ROSES (2021) Pittura da Valery Marche.
A minha hierarquização das naturezas-mortas com flores reúne todas aquelas que, a meu ver, foram as obras mais icónicas e "comerciais" do referido género, que organizei numa narrativa por ordem decrescente, destinada a culminar no símbolo por excelência do tema, ou seja, naquela obra-prima que ninguém, ou quase ninguém, se furta a desconhecer, que tomei a liberdade de eleger como o icónico cartaz representativo das pinturas "florestais" por excelência. Antes de passar para o top 10, no entanto, é bom entrar, pelo menos por um momento, no contexto histórico a que pertencem as naturezas-mortas com flores, sujeitos naturais nascidos, inicialmente como uma manifestação artística menor em comparação com as históricas, religiosas ou mitológicas, da mão do flamengo Hans Memling, que, por volta de 1490, lançou as bases para a continuação de um tema que hoje se tornou incontornável, graças também ao facto de, ao longo dos séculos, ter atingido uma intensidade e originalidade estética muito superior a uma simples reprodução botânica. Além disso, após o sucesso alcançado pelo gênero dentro do estilo Art Nouveau, devemos ao advento do século XX a intuição de ir além de reproduzir as flores apenas como elas são, para envolvê-las em assemblages, instalações, fotografias, etc. interromper esta longa, antiga e futura história para nos voltarmos para as obras que, entre o final do século XIX e os anos 2000, representaram para mim o ápice do gênero, na medida em que são não apenas técnica e estilisticamente inéditas, mas também verdadeiros "mainstream produtos" altamente contemplados pelas massas.
Murakami com um espécime de sua série Flower Ball. @soulr.co
10. Takashi Murakami, Flowerball Pink, 2007
Dito de forma sucinta e sem fazer qualquer referência às intenções, formação e influências na origem da obra de Murakami, Flowerball Pink (2007) é uma estampa circular preenchida por um intenso e "lotado" respingo de flores brilhantes, que, cada uma dotada de um sorriso face, criam uma sensação de tridimensionalidade ilusória, destinada a animar toda a série Flower Ball, da qual a referida estampa faz precisamente parte. Acrescentando nesta descrição sucinta dos detalhes que faltam, as flores populares de Murakami, tão importantes na carreira do artista quanto as latas de sopa Campbell podem ser para Warhol, surgem de uma reinterpretação original da pintura tradicional japonesa, na qual as flores eram frequentemente representadas. A esta iconografia milenar junta-se a observação atenta do mundo da manga, da anime e da subcultura japonesa, geradoras de objectos comerciais, que são transformados em arte por Takashi através do esbatimento das fronteiras entre o consumismo e a arte, atitude que mais uma vez ecoa a intenções da Pop art dos anos 1950. Apesar de tais afinidades, os desenhos de Murakami vão além da mera justaposição de alta e baixa cultura, pois por trás dos já mencionados sorrisos luminosos se vislumbram lágrimas escondidas, capazes de moldar aquela coragem madura capaz de esconder o sofrimento por trás de uma manifestação digna de serenidade. Aliás, esta última constatação está ligada a uma dolorosa declaração do artista ao New York Times, em que confessou, que as suas Flores Sorridentes nada mais são do que uma manifestação muda das emoções reprimidas, bem como dos traumas, vividos coletivamente pelos japoneses no momento mais dramático de sua história: os bombardeios de Hiroshima-Nagasaki em 1945.
Escultura de flores de Yayoi Kusama. @kusama_archive
9. Yayoi Kusama, Ready to Blossom in the Morning, 1989
Mais uma vez, ela não se contradiz! Yayoi Kusama, artista japonesa contemporânea extremamente conhecida pelo uso compulsivo de padrões densos de bolinhas, decorações por sua inspiração, inexoravelmente extraída das alucinações dramáticas e arredondadas de que a artista sofre desde a infância, não nos pega de surpresa quando ela opta por reaproveitar seu motivo mais querido também para dar vida a um fundo vermelho repetitivo, visando se materializar nos pontos que cercam as duas flores, visando a silhueta em primeiro plano. Se a obsessão que acaba de revelar, manifestada neste caso através da representação do mundo das flores o surpreendeu, então você não conhece o trabalho do artista japonês, que em outras ocasiões abordou, novamente compulsivamente, o mundo floral, assim como quando, por exemplo, durante a National Gallery of Victoria's Triennial (Melbourne, 2018), ela permitiu que os visitantes colocassem livremente multidões de gérberas em todas as superfícies disponíveis em uma sala. Essa obra, intitulada Flower Obsession, encontra explicação, uma vez mais, através da repetição das referidas visões, embora, neste caso particular, seja a própria artista a revelar a origem da instalação: "Tudo começou com uma alucinação. Um dia quando criança, após observar um padrão de flores vermelhas na toalha de mesa, olhei para cima e o teto, as janelas e as colunas pareciam estar rebocadas com o mesmo padrão floral vermelho. Vi toda a sala, todo o meu corpo e universo cobertos de vermelho flores, e naquele instante minha alma se apagou... Aquilo não foi uma ilusão, mas a própria realidade."
Andy Warhol, Flores, 1964.
8. Andy Warhol, Flores, 1964
Antes de 1964, de forma um tanto inacreditável, faltava ao repertório de Warhol, quase imperdoavelmente, a abordagem de um assunto primordialmente naturalista, como, digamos, flores! Como o artista de Pittsburgh conseguiu esquecer um gênero tão recorrente na história da arte, talvez para ser transformado em um objeto de consumo repetitivo a ser oferecido compulsivamente às massas? Na verdade, Andy nunca apresentou um interesse independente pelo assunto acima, tanto que sua análise foi motivada pela intervenção de Henry Geldzahler, curador de arte contemporânea, que instou Warhol, durante a Feira Mundial de 64 em Nova York, a enriquecer sua produção com o elemento natural por excelência. Eventualmente, porém, Andy tornou-se íntimo de tal assunto, em particular com Hibiscus, que, feito em um estilo que visava combinar técnicas impressionistas e abstratas, perseguiu a intenção de dar voz à alma mais íntima do artista e, talvez, também a menos exposta e polêmico, pois muitas vezes é encoberto pelas aparências da narrativa consumista. Até aí tudo bem, tanto que Warhol interpretou o assunto várias vezes, mas um dia a amarga verdade veio à tona: as serigrafias de "Flores" claramente retomam a imagem das flores de hibisco das fotografias de Patricia Caulfield, uma artista que , não questionado por Warhol, foi direto para a Justiça!
7. Roy Lichtenstein, Flores Negras, 1961
Chegamos à sétima posição, ocupada por um dos principais artistas da Pop art, junto com o que acabamos de comentar: estou falando de Roy Lichtenstein, conhecido por suas obras inspiradas em jornais e revistas em quadrinhos, principalmente aquelas, que , feito por meio do ponto Ben-Day, ilustrou a vida da época, passando para a história, sobretudo, por meio de obras-primas como Whaam! (1963), bem como os que retratam lindas loiras, que, de forma bastante condescendente, quase chegaram a chorar e sorrir sob comando. Nesta produção, na qual podemos incluir também obras com temas do Pato Donald e do Rato Mickey, bem como remakes de obras-primas conhecidas, quem diria que poderíamos encontrar também naturezas-mortas florais? Neste ponto apresento Black Flowers, obra que, apesar de datada de 1961, ou seja, de se situar no início da carreira do artista, já traz de volta alguns traços estilísticos mais maduros de Liechtenstein, que, marcados indelevelmente pelo mundo da tirinhas, vêm, neste caso, subverter a beleza cromática das flores, captá-las em um incomum preto e branco, visando erguer-se sobre um vaso em forma de coluna canelada, detalhe que possibilita a união entre o clássico e o mundo das revistas.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Óleo, 73,7 x 45,7 cm.
6. Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924
Impossível não incluir neste top 10 o trabalho de O'Keeffe, uma artista americana mais conhecida por suas pinturas de flores, que feitas em close ou em grande escala, representavam algumas de suas obras-primas mais conhecidas, que data de meados da década de 1920 até a década de 1950. Dentro dessa vasta produção floral, quis eleger como obra representativa Red Canna (1924), uma tela que representa um lírio-dos-caniços "ampliado" e assim visto de perto, cujo olhar persegue o intuito de nos dar a conhecer e apreciar a beleza, riqueza e delicadeza de uma flor aberta, interpretável, de forma paralela, erótica e sensual com a visão de perto da parte mais escondida da feminilidade, uma "dimensão" muitas vezes reconhecida por observadores dentro de grande parte do repertório floral de O'Keeffe . Na verdade, o mal está justamente nos olhos de quem vê, pois a pintora declarou impetuosamente que sua obra havia sido literalmente mal compreendida, tornando-se símbolo de uma interpretação masculinista, formulada por um crítico de arte predominantemente masculino, que havia perpetuado uma concepção sexual de seu trabalho que era realmente muito diferente de suas intenções originais.
Henri Matisse, Spray de rosas em frente à janela, 1925. Óleo sobre tela, 80×65 cm. Coleção privada. @ pinturas_i_love.
5. Henri Matisse, Flores, 1907
Matisse, um dos principais expoentes dos fauves, distinguiu-se, assim como os outros porta-vozes desta última corrente artística, pela popularização de formas simplificadas, a abolição da perspectiva e do claro-escuro e o uso de cores vivas, não naturais e puras. A natureza morta floral Flowers, datada de 1907, com as suas cores menos "agressivas" e ligeiramente mais "naturalistas" que as anteriores, conta, mais do que o espanto transmitido pelos matizes vibrantes, do movimento da pincelada altamente expressiva, destinada a construindo formas planas e gráficas, que abordam o tema mais "clássico" da natureza morta. Se é esta a descrição que se aplica a Flowers (1907), é bom sublinhar como, ao longo da longa carreira do artista, voltou repetidamente ao tema das flores, interpretando-as em contextos mais ou menos desenvolvidos, incluindo cenas de interiores e paisagens, como, por exemplo, Purple Robe and Anemones (1937) e Interior with Dog (1934).
Katsushika Hokusai, Curió em Cereja Chorosa, 1840.
4. Katsushika Hokusai, Bullfinch on Weeping Cherry, 1840
"Um único pássaro banha / suas penas e voa: / cerejeira da manhã": esta é a tradução da inscrição encontrada na gravura Curió sobre Cerejeira Chorosa (1840), que mostra as dezessete sílabas atribuíveis a Bunrai'an Setsuman, um Poeta de haicai de Setsumon, escola à qual Hokusai foi associado e também referenciado pelo texto apresentado na pintura Pinheiros e Monte Fuji. Por falar na cerejeira, mencionada na mesma citação, esta é a protagonista indiscutível da obra, que, entre flores e botões, é apresentada acompanhada de um dom-fafe, volátil que no Japão é a conhecida figura de proa de uma cerimónia realizada a cada véspera de Ano Novo nos santuários de Tenjin. Nesta ocasião deve-se ir ao local sagrado armado com o dom-fafe do ano anterior para substituí-lo pelo do novo curso, que, abençoado, protegerá seu dono dos infortúnios do ano seguinte. O animal benevolente, por outro lado, realizado realisticamente na impressão de Hokusai, é definitivamente um espécime masculino, assim como pode ser visto pela marca rosa, que se estende da bochecha até a garganta do pássaro. Por fim, as flores, o azul da Prússia, o pássaro e as inscrições formam um todo harmonioso, capaz de nos falar da mais alta tradição artística, bem como dos costumes e cultura do Japão.
Gustav Klimt, O Girassol , 1906 - 1907. Óleo sobre tela, 110 x 110 cm. Coleção privada.
3. Gustav Klimt, Girassol, 1906
Esqueça o Beijo (1908), A Judite (1901) e As Três Idades da Mulher (1905), obras que nos levam a pensar que Klimt talvez fosse mais habilidoso, e certamente mais interessado, em retratar a figura humana do que a natureza , ou natureza morta. Enquanto a primeira hipótese é certamente incorreta, dado o ecletismo do artista, a segunda parece bastante plausível, pois o Girassol de 1906 revela-se um tema invulgarmente desprovido do elemento antropomórfico mais típico. De qualquer forma, as flores de Klimt acima mencionadas parecem muito semelhantes aos seres humanos, pois ficam eretas em um jardim, onde vivem, revelando-se ainda longe de estarem presas no espaço de um vaso junto com frutas e outros florais moribundos. espécimes. Por isso, se realmente quisermos ser pontuais, a obra-prima, ao invés de cair totalmente no gênero natureza-morta, pareceria um tanto parecida com o gênero paisagem, dentro do qual os girassóis assumem os movimentos dos protagonistas da obra acima. - obras-primas mencionadas, especialmente, ecoando o aperto dos amantes em O beijo com suas folhas unidas em um abraço semelhante.
Claude Monet , Ninfee , 1919. Nova York: Metropolitan Museum of Art.
2. Claude Monet, lagoa de nenúfares, harmonia verde, 1899
Também a meio caminho entre a "natureza morta" e a paisagem está a longa série de nenúfares de Monet, que, embora colocados ao ar livre e ainda vivos, tornam-se modelos da mesma forma que os vasos, frutas e arranjos de flores mais "caseiros". Este ciclo de mais de 250 pinturas, realizadas entre 1890 e 1926, na verdade narra o distanciamento do mestre em relação a algumas peculiaridades do movimento que ele mesmo representou: o impressionismo. De fato, se uma das peculiaridades deste último era pintar "en plein air", para fixar em uma única imagem, feita no calor do momento, a impressão de um momento preciso, o mestre ficou aquém essa forma de trabalhar por dois motivos: o tamanho de suas últimas telas e o inverno. No primeiro caso, os grandes meios de comunicação ficavam rigorosamente guardados em seu ateliê, local onde ele conseguia fragmentar suas impressões captadas da vida e depois recompô-las em uma sequência de momentos coerentes. Já no inverno, o frio fez com que o artista, com a ajuda de cavaletes móveis, pudesse iniciar seu trabalho ao ar livre e depois finalizá-lo em seu ateliê, onde conseguiu uma visão geral hábil.
Vincent van Gogh, Girassol , 1889. Óleo sobre tela, 95 x 73 cm. Amsterdã: Museu Van Gogh.
1. Vincent Van Gogh, Girassóis, 1889
E o vencedor é: Vincent! Devo dizer a verdade, sempre tive uma queda por espíritos perturbados, mas neste caso os seus girassóis representam verdadeiramente uma obra-prima de natureza-morta incontornável para a história da arte, pois conseguem a síntese perfeita da realidade exterior do artista e mundo interior. De facto, a pintura, representando um ramo de girassóis reunidos num vaso bojudo e dispostos num plano, precisamente encostados a uma parede clara, é um exemplo bem conhecido da experimentação figurativa de um mestre, que viveu a pintura como uma terapia existencial cotidiana, ou seja, ao mesmo tempo uma busca artística e um filtro para enfrentar a realidade. Além disso, a série dos girassóis foi feita com a intenção de expressar gratidão ao seu amigo e colega Paul Gauguin, tanto que a concebeu para decorar o quarto que Vincent lhe arranjou em Arles, na Casa Amarela, onde o francês tinha juntou-se a ele. Inclusive, o mestre holandês amou tanto essa flor que chegou a se identificar com ela, a ponto de chamá-la de “totalmente Vicente”. Por fim, também é importante notar que os girassóis colocados nos vasos por Van Gogh são, às vezes, revelados a seu irmão Theo, de quatorze ou quinze anos, para se referir aos números dos apóstolos de Cristo adicionados às figuras de Theo e Paul Gauguin, aos quais se pode acrescentar a presença do próprio Vincent.
Olimpia Gaia Martinelli
