Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)
Mein Vater, ein gelernter Computergrafikdesigner, den ich sehr bewunderte, drängte mich dazu, Kunstwerke zu schaffen.
Ich habe die ersten 10 Jahre meines Lebens in seinem Atelier verbracht.
Er malte surrealistische Werke in Öl, die seinen Lebensweg charakterisierten, und vergötterte Salvador Dali.
Ich verbrachte wundervolle Zeiten mit ihm, indem ich ins Kino ging, um großartiges amerikanisches Kino zu sehen, aber auch einfach nur die Filme, Serien und Zeichentrickfilme anzusehen, die in den 80er Jahren im Fernsehen liefen.
Ich bleibe dieser Ära sehr verbunden und denke, dass wir heute sicherlich diese große Leidenschaft, die die 3. und 7. Kunst ist, teilen würden.
Dann kam sein plötzlicher Tod. Es war der tragischste Moment meines Lebens, nach dem ich die Kunst für eine sehr lange Zeit aufgab, ohne jemals meine überbordende Fantasie loszulassen.
Ich habe einen wissenschaftlichen Hintergrund und arbeite seit 20 Jahren in der Pharmaindustrie.
Ich habe meine künstlerische Seite erst kürzlich während der COVID-Krise entdeckt. Ich verbrachte viel Zeit zu Hause und begann zu malen.
Das Schaffen gibt mir ein gutes Gefühl, es ist eine Art Ventil, in dem ich meine Gefühle ausdrücken kann.
Von diesem Moment an wollte ich Teil dieses Universums sein, das ich immer geliebt habe.
Ich habe den Künstlernamen meines Vaters angenommen, um ihm zu huldigen.
Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?
Ich bin ein autodidaktischer Künstler und habe mit verschiedenen Techniken wie Acrylmalerei, Collage, digitaler Malerei, Fotomontage, Software-Retusche und Fotografie experimentiert.
Ich bin ständig auf der Suche nach neuen Dingen und nach dem, was meine Arbeiten dank der Technologie auf ein höheres technisches Niveau bringen könnte.
Die Welt der Kunst befindet sich in einem ständigen Wandel, sie entwickelt sich meiner Meinung nach zu neuen Erkenntnissen hin und jeder mit Vorstellungskraft und gewissen Fähigkeiten im Umgang mit digitalen Werkzeugen kann seinen Beitrag zum Gebäude leisten.
Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?
Ich verwende persönliche Bilder und erstelle dann mithilfe von Fotomontagen und ein wenig Humor neue. Dann vermische ich digitale Kunst mit physischer Kunst und versuche, einzigartige Relief- und Textureffekte zu erzeugen.
Woher kommt Ihre Inspiration?
Als ich noch sehr jung war, fühlte ich mich sehr schnell zur bildenden Kunst und zur 7. Kunst hingezogen.
Heute schöpfe ich meine Ideen hauptsächlich aus aktuellen Ereignissen, meiner Leidenschaft für das amerikanische Kino, meiner Liebe zur Popkultur, Besuchen in Museen und Kunstgalerien.
Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?
Mir ist das Gefühl wichtig, das ein Betrachter beim Betrachten meiner Arbeit haben wird.
Da ich großen Wert auf Kindheitserinnerungen lege, hoffe ich, Menschen zu berühren und Emotionen zu wecken, indem ich dadurch einen Moment des gemeinsamen Lebens teile.
Ich erzähle eine Geschichte, indem ich die Charaktere und Ikonen der Popkultur von den 1960er Jahren bis heute zum Leben erwecke und den großen Künstlern von gestern und heute Tribut zolle, während ich gleichzeitig eine ausstrahle subtile Kritik an unserer Gesellschaft.
Ich versuche vor allem, positive Botschaften zu senden, um ein wenig Freude und Lachen zu bringen.
In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (Technik, Inspiration aus Kunstklassikern o.ä.)?
Auf einmal Digital und physisch kombinieren meine Kreationen Software-Retusche und manuelle Eingriffe.
Es ist ein langer, nachdenklicher Vorbereitungsprozess, fernab von Spontaneität.
Mir ist bewusst, dass Kunst Emotionen weckt, die nicht immer mit Perfektionismus erzeugt werden können, dennoch bin ich bei meiner Arbeit sehr akribisch und lege Wert auf jedes Detail.
Der Dialog zwischen Virtuellem und Physischem ermöglicht es mir, eine einzigartige Ästhetik zu erreichen und mit dem Material zu spielen, um ein immer wirkungsvolleres und interaktiveres Ergebnis zu erzielen.
Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?
Die Arbeit wird zunächst digital mit Retuschier- und Digital-Painting-Software durchgeführt.
Ich wähle Bilder aus, sortiere sie, manipuliere sie, male digital, stelle einen Filter mit einer Reihe von Punkten auf bestimmte Teile des Werks gegenüber, eine Technik, die Ben-Day ähnelt. Außerdem füge ich eine bestimmte Textur hinzu (Knistern, Körnung, Pixelierung ...). .) auf jedem Bild, aus dem das digitale Werk besteht.
Ich lege großen Wert auf Farben, immer leuchtend oder sogar gesättigt, um der Arbeit eine dynamische oder sogar exzentrische Seite zu verleihen.
Als nächstes folgt die Herstellung eines hochauflösenden Drucks auf Dibond mit selektiven Lacken, um ein Relief zu erzeugen.
Dann gibt es Acrylveredelungsarbeiten mit speziellen Acrylfarben (irisierend, glitzernd, metallisch) an bestimmten Teilen des Werks und an allen digital erstellten Punktreihen.
Diese Phase wird die Arbeit noch mehr erleichtern.
Zum Schluss trage ich transparentes Epoxidharz auf, um dem Bild Tiefe und ein schönes Finish zu verleihen.
Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, welche?
Manchmal experimentiere ich und verlasse meine Komfortzone.
Zum Beispiel habe ich kürzlich Schablonenbeschriftungen hinzugefügt und bin ständig auf der Suche nach neuen Werkzeugen und Methoden zum Auftragen von Acryl. Dies kann eine einfache Spritze oder Klebeband für präzise Linien sein.
Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?
Ich verwende Dibond nur wegen seiner außergewöhnlichen Bildqualität beim Drucken, seiner Robustheit beim Nachbearbeiten und seiner ultramodernen Optik, aber auch, weil es mir das Arbeiten im XXL-Format ermöglicht. Zum Beispiel habe ich für eine Sonderanfertigung an einer 3 x 1,7 Meter großen Platte gearbeitet.
Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, in der Gemeinschaftswerkstatt oder in der eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?
Ich organisiere meinen kreativen Prozess an zwei verschiedenen Orten.
Der erste Ort, an dem ich am gesamten digitalen Teil und der Acrylveredelung arbeite, ist zu Hause in meinem Dachgeschoss, in einem großen Wohnzimmer, das teilweise für diese Tätigkeit eingerichtet wurde. In dieser Phase spüre ich gerne das Leben um mich herum. Die Anwesenheit meiner Familie und meiner Katzen gibt mir ein gutes Gefühl.
Der zweite Ort, an dem ich die Schablonen herstelle und die Sprühfarbe sowie das Epoxidharz-Finish auftrage, ist in meiner Werkstatt, die sich in einem umgebauten Raum in meinem Innenhof befindet.
Führt Sie Ihre Arbeit dazu, zu reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bedeutet es für Sie?
Ich habe bisher nur in Frankreich ausgestellt.
Ich eröffne nach Vereinbarung Ausstellungsräume bei mir zu Hause und verkaufe meine Kunst auf allen Kontinenten über Online-Galerien und meine professionelle Website.
Ich bitte Sammler immer, mir ein Foto des bei ihnen zu Hause hängenden Werkes zu schicken. Das gibt mir jedes Mal ein Gefühl des Stolzes und der Leistung.
Heute wäre es mein größter Wunsch, durch eine physische Galerie vertreten zu sein, um auf großen Messen auszustellen und von möglichst vielen Menschen gesehen zu werden.
Daher sind die Erstellung eines Künstlerbuchs und die Besichtigung physischer Galerien die nächsten beiden Schritte, die ich mir vorgenommen habe.
Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?
Ich sehe mich in meiner Arbeit weiterhin experimentieren und weiterentwickeln und durch kollektive und individuelle Ausstellungen mehr Sichtbarkeit erlangen.
Was eine Karriere als Künstler angeht, wird die Zeit zeigen, ich habe es nicht eilig.
Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?
Meine neueste künstlerische Produktion trägt den Titel „BIMBOFICATION“. Es stellt Lynda Carter dar, Schauspielerin und Ikone der 80er Jahre, in der Haut der Figur, die sie bekannt gemacht hat, Wonder-Woman, und die sich dem Diktat der Erscheinung sozialer Netzwerke beugt. Hier wird sie zu einer oberflächlichen und narzisstischen Tussi, die sich ausschließlich auf ihr Aussehen konzentriert und sich lächerlich macht, indem sie sich selbst zur Schau stellt, in der Hoffnung, möglichst viele „LIKEs“ auf ihrem Instagram-Profil zu bekommen.
Meine Arbeit prangert auf subtile Weise die Schäden an, die das Diktat von Influencern in sozialen Netzwerken mit sich bringt.
Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?
Im Moment hatte ich nicht das Gefühl, dass eine Ausstellung wichtiger war als die andere.
Ich hatte nur Gruppenausstellungen, die es mir ermöglichten, meine Liebe zur Kunst mit Sammlern zu teilen.
Besonders in Erinnerung bleiben mir die wunderbaren Treffen mit den Künstlern, mit denen ich mich viel über die Welt der Kunst ausgetauscht habe.
Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte schaffen könnten, welches würden Sie wählen? Und warum ?
Ich mag die Werke von Andy Warhol und Roy Lichtenstein sehr.
„Shot Sage Blue Marilyn“ von Andy Warhol wäre auf jeden Fall das Werk, das ich wählen würde. Als internationale Ikone und Star wurde die Hollywood-Schauspielerin zum Sexsymbol, und ihr tragisches Schicksal interessierte auch Andy Warhol.
Das Porträt, das er von ihr malte, gelangte schließlich in die amerikanische und internationale Populärkultur.
Noch heute geht Marylin Monroe über die Jahrhunderte hinweg, sie ist zu einem Mythos geworden und inspiriert viele Künstler, darunter auch mich, auf der ganzen Welt, und es ist noch nicht so weit, dass es zu Ende geht, und das finde ich faszinierend.
Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?
Wenn ich einen berühmten Künstler zum Abendessen einladen könnte, würde ich mich ohne zu zögern für Andy Warhol entscheiden, denn er ist ein exzentrischer Charakter, der gerne angibt und ein multidisziplinärer Künstler, der mir viel über die Pop-Art-Bewegung beibringen könnte. Das Ich liebe so viel.
Ich schlage vor, dass er seine Polaroidkamera mitnimmt und wir an Abenden wie dem legendären Club „Studio 54“ aktuelle Showstars für zukünftige Arbeiten fotografieren.
Und um den Abend in seiner Werkstatt ausklingen zu lassen, um die Welt mit ein paar schönen Frauen für mich und ein paar gutaussehenden Männern für ihn neu zu erschaffen.
Olimpia Gaia Martinelli
