O CÉU ESTÁ LÁ. (2023)Pintura de Bart Van Zweeden.

A explicação mais simples do mundo

Para falar sobre cores primárias, comecei a pesquisar compulsivamente na web o tema em questão, achando a narrativa sobre ele divulgada pela Wikipédia muito satisfatória, além de bastante detalhada, histórica e científica. De qualquer forma, não li, porque era muito longo, complicado e enfadonho para o meu cérebro, agora acostumado a assistir, um após o outro, reels inúteis do Instagram. Então, pensando em você como eu, resolvi explicar da forma mais simples possível o que são as cores primárias, o que, numa segunda intenção, quero ilustrar por meio de algumas obras-primas da história da arte com temática colorida. Em todo o caso, nesta segunda intenção, apenas serão mencionadas as obras mais famosas da história da arte, pois quero apresentar-vos também outras pinturas que, embora menos conhecidas, tornaram o magenta (que é um tom de vermelho ), ciano (que é um tom de azul) e amarelo em questão falam. Aqui já revelei quais são apenas os matizes primários, sem ainda dizer, porém, por que são precisamente estes últimos. Imaginemos que estamos no ateliê de um pintor e observamos sua paleta, ele apresentará devidamente as três cores citadas acima, pois estas não podem ser obtidas por nenhum tipo de combinação cromática, enquanto, ao mesmo tempo, as cores primárias, quando combinadas com outras tonalidades, pode dar origem a todas as tonalidades presentes na paleta cromática (cores secundárias). Agora que você já sabe, sem muita complicação, o que são as cores primárias, está pronto para conhecer pinturas “menos conhecidas” de mestres famosos, parte da infindável narrativa das artes figurativas, que também apresentará pontos de vista mais contemporâneos, encarnado por três artistas Artmajeur. Preparar? Vamos começar com vermelho!

BIGFOOT XS (2021)Escultura de Idan Zareski.

VERMELHO (2022)Pintura de Gerard Jouannet.

Obras-primas em vermelho

Ao falar sobre obras de arte em vermelho, os mais brilhantes historiadores de arte, amadores e estudantes se preparam para intervir, fazendo cócegas nas mãos, canetas e outros enfeites, para imediatamente nomear Ticiano, Manet, Sargent, Kandinsky e Rothko, referindo-se ao seu Retrato de Tommaso Inghirami (1509), Madame Monet em um quimono japonês (1876), Dr. Pozzi em casa (1881), Mit Und Gegen (1929) e No. Se eu pedisse aos citados especialistas que encontrassem obras “menos conhecidas”, mas igualmente dignas, para representar a cor vermelha, provavelmente começariam a discutir, resultando em uma briga de sabor extremamente subjetivo. No caso da cor da paixão por excelência, resolvi, depois de participar da referida briga, falar de uma obra-prima muito curiosa, se concebida dentro de toda a obra do rei da Pop art por excelência: Andy Warhol. Refiro-me a Red Lenin (1987), serigrafia que fazia parte de uma série que o mestre realizou antes de morrer por sugestão do seu galerista Bernd Klüser, que mostrou a Andy uma fotografia de Lenin quando jovem, para fazer com que a arte de Warhol, voltada principalmente para a reprodução dos ícones estereotipados da vida cotidiana na América, tome um novo rumo, tendo como tema imagens contratendentes. Na arte contemporânea, porém, o vermelho fala-nos intensamente no retrato em primeiro plano, intitulado Face to Face, de Viktor Sheleg, pintor Artmajeur que utilizou a cor em questão tanto no fundo como em certas partes do corpo do modelo, nomeadamente a mais partes expressivas e sensuais dos olhos e da boca. O que acabamos de descrever foge por vezes ao âmbito das obras mais conhecidas que utilizavam o vermelho, que muitas vezes mostravam a cor em questão apenas nas roupas dos retratados, sintonizando-as tonalmente com o fundo apenas em ocasiões particulares, como como o do conhecido e já citado Dr. Pozzi at Home (1881). Esta última obra-prima de Sargent pretende exteriorizar toda a admiração que o pintor tinha pela sua modelo, uma célebre pioneira na ginecologia cujas práticas promoviam a segurança reprodutiva e também a dignidade das mulheres. Pozzi, que também era esteta e colecionador de arte, foi retratado, ainda que de maneira um tanto informal, como um homem do mundo eclesiástico, apresentando uma pose graciosa e um tanto educada que nos lembra as imagens de papas e cardeais do Antigo Mestres. Em todo o caso, o conjunto é carregado de uma sensualidade viva, conferida não só pelo traje caseiro e pelas cortinas de veludo, mas também pelas mãos longas e elegantes da efígie, aludindo talvez à sua grande habilidade cirúrgica. Passemos agora ao azul!

LISTENING BLUE (2023)Fotografia de Ziesook You

COMPARTILHANDO SEGREDOS (2023)Pintura de Elli Popa

Obras-primas em azul

O esquema de cores em questão leva-nos novamente a elencar as obras-primas mais conhecidas, passando posteriormente para as menos famosas, seguidas de um exemplo do contemporâneo. Assim, no que diz respeito ao azul, podemos facilmente pensar em: Infanta Margarita Teresa em um vestido azul (1659) de Diego Velázquez, O Velho Guitarrista (1903) de Pablo Picasso, A Noite Estrelada (1889) de Vincent Van Gog, e Pintura Azul (1924) de Vassily Kandinsky. Poderíamos também acrescentar a esta lista popular as menos recorrentes A Conversa (1903-1912) de Matisse e A paisagem azul (1949) de Chagall, pinturas que quis justapor por afinidade de tema, pois ambas retratam um homem e uma mulher em uma situação íntima. A partir do mestre francês, a sua obra-prima imortaliza as figuras centrais do próprio pintor e da sua esposa Amelie, executadas de forma algo esquemática e simplificada. Tudo é assim traduzido para dar voz a um momento da vida real do artista, sempre pronto, tal como ele próprio o revela, a captar "o significado mais verdadeiro e profundo que lhe está subjacente", de forma a proporcionar uma interpretação mais coerente. Esta profundidade encontra eco na predominância da cor azul, que, preenchendo grande parte do suporte pictórico, determina também o próprio conceito de espaço, que se presta a tornar emocional e significativo, mas também algo frio. A mesma tonalidade ocupa quase toda a superfície da obra de Chagall, em que um casal se abraça fortemente enquanto seus olhares permanecem distantes. Dos dois, é definitivamente o homem que demonstra mais envolvimento, ao ser flagrado acariciando a amada num gesto romântico, que é coroado pela presença de um buquê de flores, único tema da pintura que realmente se afasta do predominando o azul e o branco. Concluindo, a obra simbolista, nos temas figurativos que aborda, envolve-nos diretamente numa história de amor, cujo sentimento passa diretamente dos olhos para o coração do próprio espectador. Finalmente chegamos, apanhados pelo ímpeto do amor e, portanto, sem sequer termos consciência disso apaixonadamente, ao momento da contemporaneidade, em que, mais uma vez, o azul é associado à intimidade de dois amantes, que se abraçam outro num abraço galáctico, pronto para tomar forma entre as estrelas do universo. Refiro-me ao tema retratado na pintura do artista Artmajeur Costantino Di Renzo, que, intitulada Infinito - Paolo e Francesca, também nos fala sobre como a Divina Comédia de Dante tem sido frequentemente objeto de investigação histórica da arte. Para quem não sabe, a história de Paolo Malatesta e Francesca da Rimini é dedicada a boa parte do Canto V do Inferno, em que os dois jovens amantes, culpados de serem cunhados, foram condenados aos castigos destinado aos lascivos. Eis que o mesmo tema foi abordado por mestres como Amos Cassioli, Dante Gabriel Rossetti e Gaetano Previati, mas também por pintores não italianos como Ary Scheffer, Gustave Doré e Jean-Auguste-Dominique Ingres. Você está pronto para o amarelo?

KELAPA DELIGHT (2023)Pintura de Aurélie Quentin

GIRASSOL AMARELO (2023)Pintura de Nataliia Sydorova

Obras-primas em amarelo

Eu poderia falar sobre Girassóis de Van Gogh (1888-1889), O Beijo de Klimt (1907-8), A Casa Amarela de Van Gogh (1888) e Impressão III (concerto) de Vasily Kandinsky (1911), mas o desejo de surpreender você com um a descrição de Mound of Butter de Antoine Vollon (1875-1885) e Cold Morning on the Range de Frederic Remington (1904) me devora!!! É isso mesmo, continuando no assunto da fome, fome de arte neste caso, nada melhor do que a nada notável natureza morta à base de manteiga do realista francês Antoine Vollon, extremamente conhecido por este mesmo gênero de pintura, através do qual, durante sua época, ele alcançou um verdadeiro status de celebridade. O amarelo em questão está disposto, como previsto, na superfície de um monte macio de manteiga, provavelmente resultado daquele típico caroteno vegetal fresco, que no tempo do mestre comia as vacas nunca saciadas. O produto final foi adquirido diretamente do agricultor, que, após a ordenha, recolheu a nata a ser processada, bem como os caroços que foram manipulados, a fim de retirar a umidade. Para o armazenamento da manteiga, porém, a pintura fala por si, mostrando como ela geralmente era guardada em um pano de musselina, em local fresco. Neste contexto, o alimento era levado com o cortello e depois espalhado, por exemplo, num pedaço de pão, tal como as estrias, que se justapõem à presença de uma espátula de madeira, destinada a moldar a superfície do alimento utilizado. , faça-nos entender. Aqui chegamos agora a Cold Morning on the Range (1904), de Frederic Remington, uma pintura que retrata um cowboy pronto para domar um garanhão selvagem, enquanto, ao fundo, há outros homens a cavalo, com a intenção de cuidar do gado sob o olhos das montanhas, que aparecem ao longe. Todo este cenário é dominado pela imposição da cor amarela, cuja presença é evidente na natureza árida do terreno, provavelmente localizado na Goodnight-Loving Trail, ou na famosa rota utilizada nas transferências em grande escala de gado Texas Longhorn no final do século XIX. Década de 1860. Precisamente ao mostrar tal local, o artista quis aludir, através dos tons predominantes de amarelo, a temas relativos à auto-suficiência e ao domínio do homem sobre a natureza. Mais uma vez chegamos ao contemporâneo, desta vez contando com o talento do artista Artmajeur Stefano Galli, que, em O choro de um garçom no canto do jardim de um hotel, nos conduz a um ambiente doméstico ao ar livre rico em matizes que alcançam do amarelo ao laranja. Na verdade, toda a habitação pintada apresenta as nuances acima mencionadas, tal como aconteceu de forma semelhante, 116 anos antes, no bairro onde ganha vida a citada Casa Amarela de Van Gogh. Excluindo, porém, a descrição desta última obra-prima, que está definitivamente ligada à biografia do mestre em questão, podemos traçar uma narrativa paralela, na medida em que a obra de Stefano fala também da sua própria vida, em particular, de um acontecimento simpático que marcou agradavelmente. O pintor, como bom italiano, certamente possui o critério para decretar a qualidade de toda a culinária mundial, tanto que, ao chegar à Romênia, desprezou os pratos de um restaurante. O garçom local, como a pintura nos mostra fantasticamente, deveria ter levado a sério as críticas de Galli e, portanto, com um drama saudável, desatado a chorar, pois é apenas no Bel Paese que reside a autoridade máxima em comida...Eu gostaria de esclarecer como esta última peça, escrita com o maior respeito pelos que são a favor ou contra a supremacia da Itália em matéria culinária, nos leva ao fim da história do vermelho, do amarelo e do azul.