MOONBEAM (2020) Πίνακας της Adele Mosonyi
Εξερεύνηση του σύγχρονου πυρήνα της Μπιενάλε της Βενετίας 2024: Μια σε βάθος ματιά στα κεντρικά θέματα
Η 60η έκδοση της Μπιενάλε Τέχνης της Βενετίας, με τίτλο "Strangers Everywhere", αντλεί έμπνευση από μια σειρά έργων που δημιουργήθηκαν από τη συλλογική Claire Fontaine από το 2004. Αυτά τα έργα, γλυπτά νέον σε διάφορα χρώματα που εμφανίζουν τη φράση "Strangers Everywhere" σε πολλά γλώσσες, συμπυκνώνουν τα κεντρικά θέματα της έκθεσης. Αυτή η φράση, που αρχικά υιοθετήθηκε από μια συλλογικότητα του Τορίνο για την καταπολέμηση του ρατσισμού και της ξενοφοβίας στις αρχές της δεκαετίας του 2000 στην Ιταλία, θέτει τις βάσεις για μια εξερεύνηση παγκόσμιων κρίσεων που προκύπτουν από πολέμους και τη μετακίνηση ανθρώπων σε έθνη, εδάφη και σύνορα. Τέτοια γεγονότα υπογραμμίζουν τους κινδύνους και τις προκλήσεις που σχετίζονται με τη γλώσσα, τη μετάφραση, την εθνικότητα και τις ανισότητες που διέπονται από την ταυτότητα, τη φυλή, το φύλο, τη σεξουαλικότητα, την ελευθερία και τον πλούτο.
Έτσι, το «Strangers Everywhere» αντηχεί με πολλαπλά νοήματα, υποδηλώνοντας ότι όπου κι αν πάει κάποιος, αναπόφευκτα θα συναντήσει ξένους, κάτι που με τη σειρά του αναδεικνύει την πανταχού παρουσία της έννοιας της παραξενιάς. Υπονοεί επίσης ότι, ανεξάρτητα από τη θέση κάποιου, μια εγγενής ξενικότητα επιμένει σε κάθε άτομο.
Η βενετική έκθεση περιλαμβάνει 331 καλλιτέχνες και συλλογικότητες που έχουν ζήσει ή ζουν σε και μεταξύ 80 χωρών, συμπεριλαμβανομένων του Χονγκ Κονγκ, της Παλαιστίνης και του Πουέρτο Ρίκο. Η ποικίλη συμμετοχή τους υπογραμμίζει τη μεταναστευτική φύση των καλλιτεχνών για διάφορους λόγους. Το κύριο επίκεντρο της Μπιενάλε της Βενετίας 2024 είναι πράγματι καλλιτέχνες που είναι αλλοδαποί, μετανάστες, ομογενείς, μέλη της διασποράς, εξόριστοι ή πρόσφυγες, ιδιαίτερα εκείνοι που κινούνται μεταξύ του Παγκόσμιου Νότου και του Βορρά.
Επιπλέον, οι όροι για "ξένος" σε διάφορες γλώσσες - ιταλικά "straniero", πορτογαλικά "estrangeiro", γαλλικά "étranger" και ισπανικά "extranjero" - συνδέονται ετυμολογικά με την έννοια "παράξενος". Κατά συνέπεια, η έκθεση εμβαθύνει και στην παραγωγή σχετικών θεμάτων, δηλαδή: τον queer καλλιτέχνη, ο οποίος περιηγείται σε διάφορες σεξουαλικότητα και φύλα, συχνά διωκόμενος ή περιθωριοποιημένος. Ο αουτσάιντερ καλλιτέχνης, στο περιθώριο του καλλιτεχνικού κόσμου, όπως ο αυτοδίδακτος, ο λαϊκός ή λαϊκός καλλιτέχνης. και τον αυτόχθονα καλλιτέχνη, που συχνά αντιμετωπίζονται ως ξένος στη δική τους γη. Αυτές οι τέσσερις ομάδες αποτελούν τον πυρήνα του Σύγχρονου Πυρήνα της έκθεσης.
Τέλος, είναι σημαντικό να διευκρινιστεί ότι η Μπιενάλε Τέχνης της Βενετίας 2024 περιλαμβάνει επίσης έναν Ιστορικό Πυρήνα, με στόχο τη συλλογή έργων του 20ου αιώνα από τη Λατινική Αμερική, την Αφρική, τη Μέση Ανατολή και την Ασία. Παρουσιάζει μια κερδοσκοπική επιμελητική άσκηση που αμφισβητεί τα όρια και τους ορισμούς του μοντερνισμού με ενότητες όπως Αφαίρεση και Πορτρέτα στο Κεντρικό Περίπτερο στο Giardini και Ιταλοί Παντού στο Corderie του Arsenale. Η προαναφερθείσα διάταξη υπογραμμίζει τις λιγότερο γνωστές ιστορίες των μοντερνισμών του Παγκόσμιου Νότου, τονίζοντας την ανάγκη να μάθουμε περισσότερα για και από αυτές τις αφηγήσεις.
Τώρα είναι επιτέλους η σειρά των καλλιτεχνών από το Artmajeur, οι οποίοι, σύμφωνα με τα θέματα του Contemporary Core της Μπιενάλε της Βενετίας, θα αναγνωριστούν ως εκπρόσωποι της Outsider Art, της Queer Art, της Folk Art και των καλλιτεχνικών αφηγήσεων κατά του ρατσισμού.
NATIVE (2022) Πίνακας του Nickkuru
Μη κυρίαρχες φωνές: Artmajeur
Τι είναι η Outsider Art;
Το Outsider Art, που αρχικά ονομάστηκε "Art Brut" από τον καλλιτέχνη Jean Dubuffet, αναφέρεται σε μια μορφή δημιουργικότητας που προκύπτει έξω από τα όρια της επίσημης κουλτούρας. Πράγματι, ο Γάλλος δάσκαλος εστίασε ειδικά στη δουλειά εκείνων που είτε δεν είναι επίσημα εκπαιδευμένοι είτε αποκλείονται από τον κυρίαρχο κόσμο της τέχνης. Με αυτή την έννοια, ο όρος περιλαμβάνει τα έργα καλλιτεχνών που συχνά λειτουργούν μεμονωμένα και χωρίς καμία σχέση με την παραδοσιακή καλλιτεχνική σκηνή. Επομένως, ο Dubuffet θαύμαζε αυτό το είδος καλλιτεχνικής δημιουργίας για την ακατέργαστη και αδιαμεσολάβητη ποιότητά του, που πίστευε ότι ήταν ανέγγιχτη από πολιτιστικές και καλλιτεχνικές συμβάσεις.
Το Outsider Art αναδύεται συχνά από δημιουργούς που βιώνουν μια βαθιά και σχεδόν αποκαλυπτική παρόρμηση για δημιουργία, που θεωρούνται από αυτούς ως προσωπική αναγκαιότητα παρά ως επαγγελματική ή εμπορική προσπάθεια. Αυτοί οι καλλιτέχνες είναι συνήθως αυτοδίδακτοι και τα έργα τους συχνά εξερευνούν πολύπλοκα προσωπικά οράματα που αντανακλούν βαθιά εσωτερικά συναισθήματα ή σκέψεις, που μερικές φορές εκλαμβάνονται ως μηχανισμός αντιμετώπισης ατομικών ή ψυχικών συγκρούσεων. Έτσι, η παραγόμενη τέχνη μπορεί να είναι έντονα προσωπική και να χαρακτηρίζεται από επαναλαμβανόμενα μοτίβα ή μη συμβατικά υλικά, σηματοδοτώντας μια βαθιά δέσμευση με το μέσο της επιλογής τους.
Η πνευματικότητα και η θρησκεία επηρεάζουν επίσης σημαντικά πολλούς Outsider καλλιτέχνες, ενσωματώνοντας στοιχεία που υποδηλώνουν συνδέσεις με έναν κόσμο πέρα από τα ορατά και εκφράζοντας ιδέες που αντηχούν σε παγκόσμιο επίπεδο παρά την εξαιρετικά προσωπική τους καταγωγή.
Τέλος, από μια ιστορική προοπτική τέχνης, αυτή η μορφή τέχνης μπορεί να φανεί παράλληλα με κινήματα όπως ο σουρεαλισμός στην εξερεύνηση του υποσυνείδητου και τη χρήση αφηρημένης ή φανταστικής εικόνας, αν και παραμένει διακριτή λόγω της αδιαφορίας των δημιουργών της για την αγορά τέχνης ή δημόσια αναγνώριση.
"J'AI REGARDÉ LE SOLEIL" (2024) Πίνακας του Marc E. Des Rosiers
SCONVOLGI LA TUA REALTÀ (2024) Πίνακας του Brazo
Μερικοί Outsider Καλλιτέχνες από το Artmajeur
Περιγράφοντας τους δύο πίνακες αουτσάιντερ ακριβώς από πάνω, ξεκινώντας από τον πρώτο, το "J'ai regardé le soleil" είναι ένας καμβάς όπου κυριαρχεί ένας μυστηριώδης χαρακτήρας, τα χαρακτηριστικά του οποίου αποδίδονται μέσα από έναν συνδυασμό αφηρημένων και συνθετικών-παραστατικών τεχνοτροπιών. Πράγματι, το πρόσωπο του θέματος έχει σκιαγραφηθεί με τραχιές, σχεδόν παιδικές γραμμές, οι οποίες έχουν γεμίσει με στρώματα σκούρων και ανησυχητικών χρωμάτων, που συμπληρώνονται από κόκκινες προφορές που προορίζονται να τραβήξουν την προσοχή του θεατή. Στο κάτω μέρος του έργου, οι πινελιές, που τοποθετούνται στον κορμό του χαρακτήρα, γίνονται αρκετά φρενήρεις, δημιουργώντας την εμφάνιση μιας κακοφωνίας αποχρώσεων, που πιθανότατα παραπέμπει στα πιο κρυφά ρεύματα που ταράζουν το ανθρώπινο στήθος.
Η πλούσια γλώσσα που μόλις εικονογραφήθηκε χρησιμεύει στη σύνθεση της τεχνικής δεξιοτεχνίας και της φιλοσοφίας του δημιουργού, ο οποίος ξεχωρίζει για το ταλέντο του να αποτυπώνει φευγαλέες στιγμές συγκίνησης και σκέψης, ώστε να τις παγώνει στον καμβά και να εμπλέκει τον θεατή με στοχαστικό τρόπο. Πράγματι, το ακατέργαστο ύφος του καλλιτέχνη μας οδηγεί άμεσα να αναλογιστούμε το προσωπικό μας ταξίδι αυτο-ανακάλυψης, καθώς και τα μονοπάτια αναζήτησης της προσωπικής ελευθερίας.
Τέλος, ο Marc E. Des Rosiers είναι ένας αυτοδίδακτος πολυεπιστημονικός καλλιτέχνης από το Isle-aux-Coudres (Καναδάς), του οποίου η τέχνη κινείται κυρίως μεταξύ του εσκεμμένου και του τυχαίου, καθώς και μεταξύ του ελέγχου και του χάους, βυθίζοντάς μας σε ένα ρεύμα συνείδησης που ξεχύνεται στην εσωτερική δυναμική του νου, που γίνεται σαφής από την παραστατική αφήγηση.
Το δεύτερο έργο είναι το «Sconvolgi la tua realtà» του Brazo, ένας καμβάς όπου η κύρια φιγούρα, μεγαλύτερη σε μέγεθος και τοποθετημένη στο κέντρο του στηρίγματος, εμφανίζεται ως μια σουρεαλιστική οντότητα, αιχμαλωτισμένη ενώ προφανώς ασχολείται με κάποιον ξέφρενο χορό. Αυτή η φιγούρα, που αποδίδεται σε ροζ, πορτοκαλί και κόκκινο, ξεχωρίζει σε ένα φωτεινό κίτρινο φόντο, το οποίο μετατρέπεται σε γαλήνιο μπλε στο κάτω μέρος. Το σκηνικό εμπλουτίζεται από την παρουσία κάποιων ψαριών, ένα ίσως και λίγο δαγκωτό, καθώς και από κάποια σύμβολα που προορίζονται να πολεμήσουν από κοινού, να τραβήξουν την προσοχή του θεατή. Ωστόσο, ο σκοπός της σύνθεσης αποκαλύπτεται από το κείμενο, το οποίο εμφανίζεται στην αριστερή πλευρά του καμβά, επαναλαμβάνοντας τον ίδιο τίτλο και κυριολεκτικά προτρέποντας κάποιον να διαταράξει την πραγματικότητά του.
Καθένα από τα στιλιστικά στοιχεία που μόλις αναφέραμε πρέπει να γίνει κατανοητό ως μαρτυρία της απουσίας ακαδημαϊκών περιορισμών, σχεδιασμένων να δίνουν προτεραιότητα μόνο στο ένστικτο και τη δημιουργική ελευθερία. Πράγματι, ο Brazo, ένας Ιταλός ζωγράφος γεννημένος το 1964, έμαθε αντλώντας έμπνευση από τους μεγάλους εξπρεσιονιστές δασκάλους, τους οποίους στη συνέχεια ερμήνευσε ενστικτωδώς, συνδυάζοντας διάφορα στυλ, κυρίως αυτά της τέχνης του δρόμου και του Art Brut, τα οποία συνδύασε με εξαιρετική τεχνογνωσία.
OLEKSANDR BALBYSHEV "SUNSET DEMON" EDTIONED PRINT 01\50 (2022)Εκτύπωση από τον Oleksandr Balbyshev
Artmajeur και Queer art
Τι είναι η queer τέχνη;
Η queer τέχνη, γνωστή και ως τέχνη LGBT+, περιλαμβάνει τη μοντέρνα και τη σύγχρονη εικαστική τέχνη που βασίζεται σε θέματα και ζητήματα που σχετίζονται με λεσβίες, ομοφυλόφιλους, αμφιφυλόφιλους, τρανς και ευρύτερες κοινότητες μη ετεροφυλόφιλων και μη cisgender. Αυτό το καλλιτεχνικό είδος προκαλεί συχνά συνηθισμένες προοπτικές, προσφέροντας ουτοπικές και δυστοπικές εναλλακτικές, μερικές φορές εξερευνώντας θέματα που σχετίζονται με τη σεξουαλικότητα και τις ανορθόδοξες επιθυμίες.
Τα έργα των queer καλλιτεχνών δεν τηρούν ένα ενιαίο στυλ ή μέσο, αλλά αγκαλιάζουν ένα ευρύ φάσμα εκφράσεων, που κυμαίνονται από την περφόρμανς μέχρι τη ζωγραφική και όχι μόνο. Προκύπτουν επίσης παραλλαγές ανάλογα με τα πολιτιστικά, εθνικά και θρησκευτικά πλαίσια, επηρεάζοντας την αποδοχή των ποικίλων καλλιτεχνικών ερευνών, οι οποίες μπορούν να τιμηθούν και να λογοκριθούν.
Η ιστορία της queer τέχνης περιλαμβάνει κωδικοποιημένες αναπαραστάσεις σε εποχές όπου η ανοιχτή έκφραση ήταν επικίνδυνη. Για παράδειγμα, κατά την περίοδο του Μεσοπολέμου, οι queer καλλιτέχνες σε αστικά κέντρα όπως το Παρίσι και το Βερολίνο άρχισαν να εκφράζουν πιο ανοιχτά την ταυτότητά τους. Ο ιστορικός τέχνης Jonathan David Katz ερμηνεύει ορισμένα έργα καλλιτεχνών όπως ο Robert Rauschenberg και ο Jasper Johns ότι περιέχουν queer υποκείμενα που παραπέμπουν στην ομοφυλοφιλική ταυτότητα των καλλιτεχνών.
Επιπλέον, το κίνημα της queer τέχνης έχει επηρεαστεί σημαντικά από τον ακτιβισμό, ιδιαίτερα κατά τη διάρκεια της κρίσης του AIDS, όταν η τέχνη έγινε μια μορφή διαμαρτυρίας και ένα μέσο για την υπεράσπιση της αλλαγής. Δάσκαλοι όπως ο Keith Haring χρησιμοποίησαν τα έργα τους για να ευαισθητοποιήσουν και να καταπολεμήσουν το στίγμα που σχετίζεται με το AIDS.
Συμπερασματικά, η queer τέχνη είναι ένα δυναμικό και εξελισσόμενο πεδίο που όχι μόνο αντικατοπτρίζει τις εμπειρίες και τους αγώνες των LGBT+ ατόμων αλλά και προκαλεί και διευρύνει τα όρια της καλλιτεχνικής έκφρασης.
TIGRE DE TASMANIE (LES ÉVACUATIONS) (2019) Πίνακας του Nicolas Gey
WONDER WOMAN (2021) Φωτογραφία από τον Starmonkeyz
Μερικοί queer καλλιτέχνες από το Artmajeur
Συγκρίνοντας τα δύο queer έργα τέχνης που μόλις αναφέρθηκαν παραπάνω, δηλαδή το "Tasmanian Tiger" του Nicolas Gey και το "Wonder woman" του StarMonkeyz, απεικονίζουν ομοίως θέματα που ασχολούνται με θέματα ταυτότητας και έκφρασης, τα οποία διασταυρώνονται με πιο συμβατικά κοινωνικά πρότυπα, προσεγγισμένα με διαφορετικά μέσα και στιλιστικές επιλογές.
Ο «Τίγρης της Τασμανίας» είναι ένας πίνακας που συνδυάζει την αστική άσφαλτο με φυσικά και μυθικά στοιχεία, απεικονίζοντας έναν τρανσέξουαλ νάνο δίπλα σε μια εξαφανισμένη θυλακίνη, με φόντο μια βιομηχανική πόρτα από χάλυβα και ανοιχτό γκρι κυβόλιθους με μαύρο περίγραμμα. Τα προαναφερθέντα αστικά στοιχεία μπορούν να συμβολίζουν τις άκαμπτες δομές της κοινωνίας, ενώ οι φιγούρες του νάνου και της θυλακίνης μιλούν για μια ασυνήθιστη φιλία, υποδηλώνοντας μια κοινή εμπειρία ύπαρξης που ξεπερνά την επικρατούσα αναγνώριση.
Από την άλλη πλευρά, η "Wonder woman" του StarMonkeyz είναι μια φωτογραφία που ανατρέπει την παραδοσιακή εικόνα που σχετίζεται με την αίγλη και τα pin-up φιγούρες της ποπ κουλτούρας, με σκόπιμα έναν άνδρα ντυμένο σαν υπερηρωίδα. Με αυτόν τον τρόπο, η δύναμη και η ευπάθεια αντιπαρατίθενται, αμφισβητώντας τις κανονικές προσδοκίες του θεατή σχετικά με το φύλο και τον ηρωισμό. Έτσι, το έργο τέχνης μπορεί να ερμηνευτεί ως προβληματισμός σχετικά με τις παραστατικές πτυχές του φύλου και τη δύναμη της ανάκτησης εμβληματικών συμβόλων για να γίνουν προσωπικές ή πολιτικές δηλώσεις.
Και τα δύο έργα λειτουργούν στη σφαίρα της ανατροπής αλλά ακολουθούν μοναδικά μονοπάτια. Το Gey χρησιμοποιεί μια πιο συγκρατημένη παλέτα και ένα μείγμα ρεαλισμού με φαντασία για να σχολιάσει την εμπειρία του να είσαι queer και την πρόκληση της διαφορετικότητας. Αντίθετα, το StarMonkeyz χρησιμοποιεί ζωηρά χρώματα, άμεση δέσμευση και παιχνιδιάρικα στοιχεία για να αμφισβητήσει τις προκατασκευασμένες έννοιες της θηλυκότητας και της ταυτότητας, γιορτάζοντας την ομορφιά της απόκλισης με ένα ζωηρό πνεύμα.
FOLK DANCE 11 (2022) Πίνακας Uttam Manna
Οι καλλιτέχνες Artmajeur επαναπροσδιορίζουν τη λαϊκή τέχνη
Τι είναι η Λαϊκή Τέχνη;
Η λαϊκή τέχνη περιλαμβάνει ένα ευρύ φάσμα εικαστικών τεχνών που δημιουργούνται στο πλαίσιο του λαϊκού πολιτισμού. Σε αντίθεση με την καλή τέχνη, η οποία συχνά επιδιώκεται σε επίσημα εκπαιδευτικά ιδρύματα, η λαϊκή τέχνη παράγεται συνήθως από άτομα που έχουν εκπαιδευτεί στις παραδόσεις της κοινότητάς τους. Αυτή η μέθοδος μετάδοσης γνώσης βοηθά στη διατήρηση της συνέχειας των πολιτισμικών εκφράσεων από γενιά σε γενιά. Στην πραγματικότητα, οι δημιουργοί της λαϊκής τέχνης είναι συνήθως βαθιά ριζωμένοι στις πολιτιστικές τους παραδόσεις, παράγοντας έργα που αντικατοπτρίζουν τις αξίες, τους κοινωνικούς κανόνες και τις συλλογικές εμπειρίες των κοινοτήτων τους.
Η λαϊκή τέχνη μπορεί να είναι απτή και άυλη, από φυσικά αντικείμενα όπως υφάσματα, κεραμικά και ξυλόγλυπτα έως πρακτικές όπως ο χορός, η μουσική και η αφήγηση. Οι απτές πτυχές της λαϊκής τέχνης είναι συχνά χρηστικές, δημιουργούνται για να καλύψουν τις καθημερινές ανάγκες και εκτιμώνται τόσο για τις αισθητικές τους ιδιότητες όσο και για τη λειτουργικότητά τους. Μόλις ο αρχικός σκοπός αυτών των αντικειμένων εξασθενίσει, η συνέχιση της παραγωγής τους μπορεί να εξαρτάται από τη σημασία τους εντός της κοινότητας, συχνά αποκτώντας νέα νοήματα με την πάροδο του χρόνου.
Τέλος, η λαϊκή τέχνη, ζωτικής σημασίας έκφραση της κοινότητας και της πολιτιστικής ταυτότητας, παρέχει οπωσδήποτε πληροφορίες για τα κοινωνικά και ιστορικά πλαίσια από τα οποία αναδύεται, καθώς είναι ανεξίτηλα συνδεδεμένη τόσο με το παρελθόν όσο και με το παρόν, αναδεικνύοντας την ποικιλομορφία και την ευρηματικότητα των λαϊκών παραδόσεων γύρω από το κόσμος.
«ΔΟΚΙΜΑΣΙΑ ΑΝΤΑΚΛΑΣΗ» ΜΕΓΑΛΗ ΣΥΓΧΡΟΝΗ ΑΚΡΥΛΙΚΗ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗ (2023) Ζωγραφική της Yuliia Chaika
LINES OF THE FOREST (2023) Πίνακας της Lorena Iavorschi
Μερικοί λαϊκοί καλλιτέχνες από το Artmajeur
Τα δύο παραπάνω έργα λαϊκής τέχνης, «Essay Reflection» της Yuliia Chaika και «Lines of the forest» της Lorena Iavorschi, είναι πλούσια σε πολιτιστικές αναφορές και εμποτισμένα με την ουσία της αντίστοιχης καταγωγής τους, της Ουκρανίας και της Ρουμανίας.
Το «Essay Reflection» μιλά για την ουκρανική κουλτούρα μέσα από την παρουσία της γυναίκας πρωταγωνίστριάς του, στολισμένης με στοιχεία που θυμίζουν τη λαϊκή φορεσιά της χώρας, γνωστής για το πλούσιο κέντημα και τη χρήση τολμηρών μοτίβων, που επαναλαμβάνονται επίσης στο βάθος. Στην πραγματικότητα, το σχέδιο του φορέματος θα μπορούσε να είναι μια αναφορά στο κεντημένο «vyshyvanka», ένα ένδυμα που διακρίνεται για τα περίπλοκα μοτίβα του.
Το προεξέχον μπλε χρώμα στον καμβά παραπέμπει ίσως στους γαλάζιους ουρανούς που υψώνονται ακριβώς πάνω από τα απέραντα χωράφια με σιτάρι της χώρας - σύμβολο γονιμότητας και ευημερίας. Επιπλέον, η στρωμάτωση των χεριών και η λεπτομερής προσοχή στη διακόσμηση στη φιγούρα φαίνεται να απηχούν τη σημασία της χειροτεχνίας και των κοινοτικών προσπαθειών στις ουκρανικές λαϊκές παραδόσεις.
Οι «Γραμμές του δάσους», από την άλλη, μιλούν για τον ρουμανικό πολιτισμό, αντανακλώντας τις λαϊκές φορεσιές και τις πλούσιες παραδόσεις του μέσω της απεικόνισης μιας συλλογισμένης κοπέλας που φορά ένα κασκόλ, που θυμίζει το τυπικό «basma» της χώρας, συχνά διακοσμημένο με φυτικά μοτίβα. Επιπλέον, ο τρόπος με τον οποίο δένεται αυτό το εξάρτημα μπορεί να υποδηλώνει μια συγκεκριμένη περιοχή της Ρουμανίας, ιδιαίτερα το βορειοανατολικό τμήμα της χώρας, συμπεριλαμβανομένης της ιστορικής περιοχής της Μολδαβίας.
Οι γήινες αποχρώσεις και το φόντο του δασικού τοπίου μπορεί να συμβολίζουν τη σύνδεση με τη φύση, που κυριαρχεί στη ρουμανική λαογραφία και στον αγροτικό τρόπο ζωής, που έχει διαμορφώσει την πολιτιστική κληρονομιά της χώρας. Αυτοί οι ίδιοι τόνοι μπορεί επίσης να αντικατοπτρίζουν τη σοβαρότητα και το βάθος της ρουμανικής δημοτικής μουσικής και χορού, που συχνά εκφράζουν τις χαρές και τις λύπες της ζωής.
ASIAN STEREOTYPE (2018)Φωτογραφία Starmonkeyz
Breaking Barriers: The Role of Art in Challenging Racism
Περί Τέχνης και Ρατσισμού
Η τέχνη είναι εδώ και καιρό ένας καθρέφτης που αντανακλά κοινωνικά ζητήματα και συγκρούσεις της εποχής της, με τον ρατσισμό να είναι ένα από τα πιο διαρκή και διάχυτα θέματα που διερευνώνται μέσω της δημιουργικής έκφρασης. Σε όλη την ιστορία, η τέχνη δεν απεικόνισε μόνο φυλετικές συγκρούσεις και ανισότητες, αλλά ήταν επίσης ένα εργαλείο για την αμφισβήτηση και την κριτική των υποκείμενων προκαταλήψεων και των συστημικών αδικιών που διαιωνίζουν τις διακρίσεις.
Με την ευρύτερη έννοια, η τέχνη κατά του ρατσισμού ανακρίνει και εκθέτει τις υπάρχουσες προκαταλήψεις μέσα στις κοινωνίες, απεικονίζοντας πώς τα ριζωμένα στερεότυπα μπορούν να επηρεάσουν τις αντιλήψεις και τη μεταχείριση των διαφορετικών φυλετικών και εθνοτικών ομάδων. Καλλιτέχνες διαφορετικού υπόβαθρου έχουν χρησιμοποιήσει τη δουλειά τους για να αποκαλύψουν αυτές τις αδικίες, να ξεκινήσουν συζητήσεις και να προωθήσουν την κατανόηση μεταξύ διαφορετικών κοινοτήτων. Τα έργα τους χρησιμεύουν ως καταλύτες για την κοινωνική αλλαγή, ωθώντας τους θεατές να αναλογιστούν τις δικές τους απόψεις και να εξετάσουν τις ευρύτερες κοινοτικές επιπτώσεις του ρατσισμού.
Λαμβάνοντας το συγκεκριμένο παράδειγμα του αμερικανικού κινήματος για τα πολιτικά δικαιώματα, βλέπουμε περιπτώσεις όπου η τέχνη έπαιξε θεμελιώδη ρόλο στην ανάδειξη των αγώνων των Αφροαμερικανών κατά τις δεκαετίες του 1950 και του 1960, μια περίοδος που χαρακτηρίζεται από σοβαρούς φυλετικούς διαχωρισμούς και διακρίσεις. Μπορεί κανείς να παραθέσει τον πίνακα του David C. Driskell, "Behold Thy Son" (1956), που δημιουργήθηκε ως απάντηση στο βάναυσο λιντσάρισμα του Emmett Till, ενός νεαρού αφροαμερικανού αγοριού. Το αριστούργημα απεικονίζει πράγματι τον Τιλ ως μάρτυρα, αντλώντας έμπνευση από την πιο διάσημη θρησκευτική εικονογραφία του Χριστού. Αυτή η ισχυρή ένωση εφιστά την προσοχή στην ακραία βία που υφίστανται οι Αφροαμερικανοί και χρησιμεύει ως μια οπτική έκκληση για αλλαγή και αναγνώριση της ανθρωπιάς τους.
Ομοίως, ο αφηρημένος πίνακας του Norman Lewis, «Evening Rendezvous» (1962), αντιμετωπίζει διακριτικά τον τρόμο των συναντήσεων της Κου Κλουξ Κλαν, παίρνοντας την εμφάνιση απειλητικών σχημάτων και χρωμάτων ικανών να υποδηλώνουν την παρουσία αυτής της λευκής υπεροχής ομάδας, επικαλούμενος έναν ζοφερό προβληματισμό για το μίσος και ο φόβος που διαδίδονται με το πρόσχημα του εθνικισμού.
Στο σύγχρονο πλαίσιο, ο ρόλος της τέχνης στη συζήτηση για τον ρατσισμό παραμένει κρίσιμος. Μετά τη δολοφονία του Τζορτζ Φλόιντ το 2020 - ένα γεγονός που πυροδότησε παγκόσμιες διαμαρτυρίες ενάντια στην αστυνομική βία και τη φυλετική αδικία - καλλιτέχνες όπως ο Banksy απάντησαν με αριστουργήματα που μιλούσαν για τη στιγμή. Το έργο του καλλιτέχνη απεικονίζει τη σημαία των ΗΠΑ αναμμένη από ένα κερί αγρυπνίας, παραπέμποντας στις επίμονες φυλετικές εντάσεις στην Αμερική.
Είναι σαφές, επομένως, πώς η τέχνη συνεχίζει να προκαλεί, να ανακρίνει και να εμπνέει τον διάλογο για τον ρατσισμό, απεικονίζοντας τις επιπτώσεις του και πιέζοντας για μια δικαιότερη κοινωνία. Επιπλέον, τα καλλιτεχνικά μέσα όχι μόνο προσφέρουν έναν προβληματισμό για την τρέχουσα εποχή, αλλά και οραματίζονται και προτείνουν την πραγματοποίηση ενός μέλλοντος όπου επιτυγχάνεται η φυλετική ισότητα και η δικαιοσύνη. Στην πραγματικότητα, είναι σίγουρα μέσα από το δημιουργικό σύμπαν που μπορούμε να αποκτήσουμε μια βαθύτερη κατανόηση της πραγματικότητας του ρατσισμού και της συνεχιζόμενης πάλης εναντίον του, καθιστώντας τη ζωγραφική, τη γλυπτική κ.λπ. απαραίτητους συμμάχους στην επιδίωξη της ισότητας.
MK RACISM AGAIN (2023) Πίνακας του Hector O'Kanin
AÇO NO PEITO / BULLET IN THE CHEST (2017)Κολάζ του Tchago Martins
Μερικοί Artmajeur Artists Against Racism
Όσον αφορά το "Mk racism again" του Hector O'Kanin και το "Aço no peito / bullet in the chest" του Tchago Martins, και τα δύο φαίνεται να καταγγέλλουν τον ρατσισμό, αν και μέσω διαφορετικών καλλιτεχνικών εκφράσεων και μέσων, αντανακλώντας μοναδικές επιρροές και πλαίσια.
Το πρώτο έργο τέχνης, γεμάτο με ζωηρά χρώματα και χαραγμένες λέξεις, συνθέτει το ακατέργαστο και αυθόρμητο ύφος της δουλειάς του Basquiat, που χαρακτηρίζεται από ελεύθερο παραστατικό ικανό να ενσωματώνει φόρμες, χρώματα και κείμενο για να οικοδομήσει μια δυνατή και εκφραστική σύνθεση. Ακολουθώντας τα βήματα αυτού του δασκάλου, ο Hector O'Kanin δίνει μια σύγχρονη απάντηση στα επίμονα ζητήματα του ρατσισμού, όπως έκανε ο προαναφερόμενος Αμερικανός ζωγράφος στην εποχή του. Στην περίπτωση του "Mk raceism again", ωστόσο, αυτή η πρόθεση καθίσταται σαφής με τη συμπερίληψη της λέξης "JUDGE", που επαναλαμβάνεται στον καμβά, πιθανώς να αναφέρεται τόσο στο δικαστικό σύστημα όσο και στην κοινωνική κρίση. Οι άλλες μουντζούρες, σύμβολα και θέματα μεταξύ εικονιστικών και αφηρημένων μπορεί να αντιπροσωπεύουν το χάος και την πολυπλοκότητα των φυλετικών ζητημάτων, με σκοπό να συνεχίσουν να προτείνουν μια στοχαστική προσέγγιση στην αναταραχή της κοινωνικής αδικίας.
Το δεύτερο έργο τέχνης, το ασπρόμαυρο κολάζ του Tchago Martins, παρουσιάζει μια διαφορετική αντιμετώπιση του ίδιου θέματος, απεικονίζοντας δύο φιγούρες με σκοτεινά μάτια για να υποδηλώνει μεταφορική τύφλωση ή αναγκαστική έλλειψη αναγνώρισης. Ο μονόχρωμος τόνος, η χρήση ιστορικών φωτογραφιών και η καθαρή αισθητική δημιουργούν μια ισχυρή οπτική αναλογία που συμβολίζει όλους εκείνους που φιμώνονται και καταπιέζονται. Το κομμάτι περιγράφεται ως απάντηση στις διάφορες μορφές διακρίσεων, συμπεριλαμβανομένων των φυλετικών διακρίσεων, και αποτελεί ενσάρκωση των αγώνων που αντιμετωπίζουν όσοι ζουν σε κοινωνική αναταραχή. Αυτό μιλά επίσης για την αντίσταση και την ανθεκτικότητα των κοινοτήτων που σχηματίζουν νέα «quilombo», τόπους καταφυγίου και αλληλεγγύης απέναντι στις αντιξοότητες. Όλα αυτά μπορούν να συνοψιστούν με τα ποιητικά λόγια που ανέφερε ο καλλιτέχνης: «Ο λαός μας που γνωρίζει την καταπίεση, κάτω από το βάρος του ρατσισμού, της ανεργίας, «ρόπαλα, σκυλιά, βόμβες», φυλακές, μαρτυρούν την αναποτελεσματικότητα των συζητήσεων που υπόσχονταν ορίζοντες στην Η συμπεριφορά μας, η ποίησή μας, το παρόν μας, είναι αναγκαστικά μαχητικό στο στήθος είναι μια σύνθεση και μια αναφορά όσων ζουν στο μάτι της καταιγίδας την ένατη δύναμη».
Olimpia Gaia Martinelli