Die Aquarelltechnik: Turner und Sargent beschreiben Venedig

Ich persönlich glaube, dass es keinen besseren Weg gibt, Aquarellfarben vorzustellen, als die figurative Forschung in Bezug auf diese Technik von William Turner und John Singer Sargent vorzustellen, Meistern, die gerade durch Experimente mit diesem Bildmedium Einblicke in die ikonische Stadt Venedig verewigten . Die fragliche künstlerische Übersicht wird auch die enge Beziehung hervorheben, die diese beiden Maler mit der oben genannten italienischen Stadt hatten, die bereits Gegenstand berühmter Meisterwerke der Kunstgeschichte von Künstlern wie Gentile Bellini, Vittore Carpaccio und Canaletto war. Apropos William Turner, ein 1775 geborener englischer Maler und Kupferstecher, ein bekannter Vertreter der Romantik, einer Bewegung, die er aus persönlicher Sicht interpretierte und die darauf abzielte, die Stilmerkmale des Impressionismus und in einigen Fällen sogar diese vorwegzunehmen des Abstraktionismus hielt er sich zweimal in der venezianischen Hauptstadt auf, nämlich während jener Reisen, die der Künstler 1819 und anschließend zwischen 1828 und 1929 unternahm. Bei beiden Aufenthalten hielt Turner in seinen mit Skizzen und Aquarellen gefüllten Reiseheften intensive Bilder fest Augenblicke des Lagunenlebens, konkrete Symbole für die sehr enge Verbundenheit, die der englische Künstler mit der italienischen Stadt geschmiedet hat, sicherlich durch den Charme des typisch venezianischen Lichts, aber auch durch die bekannten historisch-literarischen Referenzen sowie durch die weltberühmte Maler aus letzterem. In einer solchen figurativen Erzählung, die oft in genaue und spätere Ölarbeiten umgewandelt wird, tritt der Dualismus von Venedig hervor, das sowohl als öffentliche Stadt mit gut erkennbaren Themen als auch als eher entweihter und zurückhaltender Ort erzählt wird, an dem die Darstellung ruhigerer Orte stattfindet verleiht den eher introspektiven Reflexionen des Künstlers eine Stimme. Genau in diesem Sinne vermag eine solche Aquarellproduktion einen neuen Turner zu enthüllen, der sich, losgelöst von seiner Rolle als Hofmaler und Mitglied der renommierten Royal Academy of Art, als neugierigen und unermüdlichen Reisenden präsentiert, der entschlossen ist, weiterzumachen der romantische Mythos vom einsamen Helden, der mit den unterschiedlichsten Geheimnissen der Natur kollidiert.

William Turner, San Giorgio Maggiore bei Sonnenuntergang , 1840. Aquarell. London: Tate-Galerie.

John Singer Sargent, Venezianischer Kanal, 1913. Aquarell. New York: MET.

Die Schlichtheit und Spontaneität dieser Skizzen charakterisiert auch San Giorgio Maggiore bei Sonnenuntergang (1840), ein Aquarell, in dem der Engländer einen Blick auf die Basilika schuf, festgehalten von seinem Hotelzimmer, das sich im Hotel Europa (Palazzo Giustinian) befand ihm, einen flüchtigen Blick auf dieses in die Dämmerung gehüllte Thema zu erhaschen. Apropos Sargent: Der 1856 geborene amerikanische Impressionist beschloss auf dem Höhepunkt seiner blühenden Karriere als Porträtmaler, sich neu zu erfinden und seine Kreativität durch die Schaffung von Aquarellen wiederzuentdecken, um seinem neuen "Nomaden" eine Art figurative Erzählung zu bieten "Lebensstil, also hauptsächlich auf Entdeckungsreisen nach Europa und in den Nahen Osten ausgerichtet. Unter den vielen Zielen ist Venedig sicherlich der beliebteste Ort von Sargent, der nach seiner ersten Reise im Jahr 1870 über einen Zeitraum von vierzig Jahren mehr als zehn Mal dorthin zurückkehrte und etwa einhundertfünfzig venezianische Öle und Aquarelle fertigte zwischen den 1880er und 1913. Ein Beispiel für diese Lagunenerzählung ist Venetian Canal (1913), ein Aquarell, in dem das plätschernde Wasser des Kanals das Sonnenlicht reflektiert, sowie die nahe gelegene Architektur, in der der malerische Glockenturm der Kirche aus dem 11. Jahrhundert zu sehen ist von St. Barnabas kann ebenfalls erblickt werden. Unter Berücksichtigung der Perspektive der Ansicht scheint es, dass der Meister die Szene so dargestellt hat, als hätte er bequem auf einer Gondel gesessen, eine Position, aus der der Künstler auch die Bewegung einiger Bürger einfing, die im Vergleich zur Aufmerksamkeit der Architektur gewidmet, erscheinen als entfernte Präsenzen , angedeutet durch wenige Pinselstriche Lagunenstadt, wo wir einen Blick auf den Palazzo delle Prigioni Nove erhaschen, der 1589 von Antonio Da Ponte entworfen wurde, um das Markusbecken zu überblicken und durch die berühmte Seufzerbrücke mit dem Dogenpalast verbunden war die ältesten Magistraten der Republik Venedig. Im Vordergrund der Arbeit stehen jedoch mehrere Gondeln, die dicht nebeneinander und still auf dem Wasser stehend, intensive Farbreflexe auf der Kanaloberfläche erzeugen, während sich die „Blässe“ der dahinter liegenden Gebäude widerspiegelt das intensive Sonnenlicht.

Natalia Veyner , Sommermorgen, 2022. Aquarell auf Papier, 51,5 x 63 cm.

Kate Matveeva, Dem Licht entgegenlaufend, 2022. Aquarell auf Papier, 50 x 40 cm.

Die Technik des Aquarells: vom antiken Griechenland bis zur Gegenwart

Unter Bezugnahme auf die zugänglichsten Definitionen beschreibt Wikipedia Aquarell als eine Maltechnik, die durch die Verwendung von fein gemahlenen Pigmenten gekennzeichnet ist, die mit Bindemitteln vermischt sind, die später mit Wasser verdünnt werden, um sie der Reihe nach auf dem Bildträger zu verteilen um Kompositionen aus charakterisierenden weichen und zarten Farben zu erstellen. Wie die Beispiele von Turner und Sargent zeigen, erweist sich ein solches Werkzeug der künstlerischen Untersuchung, das in seinen Materialien als schnell und leicht transportierbar gilt, als perfekt für diejenigen, die auf Reisen oder im Freien malen. Trotz dieser Stärken wurde die Verwendung von Aquarellfarben erst im 17. Jahrhundert weit verbreitet, obwohl sie, wenn auch nicht genau in der heute bekannten Form, seit der Zeit der alten Ägypter sowie in der Kultur Chinas in der frühen Jahrhunderten n. Chr. und später in der mittelalterlichen Welt der Miniaturisten, wo es mit Effekten verwendet wurde, die eher der modernen Gouache-Technik ähneln. Künstler wie William Turner, William Blake, Charles-Joseph Natoire und Louis-Jean Desprez hingegen verwendeten eine "Version" des Aquarells, die der zeitgenössischen ähnlicher ist, bei der Farben mit einfachem Wasser verdünnt und in sehr flüssigem Wasser verteilt werden Glasuren, die das charakteristische Weiß des Papiers überlagern. Erst durch das Werk der letztgenannten Meister und damit zwischen dem späten 18. und dem 19. Jahrhundert wurde das Aquarell endgültig als eine der Ölmalerei gleichgestellte künstlerische Technik angesehen, da es zuvor hauptsächlich für vorbereitende Skizzen oder Studien verwendet wurde , wie es gelegentlich große Meister wie Albrecht Dürer und Pisanello taten. Die große Tradition des Aquarells setzt sich in der zeitgenössischen Kunst fort, wo die mittlerweile etablierte künstlerische Würde des Mediums durch die reichhaltige und vielfältige Arbeit von Artmajeur-Künstlern zum Ausdruck kommt, die durch die Werke von Ingaside, Irina Pronina und Karin Martina Wloczyk gut veranschaulicht wird.

Ingaside, Sehr glückliche Hasen mit Schnurrhaaren , 2022. Aquarell auf Papier, 38 x 56 cm.

Ingaside: Sehr glückliche Hasen mit Schnurrhaaren

Das Aquarell des Artmajeur-Künstlers zeigt drei fröhliche Hasen, die, wahrscheinlich zu einer Geburtstagsfeier eingeladen, an der Veranstaltung teilnehmen, indem sie niedliche Papierschnurrbärte tragen und auf ihren langen, steifen und ausgestreckten Ohren eine Dekoration aus Dreiecken und Fahrrädern tragen, eine Girlande, deren Anwesenheit wurde rigoros studiert, um auf eine explizite, fröhliche und unbeschwerte Feieratmosphäre anzuspielen. Aus rein kunsthistorischer Sicht war das genannte Tier jedoch Protagonist eines deutlich ernsteren Meisterwerks, wie etwa des Aquarells von Albrecht Dürer aus dem Jahr 1502, das der Künstler mit dem Titel Hase zum Studium der Gesichtszüge anfertigte des Tieres, das er wohl zu diesem Anlass in seinem Atelier eingefangen und arrangiert hatte. Gerade in einem solchen Kontext hätte das Tier Angst haben können, ein Gefühl, das sich gerade in der Haltung seiner nervös und starr nach oben gerichteten Ohren verraten ließ. All diese Liebe zum Detail zeugt von der Liebe des deutschen Meisters zu Tieren, die er oft durch einen ausgeprägten Realismus darstellte, der in diesem besonderen Fall in der genauen Wiedergabe der Fellrichtung des Hasen zu finden ist, die in den verschiedenen Fällen variiert Körperteile.

Irina Pronina, Lush Petunia , 2022. Aquarell auf Papier, 78 x 56 cm.

Irina Pronina: Üppige Petunie

Die kunstgeschichtliche Erzählung rund um die aquarellierten Themen beschränkt sich nicht nur auf die Beschreibung von Städten und Tieren, sondern bezieht auch die bunte Blumenwelt mit ein. Tatsächlich scheint Irina Proninas Lush Petunia an die künstlerische Untersuchung von Georgia O'Keeffe anzuknüpfen, einer amerikanischen Malerin, die vor allem für ihre Aquarelle und Ölgemälde von Blumen bekannt ist, die in Nahaufnahme oder in großem Maßstab entstanden sind zwischen Mitte der 1920er und 1950er Jahre. In dieser Phase ihrer Karriere entwickelte eine solche Künstlerin, die schon in jungen Jahren von der Blumenwelt beeinflusst wurde, das oben genannte Thema innerhalb "klassischer" Kompositionen im Stil von Stillleben, die später zunehmend vergrößert und gepflegt wurden zum Abstraktionismus. Genau von letzterem Standpunkt weicht Proninas realistische Wiedergabe der Petunie deutlich ab, die es uns ermöglicht, mehrere Exemplare derselben Blume zu beobachten, die darauf abzielen, mehrere Exemplare derselben Blume zu beobachten, die einen luftigeren Rahmen als die "minimalistische" Nahaufnahme bevorzugen Symbol der persönlichen Kunstauffassung des Artmajeur-Künstlers, die darauf abzielt, hauptsächlich die unterschiedlichsten Pflanzenarten zu untersuchen.

Karin Martina Wloczyk, Kenn dein limit!, 2021. Aquarell / Kreide auf Papier, 50 x 50 cm.

Karin Martina Wloczyk: Kenn dein Limit!

Kenn dein Limit! ist ein abstraktes Aquarell, das, obwohl es grelle geometrische Figuren enthält, zur lyrischen Strömung der oben genannten Bewegung gehört, indem es, anstatt von der Strenge und rationalen Kontrolle des geometrischen Abstraktionismus dominiert zu werden, viel Raum für die Fantasie lässt, wie sowie für das persönliche Universum des Künstlers, der sich frei fühlte, die Quadrate und Rechtecke in der Arbeit instinktiv zu überlagern. Ein ähnliches Prinzip findet sich in einem bekannten Aquarell der Kunstgeschichte, wie z. B. In der Art von Kairouan , geschaffen von Paul Klee im Jahr 1914 und aufbewahrt im Kunstmuseum in Bern, Schweiz. Der Titel des Meisterwerks bezieht sich ausdrücklich auf die tunesische Stadt Kairouan, die der Künstler im selben Jahr mit Louis Moilliet und August Macke besuchte. Trotz dieses Zitats verließ das Gemälde die realistische Wiedergabe der Realität, um sie durch die Anwesenheit von Rechtecken, Polygonen und abstrakten farbigen Kreisen zu ersetzen, die sich überlagern. Technisch jedoch wurde das Aquarell von Klee auf experimentelle Weise untersucht: Er begann, sich über Graustufen auszudrücken, was mit der Zeit und zunehmender Beherrschung des Mediums zu Werken mit lebendigen Farben führte.