Edward Hopper, Tweede verhaal Zonlicht. 1960. Whitney Museum of American Art, New York.
De geschiedenis van de Amerikaanse kunst in 6 punten
Voordat ik u kennis laat maken met de tien meest gevierde schilders in de geschiedenis van de Amerikaanse kunst, samen met een korte inkijk in hun leven en verwijzingen naar hun stilistische eigenaardigheden, wil ik u graag kennis laten maken met de context waartoe zij behoren: Amerika en zijn artistieke traditie. Om dit uitgebreide en uitdagende onderwerp aan te pakken, heb ik besloten 'schaar en lijm' te gebruiken, waarbij ik het relevante materiaal hier en daar knip en plak, waarbij alleen de belangrijkste momenten worden benadrukt. Uit deze intentie komt een onderwerp voort dat is samengevat in 6 punten, die niettemin essentieel zijn om in gedachten te houden:
- Traditie : Het is belangrijk om te overwegen hoe de artistieke traditie van de VS feitelijk voortkomt uit de kunsten die door inheemse culturen worden beoefend.
- De Europeanen : Pas na de komst van de Europeanen ontwikkelde de uitgesproken westerse kunst die we vandaag de dag kennen zich, aanvankelijk in de genres portret en landschap.
- 19e eeuw : Het was in de 19e eeuw dat er een samenhangende Amerikaanse kunstbeweging ontstond, namelijk de komst van de Hudson River School.
- 20e eeuw : In de 20e eeuw was de Amerikaanse creativiteit er niet alleen op gericht om Europa te evenaren, maar ook om Amerikaanse stedelijke centra en plattelandsgebieden onder de aandacht te brengen.
- Na de Tweede Wereldoorlog : het abstract expressionisme van de naoorlogse periode zorgde ervoor dat de schijnwerpers van de kunst rechtstreeks op de Amerikaanse context vielen. Vanaf dat moment bleef de artistieke invloed van de VS zich wereldwijd verspreiden, vooral door het wereldwijde succes van het minimalisme en de pop-art.
- Tegenwoordig : de hedendaagse mondialisering maakt het moeilijk om trends in de kunst te begrijpen die specifiek en uitsluitend verband houden met een bepaalde context, in die mate dat het gemakkelijker is om individuele persoonlijkheden over de hele wereld te identificeren wier werk de wereld van de schilderkunst daadwerkelijk heeft beïnvloed in een steeds meer onderling verbonden wereld.
Top 10
"Nu zijn we eindelijk klaar voor de top 10, dus laten we erin duiken!
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Olieverf op doek, 121,9×94 cm. Museum voor Schone Kunsten, National Portrait Gallery, Boston.
1.Gilbert Stuart (1755-1828)
Biografie : Gilbert Stuart was een Amerikaanse schilder, vooral bekend vanwege het maken van officiële portretten van de eerste vijf Amerikaanse presidenten, evenals vele andere prominente publieke figuren uit die tijd.
Stijl : Gespecialiseerd in portretkunst in Londen, waar hij een leerling was van Benjamin West, ontwikkelde Stuart een neoklassieke geïdealiseerde stijl. Hij legde nauwgezet het karakter en de status van zijn onderwerpen vast door hun houding, kleding, kleuren en omgeving zorgvuldig te bestuderen.
Meesterwerk : Stuarts onbetwiste meesterwerk is ongetwijfeld "George Washington (The Athenaeum Portrait)" (1796). Het werk, waarin de staatsman Washington tegen een bruine achtergrond wordt afgebeeld, bleef opzettelijk onvoltooid omdat de kunstenaar het niet wilde afstaan aan de opdrachtgevers, de echtgenote van de betrokkene. Stuart wilde kopieën maken om de bekendheid van het geportretteerde model te benutten. Deze opzettelijke onvolledigheid maakte het kunstwerk echter beroemd omdat het zorgvuldig lijkt te zijn ontworpen om het gezicht van de president te benadrukken, gezien als een moreel model dat macht en autoriteit uitstraalt.
Mary Cassat, Klein meisje in blauwe fauteuil, 1878. Olieverf op doek, Musée d'Orsay.
2. Mary Cassatt (1844-1926)
Biografie : Mary Cassatt was een Amerikaanse schilder die een aanzienlijke periode in Frankrijk doorbracht, studeerde onder Degas en exposeerde bij de impressionisten.
Stijl : Cassatts unieke stijl combineerde typisch impressionistische penseelvoering met het gebruik van lichte kleuren, vaak verrijkt door een constante invloed van de traditionele Japanse kunst. Met deze penseelvoering beeldde ze vaak vrouwen af die 'gevangen' zaten in een huiselijke omgeving, mogelijk verwijzend naar de dimensie waarin zij als vrouw vaak opgesloten zat.
Meesterwerk : Een van de beroemdste werken van de kunstenaar is ongetwijfeld "Little Girl in Blue Armchair" (1878), waarin een jong meisje wordt afgebeeld, alleen vergezeld door een kleine hond, misschien een Yorkshire Terrier, die haar imiteert door te ontspannen in een stoel die in een interieur is geplaatst. mogelijk op een woonkamer lijkend. Deze scène legt het zorgeloze karakter en de ontspanning van de jeugd vast, alsof het bedoeld is om bij de kijker herinneringen aan een verloren kindertijd op te roepen. Niettemin zou de prominente aanwezigheid van het meubilair op het schilderij er ook op kunnen wijzen dat de persoon zich soms overweldigd voelt door de wereld van volwassenen."
John Singer Sargent, Portret van Madame X, 1884. Olieverf op doek, 2,35 mx 1,1 m. Metropolitaans Kunstmuseum, Manhattan.
3. John Singer Sargent (1856-1925)
Biografie : John Singer Sargent, een buitenlandse Amerikaanse kunstenaar, wordt beschouwd als een van de belangrijkste portrettisten van de 19e eeuw. Tijdens zijn reizen over de hele wereld maakte hij ook schilderkunst in documentairestijl, waarbij hij iconische plaatsen zoals Venetië vastlegde.
Stijl : John Singer Sargent staat bekend om zijn kenmerkende impressionistische penseelstreken, die tot leven kwamen in conventionele composities. Zijn werken vereeuwigden zowel de karaktereigenschappen van zijn portretonderwerpen als de landschappen die hij en plein air schilderde. Dit was het resultaat van zijn bekwame herinterpretatie van de leer van meesters als Anthony Van Dyck en Diego Velázquez, verrijkt met impressionistische nuances.
Meesterwerk : Het is onmogelijk om "Portret van Madame X" (1884) niet te noemen! Het is misschien wel het beroemdste werk van de meester en toont Virginie Amélie Avegno Gautreau, een vrouw uit de hogere kringen die het schilderij niet zelf heeft laten maken. De kunstenaar koos haar zelfs als model om een veelbesproken figuur in de Parijse samenleving vast te leggen. Er waren roddels ontstaan vanwege bepaalde fysieke en karaktereigenschappen van het onderwerp, wier verleidelijke vermogens, gecombineerd met opvallende allure, prachtig in het schilderij werden weergegeven, waarbij haar albasten huid en een gedurfd decolleté goed tot hun recht kwamen. Het kunstwerk valt vanwege deze unieke kwaliteiten in het genre van de moderne portretkunst, omdat het op effectieve wijze de werkelijke houding van het onderwerp overbrengt.
Edward Hopper, Nighthawks, 1942. Olieverf op doek, 84 cm x 1,52 m. School van het Kunstinstituut van Chicago.
4. Edward Hopper (1882-1967)
Biografie : Wikipedia stelt terecht dat Edward Hopper "een van de meest gerenommeerde kunstenaars in Amerika was, wiens invloed op de kunst en de populaire cultuur aanzienlijk was." Hij onderscheidde zich als een figuur in het Amerikaanse realisme en gaf een authentiek beeld van de hedendaagse Amerikaanse samenleving, doordrongen van een diep gevoel van eenzaamheid.
Stijl : De term 'Amerikaans realisme' omvat al die kunstenaars die er de voorkeur aan gaven de dagelijkse activiteiten van gewone mensen weer te geven, en zo een getrouwe blik te werpen op het echte leven tussen het midden van de 19e en het begin van de 20e eeuw. De grootsheid van Hopper ging echter verder dan dat; hij verdiepte zich in en onthulde de donkere kant van de menselijke ervaring en onthulde de psychologie van zijn onderwerpen. Als gevolg hiervan leken de mensen die hij portretteerde, getroffen door de malaise van die tijd, vaak geïsoleerd en losgekoppeld van hun omgeving, die vaak werd gekenmerkt door de aanwezigheid van terugkerende onthullende lichten.
Meesterwerk : De bovenstaande beschrijving dient als een interpretatie van een van de bekendste werken van de meester, "Nighthawks" (1942), dat zich 's avonds laat afspeelt in een restaurant in New York City, wanneer de straten verlaten zijn en de weinige figuren bij elkaar zijn. vermoeid en bijna stom, bezwijken voor hun gedachten en beseffen hun voortdurende eenzaamheid.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Olie, 73,7 cm x 45,7 cm.
5. Georgië O'Keeffe (1887-1986)
Biografie : Georgia Totto O'Keeffe was een Amerikaanse schilder wiens werk, grotendeels onafhankelijk van artistieke stromingen, bijzondere aandacht besteedde aan het weergeven van natuurlijke vormen. Ze portretteerde vaak bloemen en landschappen, waarvan ze sommige persoonlijk had bezocht.
Stijl : O'Keeffe, ook wel de 'Moeder van het Amerikaanse modernisme' genoemd, richtte haar artistieke onderzoek op het overbrengen van emoties die vaak tot uiting kwamen in de abstractie van de natuurlijke wereld, voornamelijk in de vorm van zeer gedetailleerde close-ups van verschillende bloemsoorten.
Meesterwerk : Een van de meest iconische werken van de kunstenaar is "Red Canna" (1924), een schilderij dat duidelijk haar stilistische uniciteit laat zien, hoewel het in dit geval gericht is op een bloem die vaak in haar werk voorkomt: de cannalelie. Hoewel O'Keeffe haar interesse rechtvaardigde door te zeggen dat ze wilde laten zien hoe zij deze planten zag, interpreteerden veel critici ze als een duidelijke toespeling op de intieme weergave van de vrouwelijke vorm, een standpunt waarvan de kunstenaar zelf later verklaarde dat ze het niet deelde.
Grant Wood, Amerikaanse gotiek, 1930. Olieverf op beverboard, 78 cm x 65,3 cm. Kunstinstituut van Chicago, Chicago.
6. Grant Wood (1891-1942)
Biografie : Grant DeVolson Wood was een Amerikaanse schilder die bekend stond om zijn associatie met het regionalisme, vooral bekend om zijn schilderijen die de landelijke gebieden van het Amerikaanse Midwesten afschilderden. Hij is vooral beroemd vanwege de creatie van het werk "American Gothic" (1930).
Stijl : In overeenstemming met de beweging van het regionalisme wijdde Wood zijn artistieke carrière aan de realistische weergave van de bovengenoemde plattelandsonderwerpen, waarbij hij ze afbeeldde als getuigen van hard werken op het veld. Dit werd bereikt door twee verschillende stijlen te 'citeren': de helderheid van de kunst uit de Noordelijke Renaissance en de organische, gebogen lijnen van het art-decoontwerp. Andere kenmerken van Woods werk zijn onder meer het gebruik van complexe formele composities en vaak eigenaardige perspectieven, ontworpen om de kijker te boeien. Achter dit alles schuilde echter een specifieke kritische intentie, klaar om de kwalen van het tijdperk van de Grote Depressie bloot te leggen.
Meesterwerk : Laten we terugkeren naar de eerder genoemde 'Amerikaanse gotiek', een werk dat wordt erkend als een van de typische symbolen van de 20e-eeuwse Amerikaanse schilderkunst. Het valt binnen het genre van de genretaferelen en doet in dit geval denken aan de Vlaamse Renaissance van Jan Van Eyck. Wood leent echter van laatstgenoemde om, misschien ironisch genoeg, een paar puriteinen af te beelden, die een provinciaal, onbekend, geïsoleerd en achterlijk Amerika symboliseren, ver verwijderd van de meer populaire en geëxporteerde beelden van de 'Amerikaanse droom'.
Jackson Pollock, Autumn Rhythm: Number 30, 1950. Emaille op canvas, 266,7 x 525,8 cm. MET, New York.
7.Jackson Pollock (1912-1956)
Biografie : De Amerikaanse schilder Paul Jackson Pollock was een fundamentele figuur in de beweging van het abstract expressionisme en liet een onuitwisbare indruk na met zijn kenmerkende gebruik van de druipende schildertechniek.
Stijl : Het is precies de eerder genoemde druppeltechniek, die de kunstenaar eind jaren veertig begon toe te passen, die Pollocks werk beroemd maakte. Door deze techniek liet Pollock verf rechtstreeks uit een tube of verfblik druppelen op een canvas dat op de grond was geplaatst. Door deze methode te volgen ontstond een van de meest radicale abstracte stijlen in de kunstgeschiedenis, waarbij lijn en kleur op revolutionaire wijze werden gescheiden om de teken-, schilder- en picturale ruimte opnieuw te definiëren. Om het verband tussen techniek en instinct te onthullen, is het de moeite waard om op te merken dat het druipen van Pollock voortkwam uit de natuurlijke impuls van de fysieke schilderhandeling, waardoor het voltooide kunstwerk de emotionele kracht van het gebaar kon overbrengen.
Meesterwerk: "Herfstritme: nummer 30" (1950)! Dit werk ontstond door de aanwezigheid van een lineaire structuur van zwarte verf, waarop extra stroken verf in verschillende kleuren werden aangebracht, waardoor dikke, dunne, lichte, donkere, rechte, gebogen lijnen en meer ontstonden. Zoals de titel doet vermoeden, roept het de sfeer van de herfst op, vooral door middel van aardetinten.
Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963. Acryl, olieverf, Magna, 1,7 mx 4 m. Tate Modern.
8. Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Biografie : Roy Fox Lichtenstein was een Amerikaanse kunstenaar en een prominent figuur in de pop-artbeweging, die een diepgaande invloed had op de stijlen en onderwerpen ervan, naast artiesten als Andy Warhol, Jasper Johns en James Rosenquist.
Stijl : Roy Lichtenstein staat vooral bekend om zijn volwassen stijl, die hij vanaf de jaren zestig ontwikkelde, sterk geïnspireerd door de stripwereld en gerealiseerd door de samensmelting van mechanische reproductie en handgetekende elementen. In deze context komt zijn meest onderscheidende stilistische kenmerk naar voren: het gebruik van iconische Ben-Day-stippen, die laten zien hoe de pop-art klaar was om alle aspecten van het tijdperk te filteren, variërend van reclame tot film en vooral strips.
Meesterwerk : "Wham!" (1963), een schilderij dat een stripboekpaneel reproduceert waarop een Amerikaans gevechtsvliegtuig een vijandelijk vliegtuig neerschiet met een raket. In overeenstemming met de unieke taal van het stripboek is het artwork verrijkt met een paneel waarop expliciet de woorden van de zegevierende piloot worden getoond, terwijl het geluid van de explosie wordt overgebracht door de onomatopee "WHAAM!" Wat hier wordt beschreven, is echter niet uitsluitend het product van Lichtensteins verbeelding, aangezien het meesterwerk uit 1963 een artistieke bewerking vertegenwoordigt van het paneel uit 1962, getekend door striptekenaar Irv Novick, dat verscheen in nummer 89 van 'All-American Men of War'. "
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962. Polimero sintetico su tela, 51×41 cm. Museum voor Moderne Kunst, New York.
9.Andy Warhol (1928-1987)
Biografie : Andy Warhol is de ultieme popmeester, omdat hij de stijlen en idealen van de beweging niet alleen tot uitdrukking bracht door middel van schilderkunst en zeefdruk, maar ook door middel van fotografie, beeldhouwkunst, film en muziek (hij creëerde iconische platenhoezen).
Stijl : Warhols werken, die voornamelijk de relatie onderzoeken tussen artistieke expressie, reclame en de cultuur van beroemdheden, behandelen deze thema's door het gebruik van levendige kleuren en dwangmatig herhaalde onderwerpen. Hij wilde de symbolen van een tijdperk transformeren in tijdloze iconen, verwant aan eeuwige goden gekozen door de consumptiemaatschappij.
Meesterwerk : "Campbell's Soup Cans" (1962), een installatie bestaande uit 32 schilderijen met de gelijknamige Campbell's soepblikken. De kunstenaar ontwierp het om de industriële serialiteit van supermarktproducten te documenteren, in die mate dat de opstelling van deze onderwerpen specifiek was ontworpen om hun weergave in de schappen na te bootsen. De bovengenoemde serialiteit is niet alleen aanwezig in het onderwerp van het meesterwerk, maar ook in de uitvoering ervan, aangezien "Campbell's Soup Cans" werd gemaakt met behulp van een semi-gemechaniseerde zeefdruktechniek, wat het concept van de reproduceerbaarheid van kunstwerken benadrukt.
Basquiat, zonder titel, 1982. Acryl, spuitverf en olieverf op canvas, 183,2 cm x 173 cm.
10. Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Biografie : Jean-Michel Basquiat was een Amerikaanse kunstenaar die begon als graffitikunstenaar en later een van de prominente figuren werd van het neo-expressionisme, een beweging waarmee hij de taal van graffiti van de metro naar kunstgalerijen bracht. Waarom wordt Basquiat vaak geassocieerd met Andy Warhol? Het is belangrijk om te benadrukken dat het zijn ontmoeting met laatstgenoemde was die de deuren van gerenommeerde New Yorkse galerijen opende voor de jongere kunstenaar!
Stijl : De kunst van Basquiat vertegenwoordigt de ontmoeting van twee verschillende werelden: die van het penseel, en dus schilderen in een meer traditionele zin, en die van de spuitbus, een woordvoerder van de kenmerkende taal van graffiti, die zich vooral manifesteert in gestileerde tekeningen en geschriften. Deze combinatie levert een expressieve stijl op, soms deels abstract, rijk aan verwijzingen naar de cultuur van de tijd van de kunstenaar, maar ook aan expliciete veroordelingen van racisme en sociale ongelijkheid. De rijken en de armen, zwart en wit, maar ook de voortdurende verkenning die de kunstenaar ertoe bracht zijn innerlijke wereld naast de externe te plaatsen, wat leidde tot zijn affiniteit met het expressionisme, zeer geïnteresseerd in de menselijke figuur en de kwalen van zijn bestaan.
Meesterwerk : De bovengenoemde aspecten zijn terug te vinden in "Untitled (Basquiat-schedelschildering)" (1982), een schilderij met een schedel, vergelijkbaar met een werk dat Basquiat een jaar eerder maakte. Ik verwijs naar "Untitled (schedelschilderij van Basquiat) )" (1981). Beide geven ons een idee van wat er onder onze huid ligt en lijken in staat de innerlijke en uiterlijke aspecten van het leven over te brengen, waardoor ze naast elkaar op het doek kunnen bestaan.
Olimpia Gaia Martinelli