Όλα για την αφαίρεση: η ιστορία των καλλιτεχνών του Artmajeur

Τα «Αδιάφορα χρώματα», ζωγραφισμένα από τον καλλιτέχνη Artmajeur Stefan Fiedorowicz, μπορεί να εκδηλωθούν στην παράδοση της λυρικής αφαίρεσης, καθώς η ποικιλία των σχημάτων και των σημείων του, που επιδιώκει να επιπλέει ένα λευκό φόντο με υφή, υποδηλώνει την εμφάνιση αναμνήσεων και εμπειριών που δημιουργούνται από το μυαλό. Στην πραγματικότητα, η σύνθεση δεν προσκολλάται σε άκαμπτη μορφή. Μάλλον, επιτρέπει στα στοιχεία να αλληλεπιδρούν ελεύθερα και χωρίς περιορισμούς, όπως ακριβώς οι αναμνήσεις και οι αισθητηριακές εμπειρίες υφαίνονται στη συνείδησή μας. Για όλες τις προθέσεις και τους σκοπούς, ο καλλιτέχνης παραδέχεται ότι το εν λόγω έργο αντικατοπτρίζει τόσο τους εσωτερικούς συναισθηματικούς του αγώνες όσο και τη νυχτερινή του «παράνοια», προκειμένου να τις μοιραστεί με τον θεατή, ο οποίος είναι πάντα έτοιμος να συμπάσχει. Το «Αδιάφορα χρώματα» αναφέρεται επίσης στη φιλοσοφία του Τζον Λοκ, ιδιαίτερα στην έννοια του «Tabula Rasa», που υποδηλώνει ότι τα άτομα γεννιούνται χωρίς έμφυτο νοητικό περιεχόμενο και ότι όλη η γνώση προέρχεται από την εμπειρία και την αισθητηριακή αντίληψη. Η τελευταία πτυχή συνδέει περαιτέρω τη ζωγραφική με τα υφολογικά χαρακτηριστικά της λυρικής αφαίρεσης, κάνοντάς μας να αναλογιστούμε περαιτέρω την ανάπτυξη του εσωτερικού κόσμου του ανθρώπου.

ΜΙΑ ΝΕΑ ΙΔΕΑ ΤΗΣ «ΚΟΚΚΙΝΗΣ ΠΛΑΤΕΙΑΣ» του ΜΑΛΕΒΙΤΣ (2024) Πίνακας της Τατιάνα Γιασίν

Κονστρουκτιβισμός και σουπρεματισμός

Στις δύο πρώτες δεκαετίες του 20ου αιώνα, μέσα στην αναταραχή της επαναστατικής Ρωσίας, εμφανίστηκαν δύο εξαιρετικά καινοτόμα καλλιτεχνικά κινήματα: ο κονστρουκτιβισμός και ο σουπρεματισμός. Και οι δύο έπαιξαν θεμελιώδεις ρόλους στον επαναπροσδιορισμό των αισθητικών και φιλοσοφικών τοπίων της τέχνης, επηρεάζοντας μια σειρά από άλλα κινήματα και αφήνοντας ανεξίτηλα σημάδια στη σύγχρονη τέχνη. Παρά το γεγονός ότι μοιράζονταν κοινές ρίζες στη φλογερή ρωσική avant-garde σκηνή, αυτά τα κινήματα ανέπτυξαν ξεχωριστές ιδεολογίες και οπτικές γλώσσες που αντανακλούσαν τις μοναδικές απαντήσεις τους στο σύγχρονο κοινωνικοπολιτικό περιβάλλον.

Ο κονστρουκτιβισμός διαμορφώθηκε μετά τη Ρωσική Επανάσταση του 1917, ως μια μορφή τέχνης που θα μπορούσε να εξυπηρετήσει τις ανάγκες του νέου σοβιετικού κράτους. Με αισθητικές ρίζες εν μέρει στον σουπρεματισμό, ο κονστρουκτιβισμός επηρεάστηκε επίσης από ευρωπαϊκά κινήματα όπως ο κυβισμός και ο φουτουρισμός. Πρότεινε μια ριζοσπαστική ιδέα: η τέχνη δεν πρέπει να υπάρχει αποκλειστικά για αισθητική ενατένιση, αλλά πρέπει να παίζει ενεργό ρόλο στην καθημερινή ζωή και τη σοσιαλιστική ανασυγκρότηση. Το κίνημα χαρακτηρίστηκε από μια χρηστική προσέγγιση της τέχνης, όπου οι καλλιτέχνες έγιναν σχεδιαστές μιας νέας κοινωνικής τάξης, δημιουργώντας πρακτικά αντικείμενα από έπιπλα μέχρι προπαγάνδα. Ο κονστρουκτιβισμός γιόρτασε το μοντέρνο, εστιάζοντας σε υλικά όπως το μέταλλο, το γυαλί και το πλαστικό και δίνοντας έμφαση στην επιστημονική προσέγγιση της καλλιτεχνικής δημιουργίας.

Αναπτύχθηκε από τον Kazimir Malevich το 1915, ο Suprematism ονομάστηκε έτσι για τον ισχυρισμό της υπεροχής του καθαρού καλλιτεχνικού συναισθήματος έναντι της αναπαράστασης αντικειμένων. Η προσέγγιση του Μάλεβιτς απομάκρυνε τα υπολείμματα της αντικειμενικής πραγματικότητας προς όφελος των βασικών γεωμετρικών μορφών, όπως τα τετράγωνα, οι κύκλοι και οι γραμμές, που επιπλέουν σε ελάχιστα υπόβαθρα. Ο σουπρεματισμός καθοδηγήθηκε από την αναζήτηση του «μηδενικού βαθμού» της τέχνης, που χαρακτηρίζεται από το εμβληματικό «Μαύρο Τετράγωνο» του Μάλεβιτς, το οποίο αντιπροσώπευε μια ριζική ρήξη από προηγούμενες μορφές τέχνης και μια κίνηση προς την καθαρή αφαίρεση.

Ενώ και τα δύο κινήματα αγκάλιασαν την αφαίρεση, οι προσεγγίσεις και οι προθέσεις τους διέφεραν σημαντικά. Ο κονστρουκτιβισμός ήταν θεμελιωδώς προσανατολισμένος προς τη λειτουργικότητα και τα συλλογικά ιδανικά. Είχε τις ρίζες του στον υλικό κόσμο, με έντονη εστίαση στη δομή και το βιομηχανικό, αντανακλώντας την πίστη του στον καλλιτέχνη ως μηχανικό της κοινωνίας. Αντίθετα, ο σουπρεματισμός ήταν πιο φιλοσοφικός και ενδοσκοπικός, ασχολούμενος με την εξερεύνηση της μορφής και του χώρου για να προκαλέσει τις πνευματικές και συναισθηματικές αντιδράσεις του θεατή.

Το έργο τέχνης που επέλεξα να παρουσιάσω, δηλαδή «A new idea of Malevich Red Square» της Tatiana Yasin, ενσαρκώνει αποκλειστικά τον σουπρεματισμό, παραπέμποντας στο ύφος της «Κόκκινης Πλατείας» του Kazimir Malevich. Πράγματι, στο κέντρο της σύνθεσης αναδύεται μια τολμηρή και μεγάλη κόκκινη γεωμετρική μορφή, έτοιμη να κυριαρχήσει στο οπτικό πεδίο. Το τετράγωνο καταλαμβάνεται και οριοθετείται από παρόμοιες γεωμετρικές μορφές σε μαύρο και άσπρο, έτοιμες να παρέχουν μια έντονη αντίθεση, ικανή να δημιουργήσει μια δυναμική και συναρπαστική οπτική εμπειρία. Πράγματι, οι ευδιάκριτες γραμμές και η αλληλεπίδραση μεταξύ των χρωμάτων παράγουν μια αίσθηση κίνησης και βάθους, ακόμη και μέσα στην τυπική μινιμαλιστική προσέγγιση του σουπρεματισμού. Μιλώντας για την Τατιάνα Γιασίν, η ζωγραφική της δεν στοχεύει στην αναπαραγωγή της πραγματικότητας, αλλά στη μεταφορά της ουσίας του συναισθήματος και του ρυθμού του άυλου, προκειμένου να αμφισβητήσει τα συμβατικά όρια και να καλέσει τους θεατές να ασχοληθούν με το άγνωστο των συναισθηματικών τοπίων και την ενδοσκόπηση. Εν ολίγοις, η Yasin στοχεύει να συνδεθεί με τους θεατές της σε ένα διαισθητικό επίπεδο, υπερβαίνοντας τη γλώσσα και τον πολιτισμό, για να εκφραστεί στα ιδιώματα του Νεοπλαστικισμού, του Σουπρεματισμού, του Κονστρουκτιβισμού.

LOOKING FOR BALANCE 7 (2017)Πίνακας της Lucie Jirků

COLOR TANGLE｜Inspired by MONDRIAN (2023) Πίνακας του Peter Ren

Γεωμετρική Αφαίρεση και Νεοπλαστικισμός

Η έλευση του Νεοπλαστικισμού στις αρχές του 20ου αιώνα σηματοδότησε μια επαναστατική καμπή στην καλλιτεχνική αφήγηση. Αυτό το κίνημα, που επικράτησε στην Ολλανδία το 1917 και συνδέθηκε στενά με την έκδοση του περιοδικού De Stijl, προσπάθησε να μεταφέρει απόλυτες αλήθειες μέσα από τα πιο θεμελιώδη στοιχεία της ζωγραφικής: χρώμα, γραμμή και φόρμα. Ο Ολλανδός καλλιτέχνης Piet Mondrian (1872-1944) είναι ίσως η πιο διάσημη φιγούρα που σχετίζεται με αυτό το κίνημα, υποστηρίζοντας μια μορφή γεωμετρικής αφαίρεσης που χρησιμοποίησε καθαρά δισδιάστατα σχήματα.

Ο νεοπλαστικισμός είχε ως στόχο να εξαλείψει την τρίτη διάσταση και τις συναισθηματικές αξίες στη ζωγραφική, σε αντίθεση με τις ιδέες του Βασίλι Καντίνσκι, ο οποίος πίστευε στη συναισθηματική έκφραση μέσω της τέχνης. Αντίθετα, η νεοπλαστική προσέγγιση εστίασε στη γραμμή και το χρώμα, ευνοώντας το ορθογώνιο ως την ιδανική μορφή για τις ευθείες γραμμές του και την έλλειψη διφορούμενων καμπυλών. Η παλέτα αυτού του κινήματος περιοριζόταν στα βασικά χρώματα - κίτρινο, μπλε και κόκκινο - αποφεύγοντας τις σκιάσεις και τις νατουραλιστικές αναπαραστάσεις.

Ενώ ο Νεοπλαστικισμός και η Γεωμετρική Αφαίρεση μοιράζονται μια κοινή καταγωγή στη σφαίρα της μη αναπαραστατικής τέχνης, οι αποχρώσεις τους είναι διακριτές. Ο νεοπλαστικισμός χαρακτηρίζεται από μια φιλοσοφική βάση που έβλεπε την τέχνη ως μέσο κοινωνικής μεταρρύθμισης. Η αυστηρή προσήλωσή του σε μια αυστηρή οπτική γλώσσα ευθειών γραμμών και βασικών χρωμάτων είχε σκοπό να αντανακλά παγκόσμιες αλήθειες και ισορροπία.

Η γεωμετρική αφαίρεση, αν και ευθυγραμμίζεται με την αναγωγή των μορφών στη γεωμετρική τους ουσία, δεν έχει απαραίτητα την ίδια φιλοσοφική πρόθεση. Περιλαμβάνει ένα ευρύτερο φάσμα πρακτικών και μπορεί να φανεί σε διάφορα πλαίσια, που δεν επιδιώκει πάντα να ενσαρκώσει ένα ουτοπικό όραμα ή να τηρήσει ένα άκαμπτο σύνολο αισθητικών κανόνων.

Ουσιαστικά, ο νεοπλαστικισμός, καθώς και ο σουπρεματισμός και ο κονστρουκτιβισμός, αντιπροσωπεύουν πιο δογματικά και ιδεολογικά προσανατολισμένα υποσύνολα της ευρύτερης γεωμετρικής αφηρημένης τέχνης, η οποία μπορεί να είναι πιο πλουραλιστική και ποικίλη στις εκδηλώσεις και τις προθέσεις της.

Ένα μανιφέστο της Γεωμετρικής Αφαίρεσης είναι το «Ψάχνοντας την ισορροπία 7» της Lucie Jirků, ένας πίνακας που παρουσιάζει μια περίπλοκη συνένωση σχημάτων και γραμμών, που προορίζονται να διαμορφώσουν μια ισορροπημένη αλλά δυναμική σύνθεση. Ο καμβάς είναι στην πραγματικότητα ένα συνονθύλευμα από ορθογώνια, τετράγωνα και άλλα γεωμετρικά σχήματα, που τέμνονται ή απλώς αντιπαρατίθενται, από ευθείες γραμμές που τοποθετούνται στην επιφάνεια. Αυτές οι αφηρημένες φιγούρες, που ποικίλλουν σε μέγεθος και χρώμα, παρουσιάζουν μια παλέτα που περιλαμβάνει αποχρώσεις του μπεζ, του γκρι, του μπλε, του πράσινου και μια πινελιά κόκκινου. Όσον αφορά το νεοπλαστικό έργο, το "Color Tangle | εμπνευσμένο από τον Mondrian" του Peter Ren, όπως αποκαλύπτεται στον τίτλο, επηρεάστηκε από το έργο του Ολλανδού δασκάλου, στο βαθμό που αντικατοπτρίζει μια στενή συγχώνευση αρχιτεκτονικής ακρίβειας και καλλιτεχνικής έκφρασης. Ο ζωγράφος Artmajeur, που έχει στην πραγματικότητα ένα υπόβαθρο στην αρχιτεκτονική και την εσωτερική διακόσμηση, φέρνει μια διεπιστημονική προσέγγιση στη ζωγραφική, εμφανής στη σχολαστική διάταξη των γεωμετρικών σχημάτων και την τολμηρή χρήση των βασικών χρωμάτων. Επιπρόσθετα, μπορεί να προστεθεί ότι η δηλωμένη πρόθεση του καλλιτέχνη είναι να επιλέξει κάθε γραμμή και απόχρωση «όχι μόνο για την αισθητική της επίδραση, αλλά και για τις δυνατότητές της να διεγείρει τη διάνοια και να προκαλεί πνευματική θεραπεία».

ROTHKO INSPIRED - NOW'S THE TIME (2024) Πίνακας της Nadiia Antoniuk

Άτυπη Τέχνη και Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός

Στον απόηχο του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, δύο κινήματα εμφανίστηκαν στον κόσμο της τέχνης: ο Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός και η Άτυπη Τέχνη. Αν και προέκυψαν από διαφορετικά πολιτιστικά πλαίσια, μοιράζονταν ένα κοινό νήμα ως προς την απάντηση στις φρικαλεότητες και τα τραύματα του πολέμου, αν και με διαφορετικούς τρόπους.

Ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός, με τις ρίζες του κυρίως στη Νέα Υόρκη, χαρακτηριζόταν από την έμφαση που έδινε στην ατομική έκφραση των συναισθημάτων του καλλιτέχνη και τα καθολικά θέματα. Επηρεασμένοι από τον σουρεαλισμό και την αριστερή πολιτική, οι Αφηρημένοι Εξπρεσιονιστές έβλεπαν την τέχνη ως ένα μέσο για να εμβαθύνουν στα βάθη του ασυνείδητου και να αντιμετωπίσουν υπαρξιακά ζητήματα. Το κίνημα περιλάμβανε διάφορα ρεύματα, συμπεριλαμβανομένου του Action Painting και του Color Field. Το Action Painting, που αποτυπώνεται από καλλιτέχνες όπως ο Τζάκσον Πόλοκ, τόνισε τη φυσική πράξη της ζωγραφικής ως μια μορφή αυθόρμητης έκφρασης. Οι καλλιτέχνες έσταζαν, έριχναν και πιτσιλίζουν μπογιές σε καμβάδες, δημιουργώντας δυναμικές συνθέσεις που αιχμαλώτιζαν την ενέργεια της ίδιας της καλλιτεχνικής διαδικασίας. Αυτή η προσέγγιση αντανακλούσε την επιθυμία να απελευθερωθούμε από τους παραδοσιακούς περιορισμούς σύνθεσης και να αγκαλιάσουμε την ενστικτώδη και ωμή φύση της δημιουργικότητας. Αντίθετα, η ζωγραφική Color Field, με παράδειγμα καλλιτέχνες όπως ο Mark Rothko και η Helen Frankenthaler, επικεντρώθηκε σε μεγάλες χρωματικές εκτάσεις για να προκαλέσει συναισθηματικές και πνευματικές αντιδράσεις. Εξαλείφοντας τα αναπαραστατικά στοιχεία και επιτρέποντας στο χρώμα να γίνει το κύριο όχημα έκφρασης, οι καλλιτέχνες του Color Field προσπάθησαν να δημιουργήσουν εμπειρίες καθηλωτικής και διαλογιστικής για τους θεατές.

Στην άλλη πλευρά του Ατλαντικού, η σχετική Άτυπη Τέχνη εμφανίστηκε ως απάντηση στο χάος και την αβεβαιότητα της μεταπολεμικής εποχής. Επινοημένο από τον κριτικό Michel Tapié, το Informal Art περιλάμβανε ένα ευρύ φάσμα στυλ που ενώνονται με την απόρριψη των παραδοσιακών μορφών και την υιοθέτηση τεχνικών κατά της σύνθεσης. Καλλιτέχνες από την Ευρώπη, την Αμερική, την Ιαπωνία και όχι μόνο διερεύνησαν τη χειρονομιακή αφαίρεση και τον αυθορμητισμό εμπνευσμένοι από τον σουρεαλισμό ως μέσα για να αντιμετωπίσουν την υπαρξιακή αγωνία της περιόδου.

Όσον αφορά την ανάλυση του έργου τέχνης, το «Rothko inspired - now's the time» της Nadiia Antoniuk είναι ένας ζωντανός και ενεργητικός πίνακας. Αυτό το παράδειγμα της τέχνης του Color Field ξεπερνά τα πιο τυπικά καθορισμένα ορθογώνια χρώματος και τις απαλές άκρες του Rothko, παραπέμποντας σε μεγαλύτερη συναισθηματική ένταση και προσοχή στις χρωματικές σχέσεις. Στο επάνω τμήμα του πίνακα κυριαρχεί πράγματι ένα «σύμπλεγμα» πορτοκαλί και κίτρινου, το οποίο, με τον περίπλοκο ιστό των γραμμών του, φαίνεται επίσης να αντλεί έμπνευση από τη δυναμική τεχνική dripping του Pollock. Κάτω από αυτή τη ζωντανή έκρηξη ζεστών χρωμάτων, αντίθετα, υπάρχει μια αντιπαραβολή μπλε, έτοιμη να γεμίσει το κάτω μέρος του καμβά, που θυμίζει σχεδόν τα βάθη ενός ωκεανού ή την έκταση ενός νυχτερινού ουρανού. Στη βάση, το έργο τέχνης παρουσιάζει μια οριζόντια λωρίδα λευκού, η οποία θα μπορούσε να ερμηνευθεί ως μια ειρηνική λύση στην αναταραχή παραπάνω, ίσως υπαινιγμός της κορυφής ενός κύματος, με την αφρώδη εμφάνισή του, που προορίζεται να φέρει αντίθεση υφής στο κομμάτι. Συνολικά, ο πίνακας αντιπροσωπεύει μια συγχώνευση επιρροών, παίρνοντας το συναισθηματικό βάρος και την απλότητα των χρωματικών πεδίων του Rothko και τις δυναμικές χειρονομιακές τεχνικές της ζωγραφικής δράσης του Pollock.

BLACK LACE (2021) Ψηφιακή τέχνη του Kurotory

Op art

OLIVE OCCASIONS (2022) Πίνακας Gustaf Tidholm

Μινιμαλισμός

Ο μινιμαλισμός εμφανίστηκε στη Νέα Υόρκη στις αρχές της δεκαετίας του 1960 ως απάντηση σε αυτό που οι καλλιτέχνες αντιλαμβάνονταν ως την κούραση και τον ακαδημαϊσμό των πρόσφατων καλλιτεχνικών τάσεων. Απορρίπτοντας τις υπερβολικές εκφράσεις του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού, μια νέα γενιά καλλιτεχνών προσπάθησε να δημιουργήσει έργα που προνόμιαζαν το απλό και το γεωμετρικό έναντι του δραματικού. Γλυπτά φτιαγμένα με βιομηχανικά υλικά έγιναν σήμα κατατεθέν του κινήματος, δίνοντας έμφαση στην ανωνυμία και αποφεύγοντας προφανείς συμβολισμούς.

Στο επίκεντρο του Μινιμαλισμού βρισκόταν η σκόπιμη απόρριψη της έκφρασης, καθώς οι καλλιτέχνες αποστασιοποιήθηκαν από τους βιογραφικούς και μεταφορικούς συνειρμούς που επικρατούσαν στον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό. Αντίθετα, επικεντρώθηκαν στη δημιουργία ομαλών και γεωμετρικών έργων που αμφισβήτησαν τις παραδοσιακές έννοιες της αισθητικής έλξης. Εμπνευσμένοι από τον ρωσικό κονστρουκτιβισμό και τα έτοιμα προϊόντα του Marcel Duchamp, οι μινιμαλιστές αγκάλιασαν τη σπονδυλωτή κατασκευή και τα βιομηχανικά υλικά, δημιουργώντας έργα που έμοιαζαν με προϊόντα που παράγονται από το εργοστάσιο και όχι με καλοδουλεμένη τέχνη.

Ένα από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του Μινιμαλισμού ήταν η έμφαση στον φυσικό χώρο που καταλάμβανε το έργο τέχνης. Μέσα από απλές και επαναλαμβανόμενες γεωμετρικές φόρμες και προκατασκευασμένα υλικά, τα μινιμαλιστικά έργα ανάγκασαν τους θεατές να αντιμετωπίσουν την οργάνωση και την κλίμακα των σχημάτων, καθώς και τις δικές τους φυσικές και οπτικές αντιδράσεις. Αυτή η προσέγγιση είχε ως στόχο να σπάσει τις παραδοσιακές διακρίσεις μεταξύ ζωγραφικής και γλυπτικής, αμφισβητώντας το φορμαλιστικό δόγμα που υποστήριζαν κριτικοί όπως ο Clement Greenberg.

Η τάση της δεκαετίας του 1960 αποτυπώνεται καλά από το «Olive events» του Gustaf Tidholm, μια άσκηση μινιμαλιστικής αφαίρεσης που παρουσιάζει μια επιφάνεια που στοχεύει στο παιχνίδι με την αντίληψη του θεατή. Βαμμένο σε ένα απαλό πράσινο της ελιάς, ένα χρώμα που συνδέεται συχνά με την αρμονία και την ειρήνη, το κομμάτι μεταφέρει συναισθήματα ηρεμίας και αισιοδοξίας. Η επιφάνεια του έργου τέχνης έχει υφή με κύκλους, προσφέροντας ένα βάθος που ποικίλλει ανάλογα με την οπτική γωνία του θεατή και τον τρόπο με τον οποίο το φως αλληλεπιδρά με τον πίνακα. Ο Gustaf Tidholm, ο σύγχρονος Σουηδός ζωγράφος πίσω από αυτό το έργο, διοχετεύει εμπειρίες καθημερινών αλληλεπιδράσεων και την ίδια τη δημιουργική διαδικασία στην τέχνη του. Στην πραγματικότητα, η μινιμαλιστική έκφρασή του δεν προορίζεται απλώς να παραπέμπει σε καθαρή σύνθεση και γεωμετρία, καθώς φιλοδοξεί να μεταδώσει συγκεκριμένα συναισθήματα όπως χαρά, ελπίδα, ευτυχία, ειρήνη και πίστη. Αυτά τα συναισθήματα, υφασμένα διακριτικά στο ύφασμα του κομματιού, οδηγούν σε φυσική περισυλλογή και εμπλοκή από τον παρατηρητή, ο οποίος θαυμάζει ήσυχα και χαλαρά την απλότητα του μονόχρωμου.