MOONBEAM (2020)Schilderij door Adele Mosonyi
Verkenning van de hedendaagse kern van de Biënnale van Venetië 2024: een diepgaande blik op de centrale thema’s
De 60e editie van de Kunstbiënnale van Venetië, getiteld 'Strangers Everywhere', is geïnspireerd op een reeks werken die sinds 2004 door het collectief Claire Fontaine zijn gemaakt. Deze werken, neonsculpturen in verschillende kleuren die de uitdrukking 'Strangers Everywhere' in meerdere kleuren weergeven talen, vatten de centrale thema's van de tentoonstelling samen. Deze zinsnede, oorspronkelijk overgenomen door een collectief uit Turijn om racisme en vreemdelingenhaat begin jaren 2000 in Italië te bestrijden, legt de basis voor een verkenning van mondiale crises die voortkomen uit oorlogen en de verplaatsing van mensen over naties, territoria en grenzen heen. Dergelijke gebeurtenissen benadrukken de gevaren en uitdagingen die verband houden met taal, vertaling, nationaliteit en verschillen die worden bepaald door identiteit, ras, geslacht, seksualiteit, vrijheid en rijkdom.
'Strangers Everywhere' resoneert dus met meerdere betekenissen, wat suggereert dat waar men ook gaat, men onvermijdelijk vreemden zal ontmoeten, wat op zijn beurt de alomtegenwoordigheid van het concept van vreemdheid benadrukt. Het houdt ook in dat, ongeacht iemands positie, er in ieder individu een intrinsieke vreemdheid blijft bestaan.
Op de Venetiaanse tentoonstelling zijn 331 kunstenaars en collectieven te zien die in en tussen 80 landen hebben gewoond of wonen, waaronder Hong Kong, Palestina en Puerto Rico. Hun uiteenlopende deelname onderstreept om verschillende redenen het migrerende karakter van kunstenaars. De belangrijkste focus van de Biënnale van Venetië 2024 ligt inderdaad op kunstenaars die buitenlanders, immigranten, expats, leden van de diaspora, ballingen of vluchtelingen zijn, vooral degenen die zich tussen het mondiale zuiden en het noorden verplaatsen.
Bovendien zijn de termen voor 'buitenlander' in verschillende talen - Italiaans 'straniero', Portugees 'estrangeiro', Frans 'étranger' en Spaans 'extranjero' - etymologisch verbonden met het concept van 'vreemd'. Bijgevolg duikt de tentoonstelling ook in de productie van aanverwante onderwerpen, namelijk: de queerkunstenaar, die navigeert tussen verschillende seksualiteiten en geslachten, vaak vervolgd of gemarginaliseerd; de outsider-kunstenaar, aan de rand van de kunstwereld, zoals de autodidact, de folk- of populaire kunstenaar; en de inheemse kunstenaar, die op hun eigen land vaak als buitenlander werd behandeld. Deze vier groepen vormen de kern van de Contemporary Core van de tentoonstelling.
Ten slotte is het belangrijk om te verduidelijken dat de Kunstbiënnale van Venetië in 2024 ook een Historische Kern omvat, gericht op het verzamelen van 20e-eeuwse werken uit Latijns-Amerika, Afrika, het Midden-Oosten en Azië. Het presenteert een speculatieve curatoriële oefening die de grenzen en definities van het modernisme uitdaagt met secties als Abstracties en Portretten in het Centrale Paviljoen in de Giardini en Italianen Overal in de Corderie van de Arsenale. De bovengenoemde regeling onderstreept de minder bekende verhalen over de modernismen van het Mondiale Zuiden, en benadrukt de noodzaak om meer over en van deze verhalen te leren.
Nu is het eindelijk de beurt aan de kunstenaars van Artmajeur, die, in lijn met de thema’s van de Contemporary Core van de Biënnale van Venetië, erkend zullen worden als vertegenwoordigers van Outsider Art, Queer Art, Folk Art en artistieke verhalen tegen racisme.
NATIVE (2022)Schilderij door Nickkuru
Non-mainstream stemmen: De outsiderkunstenaars van Artmajeur
Wat is outsiderkunst?
Outsider Art, oorspronkelijk door kunstenaar Jean Dubuffet "Art Brut" genoemd, verwijst naar een vorm van creativiteit die ontstaat buiten de grenzen van de officiële cultuur. De Franse meester richtte zich specifiek op het werk van degenen die ofwel niet formeel geschoold zijn, ofwel uitgesloten zijn van de reguliere kunstwereld. In die zin omvat de term de werken van kunstenaars die vaak geïsoleerd opereren en geen enkele verbinding hebben met de traditionele kunstscène. Hieruit volgt dat Dubuffet dit soort artistieke creatie bewonderde vanwege de rauwe en ongemedieerde kwaliteit ervan, die volgens hem onaangetast bleef door culturele en artistieke conventies.
Outsider Art komt vaak voort uit makers die een diepgaande en bijna onthullende impuls ervaren om te creëren, die door hen eerder als een persoonlijke noodzaak dan als een professionele of commerciële onderneming worden beschouwd. Deze kunstenaars zijn doorgaans autodidact en hun werken onderzoeken vaak complexe persoonlijke visies die diepe interne emoties of gedachten weerspiegelen, die soms worden gezien als een coping-mechanisme voor individuele of mentale conflicten. De geproduceerde kunst kan dus intens persoonlijk zijn en worden gekenmerkt door repetitieve patronen of onconventionele materialen, wat een diepe betrokkenheid bij het medium van hun keuze markeert.
Spiritualiteit en religie hebben ook een aanzienlijke invloed op veel Outsider-kunstenaars, waarbij ze elementen incorporeren die verbanden suggereren met een wereld voorbij het zichtbare en inzichten uitdrukken die ondanks hun zeer persoonlijke oorsprong op universeel niveau resoneren.
Ten slotte kan deze vorm van kunst, vanuit kunsthistorisch perspectief, gezien worden naast stromingen als het surrealisme in zijn verkenning van het onderbewustzijn en het gebruik van abstracte of fantastische beelden, hoewel de kunstvorm zich blijft onderscheiden door de desinteresse van de makers in de kunstmarkt of de kunstwereld. publieke herkenning.
"J'AI REGARDÉ LE SOLEIL" (2024) Schilderij door Marc E. Des Rosiers
SCONVOLGI LA TUA REALTÀ (2024) Schilderij van Brazo
Enkele Outsider-kunstenaars van Artmajeur
Bij het beschrijven van de twee outsider-schilderijen hierboven, te beginnen met de eerste, is "J'ai aanzien le soleil" een canvas dat wordt gedomineerd door een mysterieus personage, waarvan de kenmerken worden weergegeven door een combinatie van abstracte en synthetisch-figuratieve stijlen. Het gezicht van het onderwerp is geschetst met ruwe, bijna kinderlijke lijnen, opgevuld met lagen donkere en verontrustende kleuren, aangevuld met rode accenten die bedoeld zijn om de aandacht van de kijker te trekken. In het onderste deel van het werk worden de penseelstreken, geplaatst op de romp van het personage, behoorlijk hectisch, waardoor de indruk ontstaat van een kakofonie van tinten, waarschijnlijk verwijzend naar de meer verborgen stromingen die de menselijke borst beroeren.
De rijke taal die zojuist is geïllustreerd, dient om de technische vaardigheid en filosofie van de maker te synthetiseren, die opvalt door zijn talent in het vastleggen van vluchtige momenten van emotie en gedachten, om ze op het doek te bevriezen en de kijker op een meditatieve manier te betrekken. De rauwe stijl van de kunstenaar zet ons er rechtstreeks toe aan om na te denken over onze persoonlijke reis van zelfontdekking, maar ook over de paden op zoek naar persoonlijke vrijheid.
Ten slotte is Marc E. Des Rosiers een autodidactische multidisciplinaire kunstenaar uit Isle-aux-Coudres (Canada), wiens kunst zich voornamelijk beweegt tussen het opzettelijke en het toevallige, maar ook tussen controle en chaos, en ons onderdompelt in een stroom van bewustzijn. dat doordringt in de interne dynamiek van de geest, expliciet gemaakt door het figuurlijke verhaal.
Het tweede werk is "Sconvolgi la tua realtà" van Brazo, een canvas waarop de hoofdfiguur, groter van formaat en in het midden van de steun geplaatst, verschijnt als een surrealistische entiteit, vastgelegd terwijl hij blijkbaar bezig is met een uitzinnige dans. Deze figuur, weergegeven in roze, oranje en rood, valt op tegen een felgele achtergrond, die aan de onderkant overgaat in een sereen blauw. De scène wordt verrijkt door de aanwezigheid van enkele vissen, waarvan er één misschien zelfs een beetje bijt, evenals enkele symbolen die bedoeld zijn om samen te vechten om de aandacht van de kijker te trekken. Het doel van de compositie wordt echter onthuld door de tekst, die aan de linkerkant van het canvas verschijnt, dezelfde titel herhaalt en letterlijk aanspoort om de realiteit te ontwrichten.
Elk van de stilistische elementen die we zojuist hebben genoemd, moet worden opgevat als een getuigenis van de afwezigheid van academische beperkingen, bedoeld om uitsluitend prioriteit te geven aan instinct en creatieve vrijheid. Brazo, een Italiaanse schilder geboren in 1964, leerde inderdaad door inspiratie te putten uit de grote expressionistische meesters, die hij vervolgens instinctief interpreteerde, waarbij hij verschillende stijlen combineerde, voornamelijk die van straatkunst en Art Brut, die hij met extreme expertise vermengde.
OLEKSANDR BALBYSHEV "SUNSET DEMON" EDITIONED PRINT 01\50 (2022)Prentmaking door Oleksandr Balbyshev
Artmajeur en queer kunst
Wat is queer-kunst?
Queer art, ook bekend als LGBT+-kunst, omvat moderne en hedendaagse beeldende kunst die is gebaseerd op thema's en kwesties die relevant zijn voor lesbische, homoseksuele, biseksuele, transgender- en bredere niet-heteroseksuele en niet-cisgendergemeenschappen. Dit artistieke genre daagt vaak gewone perspectieven uit en biedt utopische en dystopische alternatieven, waarbij soms thema's worden onderzocht die verband houden met seksualiteit en onorthodoxe verlangens.
Werken van queerkunstenaars volgen niet één enkele stijl of medium, maar omvatten een breed scala aan uitingen, variërend van performancekunst tot schilderkunst en nog veel meer. Er ontstaan ook variaties afhankelijk van de culturele, nationale en religieuze context, die de ontvangst van de diverse artistieke onderzoeken beïnvloeden, die zowel gevierd als gecensureerd kunnen worden.
De geschiedenis van de queer-kunst omvat gecodeerde representaties in tijdperken waarin openlijke expressie gevaarlijk was. Tijdens het interbellum begonnen queerkunstenaars in stedelijke centra als Parijs en Berlijn bijvoorbeeld openlijker hun identiteit te uiten. Kunsthistoricus Jonathan David Katz interpreteert bepaalde werken van kunstenaars als Robert Rauschenberg en Jasper Johns als queer-subteksten die verwijzen naar de homoseksuele identiteit van de kunstenaars.
Bovendien is de queer-kunstbeweging aanzienlijk beïnvloed door activisme, vooral tijdens de AIDS-crisis, toen kunst een vorm van protest werd en een middel om voor verandering te pleiten. Meesters als Keith Haring gebruikten hun werken om het bewustzijn te vergroten en het stigma dat met aids gepaard gaat te bestrijden.
Concluderend: queer art is een dynamisch en evoluerend veld dat niet alleen de ervaringen en worstelingen van LGBT+-individuen weerspiegelt, maar ook de grenzen van artistieke expressie uitdaagt en verlegt.
TIGRE DE TASMANIE (LES ÉVACUATIONS) (2019) Schilderij door Nicolas Gey
WONDER WOMAN (2021) Fotografie door Starmonkeyz
Enkele queerkunstenaars van Artmajeur
Als we de twee zojuist genoemde vreemde kunstwerken vergelijken, namelijk ‘Tasmanian Tiger’ van Nicolas Gey en ‘Wonder woman’ van StarMonkeyz, beelden ze op vergelijkbare wijze onderwerpen uit die zich bezighouden met thema’s als identiteit en expressie, die kruisen met meer conventionele sociale normen, benaderd via verschillende media en stilistische keuzes.
"Tasmanian Tiger" is een schilderij dat stedelijk asfalt combineert met natuurlijke en mythische elementen, waarbij een transgender dwerg wordt afgebeeld naast een uitgestorven thylacine, tegen de sobere achtergrond van een industriële stalen deur en lichtgrijze kasseien omlijnd in zwart. De bovengenoemde stedelijke elementen kunnen de rigide structuren van de samenleving symboliseren, terwijl de figuren van de dwerg en de thylacine spreken over een ongewone vriendschap, wat een gedeelde bestaanservaring suggereert die voorbij de reguliere herkenning wijst.
Aan de andere kant is "Wonder Woman" van StarMonkeyz een foto die de traditionele beelden die verband houden met glamour en pin-upfiguren uit de popcultuur ondermijnt, met opzettelijk een mannelijk personage verkleed als superheldin. Daarbij worden kracht en kwetsbaarheid naast elkaar geplaatst, waardoor de canonieke verwachtingen van de kijker ten aanzien van gender en heldendom worden uitgedaagd. Het kunstwerk kan dus worden geïnterpreteerd als een reflectie op de performatieve aspecten van gender en de kracht van het terugwinnen van iconische symbolen om persoonlijke of politieke uitspraken te doen.
Beide werken opereren binnen het domein van subversie, maar bewandelen unieke wegen. Gey gebruikt een meer ingetogen palet en een mix van realisme met fantasie om commentaar te geven op de ervaring van queer zijn en de uitdaging van diversiteit. Omgekeerd gebruikt StarMonkeyz levendige kleuren, directe betrokkenheid en speelse elementen om vooropgezette ideeën over vrouwelijkheid en identiteit uit te dagen, en de schoonheid van divergentie met een levendige geest te vieren.
VOLKSDANS 11 (2022) Schilderij van Uttam Manna
Artmajeur-kunstenaars herdefiniëren volkskunst
Wat is volkskunst?
Volkskunst omvat een breed scala aan beeldende kunst die is gemaakt binnen de context van de populaire cultuur. In tegenstelling tot beeldende kunst, die vaak wordt beoefend in formele onderwijsinstellingen, wordt volkskunst doorgaans geproduceerd door individuen die zijn opgeleid binnen de tradities van hun gemeenschap. Deze methode van kennisoverdracht helpt de continuïteit van culturele uitingen van generatie op generatie te behouden. In feite zijn makers van volkskunst meestal diep geworteld in hun culturele tradities en produceren ze werken die de waarden, sociale normen en collectieve ervaringen van hun gemeenschap weerspiegelen.
Volkskunst kan zowel tastbaar als ontastbaar zijn, variërend van fysieke objecten zoals textiel, keramiek en houtsnijwerk tot praktijken zoals dans, muziek en verhalen vertellen. De tastbare aspecten van volkskunst zijn vaak utilitair, gemaakt om aan de dagelijkse behoeften te voldoen, en worden zowel gewaardeerd om hun esthetische kwaliteiten als om hun functionaliteit. Zodra het oorspronkelijke doel van deze objecten vervaagt, kan de voortzetting van de productie ervan afhangen van hun betekenis binnen de gemeenschap, en in de loop van de tijd vaak nieuwe betekenissen krijgen.
Ten slotte biedt volkskunst, een vitale uitdrukking van gemeenschaps- en culturele identiteit, zeker inzicht in de sociale en historische context waaruit zij voortkomt, aangezien zij onuitwisbaar verbonden is met zowel het verleden als het heden, waarbij de diversiteit en vindingrijkheid van volkstradities rond de wereld wordt benadrukt. wereld.
«ESSAY REFLECTION» GROOT EIGENTIJDS ACRYLSCHILDERIJ (2023) Schilderij door Yuliia Chaika
LIJNEN VAN HET BOS (2023) Schilderij van Lorena Iavorschi
Enkele Volkskunstenaars van Artmajeur
De twee volkskunstwerken hierboven, "Essay Reflection" van Yuliia Chaika en "Lines of the forest" van Lorena Iavorschi, zijn rijk aan culturele referenties en doordrenkt met de essentie van hun respectievelijke oorsprong, Oekraïne en Roemenië.
"Essay Reflection" spreekt over de Oekraïense cultuur door de aanwezigheid van de vrouwelijke hoofdrolspeler, versierd met elementen die doen denken aan de volkskostuums van het land, bekend om zijn rijke borduurwerk en het gebruik van gedurfde motieven, die ook op de achtergrond worden herhaald. In feite zou het patroon van de jurk een verwijzing kunnen zijn naar de geborduurde 'vyshyvanka', een kledingstuk dat zich onderscheidt door zijn ingewikkelde patronen.
De prominente blauwe kleur op het doek verwijst wellicht naar de blauwe lucht die net boven de uitgestrekte graanvelden van het land uitsteekt - een symbool van vruchtbaarheid en welvaart. Bovendien lijken de gelaagdheid van de handen en de gedetailleerde aandacht voor versiering op de figuur het belang van vakmanschap en gemeenschappelijke inspanningen in Oekraïense volkstradities te weerspiegelen.
'Lines of the forest' daarentegen spreekt over de Roemeense cultuur en weerspiegelt de volkskostuums en rijke tradities door de afbeelding van een peinzend meisje dat een sjaal draagt, die doet denken aan de typische 'basma' van het land, vaak versierd met bloemmotieven. Bovendien kan de manier waarop dit accessoire is verbonden wijzen op een bepaalde regio van Roemenië, met name het noordoostelijke deel van het land, inclusief de historische regio Moldavië.
De aardetinten en de achtergrond van het boslandschap symboliseren mogelijk de verbinding met de natuur, die veel voorkomt in de Roemeense folklore en de landelijke manier van leven, en die het culturele erfgoed van het land heeft gevormd. Deze zelfde tonen kunnen ook de plechtigheid en diepte weerspiegelen van de Roemeense volksmuziek en dans, die vaak de vreugde en het verdriet van het leven uitdrukken.
AZIATISCHE STEREOTYPE (2018) Fotografie door Starmonkeyz
Barrières doorbreken: de rol van kunst in het uitdagen van racisme
Over kunst en racisme
Kunst is lange tijd een spiegel geweest die de sociale kwesties en conflicten van die tijd weerspiegelde, waarbij racisme een van de meest duurzame en doordringende thema's was die via creatieve expressie werden onderzocht. Door de geschiedenis heen heeft kunst niet alleen raciale conflicten en ongelijkheden in beeld gebracht, maar is het ook een instrument geweest om onderliggende vooroordelen en systemische onrechtvaardigheden die discriminatie in stand houden, uit te dagen en te bekritiseren.
In bredere zin ondervraagt en legt kunst tegen racisme bestaande vooroordelen binnen samenlevingen bloot, en illustreert hoe diepgewortelde stereotypen de perceptie en behandeling van verschillende raciale en etnische groepen kunnen beïnvloeden. Kunstenaars met verschillende achtergronden hebben hun werk ingezet om deze onrechtvaardigheden bloot te leggen, gesprekken op gang te brengen en begrip tussen diverse gemeenschappen te bevorderen. Hun werken dienen als katalysator voor sociale verandering en zetten kijkers ertoe aan na te denken over hun eigen mening en na te denken over de bredere implicaties van racisme voor de gemeenschap.
Als we het specifieke voorbeeld van de Amerikaanse burgerrechtenbeweging nemen, zien we voorbeelden waarin kunst een fundamentele rol speelde bij het onder de aandacht brengen van de strijd van Afro-Amerikanen in de jaren vijftig en zestig, een periode die werd gekenmerkt door ernstige rassensegregatie en discriminatie. Men kan het schilderij van David C. Driskell aanhalen, "Behold Thy Son" (1956), gemaakt als reactie op de brute lynchen van Emmett Till, een jonge Afro-Amerikaanse jongen. Het meesterwerk portretteert Till inderdaad als martelaar, geïnspireerd door de beroemdste religieuze iconografie van Christus. Deze krachtige vereniging vestigt de aandacht op het extreme geweld waar Afro-Amerikanen onder lijden en dient als een visueel pleidooi voor verandering en erkenning van hun menselijkheid.
Op dezelfde manier gaat het abstracte schilderij van Norman Lewis, "Evening Rendezvous" (1962), op subtiele wijze in op de terreur van ontmoetingen met de Ku Klux Klan, waarbij het de schijn aanneemt van dreigende vormen en kleuren die de aanwezigheid van deze blanke supremacistische groep kunnen suggereren, en een sombere reflectie oproept over de haat en angst die onder het mom van nationalisme worden gepropageerd.
In de hedendaagse context blijft de rol van kunst in de discussie over racisme van cruciaal belang. Na de moord op George Floyd in 2020 – een gebeurtenis die aanleiding gaf tot wereldwijde protesten tegen politiegeweld en racistisch onrecht – reageerden kunstenaars als Banksy met meesterwerken die tot het moment spraken. Het werk van de kunstenaar toont de Amerikaanse vlag die wordt ontstoken door een wakekaars, verwijzend naar de aanhoudende raciale spanningen in Amerika.
Het is daarom duidelijk hoe kunst de dialoog over racisme blijft uitdagen, ondervragen en inspireren, de impact ervan illustreert en aandringt op een eerlijker samenleving. Bovendien bieden kunstmedia niet alleen een reflectie op de huidige tijd, maar verbeelden en stellen ze ook de realisatie voor van een toekomst waarin rassengelijkheid en rechtvaardigheid worden bereikt. In feite is het zeker via het creatieve universum dat we een dieper inzicht kunnen krijgen in de realiteit van racisme en de voortdurende strijd ertegen, waardoor schilderkunst, beeldhouwkunst, enz. onmisbare bondgenoten worden in het streven naar gelijkheid.
MK RACISM AGAIN (2023) Schilderij van Hector O'Kanin
AÇO NO PEITO / KOGEL IN DE BORST (2017)Collages door Tchago Martins
Enkele Artmajeur-kunstenaars tegen racisme
Wat betreft "Mk racism again" van Hector O'Kanin en "Aço no peito / bullet in the chest" van Tchago Martins lijken beide racisme aan de kaak te stellen, zij het via verschillende artistieke uitingen en media, die unieke invloeden en contexten weerspiegelen.
Het eerste kunstwerk, vol levendige kleuren en gekrabbelde woorden, synthetiseert de rauwe en spontane stijl van Basquiats werk, gekenmerkt door vrij figurativisme dat in staat is vormen, kleuren en tekst te integreren om een krachtige en expressieve compositie op te bouwen. In de voetsporen van deze meester geeft Hector O'Kanin een eigentijds antwoord op de hardnekkige problematiek van racisme, net zoals de eerder genoemde Amerikaanse schilder dat in zijn tijd deed. In het geval van ‘opnieuw Mk-racisme’ wordt deze bedoeling echter expliciet gemaakt door de opname van het woord ‘RECHTER’, herhaald op het doek, waarschijnlijk verwijzend naar zowel het rechtssysteem als het maatschappelijk oordeel. De andere krabbels, symbolen en onderwerpen tussen figuratief en abstract kunnen de chaos en complexiteit van raciale kwesties vertegenwoordigen, bedoeld om een contemplatieve benadering van de onrust van sociaal onrecht te blijven suggereren.
Het tweede kunstwerk, de zwart-witcollage van Tchago Martins, presenteert een andere behandeling van hetzelfde thema, waarbij twee figuren met verduisterde ogen worden afgebeeld om metaforische blindheid of een gedwongen gebrek aan herkenning te suggereren. De monochromatische toon, het gebruik van historische foto's en de zuivere esthetiek creëren een sterke visuele analogie die symbool staat voor al degenen die tot zwijgen zijn gebracht en onderdrukt. Het stuk wordt beschreven als een reactie op de verschillende vormen van discriminatie, waaronder rassendiscriminatie, en is een belichaming van de strijd waarmee mensen worden geconfronteerd die in sociale onrust leven. Dit spreekt ook over het verzet en de veerkracht van gemeenschappen die nieuwe ‘quilombos’ vormen, toevluchtsoorden en solidariteit in tijden van tegenspoed. Dit alles kan worden samengevat door de poëtische woorden die de kunstenaar citeert: ‘Onze mensen die onderdrukking kennen, onder het gewicht van racisme, werkloosheid, wapenstokken, honden, bommen, gevangenissen, getuigen van de ineffectiviteit van debatten die horizonten in de wereld beloofden. het verleden. Ons gedrag, onze poëzie, ons proza, ons heden zijn noodzakelijkerwijs strijdlustig. Staal in de borst is een synthese en een verslag van degenen die in het oog van de storm leven. De nieuwe quilombos ontstaan, gemaakt met kunst die opkomt de negende macht.”
Olimpia Gaia Martinelli