SPADE (2024) Peinture de Francesco D'Adamo
Les styles et genres les plus populaires sur Artmajeur sont : Pop art, Street Art, Art abstrait, portrait et paysage. Voulez-vous savoir pourquoi la plupart des collectionneurs choisissent ces tendances ou ces sujets ? La réponse se trouve dans la même interprétation de l'histoire de l'art, qui sera illustrée par le choix de cinq œuvres thématiques, créées par des peintres d'Artmajeur. Nous les décrirons et les analyserons, jusqu'à ce que nous arrivions à comprendre pourquoi elles sont si populaires. Commençons par suivre l'ordre annoncé, en nous consacrant à une peinture Pop, puis poursuivons avec les autres...
Le Pop Art
LÉNINE RECYCLÉE #10 (2024) Peinture d'Oleksandr Balbyshev
Description de l'œuvre : Le peintre et sculpteur Oleksandr Balbyshev a utilisé un portrait de Lénine datant de l'époque soviétique, qu'il a modifié en le recouvrant de peinture. En fait, le visage de l'homme politique n'est reconnaissable qu'à partir du nez, car les parties inférieures sont entièrement recouvertes de peinture orange. Cependant, même les parties visibles de la figure représentée ont été réinterprétées, puisqu'elles accueillent des cercles colorés, qui ne sont disposés qu'à l'endroit où sa figure est révélée. Le sérieux du sujet diminue, car les modifications semblent plutôt vibrantes, joyeuses et ironiques, prêtes à banaliser tout message politique potentiel auquel la figure représentée pourrait faire allusion.
Pourquoi est-ce du Pop Art ? Le pop art, un mouvement de la fin des années 1950 et du début des années 1960, est connu pour défier l'art traditionnel en incorporant des images de la culture populaire et de masse dans son langage, telles que la publicité, les médias de masse, le système des stars, les bandes dessinées et les objets culturels quotidiens. L'objectif était de brouiller les frontières entre l'art "élevé" et la "culture basse", suggérant qu'il n'y a pas de hiérarchie et que l'art peut s'inspirer de n'importe quelle source. Un des aspects déterminants du pop art est son utilisation d'images de personnes célèbres, qui ont été transformées en figures emblématiques, des sujets idoles capables de refléter la fascination du mouvement pour la célébrité, le consumérisme et le culte de la personnalité. Andy Warhol, peut-être l'artiste le plus célèbre associé à cet aspect du pop art, est connu pour ses peintures sérigraphiées de personnalités célèbres, dont Marilyn Monroe, Elvis Presley et Elizabeth Taylor, entre autres. La technique de Warhol consistait à répéter la même image plusieurs fois, souvent avec des schémas de couleurs différents, ce qui mettait non seulement en évidence la marchandisation de l'individu, mais aussi réfléchissait sur la nature de la célébrité et le rôle des médias dans sa création. Son approche a déconstruit le concept de célébrité, présentant ces figures comme des produits consommables pour le public. Alors, que vient faire le Lénine d'Oleksandr Balbyshev dans tout ça? Tout comme les acteurs et chanteurs, poursuivant les mêmes objectifs, Warhol a également représenté de nombreux politiciens, tels que Richard Nixon, Mao Zedong, John F. Kennedy, la reine Elizabeth II et Ronald Reagan. En utilisant des images médiatiques comme base pour ces portraits, Warhol mettait en évidence l'interaction entre la politique, la représentation médiatique et la perception du public. Cependant, il est important de clarifier certaines différences entre l'approche d'Andy et celle de l'artiste d'Artmajeur. Alors que le premier propose des personnages de son époque à transformer en mythes, le second parle d'une figure déjà très célébrée. Ce fait signifie qu'il ne s'agit plus de l'art qui élève quelqu'un au rang d'icône, car le sujet représenté a déjà atteint une célébrité éternelle. Enfin, malgré la présence compulsive de la figure de Lénine dans la recherche artistique de Balbyshev, elle ne fait pas allusion à la production mécanisée, car elle est rendue dans des œuvres clairement différenciées, allant de la peinture à la sculpture, ainsi que de perspectives multiples, uniques et innovantes.
Pourquoi le Pop art est-il populaire auprès des collectionneurs? C'est assez simple : ce qui nous attire nous ressemble, ce que nous aimons nous est facilement compréhensible. Il semble donc évident que le pop art reflète et critique la culture de la consommation de masse, des médias, de la publicité et des célébrités, qui est toujours prévalente aujourd'hui. En fait, le monde contemporain est littéralement inondé de biens de consommation, d'images de marque, et même de médias encore plus omniprésents qu'auparavant, au point que les plateformes de médias sociaux, les cycles d'actualités 24 heures sur 24 et la publicité numérique ont créé un flux incessant. Ce flux, composé de chiffres et de messages, est prêt à évoquer de manière encore plus compulsive et frénétique les images médiatiques qui ont inspiré les premiers artistes du pop art. Un autre aspect d'une grande attraction pour les collectionneurs est l'esthétique des couleurs vives, des lignes audacieuses, enrichie par une iconographie toujours accessible et immédiatement reconnaissable. De plus, l'aspect ironique et satirique peut également être mentionné, capable de fournir au spectateur une interprétation de la réalité qui reste pertinente à mesure que le consumérisme et les contextes médiatiques évoluent. Enfin, la vue du mouvement reste populaire pour sa valeur inchangée au sein du récit historique de l'art, car le pop art était une tendance perturbatrice qui remettait en question ce que l'art pouvait être, comment il pouvait être réalisé, et pour qui.
Le Street Art
RENAISSANCE 2 (2023) Peinture de Kassim Baudry
Description de l'œuvre : Kassim Baudry prépare le fond de sa toile en le teintant en noir, puis se munit d'une bombe aérosol pour y reproduire compulsivement le mot "ART", parfois "coupé" et "réduit" à "RT". Ce texte, de couleur rouge, bleue ou crème, est souvent interrompu, ou plutôt dissimulé, derrière la présence d'une image connue de nous, qui a été créée à l'aide de la technique du pochoir. Il s'agit de la figure sacrée de la Vierge Marie, dont la présence est justifiée dans ce contexte par les mots de l'artiste : "L'œuvre mélange l'iconographie religieuse et l'art urbain, offrant un fort contraste entre le classicisme, la sérénité de la figure féminine et le côté sauvage du graffiti. Pourquoi la Madone, même réinterprétée dans une tonalité contemporaine, appartient-elle toujours à un langage plus ancien ? La façon dont elle se présente sur le support reproduit effectivement des exemples mémorables de l'histoire de l'art, tels que ceux créés par Sassoferrato, Léonard de Vinci ou Raphaël. En particulier, les robes dont Baudry a recouvert la Vierge rappellent la Vierge en prière du premier peintre, tandis que le regard vers le bas de la femme évoque la Vierge à l'œillet et la Vierge au chardonneret des deux autres maîtres. Mais pourquoi la Vierge regarde-t-elle vers le bas ? En réalité, lorsqu'elle ne dirige pas son attention vers le spectateur ou vers le haut, elle est entièrement concentrée sur l'observation de son fils qui, dans l'œuvre de l'artiste Artmajeur, est absent.
Pourquoi est-ce du Street Art ? Le street art est une forme d'art vaste et dynamique qui a transformé les paysages urbains du monde entier. Né du mouvement graffiti et prenant de l'importance à la fin du XXe siècle, le street art englobe une variété de techniques, de médiums et de thèmes, souvent caractérisés par leur accessibilité publique et leur implication dans les questions sociales et politiques. Les artistes de cette forme d'art utilisent diverses techniques et matériaux, notamment la peinture en bombe, les pochoirs, les autocollants, les affiches et les installations. Ces modes d'exécution permettent une création rapide et souvent temporaire d'œuvres, ce qui est crucial dans un environnement urbain constamment en mutation. Le street art aborde un large éventail de thèmes, des droits de l'homme à la justice sociale, de l'environnement à la politique. De nombreuses œuvres reflètent les problèmes actuels et cherchent à stimuler la réflexion et le débat. Certains artistes, comme Banksy, sont connus pour leur approche critique et satirique, remettant en question les normes sociales et politiques. Comme décrit précédemment, nous reconnaissons plusieurs aspects de la Renaissance 2 de Kassim Baudry visant à impliquer des particularités techniques et thématiques, allant des graffitis aux pochoirs mentionnés précédemment, à la Vierge Marie. Ce n'est pas la première fois que le street art s'exprime dans un contexte religieux, comme en témoignent les œuvres dispersées dans Rome par Maupal, visant à immortaliser le pape en super-héros, ou la célèbre scène de la nativité de Banksy intitulée Cicatrice de Bethléem. Le but est toujours le même : démontrer comment le street art peut servir de plateforme pour remettre en question et critiquer les croyances et les institutions religieuses. En appropriant des symboles et motifs religieux, les artistes de rue engagent un dialogue sur le rôle de la religion dans la société contemporaine, abordant des questions de pouvoir, de morale et de justice sociale. La nature subversive du street art permet l'expression de voix dissidentes et de perspectives alternatives, contribuant aux débats en cours sur la foi, la spiritualité et la condition humaine. Par conséquent, ce contexte peut nous amener à regarder la Vierge de Kassim Baudry d'un nouvel œil, l'interprétant comme la version la plus transgressive de la Madonna, protectrice de tous les artistes de rue du monde entier.
Pourquoi le Street Art est-il populaire parmi les collectionneurs ? Le street art est devenu de plus en plus populaire auprès des collectionneurs pour plusieurs raisons, allant de l'émergence d'artistes renommés comme Banksy aux thèmes provocateurs et contemporains qu'il explore. Tout d'abord, l'émergence d'artistes urbains célèbres a sans aucun doute contribué au succès du street art auprès des collectionneurs : Banksy, avec ses œuvres subversives et stimulantes, a été largement acclamé, et son anonymat, combiné à ses prises de position audacieuses sur les questions sociales, l'a élevé au statut d'icône culturelle. Plus généralement, la tendance du street art à aborder les problèmes sociaux, politiques et culturels actuels le rend particulièrement captivant, contrairement aux formes d'art traditionnelles, qui peuvent souvent sembler trop détachées des réalités contemporaines. Des thèmes tels que la justice sociale, l'activisme environnemental, la politique identitaire et la vie urbaine résonnent fortement auprès du public, incitant les collectionneurs à rechercher des œuvres qui correspondent à leurs valeurs et croyances personnelles. En outre, la nature intrinsèquement rebelle et anti-institutionnelle du street art ajoute à l'attrait de cette expression artistique, car les artistes de rue opèrent souvent en dehors des limites du monde artistique traditionnel, contournant galeries et musées pour interagir directement avec le public dans les environnements urbains. Ce défi aux normes artistiques traditionnelles et aux frontières institutionnelles confère au street art un sentiment d'authenticité et de sincérité qui résonne avec un public toujours plus nombreux à la recherche d'œuvres qui remettent en question le statu quo.
L'Art abstrait
COMPOSITION 24. LUMIÈRE (2024) Peinture de Sergiy Dekalyuk
Description de l'œuvre d'art : Rien de ce que nous voyons ne peut nous conduire à une confrontation directe avec la réalité, sauf celle liée à l'expérience du geste. Pensez à Sergiy Dekalyuk, qui peint et "griffonne" sur le support de Composition 24 lumière, afin de mélanger hasard, précision, calcul et spontanéité du geste : tout cela doit donner un résultat cohérent, harmonieux et agréable à l'œil, sans s'inspirer de la beauté de la réalité. Le résultat est une composition qui me rappelle parfois les graffitis de Basquiat et d'autres fois les exemples de Willem de Kooning et de Franz Kline, tous représentants de l'Expressionnisme abstrait.
Pourquoi est-ce de l'Expressionnisme abstrait ? L'Expressionnisme abstrait a émergé au milieu du XXe siècle pour mettre en avant l'expression spontanée et gestuelle ainsi que l'exploration de la psyché intérieure de l'artiste. Au cœur de l'Expressionnisme abstrait, on rejette l'idée de l'art comme simple représentation de la réalité externe et on se concentre plutôt sur la communication des expériences intérieures, des émotions et des pensées subconscientes de l'artiste. Les peintres cherchaient à exprimer leur tourment intérieur, leur anxiété et leurs préoccupations existentielles à travers un travail de pinceau dynamique et expressif, des couleurs audacieuses et des formes non représentationnelles. Les techniques employées par les artistes expressionnistes abstraits variaient largement mais incluaient généralement des coups de pinceau spontanés, des éclaboussures ou des coulées de peinture sur la toile, et l'utilisation d'outils non conventionnels pour manipuler la peinture. Ces méthodes leur permettaient de créer des œuvres profondément personnelles et chargées émotionnellement qui mettaient autant l'accent sur le processus créatif que sur le produit final. Ce qui est décrit peut être trouvé dans le travail de l'artiste mentionné de Artmajeur, qui s'efforce de travailler exclusivement à travers son geste émotionnel et intuitif, afin de faire ressortir son expérience subjective, révélant et partageant le contenu de sa psyché avec le spectateur.
Pourquoi l'art abstrait est-il populaire auprès des collectionneurs ? L'Expressionnisme abstrait est une forme d'art abstrait. Ce dernier représente un style largement apprécié par les collectionneurs car il s'éloigne de la réalité et est donc en dehors des modes figuratifs temporaires plus susceptibles. Par conséquent, on entre dans un univers où les couleurs et les marques sont les seuls éléments qui comptent, toujours capables de s'adapter parfaitement au décor moderne et énergique de nos maisons contemporaines. Cette liberté d'interprétation et d'expression permet aux collectionneurs de trouver des œuvres qui s'intègrent parfaitement dans leur environnement, ajoutant une touche de vivacité et de dynamisme aux espaces domestiques. De plus, l'abstraction offre une large gamme d'interprétations et de significations, permettant aux collectionneurs de trouver des peintures qui reflètent pleinement leurs goûts personnels, stimulant leur imagination et leur créativité. Enfin, la capacité de l'abstraction à évoquer des émotions et des sensations sans avoir à représenter des objets ou des scènes spécifiques la rend attrayante pour ceux qui désirent des œuvres d'art capables de stimuler à la fois l'esprit et l'âme, transcendant la superficialité.
Le Portrait
VANESSA (2023) Peinture d'Adeline Dutel
Description : Les portraits peuvent être plus ou moins fidèles aux modèles, mais en tout cas, ils s'efforcent de capturer leur essence, leur attitude et leur intériorité, prenant forme sur différents supports, en respectant les techniques et les styles les plus variés. Dans le cas de Vanessa, l'œuvre de Dutel prend la forme d'un portrait "réaliste", dont les contours dessinent un visage féminin. Ce qui dépasse une simple narration figurative est le support sur lequel la femme est représentée, constitué de différentes couches de papier, apparaissant irrégulières et prenant l'apparence d'une multitude de roses étroitement placées. Ce choix est expliqué dans les propres mots de l'artiste sur Artmajeur, qui avoue : "J'aime travailler avec différents médiums ; chaque matériau porte sa propre histoire, sa profondeur et son unicité. Cette série de fleurs en papier de soie est particulièrement intéressante pour le relief qu'elle apporte au visage et les différentes interprétations du portrait selon l'endroit où l'on regarde."
Pourquoi les portraits sont-ils populaires parmi les collectionneurs ? Le genre du portrait a toujours maintenu une grande popularité parmi les collectionneurs, et cet attrait durable peut être attribué à la fascination intemporelle pour l'humanité elle-même. Au cœur du portrait se trouve la représentation des êtres humains - leur essence, leurs émotions et leur existence même. Pour les individus, la forme humaine, avec ses complexités et ses nuances, reste une source inépuisable d'intrigue et d'intérêt. Que ce soit en capturant une expression fugace de joie, un moment d'introspection ou le poids des expériences accumulées, les portraits ont le pouvoir d'évoquer l'empathie, la connexion et la contemplation chez les spectateurs. C'est cette profonde connexion à l'expérience humaine qui rend le portrait éternellement pertinent et engageant. En fait, depuis les civilisations anciennes, les artistes de toutes les époques ont cherché à capturer l'essence de l'humanité à travers le portrait, immortalisant les individus et leurs histoires pour les générations futures. Ainsi, nous pouvons affirmer que : tant que l'humanité existe, l'art du portrait continuera de capturer et d'inspirer, servant de miroir à notre existence partagée, rendant hommage à la beauté et à la complexité de l'esprit humain.
Le Paysage
FALAISES DE SEVEN SISTERS, SUSSEX, UK (2023) Peinture de Laurent Gilbert
Description : Le paysage de Gilbert représente une côte avec des falaises élevées, mais avec des couleurs fortement expressionnistes, prêtes à s'éloigner de la réalité, à teinter le ciel d'émotions, le rendant noir, tandis que le sable vire au violet et que la mer reste bleue. Ensuite, le titre de l'œuvre intervient pour nous reconnecter à la vérité, prêt à révéler ce qui a été représenté : Les Seven Sisters, une série de falaises de craie surplombant la Manche, situées dans les South Downs dans l'East Sussex, entre les villes de Seaford et Eastbourne dans le sud de l'Angleterre. Elles sont très populaires, à tel point qu'elles ont été utilisées dans des productions cinématographiques ou télévisuelles, comme dans "Les falaises blanches de Douvres". Néanmoins, les falaises sont restées relativement intactes par l'activité humaine et montrent une érosion continue et entièrement naturelle.
Pourquoi les paysages sont-ils populaires auprès des collectionneurs ? Tout d'abord, je pense au succès de l'Impressionnisme, un mouvement extrêmement célèbre, surtout connu pour ses paysages, créés par des peintres qui peignaient en plein air. Par conséquent, je peux aussi supposer que de nombreux collectionneurs apprécient le genre en question précisément parce qu'ils imaginent les peintres de paysages à l'image du barbu Monet, tous joyeusement concentrés à capturer la nature en plein air, peut-être même sous la pluie ou la tempête. J'ajoute à ce qui vient d'être dit les plus anciens idéaux romantiques, visant à rechercher du réconfort dans l'art du paysage, c'est-à-dire un moyen de mettre l'homme en contact avec la beauté et la grandeur de la nature. À tout cela s'ajoute le désir d'aventure et d'exploration inhérent au spectateur, ainsi que le désir de voir des paysages familiers réalisés par le pinceau, capables d'accueillir des souvenirs. Ainsi naissent des rappels visuels de lieux aimés, également conçus pour s'opposer au monde frénétique et urbanisé, duquel l'art permet souvent de s'échapper.
Olimpia Gaia Martinelli
