarak resimle uğraşırlar. Japonlar, özellikle modern çağa kadar kalem yerine fırça kullandıkları için resmin değerlerine ve estetiğine çok düşkündürler. Edo döneminde, tahta baskı büyük bir sanat biçimi haline geldi ve canlı baskılarını oluşturmak için kullanılan yöntemler, büyüyen bir popüler kültürün ihtiyacını karşılamak için rafine edildi. Bu süre zarfında geleneksel Japon Budizminin dini önemi azaldıkça, Japonlar heykelin yaratıcı vizyonlarını ifade etmek için daha az çekici bir araç olduğunu buldular.

Japon çanak çömleklerinin en yüksek sanatsal kaliteye sahip olduğu ve Japonya'dan gelen en eski eserlerden bazılarını içerdiği genel olarak kabul edilir; Japonya'dan yapılan porselen ihracatı, çeşitli dönemlerde önemli bir ekonomik faaliyet olmuştur. Maki-e ile zarif bir şekilde dekore edilmiş Japon cilaları, uzun zamandır Avrupa ve Çin'e popüler bir ihracat olmuştur ve bu eğilim on dokuzuncu yüzyıl boyunca devam etmiştir. Geleneksel Japon mimarisi, belirgin bir şekilde doğal malzemelere ve iç ve dış mekan yaşamının entegrasyonuna sahiptir.

Japon baskıları

Ukiyo-e veya Japon tahta baskıları Batı'da popülerlik kazanıyor. İsimleri, konularını tanımlayan "yüzen dünyanın resimleri" ifadesinden geliyor. Mutluluğun geçici olduğuna ve yalnızca arzunun yokluğunun aydınlanmaya yol açabileceğine dair Budist inancı, onların yükselen, ağırlıksız tablolarına ilham verdi.

Feodal Japonya'nın şogunları, Edo bölgesinde (günümüz Tokyo'su) başlayan Japon baskı resminin gelişmesinde etkili oldu. Kelimenin tam anlamıyla "tenha veya kapalı ülke" anlamına gelen Sakoku politikası uyarınca, Japonya kendini dünyanın geri kalanına kapattı. Amerikalı bir general olan Perry, 1853'te Meiji yönetimi ile müzakere etmek için Japonya'yı ziyaret etti. Perry Edo'yu ziyaret ettiğinde gelişen çağdaş bir sanat formu olan Ukiyo-e'nin birçok baskısı şehrin kaldırımlarında satılık olarak bulunabilirdi.

Japon tarihi ve efsanesinden sahneler, kabuki sanatçılarının portreleri, tiyatro sahneleri, aşık çiftler, ünlü fahişeler ve manzaralar gibi ukiyo-e'de sıklıkla tasvir edildi. Batı'dan gelen gezginler Ukiyo-e baskılarını anında beğendiler, bu yüzden onları evlerine geri getirerek dünyaya Japonya'nın eşsiz sanat tarzını tanıtmaları şaşırtıcı değil.

Ukiyo-e sanat baskıları, resimler geriye doğru bloklara oyulduktan sonra mürekkepli tahta blokları kağıda bastırarak yapılmıştır. Baskı ilk başladığında, her şey siyah beyaz yapılıyordu. Okomura Masanobu ve Suzuki Harunobu, her renk için ayrı bir blok gerektiren renkli tahta baskı alanında öncülerdi.

Konturlar için bir anahtar bloğu ve her renk tonu için ayrı bloklar gerekliydi. Ayrıca, tek bir bloktan az sayıda baskı yapılabileceğinden, önemli sayıda kopya basmak için önemli sayıda bloğun oyulması gerekecektir. Sanatçı, Japon sanat baskılarının üretiminde yer alan birçok profesyonelden sadece biriydi. Diğerleri arasında tasarımcılar, kalıp planlayıcılar, kalıp kesiciler ve kalıp presleri vardı.

1912 civarında, Ukio-e'nin Offshoots olarak bilinen baskıresim hareketi ölmeye başladı, ancak kısa sürede boşluğu doldurmak için iki başka baskıresim okulu kuruldu. Sosaku Hanga ve Shin Hanga onlar için iki isim. Basım süreci söz konusu olduğunda iki düşünce okulu vardır: Sanatçının her adımda merkezi bir rol oynaması gerektiğini savunan Sosaku Hanga ve daha geleneksel olan ve yayıncının en merkezi, çok farklı olduğunu savunan Shin Hanga. sanatçılar tasarım, engelleme ve baskıdan sorumlu olabilir.

Ukiyo-e baskılarını satın almak ve satmak için, bu büyüleyici sanat formunu doğru bir şekilde takdir etmek ve takdir etmek için birkaç Japonca terminoloji bilmek önemlidir. Bir Japon baskısına atıfta bulunulduğunda, "atozuri" terimi, ilk çalıştırma sona erdikten sonra basıldığını, ancak yine de orijinal tahta blokların kullanıldığını belirtir. Shozuri baskıları ilk baskılardır, fukkoku baskıları ise kopyadır. Sanatçı imzaları ve baskı baskı numaraları, tipik olarak, yirminci yüzyılın ikinci yarısına kadar Japon baskıresim sürecinin son adımlarına dahil edilmedi. Bunun yerine, her baskının yaratıcısının yanı sıra yayıncısı ve heykeltıraşını da adlandıran bir damgası vardı.

Bununla birlikte, Avrupalılar Japonya'nın eşsiz kültürünü öğrendikçe, Japonlarla ilgili her şey için bir heves ortaya çıktı ve 1860'ların sonlarında büyük Japon sanat baskıları kıtaya gönderildi. Japonya'daki yayınevleri, artan talebi karşılamak için daha ünlü tahta baskıların reprodüksiyonlarını üretmeleri gerektiğini çabucak fark etti.

Pullar ve diğer kenar boşlukları nedeniyle hangi baskıların orijinal, hangilerinin kopya olduğunu söylemek kolaydır. Bir belgenin orijinalliği genellikle kağıt ve renk durumuna göre belirlenebilir. Ortalama bir sanat koleksiyoncusu muhtemelen Japonca karakterleri okuyamadığından, otantik bir Japon sanat eseri satın almadan önce bir uzmandan tavsiye almalıdır.

Çin çiçek sanatı anlamlarına odaklanın

Neolitik dönemden itibaren Çin'deki sanatçılar sanat eserlerinde bitkileri tasvir ettiler. Çiçekler, kuşlar ve böcekler sadece güzel oldukları için değil, süs için kullanılır; aynı zamanda bir anlam zenginliği de taşırlar. Song hanedanı (960-1279) sırasında, "kuş ve çiçek" başlıklı resimlerin sayısındaki artış, çiçek imgelerinin Çin sanatında öne çıkan bir konu olarak statüsünü sağlamlaştırdı. Parşömen resimlerden başka, bu tema porselenler, cilalı eşyalar, yeşim heykeller, tekstiller, mobilyalar ve daha fazlası dahil olmak üzere çok çeşitli üç boyutlu sanat eserlerinde görülebilir.

Baharı karşılamaya hazırlanırken, AGGV'nin 19. yüzyıldan Asya Sanatı koleksiyonundan bir seçkiye bakarak Çin sanatında çiçeklerin sembolizmini inceleyeceğiz. Bu albümün sanat eserleri, gerçek flora ve faunalarına dayanan çiçek ve kelebeklerin tam temsilidir. Kombinasyonun ilk olarak 18. yüzyılda doğum günü hediyesi olarak verilmek üzere özel olarak sipariş edilen mallarda ortaya çıkmış olması muhtemeldir. Kelebek tekrarları, aynı anda birden fazla iyi dilek ifade etmek için kullanılabilir. Uzun ömür ile de bağlantılı olan bu eşyalar harika doğum günü sembolleridir. Taoizm'de kelebekler, ruhun serbest bırakılmasını temsil ediyordu. Çiçekler birçok olumlu şeyi temsil eder ve bu sanat eserlerine dahil edilmeleri sadece olumlu çağrışımlarına katkıda bulunur.

Savaşta trajik bir şekilde parçalanan iki sevgili hakkında bir Çin halk masalına göre gelincik, romantik bir ilişkideki ortaklar arasındaki sadakati ve bağlılığı temsil eder. Hikaye, karısının asker kocasının ölümünden sonra kendini adadığı noktada büyüyen gelincikler etrafında dönüyor.

Huakaifugui ifadesi, Çin Yeni Yılı'nda (Ocak sonundan Şubat ortasına kadar) çiçek açan kamelyaların, gelecek yıl iyi bir talihi karşılamak için kişinin evini güzelleştirmek için kullanılması gerektiğini öne sürüyor. Avrupa'nın uzun süredir güle düşkünlüğü nedeniyle, çiçek sıklıkla başka yerlerde satılması amaçlanan eşyalarda tasvir edilir. Çin gülü yıl boyunca sık sık çiçek açtığından, ona "kalıcı bahar çiçeği" adı uygulanmaya başlandı.

Sabahın Gururu Canlı bir mor renkte açan sabah ihtişamının trompet şeklindeki çiçekleri, ilk olarak 15. yüzyılda Ming mavisi ve beyaz eşyalarda dekoratif bir unsur olarak kullanılmıştır. Bu çiçeğin evlilikteki mutluluğu simgelediği iddia ediliyor. Çin, her biri benzersiz bir çiçeklenme mevsimine sahip birçok açelya türüne ev sahipliği yapmaktadır. Kelebeklerle birlikte kullanıldığında açelya, 'sanatta yaratıcı yetenek' çağrışımını üstlenir ve sanatta çok yaygın olan kadınsı güzelliği temsil eder.

Merak: Oryantalizm nedir?

Oryantalizm, Doğu'dan gelen unsurları taklit etme veya klişeleştirme pratiğini ifade eder ve sanat tarihi, edebiyat ve kültürel çalışmalar alanlarında bulunur. Bu tasvirlerden en çok Batılı yazarlar, tasarımcılar ve ressamlar sorumludur. 19. yüzyılda popüler olan akademik sanatın çeşitli alt türlerinden, Orta Doğu'yu göstermeye odaklanan Oryantalist resim en öne çıkanlardan biriydi. Aynı şekilde, zamanın Batı edebiyatı da Doğu'nun egzotizmine yoğun bir ilgi gösterdi.

Akademik çevrelerde "Oryantalizm" terimi, Edward Said'in Oryantalizm kitabının 1978'de yayımlanmasından bu yana olağan hale geldi. Bu terim, Asya ve Afrika kültürlerine yönelik küçümseyici bir Batı perspektifini tanımlamak için kullanılıyor. Said'e göre Batı, bu kültürleri durağan ve azgelişmiş olarak özselleştirir ve emperyal otoritenin hizmetinde araştırılabilen, tasvir edilebilen ve yeniden üretilebilen bir Doğu kültürü resmi yaratır. Said'in işaret ettiği gibi, bu yanlışlık, Batı toplumunun ilerici, zeki, uyarlanabilir ve üstün olduğu varsayımına dayanmaktadır. Bu, Batılılara "Doğu" kültürlerini ve insanlarını hem egzotik hem de tehlikeli olarak hayal etme özgürlüğü veriyor.

"Oryantalizm" terimi, sanat tarihinde, 19. yüzyıl boyunca Batı Asya'daki keşiflerinin bir sonucu olarak Doğu temalarına ve motiflerine odaklanan Batılı sanatçılar tarafından yaratılan eserlerin bütününü tanımlamak için kullanılır. O zamanlar, sanatçılar ve akademisyenler genellikle alaycı bir şekilde Fransız sanat eleştirmeni Jules-Antoine Castagnary tarafından popüler hale getirilen bir terim olan "Oryantalist" olarak etiketlendi. Jean-Léon Gérôme'un onursal başkanı olduğu Fransız Oryantalist Ressamlar Cemiyeti, türün yaygın toplumsal reddine rağmen 1893'te kuruldu; aksine, Britanya'da "Oryantalist" basitçe "sanatçı" anlamına geliyordu.

Sanatçıların bakış açıları, 19. yüzyılın sonlarında, üyelerin kendilerini daha büyük bir sanatsal hareketin parçası olarak görmelerini sağlayan Fransız Oryantalist Ressamlar Derneği'nin kurulmasıyla değişti. 19. yüzyılda hareketin en parlak döneminde çok sayıda farklı Oryantalist resim stili ortaya çıkmış olsa da, "Oryantalist resim" terimi genellikle akademik sanatın tek bir alt türünü belirtmek için kullanılır. Pek çok sanat tarihçisi Oryantalist ressamları iki kategoriye ayırır: Doğrudan gözlem yoluyla resim yapanlar ve stüdyolarında fantastik ortamlar yaratanlar. Oryantalist hareketin en önemli figürlerinin Eugène Delacroix (1798-1863) ve Jean-Léon Gérôme (1824-1904) gibi Fransız sanatçılar olduğu genel olarak kabul edilir.

Fransız Oryantalizmi

Napolyon'un 1798-1801'de Mısır ve Suriye'yi feci şekilde işgali Fransız Oryantalist resmini etkilemiş ve ilerleyen yıllarda Gros'un orduyla Ortadoğu'ya seyahat etmemesine rağmen Napolyon'un saray ressamları, özellikle Antoine-Jean Gros tarafından belgelenmiştir. . Bonaparte Ziyareti Jaffa'nın Veba Kurbanları (1804) ve Abukir Savaşı (1806) her ikisi de o zamanlar olduğu gibi İmparator'u merkez alır, ancak aynı zamanda birçok Mısırlı bireyi de içerir. Piramitler Savaşı'nda daha az başarılı olan Napolyon'un da birçok Mısırlısı (1810) vardır. Ayrıca Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson'ın La Révolte du Caire (1810) adlı eseri de önemliydi. Fransız hükümeti, Açıklama de l'Égypte başlığı altında 1809 ve 1828 yılları arasında Mısır'ın eski eserlerinin resimli bir tarifinin yirmi ciltini üretti.

Eugène Delacroix, Yunanistan'a ya da Doğu'ya ayak basmadan önce, arkadaşı Théodore Géricault'un Medusa'nın Salı'sı gibi, uzak bir yerde yakın zamanda ortaya çıkan ve yakın zamanda yaşanan bir trajediyi betimleyen Sakız Adası'ndaki Katliam (1824) ile ilk büyük başarısını elde etti. kamuoyu. Yunanlılar hala Osmanlılardan kurtulmak için mücadele ederken, ülke imparatorluğun daha Uzak Doğu kesimleri kadar egzotikti. Delacroix daha sonra, bir yıl önce gerçekleşen bir kuşatmayı anmak için Missolonghi Harabeleri üzerine Yunanistan'ı (1827) ve Lord Byron'dan ilham alan ve ilk sanat eseri olduğu söylenen Sardanapalus'un Ölümü (1828) resmini çizdi. seks, şiddet, tembellik ve egzotizmi birleştirmek. 1832'de, Fas Sultanı'na diplomatik bir misyonun parçası olarak, Delacroix nihayet Fransızlar tarafından yeni ele geçirilen bir bölge olan şimdiki Cezayir'e gitti. Kuzey Afrika yaşam tarzı ile Antik Romalılar arasında paralellikler çizerek tanık olduklarından derinden etkilendi ve Fransa'ya döndükten sonra gezisinden konu boyamaya devam etti. Birçok Oryantalist ressam gibi kadınları tasvir etmekte zorlandığı için, resimlerinin çoğunda atlı Yahudiler veya savaşçılar vardı. Birkaç harem sahnesi aynı gerçekçilik iddiasında bulunabilirdi, ancak görünüşe göre bir evin kadınlar bölümüne (veya haremine) girerek Cezayir Kadınları'nın ne olduğunu çizebildi.

Fransız Académie de penture'nin müdürü Ingres, canlı renkli bir Türk hamamı tasvirinde kadın figürlerini belirsiz bir şekilde genelleştirmesiyle erotikleştirilmiş bir Doğu'yu popülerleştirdi (hepsi aynı model olabilirdi). Gizemli Doğu'da, cinselliğin daha açık teşhirlerine müsamaha gösterilirdi. Henri Matisse'in Nice dönemi yarı çıplak resimleri ve Şark kıyafetleri ve desenlerini kullanması, bu motifin 20. yüzyılın başlarına kadar devam eden kullanımının örnekleridir. Buharlı gemi seyahat etmeyi çok daha kolay hale getirdi ve birçok sanatçı, çok çeşitli Doğu manzaralarını boyamak için Orta Doğu'yu ve ötesini ziyaret etti. Doğu'yu ziyaret etmeden önce, Ingres'in öğrencisi olan Théodore Chassériau (1819-1856), çıplak Esther Tuvaleti (1841, Louvre) ve Ali-Ben-Hamet, Konstantin Halifesi ve Başkomiser'in binicilik portresi ile başarıya ulaşmıştı. Eskortu tarafından takip edilen Haractas

Bu eserlerin çoğu, Şark'ın basmakalıp, egzotik ve cinselleştirilmiş bir tasvirini sürdürdü. Bu tür sanat eserleri genellikle Arap, Yahudi ve diğer Sami kültürlerine odaklandı, çünkü Fransız ressamlar, imparatorluk Fransa'nın Kuzey Afrika'daki etkisini genişlettiği için bölgenin tarihi ve gelişimi hakkında bilgi edinmek için seyahat etti. Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme ve Jean-Auguste-Dominique Ingres gibi birçok Fransız sanatçı, İslami kültür resimlerinde odalıkları tasvir ettiler. Durgunluğu ve gösterişli görselleri vurguladılar. Özellikle tür resimleri, aynı konunun Avrupa örneklerine çok benzediği veya Saidci anlamda Oryantalist bir dünya görüşünü ifade ettiği için eleştirilmiştir. Gérôme, haremleri, hamamları ve köle müzayedelerini bariz bir şekilde cinsellik içeren tasvirleriyle (ikinci ikisi de klasik dekorlu olarak mevcuttur) ve "Kraliyet"e katkıda bulunmalarıyla tanınan bir grup geç yüzyıl Fransız ressamının atası ve genellikle ustasıydı. oryantalizmin pornografik modda çıplakla denklemi".

Avrupa mimarisi ve tasarımında oryantalizm

15. yüzyılın sonlarında başlayarak, Rönesans süslemesinin Moresque tarzı, neredeyse günümüze kadar ciltçilik gibi belirli alanlarda kullanılmaya devam eden İslami arabeskin Avrupa uyarlamasıydı. "Hint-Saracenic Revival" terimi, Hint mimari temalarının erken Batı kullanımını tanımlar. Londra'daki Guildhall'ın ön cephesi bu döneme (1788-1789) dayanmaktadır. Yaklaşık 1795'ten itibaren, Hindistan'ın görüşleri William Hodges ve William ve Thomas Daniell tarafından yayınlandığında, stil Batı'da popülerlik kazandı. "Hindoo" mimarisinin en bilinen örnekleri arasında, Bengal'den yeni dönmüş bir nabob için inşa edilen Gloucestershire'daki Sezincote House (c. 1805) ve Brighton'daki Royal Pavilion sayılabilir.

Dekoratif sanatlarda "Türk" üsluplarının kullanılması, ara sıra Türk kıyafetlerinin benimsenmesi ve Osmanlı İmparatorluğu'nu tasvir eden sanata ilgi, 15. yüzyılın sonlarında başlayan ve en az 18. yüzyıla kadar süren Turquerie hareketinin bir parçasıydı. 18. yüzyıldan sonra Fransa daha önemli hale geldiyse de asıl merkez Osmanlıların uzun süreli ticari ilişkisi olan Venedik'ti.

"Chinoiserie" adı, 17. yüzyıldan başlayarak Batı Avrupa'da popüler olan ve özellikle Rokoko döneminde (yaklaşık 1740-1770) birkaç dalgada zirveye ulaşan Çin'den ilham alan unsurlarla genel dekorasyon stilini ifade eder. Çin seramiklerinin teknik karmaşıklığı, Rönesans'tan 18. yüzyıla kadar Batılı tasarımcılar tarafından denendi ve yalnızca kısmen başarılı oldu. İngiltere (Doğu Hindistan Şirketi ile), Danimarka (Doğu Hindistan Şirketi ile), Hollanda (Doğu Hindistan Şirketi ile) ve Fransa (Doğu Hindistan Şirketi ile) gibi ülkeler 17. yüzyılda işaretler göstermeye başladı. Chinoiserie (Fransız Doğu Hindistan Şirketi). 17. yüzyılın başlarında, Delft ve diğer Hollanda şehirlerindeki çömlekçiler, Ming hanedanlığı döneminde Çin'de üretilen aynı otantik mavi ve beyaz porselenleri kullanmaya başladılar. Meissen gibi gerçek porselen üretiminin en eski yerlerinden gelen tabaklar, vazolar ve çay takımları geleneksel Çin formlarını taklit etti (bkz. Çin ihracat porselenleri).

Geç Barok ve Rokoko Alman saraylarının resmi parterleri, "Çin tadında" zevk pavyonlarına sahipti ve Madrid yakınlarındaki Aranjuez'deki çini paneller benzer yapıları tasvir etti. Özellikle çay masaları ve porselen dolaplar, Thomas Chippendale tarafından 1753-1770 yıllarında oymalı cam ve korkuluklarla süslenmiştir. Vatandaşlığa geçiş, aynı zamanda, orta Gürcü bir yan masa haline gelen tang ve İngiliz beyefendilerinin yanı sıra Çinli bilim adamlarına uygun kare çıtalı koltuklar gibi erken Xing bilginlerinin mobilyalarına kasvetli saygılarda da gerçekleşti.

Geleneksel Çin estetiğinin tüm Batılı yorumları "çinoiserie" olarak kabul edilmez. Chinoiserie medya örnekleri arasında seramik figürler ve masa süsleri, levha biçiminde erken boyanmış duvar kağıtları ve Japonya'yı çağrıştıran lake ve boyalı kalay (tôle) tabakların taklitleri sayılabilir. Bahçelere tam boyutlu pagodalar kurulurken, minyatür versiyonlar şömine raflarına yerleştirildi. William Chambers tarafından yaratılan Büyük Pagoda, Kew'de çarpıcı bir yapıdır. Stuttgart'ta bulunan Wilhelma (1846), Mağribi Revival tarzını örnekleyen bir yapıdır. Sanatçı Frederic Leighton için inşa edilen Leighton House, geleneksel bir dış cepheye, ancak orijinal İslami çiniler ve diğer bileşenlere ve Viktorya Dönemi Oryantalize çalışmalarıyla süslü Arap tarzı iç mekanlara sahiptir.

Büyük ölçüde ukiyo-e baskılarının Batı'ya tanıtılması nedeniyle, Japonizm olarak bilinen estetik hareket 1860'tan sonra gelişti. Claude Monet ve Edgar Degas gibi modern Fransız sanatçılar üzerinde özellikle etkili olan Japon estetiğiydi. Japon baskıları, Fransa'da yaşayan ve çalışan Amerikalı sanatçı Mary Cassatt'a ilham verdi. Katmanlı desenler, düz düzlemler ve dinamik perspektif kullanımlarını kendi çalışmalarına dahil etti. Japon esinli sanatın en iyi örneklerinden bazıları, James Abbott McNeill Whistler'ın tablolarından oluşan The Peacock Room'da bulunur. Gamble House ve California'daki Greene ve Greene'in diğer binaları Japon mimarisinden etkilenmiştir.

Mısır Revival mimarisi, 19. yüzyılın başlarında ve ortalarında popüler bir stildi ve 20. yüzyılın başlarına kadar küçük bir stil olarak devam etti. 19. yüzyılın başlarında, sinagoglar, Alman eyaletlerinde ortaya çıkan Mağribi Revival tarzının başlıca yararlanıcıları arasındaydı. Indo-Saracenic Revival olarak bilinen bir mimari tarz, 19. yüzyılın sonlarında İngiliz Raj'ında ortaya çıktı.

Oryantal sanatla dekorasyon

Oryantal dekorun estetiği, dünyanın en çekicileri arasındadır. Mobilya ve iç dekorasyon endüstrisinde popüler olan oryantal dekor elemanlarının kullanımı artıyor. Asya sanat formlarının bu koleksiyonu binlerce yıldır talep görüyor ve çok çeşitli Asya ülkelerinden eserler içeriyor.

"Doğu sanatı" terimi genellikle Japonya'daki Geyşa kızlarının resimlerini veya Çin suluboya resimlerini çağrıştırır, ancak bunlar tek örnek değildir. Canlı renkleri ve detaylara gösterdikleri özen ile Oryantal parşömenler, vazolar ve tablolar yüzyıllardır varlığını sürdürmektedir. Şemsiyeler, yelpazeler ve lambalar, Doğu sanatının diğer biçimlerinin diğer örnekleridir.

Doğu sanatının bu kadar sevilmesinin nedenlerinden biri de temiz çizgileri ve canlı renkleridir. Doğu ve Batı yarım küreler, Doğu dekorunun unsurlarını iç mekanlarına dahil etmişlerdir. Zarafeti ve işlevselliği nedeniyle, sıra dışı olan ortamlarda kullanılabilir. Evinize bir parça Doğu sanatı eklemek, ona benzersiz bir görünüm ve his vermenin harika bir yoludur. Duvar vantilatörü, Doğu sanatının ikonik bir örneğidir. Doğu'dan gelen eşyalarla dekorasyon yapmak harika bir fikir çünkü hem şık hem de ucuz.

Alandaki birçok uzmanın önerdiği gibi, müzayedeler Doğu sanatı eserlerini satın almanın en iyi yollarından biridir. Bu nedenle müzayede kataloglarına göz atabilir ve evinizi Oryantalist aromalı parçalarla dekore etmeye başlayabilirsiniz. Bununla birlikte, Japon sanatı hakkında, genellikle baskılar, seramikler, zırhlar ve daha fazlasını içeren müzayede.

Bazı ünlü doğulu sanatçılar

Gu Kaizhi (344 – c. 406)

Çinli sanatçı Gu Kaizhi'nin ünlü eserleri arasında Mürebbiyenin Saray Hanımlarına İhbarları ve Şanlı Kadınlara Talimatlar yer alıyor. Aynı zamanda bir şair ve sanat teorisyeniydi. Renkli bir hayatı olan ve zaman zaman büyük bir sinizm sergileyen Taocu bir filozoftur. 366'da başlayan bir hükümet yetkilisi olan Gu Kaizhi (c. 344-406), Jiangsu eyaleti, Wuxi'de doğdu, ancak yetenekleri siyasetin çok ötesine geçti. Aynı zamanda başarılı bir şair, denemeci, ressam ve Çin hat sanatının uygulayıcısıydı. Üç eser, Resim Üzerine, Wei ve Jin Hanedanlarının Ünlü Tablolarına Giriş ve Yuntai Dağı'nın Resmi, Gu'nun ortamla ilgili sayısız teorisini özetliyor. Hayatının çalışmaları, insan ve ilahi figürlere, hayvanlara, manzaralara ve su yollarına odaklanan 70'den fazla resimde belgelenmiştir. Nanjing Tapınağı Buda (tapınağın inşası için para kazanmak için yaratılmıştır), Mürebbiyenin Saray Hanımlarına İhbarları ve Luo Nehri Perisi genellikle ona atfedilen eserlerdir. Gu Kaizhi'nin eserleri artık dünyanın her yerindeki koleksiyonlarda bulunuyor. MS 220 ve MS 581 yılları arasında Çin resminin altın çağı yaşandı. Çin'de 300 yıl boyunca meydana gelen savaşlara ve hanedan değişikliklerine rağmen, ülkenin kültürel hayatı canlı kaldı. Bu, büyük ölçüde, ülkenin sanatsal gelişimine önemli bir ivme kazandıran birçok farklı okuldan kaynaklanıyordu. Çin kaligrafisi ve sanatında bu dönemde mezar resimleri, taş ve tuğla heykeller ve cila resimleri dahil olmak üzere çeşitli virtüözlük örnekleri vardır. Çağdaş Çin resminin altında gördüğümüz resimsel kurallar, Grafik Teorisi ve Altı Kural Teorisi gibi kurallar da teorize edilmiştir. Bu sanatçıların en etkili ve tanınmışlarından biri, genellikle geleneksel Çin resminin yaratıcısı olarak kabul edilen Gu Kaizhi'dir. Eserleri yaşadığı dönemi özetler.

Fan Kuan (960 – c. 1030)

990'dan 1020'ye kadar Fan Kuan, Çin'de önde gelen bir "kuzey tarzı" Taocu ressamdı. Diğer şeylerin yanı sıra 10. ve 11. yüzyılların en iyi ustası ona atfedilir. Fan Kuan'ın Dağlar ve Akarsular Arasında Gezginler başlıklı dikey bir parşömen, Kuzey Şarkı Okulu için temel sanat eseri olarak kabul edilir. Birçok sanatçının daha sonra rehberlik için arayacağı devasa manzara resmi için bir standart belirliyor. Yakın, orta (su ve sis ile temsil edilen) ve mesafe olmak üzere eski Çin üç boyut fikrinin burada iş başında olduğu açıktır. Çin manzara resminin en eski örneklerinin aksine, doğal dünyanın ihtişamı sonradan düşünülmekten ziyade odak noktasıdır. Monolitin tabanında, çalıların arasından çıkan bir dizi yük atı görülebilir. Eski Tang Hanedanlığı'ndan gelen gelenekler, sanat eserinin görsel tarzında görülebilir.

Katsushika Hokusai ( 1760 – 1849 )

Katsushika Hokusai'nin Japonya'da ressam ve matbaacı olarak popüler hale getirdiği ukiyo-e tarzıdır. Baskılarıyla tanınan, titiz ve eksantrik bir ressamdı. Ancak, hayatı boyunca her iki ortamda da çalışmaya devam etti. Kariyerinin altmış yılı aşkın bir süredir, tiyatro konularını betimleyen gravürler, özel dolaşım için tebrik baskıları (surimono) ve 1830'lardan başlayarak manzara serileri üzerinde deneyler yapmıştı. Çeşitli İller ve Fuji Dağı'nın Otuz Altı Görünümü, kısmen ünlü yanardağa kişisel bir bağlılığı yansıtır. Aynı zamanda bu kanonun bir parçası olan Büyük Kanagawa Dalgası da ilişkili bir çalışmadır. En az yeğeninin kumara yatkınlığı olan bir dizi aile sorununun yol açtığı büyük bir sıkıntı döneminin ardından, hem amatörlere hem de profesyonellere yönelik bir dizi çizim ve manga rehberi yayınladı. Kadınlar ve çocuklar için çok çeşitli gizemli kitaplar ve kısa öyküler yazıp çizmenin yanı sıra büyük edebi şaheserleri resmetmek üzerinde çalışmak, muhtemelen ergenlik yıllarında seyahat etmek için ayak işleri yapan bir çocuk olarak başlayan, ömür boyu süren edebiyat sevgisinden ilham aldı. kitaplık. Yazdığı haiku da oldukça iyiydi. Sanatının Claude Monet gibi Avrupalı İzlenimciler ve Vincent van Gogh ve Fransız ressam Paul Gauguin gibi post-empresyonistler üzerindeki yaygın etkisi nedeniyle, Hokusai hakkında 1896 ve 1914 yılları arasında günün önde gelen eleştirmenleri tarafından Fransızca olarak üç biyografi yayınlandı. Edmond de Goncourt. Hakkında anlatılan hikayelere göre, kariyeri boyunca doksandan fazla yer değiştirmiş ve birkaç farklı sahne ismi kullanmıştır.

Hiroşi Yoşida (1876 – 1950)

Japon ressam ve yazıcı Hiroshi Yoshida. Tac Mahal, İsviçre Alpleri ve Büyük Kanyon baskıları shin-hanga sanatının en ünlü örnekleri arasındadır ve izleyicilerde güçlü duygular uyandırır. 19 Eylül 1876'da Kysh Adası'ndaki Fukuoka Eyaleti, Kurume şehrinde, Hiroshi Ueda doğumlu Hiroshi Yoshida'nın hayatı başladı. Bir devlet okulu sanat öğretmeni olan evlat edinen babası, erken dönem sanatsal yeteneğini teşvik etti. Koyama Shotaro'nun yanında Tokyo'da üç yıl öğrenim gördükten sonra, 19 yaşındayken ünlü Batılı resim ustası Tamura Shoryu'nun yanında çalışmak üzere Kyoto'ya transfer edildi. 1899'da Yoshida, ilk gösterisini o zamanlar Detroit Sanat Müzesi olarak adlandırılan ama şimdi Detroit Sanat Enstitüsü olarak adlandırılan yerde yaptı. Hiroshi Yoshida, Meiji döneminde Japonya'ya girişinden bu yana aracı kullanan başarılı bir yağlı boya ressamıydı. 1921'deki Yelkenli Tekneler serisi ve Tac Mahal baskıları (ki bunlardan altı tanesi), Yoshida'nın havayı değiştirmek için aynı görüntüyü farklı renklerde yeniden üretme alışkanlığının örnekleridir.

alıntılar

Madeleine L'Engle

• " Eski Çin sanatında büyük ressamların eserlerine her zaman kasıtlı bir kusur eklemeleri gerçeğini seviyorum: insan yaratımı asla mükemmel değildir."

Ai Weiwei

• “Bütün zenginler geleneksel Çin sanatını toplar. Dolayısıyla Çinli ailelerin sanatı hala en yüksek insani performans olarak görmesi ve çocuklarını bu alana göndermesi çok doğal.”

Stephen Gardiner

• "Japon sanatında mekan baskın bir rol üstlendi ve konumu Zen kavramlarıyla güçlendirildi".

Henri Matisse

• "Japon sanatının büyük çağının sanatçıları kariyerleri boyunca pek çok kez isim değiştirmediler mi? Bu hoşuma gitti, özgürlüklerini korumak istediler".

Port de mer ile ilgili özgün sanat eserlerinden oluşan özel bir seçkiye göz atın

Çevrimiçi sanat galerimiz, dünyanın dört bir yanından yükselen ve ünlü sanatçılara ait Port de mer sanat eserinin özel bir seçkisi de dahil olmak üzere en geniş çevrimiçi orijinal sanat eseri koleksiyonuna sahiptir. Artmajeur gerçekten de günümüzün en büyük çağdaş sanatçılarının tabloları, heykelleri ve fotoğrafları gibi milyonlarca sanat eseri sunuyor!

Artmajeur'de sevdiğiniz tüm sanat eserlerini güvenle satın alın
Satılık Port de mer sanat eseri mi arıyorsunuz? Port de mer  ile ilgili tabloları ve ayrıca heykelleri, fotoğrafları veya çizimleri güvenle satın alabilirsiniz: tüm satın alımlarınız 14 günlük iade politikamız kapsamındadır, sorgusuz sualsiz! Galeride sergilenen eserler ücretsiz kargo ile garantili fiyattan satılmaktadır.

Yakınınızdaki "Port de mer " tablolarını ve sanat eserlerini bulun
Artmajeur'deki coğrafi arama motoru ayrıca yakınınızdaki sanat eserlerini bulmanızı sağlar, bu şekilde şehrinizde, bölgenizde veya seçtiğiniz herhangi bir yerde orijinal sanatı kolayca bulabilirsiniz. Bazı satıcılar, stüdyoları bulunduğunuz yere yakınsa, parselleri kendileri de teslim edebilir.

Özel bir Tablo ve Sanat Eseri Seçkisi edinin
Evinizi olabildiğince kişiselleştirmenin mükemmel bir yolu, özel bir sanat eseri seçimidir. Sanat eserleri, seçtiğiniz konu, boyut, tür, şekil, stil, tema, renk ve konuda sunulur. El yapımı veya başka türlü yüzlerce tablodan oluşan bir sanat koleksiyonunuz varsa, ilgi alanlarınızı en iyi ifade edenleri seçebilirsiniz.

Koleksiyonunuz için zevkinize ve tarzınıza uygun tabloları seçmek için yan menü seçeneklerini kullanabilirsiniz. Sadece renk, tema, fiyat, konu gibi seçenekleri seçerek seçiminiz otomatik olarak güncellenecektir. Ayrıca beğendiğiniz sanat eserlerini favori olarak kaydedebilirsiniz: bu, kişisel favorilerinizi ileride kullanmak üzere saklamanıza olanak tanır. Eserlerinizi başkalarıyla paylaşmanız gerekiyorsa, koleksiyonlarınızı da herkese açık hale getirebilirsiniz; bu, tercih ettiğiniz sanatı diğer sanatseverler, arkadaşlar ve hatta müşterilerle paylaşmanın yaratıcı bir yoludur.

Koleksiyonunuzu oluşturmak için sanat eserlerini bulmanıza ve satın almanıza yardımcı olacak bir sanat danışmanı edinin

Port de mer  ile ilgili çok sayıda sanat eseri olabilir: İster ilk kez çevrimiçi satın alıyor olun, ister zaten sık sık satın alıyor olun, doğru eseri çevrimiçi olarak bulmak hem gözünüzü korkutabilir hem de zaman alabilir:

• Doğru seçim nasıl yapılır ve doğru sanat eseri nasıl satın alınır?
• Orijinal bir sanat eseri için en iyi fiyat nasıl ödenir?
• Mevcut çok sayıda koleksiyon arasında nasıl gezinilir?

Sanat danışmanlarından oluşan ekibimiz size yardımcı olmak için burada: Artmajeur, çevrimiçi sanat satın almayı kolay ve güvenli hale getirmek istiyor. Tüm sanat eserlerimiz yüzde 100 para iade garantisi ile gelir, böylece bizimle çevrimiçi satın alma konusunda tamamen güvende hissedersiniz.

Mükemmel parçayı bulmanıza yardımcı olmak için sanatçıların sanat eserlerini doğrudan web sitemize yüklemeleri için bir platform oluşturduk. Günümüzün en iyi sanatçılarına ait binlerce baskı, heykel ve tabloya göz atın. Fiyatlar, aradığınız sanat eserinin türüne ve boyutuna ve alan gereksinimlerinize bağlı olarak, çok uygun fiyatlı sanat eserlerinden yatırım yapmak için çok değerli parçalara kadar değişmektedir. Çevrimiçi olarak sunulan orijinal sanat eserlerinin çeşitliliğini görmek şaşırtıcı. Artmajeur, eviniz için güzel ve pahalı bir yağlı boya tablo veya bir mobilya parçası arıyorsanız her şeye sahiptir.

Oryantal sanat: çeşitli kültürlerden geniş bir yaratıcılık yelpazesi

Asya sanatının tarihini oluşturan Asya'nın her yerinden çok çeşitli sanatsal gelenekler vardır. Orta Asya, Doğu Asya, Güney Asya, Güneydoğu Asya ve Batı Asya, Asya kıtasının en belirgin parçalarıdır.

Doğu Asya sanatı Çin, Japonya ve Kore kültürlerini içerirken, Orta Asya sanatına Avrasya Bozkırının Türk halklarından gelen eserler hakimdir. Güneydoğu Asya sanatı, Tayland, Laos, Vietnam, Singapur, Endonezya ve Filipinler sanatlarından oluşurken, Güney Asya sanatı, Hint alt kıtasının sanatlarına atıfta bulunur. Yakın Doğu veya Batı Asya'dan Sanat, antik çağlardan Mezopotamya sanatını ve modern çağdan İslam sanatını içerir.

Asya sanatının evrimi birçok açıdan Batı sanatına benzer. Kültürler, sanatın İpek Yolu transferi, Keşif ve sömürgecilik Çağı boyunca kültürel alışveriş, internet ve mevcut küreselleşme gibi yollarla birbirine karıştı. Taş Devri sanatını hariç tutarsak, Mezopotamya sanatı Asya'daki en eski sanattır.

Orta Asya sanatı

Çağdaş Kırgızistan, Kazakistan, Özbekistan, Türkmenistan, Azerbaycan, Tacikistan, Afganistan, Pakistan ve günümüz Moğolistan, Çin ve Rusya'nın bazı bölgelerinin tümü, zengin bir tarihe ev sahipliği yapan Orta Asya bölgesinin bir parçası olarak kabul edilir. çok çeşitli sanatsal gelenekler. Antik çağlardan orta çağa Orta Asya sanatı, bölgenin çeşitli nüfusunu ve kültürel mirasını göstermektedir. Orta Asya'nın kültürel mirası, bölgenin sanatsal eserlerinin kanıtladığı gibi, bölgenin çok kültürlü yapısını şaşırtıcı şekillerde yansıtıyor. İskit sanatı, Greko-Budist sanatı, Serindian sanatı ve hatta modern Pers kültürü, sanatın İpek Yolu üzerinden aktarımını da içeren bu dolambaçlı tarihin bir parçasıdır.

Yerleşik toplulukların çevresinde karma ekonomiler uygulayan göçmen çobanlar, MÖ 2. binyılın sonlarından nispeten yakın zamana kadar Orta Asya'nın otlaklarını (Hazar Denizi'nden Orta Çin'e ve güney Rusya'dan kuzey Hindistan'a) ev olarak adlandırdılar. Bu pastoral göçebelerin tarih öncesi 'hayvan tarzı' sanatı, sadece onların zoomorfik mitlerini ve şamanik ritüellerini değil, aynı zamanda yerleşik kültürün sembollerini kendi uygulamalarına dahil etme açıklıklarını da ortaya koymaktadır.

Dünyanın dört bir yanından kültürler Orta Asya'da buluşup birleşerek, onu Çin'i Akdeniz'e bağlayan antik İpek Yolu'nun sinir merkezi haline getirdi. MÖ üçüncü ve ikinci binyıllarda büyüyen topluluklar, Orta Asya'yı İndus Vadisi, Mezopotamya ve Mısır'a bağlayan geniş bir ticaret ağının parçasıydı.

İslam sanatının son yüzyıllarda Batı sanatı üzerinde büyük bir etkisi oldu, ancak daha eski kültürler, Çin, İran ve Yunanistan sanatlarının yanı sıra göçebeler arasında ortaya çıkan Hayvan üslubu da dahil olmak üzere çok çeşitli kaynaklardan ilham aldı. bozkırlar.

Doğu Asya sanatı

Doğu Asya'dan gelen kültürel uygulamalar arasında görsel sanatlar, edebiyat ve Çin, Kore ve Japonya'nın sahne sanatları yer alır. Pratik bir amaçları olmadığı ve el emeği gerektirmediği göz önüne alındığında, Çin'de sadece resim ve hat sanatına "gerçek güzel sanatlar" statüsü verilir. Heykel, bronz döküm ve oymacılığının yanı sıra seramik, tekstil, metalurji ve lake eşya üretimi de zanaat olarak kabul edilir. Geleneksel Çin binaları neredeyse genellikle ahşaptan yapılır ve bir platforma, direk ve lento çerçevesine, çatı destekleyici braketlere ve ağır, eğimli bir çatıya sahiptir.

Budist ikonografisi, yerli Japon temaları ve gelenekleri ve Çin görsel sanatları dahil olmak üzere üç faktörün Japon görsel kültürü üzerinde önemli etkileri olmuştur. Yedinci yüzyılda inşa edilen Hry Tapınağı, Japon mimarisini karakterize edecek asimetrik düzenleri kullanan ilk yapıydı. İkonik ukiyo-e baskısına dönüşen çok renkli ahşap baskı ve 16. ila 18. yüzyılların ekran ve panel resimleri, Japon ressamların doğadan soyutlama ile meşgul olmalarının başlıca örnekleridir. Yapıda ve heykelde taş kullanımı ve enfes bir seladon cilasının geliştirilmesi, Kore'nin sanata en belirgin katkılarından ikisidir.

Dünya edebiyatları arasında Çin'inki en uzun kesintisiz tarihe sahiptir (3.000 yıldan fazla). Tarihi, Kore ve Japonya ile paylaştığı yazı diliyle girift bir şekilde iç içe geçmiştir. Balladlar, efsaneler, maskeli dramalar, kukla gösterisi metinleri ve p'ansori ("hikaye söyleme") metinlerinin tümü Kore'nin zengin sözlü tarihinin bir parçasıdır ve ülkenin ayrıca sağlam bir yazılı şiir geleneği vardır (özellikle hyangga ve sijo formları) . Ne Japonya'nın ne de Kore'nin kendi yazı dili olmadığından, her iki ülkenin de edebi gelenekleri büyük ölçüde Çin'den ödünç alındı (ancak Japon hece sistemleri yaklaşık 1000 ortaya çıktı ve Kore Hangul'u 15. yüzyılda geliştirildi). Japonya'dan gelen şiir, özellikle haiku biçiminde, dünya çapında hassas duyarlılığıyla ünlüdür ve ülkenin Genji'nin Hikayesi gibi birçok edebi hazinesiyle birlikte 7. yüzyıla kadar uzanır.

Doğu Asya müziği, Batı müziği gibi, 12 tonlu bir kelime dağarcığına dayanan pentatonik bir gam oluşturmuştur, ancak temeli farklıdır. Doğu Asya toplulukları nispeten küçük olma eğilimindedir ve bölgedeki besteciler tipik olarak melodi ve ritmi armonik karmaşıklığın üzerinde önceliklendirir. Doğu Asya ülkelerinde müzik, dans ve dramanın sıklıkla bağlantılı olduğunu ve Doğu Asya dansı ve tiyatrosunun ilişkili kategorilerinde biçimin belirgin evrimine dair hiçbir kanıt bulunmadığını belirtmekte fayda var. Dans törenleri, dans operası (jingxi veya "Pekin" ve diğer Çin operası türleri), gölge tiyatrosu, kukla tiyatrosu ve müzikli ve danslı diyalog oyunları, Doğu Asya gösteri sanatlarının (örn. kabuki). Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun ve Murasaki Shikibu'nun çalışmaları da ikebana, Jgan tarzı kağıt katlama, kaydırma boyama, shinden-zukuri, shoin-zukuri, sukiya tarzı, Tempyu tarzı ve Tori tarzı mimari.

Güney Asya sanatı

Hindistan, Pakistan, Bangladeş ve Sri Lanka Sanatları genellikle Güney Asya olarak bilinir. Sanskritçe, Pkritçe ve bölgesel dillerdeki çok sayıda eski metinsel literatür, ortak bir kültürel ve etik bakış açısına sahip olduğu için Hint alt kıtasının insanlarını bir araya getirmeye yardımcı oldu. Bölgenin yüzyıllar boyunca siyasi kalıplardan oluşan bir kaleydoskopa bölünmesine rağmen, alt kıta bir bütün olarak ortak müzik ve dans geleneklerine, ritüel ritüellere, dini uygulamalara ve edebi fikirlere sahiptir.

Rmyaa ve Mahbhrata gibi Güney Asya destanları, bölgedeki birçok halk arasındaki karmaşık ilişkiler ağı hakkında fikir verir. Birbirinden çok uzak yerlerdeki tanrılar ve kahramanlar arasında ailevi bir ilişki olduğuna dair açık kanıtlar vardır ve yer adlarının çoğu ortak geçmişlere atıfta bulunur. Ayrıca bölgede birleşik bir siyasi düzen kurmak için sürekli çabalar olmuştur. Örneğin MÖ üçüncü yüzyılda, İmparator Aoka bu bölgenin çoğunu kontrol ediyordu; MS on birinci yüzyılda, Chai kralı I. Rajendra Hindistan ve Güneydoğu Asya'nın çoğunu ele geçirdi; ve MS on altıncı yüzyılda, büyük Babür Ekber de aynısını yaptı. Güney Asya tarihi boyunca sınırlar büyüdü ve küçüldü, resmi olarak bütün bölgeler olarak birleşip ayrıldı, ancak kültür boyunca tutarlı kaldı.

Paylaşılan fiziksel ortamı nedeniyle bölgenin dağlarının ve nehirlerinin güzelliği için yaygın bir takdir vardı. Kuzey sınırı boyunca uzanan Himalayalar, dünyanın en yüksek dağlarıdır ve kültürel bir ihtişam, saflık ve bozulmamış kar idealini temsil eder. Brahmaputra ve İndus gibi nehirler, sağladıkları suyun bolluğu nedeniyle kendi bölgelerinde "anne" olarak onurlandırılır.

Sırasıyla ngas ve yakas olarak bilinen su perilerinin ve sylvan perilerinin bölgenin göl ve su kaynaklarında yaşadığına dair yaygın bir inanış vardır. Keşmir, Karkoa'da erken bir hanedanın adı, nga ibadetinin simgesidir. Çeşitli yerlerde ortaya çıkarılan ngas ve yakas heykelleri gibi eski dini eserler, asırlardır bozulmamış tonlamalarını kaybetmeden sözlü olarak aktarılan dini metinler gibi ortak bir adanmışlık anlayışına işaret ediyor. Benzer bir klasik dansı betimleyen heykeller Pakistan'ın Gandhra, Bhrhut ve Amarvat şehirlerinde bulunabilir.

Güney Asya'da, sadece bir dalda uzmanlaşmadan önce bir dizi farklı sanatta bilgili olmak şarttır. Heykel, resim ve dans gibi, tüm dünyayı tasvir ettiği için, birinin diğerine hakim olmadan her bir sanat biçiminde yetkin olamayacağı mantıklıdır. Dans, hareket ve ritim yoluyla bir ifade biçimidir; bu nedenle, müzikal ritmi anlamak çok önemlidir. Müzik ve dansta duygu uyandırmak için edebiyat ve retorik bilgisinin önemli olduğu görülür; müzikte, dansta, heykelde veya resimde ifade edilecek lezzet (rasa) yazılı kelimeye biraz aşinalık gerektirir. Sanatlar bu nedenle birçok düzeyde birbirine bağlıdır.

Güney Asya'daki sanatlar, yalnızca saygın bir boş zaman etkinliği olarak değil, aynı zamanda daha yüksek bir güce bağlılık ve tapınma eylemi olarak da uygulandı. Sanat eserlerini kusurlar için inceleyen prenslere edebi göndermeler var. Sanatçının hem teori hem de pratikteki başarıları ve tutkuları, sekizinci yüzyılda inşa edilen Pattadakal'daki Mallikrjuna tapınağının stra-dhra ("mimar") adından bahseden tek bir yazıtta örnekleniyor.

Güney Asya kültürleri, sanatçılara uzun zamandır ayrıcalıklı bir statü vermiştir. Mahkeme şairler, müzisyenler ve dansçılarla doluydu. Parlak bir dansçı Rjendra Ca'dan övgü aldı ve yine Rjendra tarafından desteklenen Tiruvoiyr'deki tapınağın mimarı, bir yazıtta kapsamlı mimari ve sanat anlayışından dolayı övüldü. Ancak halk sanatları ile yüksek sanatlar arasında güçlü bir bağ vardı. Örneğin, kabile grup dansları ile Batı klasik sanatı, dansı ve müziği arasında benzerlikler vardı. Hint yarımadası, yuvarlak heykel (citra) ve kabartma heykel (ardhacitra) ile her ikisi de önemli konumlara sahip olan zengin bir sanatsal tarihe sahiptir.

"Heykel görünümü" anlamına gelen Citrbhsa, üçüncü en yüksek sanat formudur. 5. yüzyıl şairi Klidsa'nın bir dramasından bir dize, bir resmin modellenmesinde tasvir edilen yükseklik ve derinliklerde gözün nasıl yuvarlandığını açıklayarak, ışık gölgesinin etkisinin (örn., modellemeyi ifade etmek için ışık ve gölge kullanımı) ne kadar önemli olduğunu gösterir. . Ustalar, bir resmin sağlam ve zarif bir şekilde çizilmesi gereken çizgi taslağı, ardından gölgelendirme ve diğerleri tarafından değer verilen modelleme tasviri, kadınsı zevke hitap eden dekoratif unsur ve rengin ihtişamına en çok önem verir. , ortak zevke hitap eden. Bu kadar küçük bir çizimle bu kadar çok form gösterebilmeniz çok etkileyici. Güney Asya resim ve heykelinde, bölgenin görsel sanatlarında portrenin merkeziliğini gösteren sayısız edebi başarılı portre örneği vardır. Altıncı yüzyılda yazılan Viudharmottara, portreyi dört kategoriye ayırır: doğal, lirik, sofistike ve karma. Ayrıca saç ve göz şekillerine ve renklerine göre farklı insan türlerini kategorize eder. Pek çok sanatsal bakış açısının bir özetini ve ayrıca kısaltmanın temellerinin bir açıklamasını içerir. Bir şiirin şaire ayna tutması gibi, resim ve heykellerin de yaratıcılarının özelliklerini alacağı düşünülmüştür.

Güney Asya'nın yabancı etkilere maruz kaldığı uzun geçmişine rağmen, bölge her zaman bu unsurları yerel uygulamalarda birleştirmenin yollarını bulmuştur ve sadece bir kopyadan ziyade benzersiz bir sentez üretmiştir. Bu aynı zamanda Pakistan'ın o zamanlar (MÖ 4. yy) Greko-Romen kültürüne batmış olan Gandhra bölgesinin sanat eserlerine de yansımıştır. Hint motiflerinin ve stillerinin baskın Batı stiline dahil edilmesi, bu dönemin heykelciliğinin ayırt edici özelliğidir.

MS birinci yüzyıldaki Kuşan istilasından sonra, açık bir dış etki akışı oldu, ancak nihayetinde yerli kültür zafer kazandı. 16. yüzyıldan itibaren Güney Asya'yı yöneten ve Orta Asya'dan gelen Müslümanlardan oluşan Babür İmparatorluğu, konularına ağırlıklı olarak Hint eğitimini empoze ederek bölgeyi kültürel olarak birleştirdi. Müslüman sanatı, İran Şahı'nın sarayından sanatçılar getiren ve Hint ve Pers tarzlarını kaynaştıran bir tarih yaratan ikinci Babür imparatoru Humayn'ın saltanatı altında gelişti.

Her bölgenin sanatı kendi siyasi yapısını, ahlaki ve etik normlarını ve sosyal yapılarını yansıtır. MÖ üçüncü yüzyıl gibi erken bir tarihte, hükümdarlar halka hizmet etme ve onlara neredeyse evlat gibi davranma konusunda istekliydiler. 4. ve 6. yüzyıllarda Kuzey Hindistan'ın Gupta İmparatorluğu'na ait muhteşem sikkeler, hükümdar idealini rakipsiz okçu, birleştirici, uzun ve görkemli asil ruh, tebaaların refahı için fedakar ve onun kahramanı olarak tasvir eder. insanlar (onu görkemli bir fil üzerinde tasavvur eden). Sadece fetih ve sadece savaşı tasvir eden sanat eseri. Savaş ve fetih, sembolik at kurbanları, kralın konseyi, diplomatik resepsiyonlar, barış görüşmeleri, tapınak inşası, güzel sanatların (dans ve müzik dahil) takdir edilmesi ve kralların taç giyme töreni, kapsamlı olarak tasvir edilen birçok hükümet faaliyetinden sadece birkaçıdır. 4. ve 9. yüzyıllardaki Güney Hindistan Pallava hanedanının tarihini betimleyen bir dizi heykel.

Dharma'yı vurgulayan heykellerin, yükümlülüğü yönlendiren geleneklerin veya yasaların ahlaki tutumları yansıtması gibi, ahlaki eylemleri tasvir eden heykeller de öyle. Ahimsa ilkesinin veya başkalarına karşı şiddetsizlik ilkesinin görselleştirilmesinin yaygın bir yolu, bir geyiğin görüntüsüdür ve kutsal bir yerin ideali, tipik olarak, geyiğin serbestçe dolaşabileceği bir yer olarak tasvir edilir. Sanat eseri genellikle öznelerin kendi veya başkalarının fedakarlıklarından zevk aldıkları sahneleri tasvir eder. Dünyanın en eski masal koleksiyonlarından biri olan Paca-tantra'dan hikayeler, heykellerde basit ama etkili bir şekilde tasvir edilmiştir. Güney Asya sanatı, alt kıtanın sosyal yapısına nesiller boyu nüfuz etmiş olan dindarlığı, inancı ve ahlaka saygıyı tutarlı bir şekilde tasvir eder.

Güneydoğu Asya sanatı

Güneydoğu Asya sanatı, yazılı, sözlü ve görsel biçimlerini içerir. Hint kültürünün bölgenin gelişimi üzerinde önemli bir etkisi olmasına rağmen, bu zamandan önce gelen bazı ortak özellikler var. Batik kumaşlar, gamelan orkestraları ve wayang kukla tiyatrosu gibi Hindistan'dan kaynaklanmayan sanat stilleri popülerliğini koruyor. Yerli ıslak pirinç (veya padi) ekimi, metalurji, denizcilik, ata kültleri ve dağa tapınma yaygındı.

Güneydoğu Asya, geniş Çinhindi Yarımadası'nın yanı sıra, Doğu Hint Adaları olarak bilinen bölgenin diğer adalarını da kapsar. Güneydoğu Asya iki ayrı bölüme ayrılabilir: anakara ve adalar. Myanmar (Burma), Tayland, Laos, Kamboçya, Vietnam, Malezya, Singapur, Endonezya ve Filipinler bu bölgeyi oluşturan devlet kurumlarıdır. Filipinler başlangıçta Güneydoğu Asya'nın bir parçası olarak görülmese de, Çin ve Japonya'ya yakınlığı ve Güneydoğu Asya kültürleriyle yakın kültürel benzerlikleri nedeniyle şimdi genellikle bölgenin bir parçası olarak kabul ediliyor.

Güneydoğu Asya'nın tamamı, bölgenin tarihini ve kültürünü şekillendiren benzer bir iklim ve topografyayı paylaşıyor. Kültürel olarak, dağlarda yaşayanlar vadilerde yaşayanlardan ayrılma eğilimindedir.

Başlangıçta, Güneydoğu Asya halkının tarih öncesi zamanlara dayanan bir özgünlük eksikliğini paylaştığına ve diğer kültürlerle etkileşimlerinde "yaratıcı" olmaktan çok "alıcı" olduklarına inanılıyordu. Daha sonra Myanmar ve Tayland'daki kazılar ve keşifler, bazı bilim adamlarını, medeniyetin tarih öncesi zamanlarda Çin'den Güneydoğu Asya'ya taşındığı kabul edilen teoriye karşı çıkmaya teşvik etti. Bunun yerine, Güneydoğu Asya anakarasındaki insanların bitki yetiştirdiğini, çanak çömlek yaptığını ve antik Orta Doğu insanlarıyla aynı zamanlarda bronzda çalıştığını ve bu nedenle uygarlığın Güneydoğu Asya anakarasından Çin'e bin yıl önce yayıldığını savundular. Güneydoğu Asyalılar güzel şeyler yaratmanın pratik işiyle her zaman daha fazla ilgilendikleri için, zengin bir sanat teorisi, edebi ya da dramatik eleştiri mirasına sahip değiller.

Güneydoğu Asya'da, özellikle anakaranın batı yarısındaki insanlar, dayanıksız malzemeler üzerinde çalıştıkları için, sanat formlarının yaratılış ve evriminin adım adım izini sürmek mümkün değildir. Bölgenin yoğun ağaçlandırma geçmişi göz önüne alındığında, estetik nedenlerle kullanılan en eski malzemenin ahşabın olması mantıklıdır. Metal ve taşta yeni edindikleri ustalıklarına rağmen, büyük taş heykel ve taş yapı çağı geçtikten sonra (yaklaşık 13. yüzyıl) bile gelişmeye devam eden geleneksel ahşap oymacılığı pratiğini asla terk etmediler. Myanmar'ın batı Shan eyaletinde, Salween Nehri boyunca arkeologlar, ev direklerindeki daha sonraki Naga heykellerine çarpıcı bir benzerlik gösteren tarih öncesi mağara çizimlerini ortaya çıkardılar. Güneş sembolünün tüm Güneydoğu Asya'da bir sanat motifi olarak bulunabilmesine ve Naga evlerinin saçaklarının altındaki oymaların nasıl bir insan kafasına sahip olmanın huşu, zaferi ve sevincini çağrıştırdığına benzer şekilde, Güneydoğu Asya'nın daha sonraki estetik geleneği, Güneşi ve bir insan kafatasını tutan avuçları açık bir çift insan elinin mağara resimleri. Mağara resimleri, bölgenin sanatlarının her zaman büyülü-dini geçmişiyle iç içe olduğunun kanıtıdır.

Eskiden Hanoi yakınlarındaki Dong Son'da kullanılan bronz tambur döküm tekniğinin Çin'den geldiğine inanılıyordu. Bununla birlikte, Tayland'daki yeni kazılar, hem davulların hem de sözde Dong Son uygarlığının Güneydoğu Asya anakarasına özgü olduğunu göstermiştir. Ne olursa olsun, Karen tarafından 20. yüzyılın ilk yıllarına kadar binlerce yıldır dökülen bronz davullar, Güneydoğu Asya'nın estetik mirasının sürekliliğini göstermektedir. Anakara Güneydoğu Asya'nın dağları altın, gümüş ve diğer metalleri sağladığından, metal işlemenin erken dönemde gelişmesi gerekiyordu. Güneydoğu Asya'nın dağlık halkları, zarif gümüş düğmeler, kemerler ve mücevherler yapma ve kullanma konusunda uzun bir geçmişe sahiptir. Tekstil desenleri aynı estetik çizgiyi takip eder. Şarkılar, danslar ve diğer müzikal ifade biçimleri geleneksel olarak kabile törenlerinde kullanılmıştır.

Güneydoğu Asya'daki yöneticilerin desteği altında sanat gelişti. İsa'nın doğumu sırasında, kabile kabileleri, pirinç üreticileri olarak yıllarca yerleşik yaşam sürdükten sonra, resmi olarak şehir krallıkları veya köy kümeleri halinde örgütlenmeye başladılar. Bu görüşe göre bir kral, yüce bir kabile reisinden biraz daha fazlasıydı. Kabileler zaten ruhlara tapma geleneğine sahip olduklarından, hükümdarlar herkes için bağlılığın nesnesi olacak yeni bir tanrı aradılar. Yeni ulusal tanrılara duyulan bu özlem, Güneydoğu Asya'nın Hinduizm ve Budizm tanrılarına açık olmasına katkıda bulundu. Güneydoğu Asya'daki krallar yeni dinlerin yayılmasından sorumluydu, bu nedenle bölgenin tapınakları ilk yüzyıldan on üçüncü yüzyıllara kadar altın bir çağ gördü.

Tapınaklar kültürel faaliyetlerin merkezleri haline geldi ve duvarları mimari, heykel ve dini duvar resimleri için tuvaller haline geldi. Hinduizm'in kutsal metinlerinin dili olan Sanskrit bilginleri, yerel bir Sanskrit edebiyatı oluşturdukları doğu Çinhindi'nin ve adaların eski imparatorluklarında saray mensubuydular. Bu edebi çaba, yalnızca büyük Hindu destanları Mahabharata ve Ramayana aracılığıyla sıradan insanlara ulaştı. Hindu tanrıları, şeytanlar ve güçlü adamlar hakkındaki hikayeler, Sanskritçe kutsal yazıların ulaşamayacağı zamanlarda Hinduizmi genel insanlara açıklamak için gerekliydi. 8. yüzyıldan önce gelişen Pyu-Burmalı Prome imparatorluğundaki yarımadanın karşısında, iki nedenden dolayı böyle bir gelişme olmadı: birincisi, Hinduizm Burma'da hiçbir zaman geniş çapta kabul görmedi ve ikincisi, daha açık Burma toplumu ne bir kurum geliştirdi, ne de Burma. bir tanrı-kral ya da kalıtsal bir asalet.

Daha sonra Pagan kralları Pali uzmanları tarafından kuşatıldı, ancak Pali araştırması sarayda değil, krallığın dört bir yanındaki manastırlarda yapıldı ve Buda'nın öğretilerini en uzak köylere bile getirdi. Dünyanın her yerinden Budist rahipler ve akademisyenler Pali'yi incelemek için Pagan'a seyahat ederken, Kamboçya ve Java'daki kralların mahkemeleri yalnızca Sanskrit araştırmalarının bölgesel merkezleri olarak kaldı. Jataka (Buda'nın doğumu) hikayeleri, Hinduizm'i kitlelere anlatmak için kullanılan Hint destanları gibi, Pali yazılarını okuyamayan sıradan insanlara Budizm'i açıklamak için kullanıldı. Kamboçya ve Java'daki tapınaklar, Jatakas'tan sahneleri tasvir eden oymalar ve fresklerle süslenmişti, tıpkı büyük destanlardaki olayları tasvir edenlere çok benziyordu.

Majapahit hanedanından sonra İslam'ın Güneydoğu Asya adasına gelişi, halihazırda var olan yerli ve Hindu-Budistlerin üzerine üçüncü bir kültürel katman kurdu. Eskinin küllerinden yeni bir Birmanya imparatorluğu gelişti ve Budizm'i anakara Güneydoğu Asya'ya yayma misyonunu sürdürdü. 18. yüzyılda Burma'nın Siam'ı işgali, beraberinde Burma oyununun gelişimini teşvik eden Hindu kültürünü getirdi. Çin tarafından yeniden fethedilen Vietnam, yarımadanın diğer tarafında Çin kültüründen giderek daha fazla etkilenmeye başladı. Kısa bir İslami kültürel altın çağının ardından, Güneydoğu Asya'nın ada uluslarının yerli halkı yabancı egemenliğine boyun eğmek zorunda kaldı. Sadece Burma ve Siam'da, Güneydoğu Asya'nın güçlü krallıklar olarak yıllarca süren savaşlarından ortaya çıkan iki hükümet, yerel sanatlar gelişmeye devam etti.

Din ve ulusal tarih uzun zamandır Güneydoğu Asya sanatının merkezinde yer almıştır. Buda'nın ve Hinduizm tanrılarının yaşamı ve karakteri bir yana, dini doktrin önemli bir ilgi alanı değildi. Büyük imparatorluklar yıkıldıktan sonra, ancak ihtişam ve güç hatıraları devam etti, ulusal tarihte yeni bir tema ortaya çıktı: geçmişten gelen efsanevi kahramanlara saygı.

Buda imgesi zamanla gelişirken, sanatçılar için popüler bir konu olmaya devam etti. Sanatçının kendi çağdaş zamanından sahneleri arka plan olarak kullanarak yerel rengi tanıtmanın yanı sıra, fresk ve kabartma heykellerde önceki yaşamlarından sahneleri tasvir etmesi, Jatakas'ın belirli ahlaki erdemleri vurguladığı için insanlara Budist etiğini öğretme amacına hizmet etti. Buda önceki yaşamlarında.

Aynısı, sanatçıya benzer bir şans sunan ve benzer bir işleve hizmet eden Hindu destanlarındaki olayların tasvirleri için de geçerliydi. Zaman geçtikçe, tanrılar ve tanrıçalar, kahramanlar ve prensesler, münzeviler ve sihirbazlar, iblisler ve ejderhalar, uçan atlar ve kanatlı kızlar vb. dini temaları kapsıyor.

Bir tür insanüstü ruh olan naga'nın farklı temsilleri, naga'nın Budist ve Hindu kutsal metinlerinden alınıp ulusal benzerleriyle kaynaştırılmasıyla dünyanın farklı yerlerinde ortaya çıktı. Burma nagasının kafasında kendine özgü bir arması vardır. Mon için naga bir timsahtı, ancak Khmer ve Endonezya için dokuz başlı bir yılandı.

Güneydoğu Asya'nın iblisleri Pali-Sanskritçe yakkha veya yaksha terimi altında bir araya getirilmiş olsa da, her ülkenin heykel ve resimlerinde farklı kimlikleri korunmuştur. Muson ormanına aşina olmayan aslan, yine de Hindu ve Budist mitolojisinin tanrılarıyla olan ilişkisi nedeniyle popüler bir yerli amblem ve tema haline geldi. Khmer İmparatorluğu, bir bereket tanrısı olarak yılan-ejderha tapınma pratiğini terk ettikten sonra bile, dokuz başlı naga, koruma ve kraliyet gücünün bir sembolü haline geldi ve taş nagalar, kraliyet sarayları ve kutsal tapınaklar üzerinde nöbet tuttu. Naga ibadeti Budistler tarafından hoş karşılanmadı.

Birmanya ve Mon sanat tarihi boyunca, naga her zaman Buda'ya boyun eğen bir rolde tasvir edilmiştir, genellikle bobinlerinden Buda için bir koltuk oluşturur veya onu elementlerden korumak için devasa başlığını kaldırır. Bir Mon tapınağının koruyucu figürü geleneksel olarak iki gövdeli ve bir insan başlı bir aslan olarak tasvir edilirken, Bir Burma tapınağının koruyucu figürü geleneksel olarak tepeli bir aslan olarak tasvir edilmiştir. Tai'nin Khmer ve Mon naga sanat geleneklerini miras aldığı iddiasına rağmen, iyi iblis bu kültürlerde tapınak koruyucusu olarak hizmet etti.

Hint hayvanları, sanata giren eski sembolizmin ve hayvan tasvirlerinin bir parçası oldu. Örneğin, Mons, amblem olarak kırmızı tırmığı seçti, Birmanya, Budist mitolojisinde tavus kuşunun güneşle ilişkilendirildiği gerekçesiyle güneşi en sevdikleri kuş, tavus kuşu olarak yeniden şekillendirdi ve Endonezya'da Garuda adlı efsanevi kuş, Vishnu'nun aracı, yerel kartalla birleşti. Bu kuşların tasvirleri süsleme olarak kullanım bulmuştur. Bir zamanlar Güneydoğu Asya evlerinin sazdan çatılarını ve ahşap duvarlarını süsleyen hayvanların stilize edilmiş versiyonları, daha gösterişli saraylara ve tapınaklara doğru yol aldı. Muson ormanlarından ağaç, meyve ve çiçek tasarımları, Hint çiçek desenleri ve antik geometrik motiflerle birleştirildi.

Güneydoğu Asya sanatı, Hindistan hariç, diğer herhangi bir bölgenin sanatından tamamen farklıdır. Burma, tarihsel olarak Çin ile hayati bir ticaret bağlantısı olmasına rağmen, geleneksel Burma sanatında Çin etkileri şaşırtıcı bir şekilde yoktur. Tai, Güneydoğu Asya'ya geç geldi ve yanlarında bazı Çin sanatsal geleneklerini getirdi, ancak bu uygulamaları Khmer ve Mon'unkiler lehine hızla terk ettiler. Bugün, bu erken temasların tek izleri, tapınakların mimari özelliklerinde, özellikle de sivrilen çatıda ve lake eşyalarda görülebilir.

Vietnam bin yıldır Çin'in bir kolonisi olduğundan, Çin kültürü Vietnam sanatını etkiledi. Günümüz güney Vietnam'ında Hinduizmin arkeolojik kanıtları, 15. yüzyılda Vietnam tarafından ele geçirilen antik Champa monarşisinin zamanına kadar uzanıyor. Kuzey Vietnam Budist heykellerinde Çin etkileri görülebilir. Kamboçya ve Endonezya'nın tapınak mezarlarını Vietnam imparatorlarınınkiyle veya Vietnam'ın zengin ve onurlu Buda heykellerini Kamboçya ve Burma'nın çileci ve zarif Buda heykelleriyle karşılaştırmak, Doğu Asya ve Güneydoğu Asya'dakiler. Hayvan ve insan figürlerini reddeden ve gündelik dünyanın aldatıcı güzelliğinin ardındaki gerçeği ortaya çıkarmaya çalışan İslam sanatı da Güneydoğu Asya sanatıyla aynı şekilde çok az paya sahiptir. Güneydoğu Asya sanatı, Hinduizm ve Budizm'in şehvetli dünyanın yanıltıcı ve geçici olduğu öğretilerini görmezden geldi.

Güneydoğu Asya sanatında gerçeklik ve fantezi bir arada bulunur ve hayata olumlu bir bakış açısı her parçaya nüfuz eder. Bazıları, klasik Khmer ve Endonezya sanatının tanrıların günlük yaşamlarını temsil etmeye odaklandığını, ancak Güneydoğu Asya perspektifine göre tanrıların günlük yaşamlarının kendilerininkiyle aynı olduğunu belirtti: neşeli, dünyevi ve ilahi. Güneydoğu Asya sanatı yalnızca Avrupa'nın "sanat için sanat" anlayışını yansıtmakla kalmadı, aynı zamanda Avrupa'daki sanatın laik ve dini kategoriler olarak bölünmesini de yansıtmadı. Muhteşem bir tapınağı ve lake bir tabağı süsleyen aynı motifler, Birmanyalı bir adamın kalçalarına dövülmüştü. Güneydoğu Asyalı sanatçı, Avrupalı meslektaşlarının aksine her anatomik açıdan doğruluğa önem vermediği için model kullanmaya gerek duymadı. Fantastik unsurların kullanımı ve insan hayatındaki iyiliği kutlamanın stresi, Güneydoğu Asya sanatını farklı kılan şeydir.

Japon sanatına odaklanın

Antik seramik ve heykellerden ipek ve kağıt üzerine mürekkep boyama ve kaligrafiye, ukiyo-e resimlerinden ağaç baskılara, seramik ve origamiye, çağdaş manga ve animeye kadar Japon sanatıyla ilgili çok çeşitli sanat formları ve medya bulunmaktadır. Japonya, M.Ö. 10. binyılda Japonya'da insan varlığının ilk işaretlerinden günümüze kadar zengin ve çeşitli bir tarihe sahiptir.

Japonya hem yabancı fikirlerin hızlı akını hem de dünyanın geri kalanından uzun süreli izolasyon yaşadı. Japonlar, estetik açıdan hoş buldukları diğer kültürlerin özelliklerini özümsemek ve uyarlamak konusunda uzun bir geçmişe sahiptir. Yedinci ve sekizinci yüzyıllarda, Budizm'in yayılmasına yanıt olarak Japonya'da sofistike sanat yaratıldı. 9. yüzyılda Japonlar Çin'den uzaklaşıp kendilerine özgü ifade tarzlarını geliştirdikçe, seküler sanatlar ön plana çıktı; O zamandan 15. yüzyılın sonlarına kadar hem dini hem de laik sanatlar gelişti. Nin Savaşı Japonya'da (1467-1477) patlak verdiğinde, bir asırdan fazla siyasi, sosyal ve ekonomik çalkantı başlattı. Tokugawa shogunate'in tasfiyelerinden kurtulan sanat eserleri büyük ölçüde laikti ve din günlük yaşamda çok daha küçük bir rol oynadı. Batı stillerinin aniden ortaya çıkışı Meiji Dönemi (1868-1912) sırasında önemli bir olaydı.

Japonya'da hem amatörler hem de uzmanlar, birincil sanatsal ifade biçimi olarak resimle uğraşırlar. Japonlar, özellikle modern çağa kadar kalem yerine fırça kullandıkları için resmin değerlerine ve estetiğine çok düşkündürler. Edo döneminde, tahta baskı büyük bir sanat biçimi haline geldi ve canlı baskılarını oluşturmak için kullanılan yöntemler, büyüyen bir popüler kültürün ihtiyacını karşılamak için rafine edildi. Bu süre zarfında geleneksel Japon Budizminin dini önemi azaldıkça, Japonlar heykelin yaratıcı vizyonlarını ifade etmek için daha az çekici bir araç olduğunu buldular.

Japon çanak çömleklerinin en yüksek sanatsal kaliteye sahip olduğu ve Japonya'dan gelen en eski eserlerden bazılarını içerdiği genel olarak kabul edilir; Japonya'dan yapılan porselen ihracatı, çeşitli dönemlerde önemli bir ekonomik faaliyet olmuştur. Maki-e ile zarif bir şekilde dekore edilmiş Japon cilaları, uzun zamandır Avrupa ve Çin'e popüler bir ihracat olmuştur ve bu eğilim on dokuzuncu yüzyıl boyunca devam etmiştir. Geleneksel Japon mimarisi, belirgin bir şekilde doğal malzemelere ve iç ve dış mekan yaşamının entegrasyonuna sahiptir.

Japon baskıları

Ukiyo-e veya Japon tahta baskıları Batı'da popülerlik kazanıyor. İsimleri, konularını tanımlayan "yüzen dünyanın resimleri" ifadesinden geliyor. Mutluluğun geçici olduğuna ve yalnızca arzunun yokluğunun aydınlanmaya yol açabileceğine dair Budist inancı, onların yükselen, ağırlıksız tablolarına ilham verdi.

Feodal Japonya'nın şogunları, Edo bölgesinde (günümüz Tokyo'su) başlayan Japon baskı resminin gelişmesinde etkili oldu. Kelimenin tam anlamıyla "tenha veya kapalı ülke" anlamına gelen Sakoku politikası uyarınca, Japonya kendini dünyanın geri kalanına kapattı. Amerikalı bir general olan Perry, 1853'te Meiji yönetimi ile müzakere etmek için Japonya'yı ziyaret etti. Perry Edo'yu ziyaret ettiğinde gelişen çağdaş bir sanat formu olan Ukiyo-e'nin birçok baskısı şehrin kaldırımlarında satılık olarak bulunabilirdi.

Japon tarihi ve efsanesinden sahneler, kabuki sanatçılarının portreleri, tiyatro sahneleri, aşık çiftler, ünlü fahişeler ve manzaralar gibi ukiyo-e'de sıklıkla tasvir edildi. Batı'dan gelen gezginler Ukiyo-e baskılarını anında beğendiler, bu yüzden onları evlerine geri getirerek dünyaya Japonya'nın eşsiz sanat tarzını tanıtmaları şaşırtıcı değil.

Ukiyo-e sanat baskıları, resimler geriye doğru bloklara oyulduktan sonra mürekkepli tahta blokları kağıda bastırarak yapılmıştır. Baskı ilk başladığında, her şey siyah beyaz yapılıyordu. Okomura Masanobu ve Suzuki Harunobu, her renk için ayrı bir blok gerektiren renkli tahta baskı alanında öncülerdi.

Konturlar için bir anahtar bloğu ve her renk tonu için ayrı bloklar gerekliydi. Ayrıca, tek bir bloktan az sayıda baskı yapılabileceğinden, önemli sayıda kopya basmak için önemli sayıda bloğun oyulması gerekecektir. Sanatçı, Japon sanat baskılarının üretiminde yer alan birçok profesyonelden sadece biriydi. Diğerleri arasında tasarımcılar, kalıp planlayıcılar, kalıp kesiciler ve kalıp presleri vardı.

1912 civarında, Ukio-e'nin Offshoots olarak bilinen baskıresim hareketi ölmeye başladı, ancak kısa sürede boşluğu doldurmak için iki başka baskıresim okulu kuruldu. Sosaku Hanga ve Shin Hanga onlar için iki isim. Basım süreci söz konusu olduğunda iki düşünce okulu vardır: Sanatçının her adımda merkezi bir rol oynaması gerektiğini savunan Sosaku Hanga ve daha geleneksel olan ve yayıncının en merkezi, çok farklı olduğunu savunan Shin Hanga. sanatçılar tasarım, engelleme ve baskıdan sorumlu olabilir.

Ukiyo-e baskılarını satın almak ve satmak için, bu büyüleyici sanat formunu doğru bir şekilde takdir etmek ve takdir etmek için birkaç Japonca terminoloji bilmek önemlidir. Bir Japon baskısına atıfta bulunulduğunda, "atozuri" terimi, ilk çalıştırma sona erdikten sonra basıldığını, ancak yine de orijinal tahta blokların kullanıldığını belirtir. Shozuri baskıları ilk baskılardır, fukkoku baskıları ise kopyadır. Sanatçı imzaları ve baskı baskı numaraları, tipik olarak, yirminci yüzyılın ikinci yarısına kadar Japon baskıresim sürecinin son adımlarına dahil edilmedi. Bunun yerine, her baskının yaratıcısının yanı sıra yayıncısı ve heykeltıraşını da adlandıran bir damgası vardı.

Bununla birlikte, Avrupalılar Japonya'nın eşsiz kültürünü öğrendikçe, Japonlarla ilgili her şey için bir heves ortaya çıktı ve 1860'ların sonlarında büyük Japon sanat baskıları kıtaya gönderildi. Japonya'daki yayınevleri, artan talebi karşılamak için daha ünlü tahta baskıların reprodüksiyonlarını üretmeleri gerektiğini çabucak fark etti.

Pullar ve diğer kenar boşlukları nedeniyle hangi baskıların orijinal, hangilerinin kopya olduğunu söylemek kolaydır. Bir belgenin orijinalliği genellikle kağıt ve renk durumuna göre belirlenebilir. Ortalama bir sanat koleksiyoncusu muhtemelen Japonca karakterleri okuyamadığından, otantik bir Japon sanat eseri satın almadan önce bir uzmandan tavsiye almalıdır.

Çin çiçek sanatı anlamlarına odaklanın

Neolitik dönemden itibaren Çin'deki sanatçılar sanat eserlerinde bitkileri tasvir ettiler. Çiçekler, kuşlar ve böcekler sadece güzel oldukları için değil, süs için kullanılır; aynı zamanda bir anlam zenginliği de taşırlar. Song hanedanı (960-1279) sırasında, "kuş ve çiçek" başlıklı resimlerin sayısındaki artış, çiçek imgelerinin Çin sanatında öne çıkan bir konu olarak statüsünü sağlamlaştırdı. Parşömen resimlerden başka, bu tema porselenler, cilalı eşyalar, yeşim heykeller, tekstiller, mobilyalar ve daha fazlası dahil olmak üzere çok çeşitli üç boyutlu sanat eserlerinde görülebilir.

Baharı karşılamaya hazırlanırken, AGGV'nin 19. yüzyıldan Asya Sanatı koleksiyonundan bir seçkiye bakarak Çin sanatında çiçeklerin sembolizmini inceleyeceğiz. Bu albümün sanat eserleri, gerçek flora ve faunalarına dayanan çiçek ve kelebeklerin tam temsilidir. Kombinasyonun ilk olarak 18. yüzyılda doğum günü hediyesi olarak verilmek üzere özel olarak sipariş edilen mallarda ortaya çıkmış olması muhtemeldir. Kelebek tekrarları, aynı anda birden fazla iyi dilek ifade etmek için kullanılabilir. Uzun ömür ile de bağlantılı olan bu eşyalar harika doğum günü sembolleridir. Taoizm'de kelebekler, ruhun serbest bırakılmasını temsil ediyordu. Çiçekler birçok olumlu şeyi temsil eder ve bu sanat eserlerine dahil edilmeleri sadece olumlu çağrışımlarına katkıda bulunur.

Savaşta trajik bir şekilde parçalanan iki sevgili hakkında bir Çin halk masalına göre gelincik, romantik bir ilişkideki ortaklar arasındaki sadakati ve bağlılığı temsil eder. Hikaye, karısının asker kocasının ölümünden sonra kendini adadığı noktada büyüyen gelincikler etrafında dönüyor.

Huakaifugui ifadesi, Çin Yeni Yılı'nda (Ocak sonundan Şubat ortasına kadar) çiçek açan kamelyaların, gelecek yıl iyi bir talihi karşılamak için kişinin evini güzelleştirmek için kullanılması gerektiğini öne sürüyor. Avrupa'nın uzun süredir güle düşkünlüğü nedeniyle, çiçek sıklıkla başka yerlerde satılması amaçlanan eşyalarda tasvir edilir. Çin gülü yıl boyunca sık sık çiçek açtığından, ona "kalıcı bahar çiçeği" adı uygulanmaya başlandı.

Sabahın Gururu Canlı bir mor renkte açan sabah ihtişamının trompet şeklindeki çiçekleri, ilk olarak 15. yüzyılda Ming mavisi ve beyaz eşyalarda dekoratif bir unsur olarak kullanılmıştır. Bu çiçeğin evlilikteki mutluluğu simgelediği iddia ediliyor. Çin, her biri benzersiz bir çiçeklenme mevsimine sahip birçok açelya türüne ev sahipliği yapmaktadır. Kelebeklerle birlikte kullanıldığında açelya, 'sanatta yaratıcı yetenek' çağrışımını üstlenir ve sanatta çok yaygın olan kadınsı güzelliği temsil eder.

Merak: Oryantalizm nedir?

Oryantalizm, Doğu'dan gelen unsurları taklit etme veya klişeleştirme pratiğini ifade eder ve sanat tarihi, edebiyat ve kültürel çalışmalar alanlarında bulunur. Bu tasvirlerden en çok Batılı yazarlar, tasarımcılar ve ressamlar sorumludur. 19. yüzyılda popüler olan akademik sanatın çeşitli alt türlerinden, Orta Doğu'yu göstermeye odaklanan Oryantalist resim en öne çıkanlardan biriydi. Aynı şekilde, zamanın Batı edebiyatı da Doğu'nun egzotizmine yoğun bir ilgi gösterdi.

Akademik çevrelerde "Oryantalizm" terimi, Edward Said'in Oryantalizm kitabının 1978'de yayımlanmasından bu yana olağan hale geldi. Bu terim, Asya ve Afrika kültürlerine yönelik küçümseyici bir Batı perspektifini tanımlamak için kullanılıyor. Said'e göre Batı, bu kültürleri durağan ve azgelişmiş olarak özselleştirir ve emperyal otoritenin hizmetinde araştırılabilen, tasvir edilebilen ve yeniden üretilebilen bir Doğu kültürü resmi yaratır. Said'in işaret ettiği gibi, bu yanlışlık, Batı toplumunun ilerici, zeki, uyarlanabilir ve üstün olduğu varsayımına dayanmaktadır. Bu, Batılılara "Doğu" kültürlerini ve insanlarını hem egzotik hem de tehlikeli olarak hayal etme özgürlüğü veriyor.

"Oryantalizm" terimi, sanat tarihinde, 19. yüzyıl boyunca Batı Asya'daki keşiflerinin bir sonucu olarak Doğu temalarına ve motiflerine odaklanan Batılı sanatçılar tarafından yaratılan eserlerin bütününü tanımlamak için kullanılır. O zamanlar, sanatçılar ve akademisyenler genellikle alaycı bir şekilde Fransız sanat eleştirmeni Jules-Antoine Castagnary tarafından popüler hale getirilen bir terim olan "Oryantalist" olarak etiketlendi. Jean-Léon Gérôme'un onursal başkanı olduğu Fransız Oryantalist Ressamlar Cemiyeti, türün yaygın toplumsal reddine rağmen 1893'te kuruldu; aksine, Britanya'da "Oryantalist" basitçe "sanatçı" anlamına geliyordu.

Sanatçıların bakış açıları, 19. yüzyılın sonlarında, üyelerin kendilerini daha büyük bir sanatsal hareketin parçası olarak görmelerini sağlayan Fransız Oryantalist Ressamlar Derneği'nin kurulmasıyla değişti. 19. yüzyılda hareketin en parlak döneminde çok sayıda farklı Oryantalist resim stili ortaya çıkmış olsa da, "Oryantalist resim" terimi genellikle akademik sanatın tek bir alt türünü belirtmek için kullanılır. Pek çok sanat tarihçisi Oryantalist ressamları iki kategoriye ayırır: Doğrudan gözlem yoluyla resim yapanlar ve stüdyolarında fantastik ortamlar yaratanlar. Oryantalist hareketin en önemli figürlerinin Eugène Delacroix (1798-1863) ve Jean-Léon Gérôme (1824-1904) gibi Fransız sanatçılar olduğu genel olarak kabul edilir.

Fransız Oryantalizmi

Napolyon'un 1798-1801'de Mısır ve Suriye'yi feci şekilde işgali Fransız Oryantalist resmini etkilemiş ve ilerleyen yıllarda Gros'un orduyla Ortadoğu'ya seyahat etmemesine rağmen Napolyon'un saray ressamları, özellikle Antoine-Jean Gros tarafından belgelenmiştir. . Bonaparte Ziyareti Jaffa'nın Veba Kurbanları (1804) ve Abukir Savaşı (1806) her ikisi de o zamanlar olduğu gibi İmparator'u merkez alır, ancak aynı zamanda birçok Mısırlı bireyi de içerir. Piramitler Savaşı'nda daha az başarılı olan Napolyon'un da birçok Mısırlısı (1810) vardır. Ayrıca Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson'ın La Révolte du Caire (1810) adlı eseri de önemliydi. Fransız hükümeti, Açıklama de l'Égypte başlığı altında 1809 ve 1828 yılları arasında Mısır'ın eski eserlerinin resimli bir tarifinin yirmi ciltini üretti.

Eugène Delacroix, Yunanistan'a ya da Doğu'ya ayak basmadan önce, arkadaşı Théodore Géricault'un Medusa'nın Salı'sı gibi, uzak bir yerde yakın zamanda ortaya çıkan ve yakın zamanda yaşanan bir trajediyi betimleyen Sakız Adası'ndaki Katliam (1824) ile ilk büyük başarısını elde etti. kamuoyu. Yunanlılar hala Osmanlılardan kurtulmak için mücadele ederken, ülke imparatorluğun daha Uzak Doğu kesimleri kadar egzotikti. Delacroix daha sonra, bir yıl önce gerçekleşen bir kuşatmayı anmak için Missolonghi Harabeleri üzerine Yunanistan'ı (1827) ve Lord Byron'dan ilham alan ve ilk sanat eseri olduğu söylenen Sardanapalus'un Ölümü (1828) resmini çizdi. seks, şiddet, tembellik ve egzotizmi birleştirmek. 1832'de, Fas Sultanı'na diplomatik bir misyonun parçası olarak, Delacroix nihayet Fransızlar tarafından yeni ele geçirilen bir bölge olan şimdiki Cezayir'e gitti. Kuzey Afrika yaşam tarzı ile Antik Romalılar arasında paralellikler çizerek tanık olduklarından derinden etkilendi ve Fransa'ya döndükten sonra gezisinden konu boyamaya devam etti. Birçok Oryantalist ressam gibi kadınları tasvir etmekte zorlandığı için, resimlerinin çoğunda atlı Yahudiler veya savaşçılar vardı. Birkaç harem sahnesi aynı gerçekçilik iddiasında bulunabilirdi, ancak görünüşe göre bir evin kadınlar bölümüne (veya haremine) girerek Cezayir Kadınları'nın ne olduğunu çizebildi.

Fransız Académie de penture'nin müdürü Ingres, canlı renkli bir Türk hamamı tasvirinde kadın figürlerini belirsiz bir şekilde genelleştirmesiyle erotikleştirilmiş bir Doğu'yu popülerleştirdi (hepsi aynı model olabilirdi). Gizemli Doğu'da, cinselliğin daha açık teşhirlerine müsamaha gösterilirdi. Henri Matisse'in Nice dönemi yarı çıplak resimleri ve Şark kıyafetleri ve desenlerini kullanması, bu motifin 20. yüzyılın başlarına kadar devam eden kullanımının örnekleridir. Buharlı gemi seyahat etmeyi çok daha kolay hale getirdi ve birçok sanatçı, çok çeşitli Doğu manzaralarını boyamak için Orta Doğu'yu ve ötesini ziyaret etti. Doğu'yu ziyaret etmeden önce, Ingres'in öğrencisi olan Théodore Chassériau (1819-1856), çıplak Esther Tuvaleti (1841, Louvre) ve Ali-Ben-Hamet, Konstantin Halifesi ve Başkomiser'in binicilik portresi ile başarıya ulaşmıştı. Eskortu tarafından takip edilen Haractas

Bu eserlerin çoğu, Şark'ın basmakalıp, egzotik ve cinselleştirilmiş bir tasvirini sürdürdü. Bu tür sanat eserleri genellikle Arap, Yahudi ve diğer Sami kültürlerine odaklandı, çünkü Fransız ressamlar, imparatorluk Fransa'nın Kuzey Afrika'daki etkisini genişlettiği için bölgenin tarihi ve gelişimi hakkında bilgi edinmek için seyahat etti. Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme ve Jean-Auguste-Dominique Ingres gibi birçok Fransız sanatçı, İslami kültür resimlerinde odalıkları tasvir ettiler. Durgunluğu ve gösterişli görselleri vurguladılar. Özellikle tür resimleri, aynı konunun Avrupa örneklerine çok benzediği veya Saidci anlamda Oryantalist bir dünya görüşünü ifade ettiği için eleştirilmiştir. Gérôme, haremleri, hamamları ve köle müzayedelerini bariz bir şekilde cinsellik içeren tasvirleriyle (ikinci ikisi de klasik dekorlu olarak mevcuttur) ve "Kraliyet"e katkıda bulunmalarıyla tanınan bir grup geç yüzyıl Fransız ressamının atası ve genellikle ustasıydı. oryantalizmin pornografik modda çıplakla denklemi".

Avrupa mimarisi ve tasarımında oryantalizm

15. yüzyılın sonlarında başlayarak, Rönesans süslemesinin Moresque tarzı, neredeyse günümüze kadar ciltçilik gibi belirli alanlarda kullanılmaya devam eden İslami arabeskin Avrupa uyarlamasıydı. "Hint-Saracenic Revival" terimi, Hint mimari temalarının erken Batı kullanımını tanımlar. Londra'daki Guildhall'ın ön cephesi bu döneme (1788-1789) dayanmaktadır. Yaklaşık 1795'ten itibaren, Hindistan'ın görüşleri William Hodges ve William ve Thomas Daniell tarafından yayınlandığında, stil Batı'da popülerlik kazandı. "Hindoo" mimarisinin en bilinen örnekleri arasında, Bengal'den yeni dönmüş bir nabob için inşa edilen Gloucestershire'daki Sezincote House (c. 1805) ve Brighton'daki Royal Pavilion sayılabilir.

Dekoratif sanatlarda "Türk" üsluplarının kullanılması, ara sıra Türk kıyafetlerinin benimsenmesi ve Osmanlı İmparatorluğu'nu tasvir eden sanata ilgi, 15. yüzyılın sonlarında başlayan ve en az 18. yüzyıla kadar süren Turquerie hareketinin bir parçasıydı. 18. yüzyıldan sonra Fransa daha önemli hale geldiyse de asıl merkez Osmanlıların uzun süreli ticari ilişkisi olan Venedik'ti.

"Chinoiserie" adı, 17. yüzyıldan başlayarak Batı Avrupa'da popüler olan ve özellikle Rokoko döneminde (yaklaşık 1740-1770) birkaç dalgada zirveye ulaşan Çin'den ilham alan unsurlarla genel dekorasyon stilini ifade eder. Çin seramiklerinin teknik karmaşıklığı, Rönesans'tan 18. yüzyıla kadar Batılı tasarımcılar tarafından denendi ve yalnızca kısmen başarılı oldu. İngiltere (Doğu Hindistan Şirketi ile), Danimarka (Doğu Hindistan Şirketi ile), Hollanda (Doğu Hindistan Şirketi ile) ve Fransa (Doğu Hindistan Şirketi ile) gibi ülkeler 17. yüzyılda işaretler göstermeye başladı. Chinoiserie (Fransız Doğu Hindistan Şirketi). 17. yüzyılın başlarında, Delft ve diğer Hollanda şehirlerindeki çömlekçiler, Ming hanedanlığı döneminde Çin'de üretilen aynı otantik mavi ve beyaz porselenleri kullanmaya başladılar. Meissen gibi gerçek porselen üretiminin en eski yerlerinden gelen tabaklar, vazolar ve çay takımları geleneksel Çin formlarını taklit etti (bkz. Çin ihracat porselenleri).

Geç Barok ve Rokoko Alman saraylarının resmi parterleri, "Çin tadında" zevk pavyonlarına sahipti ve Madrid yakınlarındaki Aranjuez'deki çini paneller benzer yapıları tasvir etti. Özellikle çay masaları ve porselen dolaplar, Thomas Chippendale tarafından 1753-1770 yıllarında oymalı cam ve korkuluklarla süslenmiştir. Vatandaşlığa geçiş, aynı zamanda, orta Gürcü bir yan masa haline gelen tang ve İngiliz beyefendilerinin yanı sıra Çinli bilim adamlarına uygun kare çıtalı koltuklar gibi erken Xing bilginlerinin mobilyalarına kasvetli saygılarda da gerçekleşti.

Geleneksel Çin estetiğinin tüm Batılı yorumları "çinoiserie" olarak kabul edilmez. Chinoiserie medya örnekleri arasında seramik figürler ve masa süsleri, levha biçiminde erken boyanmış duvar kağıtları ve Japonya'yı çağrıştıran lake ve boyalı kalay (tôle) tabakların taklitleri sayılabilir. Bahçelere tam boyutlu pagodalar kurulurken, minyatür versiyonlar şömine raflarına yerleştirildi. William Chambers tarafından yaratılan Büyük Pagoda, Kew'de çarpıcı bir yapıdır. Stuttgart'ta bulunan Wilhelma (1846), Mağribi Revival tarzını örnekleyen bir yapıdır. Sanatçı Frederic Leighton için inşa edilen Leighton House, geleneksel bir dış cepheye, ancak orijinal İslami çiniler ve diğer bileşenlere ve Viktorya Dönemi Oryantalize çalışmalarıyla süslü Arap tarzı iç mekanlara sahiptir.

Büyük ölçüde ukiyo-e baskılarının Batı'ya tanıtılması nedeniyle, Japonizm olarak bilinen estetik hareket 1860'tan sonra gelişti. Claude Monet ve Edgar Degas gibi modern Fransız sanatçılar üzerinde özellikle etkili olan Japon estetiğiydi. Japon baskıları, Fransa'da yaşayan ve çalışan Amerikalı sanatçı Mary Cassatt'a ilham verdi. Katmanlı desenler, düz düzlemler ve dinamik perspektif kullanımlarını kendi çalışmalarına dahil etti. Japon esinli sanatın en iyi örneklerinden bazıları, James Abbott McNeill Whistler'ın tablolarından oluşan The Peacock Room'da bulunur. Gamble House ve California'daki Greene ve Greene'in diğer binaları Japon mimarisinden etkilenmiştir.

Mısır Revival mimarisi, 19. yüzyılın başlarında ve ortalarında popüler bir stildi ve 20. yüzyılın başlarına kadar küçük bir stil olarak devam etti. 19. yüzyılın başlarında, sinagoglar, Alman eyaletlerinde ortaya çıkan Mağribi Revival tarzının başlıca yararlanıcıları arasındaydı. Indo-Saracenic Revival olarak bilinen bir mimari tarz, 19. yüzyılın sonlarında İngiliz Raj'ında ortaya çıktı.

Oryantal sanatla dekorasyon

Oryantal dekorun estetiği, dünyanın en çekicileri arasındadır. Mobilya ve iç dekorasyon endüstrisinde popüler olan oryantal dekor elemanlarının kullanımı artıyor. Asya sanat formlarının bu koleksiyonu binlerce yıldır talep görüyor ve çok çeşitli Asya ülkelerinden eserler içeriyor.

"Doğu sanatı" terimi genellikle Japonya'daki Geyşa kızlarının resimlerini veya Çin suluboya resimlerini çağrıştırır, ancak bunlar tek örnek değildir. Canlı renkleri ve detaylara gösterdikleri özen ile Oryantal parşömenler, vazolar ve tablolar yüzyıllardır varlığını sürdürmektedir. Şemsiyeler, yelpazeler ve lambalar, Doğu sanatının diğer biçimlerinin diğer örnekleridir.

Doğu sanatının bu kadar sevilmesinin nedenlerinden biri de temiz çizgileri ve canlı renkleridir. Doğu ve Batı yarım küreler, Doğu dekorunun unsurlarını iç mekanlarına dahil etmişlerdir. Zarafeti ve işlevselliği nedeniyle, sıra dışı olan ortamlarda kullanılabilir. Evinize bir parça Doğu sanatı eklemek, ona benzersiz bir görünüm ve his vermenin harika bir yoludur. Duvar vantilatörü, Doğu sanatının ikonik bir örneğidir. Doğu'dan gelen eşyalarla dekorasyon yapmak harika bir fikir çünkü hem şık hem de ucuz.

Alandaki birçok uzmanın önerdiği gibi, müzayedeler Doğu sanatı eserlerini satın almanın en iyi yollarından biridir. Bu nedenle müzayede kataloglarına göz atabilir ve evinizi Oryantalist aromalı parçalarla dekore etmeye başlayabilirsiniz. Bununla birlikte, Japon sanatı hakkında, genellikle baskılar, seramikler, zırhlar ve daha fazlasını içeren müzayede.

Bazı ünlü doğulu sanatçılar

Gu Kaizhi (344 – c. 406)

Çinli sanatçı Gu Kaizhi'nin ünlü eserleri arasında Mürebbiyenin Saray Hanımlarına İhbarları ve Şanlı Kadınlara Talimatlar yer alıyor. Aynı zamanda bir şair ve sanat teorisyeniydi. Renkli bir hayatı olan ve zaman zaman büyük bir sinizm sergileyen Taocu bir filozoftur. 366'da başlayan bir hükümet yetkilisi olan Gu Kaizhi (c. 344-406), Jiangsu eyaleti, Wuxi'de doğdu, ancak yetenekleri siyasetin çok ötesine geçti. Aynı zamanda başarılı bir şair, denemeci, ressam ve Çin hat sanatının uygulayıcısıydı. Üç eser, Resim Üzerine, Wei ve Jin Hanedanlarının Ünlü Tablolarına Giriş ve Yuntai Dağı'nın Resmi, Gu'nun ortamla ilgili sayısız teorisini özetliyor. Hayatının çalışmaları, insan ve ilahi figürlere, hayvanlara, manzaralara ve su yollarına odaklanan 70'den fazla resimde belgelenmiştir. Nanjing Tapınağı Buda (tapınağın inşası için para kazanmak için yaratılmıştır), Mürebbiyenin Saray Hanımlarına İhbarları ve Luo Nehri Perisi genellikle ona atfedilen eserlerdir. Gu Kaizhi'nin eserleri artık dünyanın her yerindeki koleksiyonlarda bulunuyor. MS 220 ve MS 581 yılları arasında Çin resminin altın çağı yaşandı. Çin'de 300 yıl boyunca meydana gelen savaşlara ve hanedan değişikliklerine rağmen, ülkenin kültürel hayatı canlı kaldı. Bu, büyük ölçüde, ülkenin sanatsal gelişimine önemli bir ivme kazandıran birçok farklı okuldan kaynaklanıyordu. Çin kaligrafisi ve sanatında bu dönemde mezar resimleri, taş ve tuğla heykeller ve cila resimleri dahil olmak üzere çeşitli virtüözlük örnekleri vardır. Çağdaş Çin resminin altında gördüğümüz resimsel kurallar, Grafik Teorisi ve Altı Kural Teorisi gibi kurallar da teorize edilmiştir. Bu sanatçıların en etkili ve tanınmışlarından biri, genellikle geleneksel Çin resminin yaratıcısı olarak kabul edilen Gu Kaizhi'dir. Eserleri yaşadığı dönemi özetler.

Fan Kuan (960 – c. 1030)

990'dan 1020'ye kadar Fan Kuan, Çin'de önde gelen bir "kuzey tarzı" Taocu ressamdı. Diğer şeylerin yanı sıra 10. ve 11. yüzyılların en iyi ustası ona atfedilir. Fan Kuan'ın Dağlar ve Akarsular Arasında Gezginler başlıklı dikey bir parşömen, Kuzey Şarkı Okulu için temel sanat eseri olarak kabul edilir. Birçok sanatçının daha sonra rehberlik için arayacağı devasa manzara resmi için bir standart belirliyor. Yakın, orta (su ve sis ile temsil edilen) ve mesafe olmak üzere eski Çin üç boyut fikrinin burada iş başında olduğu açıktır. Çin manzara resminin en eski örneklerinin aksine, doğal dünyanın ihtişamı sonradan düşünülmekten ziyade odak noktasıdır. Monolitin tabanında, çalıların arasından çıkan bir dizi yük atı görülebilir. Eski Tang Hanedanlığı'ndan gelen gelenekler, sanat eserinin görsel tarzında görülebilir.

Katsushika Hokusai ( 1760 – 1849 )

Katsushika Hokusai'nin Japonya'da ressam ve matbaacı olarak popüler hale getirdiği ukiyo-e tarzıdır. Baskılarıyla tanınan, titiz ve eksantrik bir ressamdı. Ancak, hayatı boyunca her iki ortamda da çalışmaya devam etti. Kariyerinin altmış yılı aşkın bir süredir, tiyatro konularını betimleyen gravürler, özel dolaşım için tebrik baskıları (surimono) ve 1830'lardan başlayarak manzara serileri üzerinde deneyler yapmıştı. Çeşitli İller ve Fuji Dağı'nın Otuz Altı Görünümü, kısmen ünlü yanardağa kişisel bir bağlılığı yansıtır. Aynı zamanda bu kanonun bir parçası olan Büyük Kanagawa Dalgası da ilişkili bir çalışmadır. En az yeğeninin kumara yatkınlığı olan bir dizi aile sorununun yol açtığı büyük bir sıkıntı döneminin ardından, hem amatörlere hem de profesyonellere yönelik bir dizi çizim ve manga rehberi yayınladı. Kadınlar ve çocuklar için çok çeşitli gizemli kitaplar ve kısa öyküler yazıp çizmenin yanı sıra büyük edebi şaheserleri resmetmek üzerinde çalışmak, muhtemelen ergenlik yıllarında seyahat etmek için ayak işleri yapan bir çocuk olarak başlayan, ömür boyu süren edebiyat sevgisinden ilham aldı. kitaplık. Yazdığı haiku da oldukça iyiydi. Sanatının Claude Monet gibi Avrupalı İzlenimciler ve Vincent van Gogh ve Fransız ressam Paul Gauguin gibi post-empresyonistler üzerindeki yaygın etkisi nedeniyle, Hokusai hakkında 1896 ve 1914 yılları arasında günün önde gelen eleştirmenleri tarafından Fransızca olarak üç biyografi yayınlandı. Edmond de Goncourt. Hakkında anlatılan hikayelere göre, kariyeri boyunca doksandan fazla yer değiştirmiş ve birkaç farklı sahne ismi kullanmıştır.

Hiroşi Yoşida (1876 – 1950)

Japon ressam ve yazıcı Hiroshi Yoshida. Tac Mahal, İsviçre Alpleri ve Büyük Kanyon baskıları shin-hanga sanatının en ünlü örnekleri arasındadır ve izleyicilerde güçlü duygular uyandırır. 19 Eylül 1876'da Kysh Adası'ndaki Fukuoka Eyaleti, Kurume şehrinde, Hiroshi Ueda doğumlu Hiroshi Yoshida'nın hayatı başladı. Bir devlet okulu sanat öğretmeni olan evlat edinen babası, erken dönem sanatsal yeteneğini teşvik etti. Koyama Shotaro'nun yanında Tokyo'da üç yıl öğrenim gördükten sonra, 19 yaşındayken ünlü Batılı resim ustası Tamura Shoryu'nun yanında çalışmak üzere Kyoto'ya transfer edildi. 1899'da Yoshida, ilk gösterisini o zamanlar Detroit Sanat Müzesi olarak adlandırılan ama şimdi Detroit Sanat Enstitüsü olarak adlandırılan yerde yaptı. Hiroshi Yoshida, Meiji döneminde Japonya'ya girişinden bu yana aracı kullanan başarılı bir yağlı boya ressamıydı. 1921'deki Yelkenli Tekneler serisi ve Tac Mahal baskıları (ki bunlardan altı tanesi), Yoshida'nın havayı değiştirmek için aynı görüntüyü farklı renklerde yeniden üretme alışkanlığının örnekleridir.

alıntılar

Madeleine L'Engle

• " Eski Çin sanatında büyük ressamların eserlerine her zaman kasıtlı bir kusur eklemeleri gerçeğini seviyorum: insan yaratımı asla mükemmel değildir."

Ai Weiwei

• “Bütün zenginler geleneksel Çin sanatını toplar. Dolayısıyla Çinli ailelerin sanatı hala en yüksek insani performans olarak görmesi ve çocuklarını bu alana göndermesi çok doğal.”

Stephen Gardiner

• "Japon sanatında mekan baskın bir rol üstlendi ve konumu Zen kavramlarıyla güçlendirildi".

Henri Matisse

• "Japon sanatının büyük çağının sanatçıları kariyerleri boyunca pek çok kez isim değiştirmediler mi? Bu hoşuma gitti, özgürlüklerini korumak istediler".

Port de mer " konulu sanat eserleri satın almak:

Artmajeur'da risksiz olarak sevdiğiniz sanatları satın alın! Başka yerde bulamadığınız bir tür kreasyon satın alın! Daha fazla seçenek: 

• Port De Mer Satılık Resim Sergisi
• port de mer Satılık Heykeller
• PORT DE MER Satılık fotoğraf
• Port De Mer Çizimler (İkinci sanat)