Ungarische Kunst: Einführung in 5 Punkten

Wurzeln: Die meisten Historiker glauben, dass das ungarische Volk um 895 n. Chr. unter der Führung des Fürsten Árpád entstand, als sich auch seine frühesten künstlerischen Ausdrucksformen entwickelten. In der Zeit nach der Eroberung durch Árpád verbreitete sich die Verwendung von Ornamentmotiven, die sowohl zur Verzierung von Kleidung als auch von Pferdeausrüstung verwendet wurden und das herausragende Thema der Palmette aufwiesen. Das Beschriebene blieb bis ins 11. Jahrhundert populär.

Von der Romanik zur Gotik: Die Kunst des mittelalterlichen ungarischen Königreichs ist eine Verflechtung von Kulturen, die im tausendjährigen Zustand des Karpatenbeckens aufeinander folgten. Dadurch entsteht eine Mischung aus ursprünglichen Steppenstilen und zeitgenössischer europäischer romanischer Kunst. Durch diese Begegnung entstand ein architektonischer Stil, der besonders an die skandinavische Wikinger- und keltische Kunst erinnert. Die Gotik gelangte Ende des 14. Jahrhunderts nach Ungarn und beeinflusste die Architektur, Malerei und Bildhauerei. In der Malerei erfreuten sich in dieser Zeit Fresken mit der Legende des Heiligen Ladislaus großer Beliebtheit, die dem gleichnamigen König gewidmet waren und in vielen Kirchen zu finden waren.

Renaissance: Der italienische Einfluss wird in der Kunst deutlich. Dies ist auf die starke Verbindung zurückzuführen, die König Matthias Corvinus von Ungarn während seiner Herrschaft mit der italienischen Halbinsel aufbaute.

Barock, Neoklassizismus und Sezessionismus: Die meisten Gebäude, die wir heute in Ungarn bewundern können, sind im Barockstil gehalten, der nach der Vertreibung der Osmanen im Jahr 1686 im Land an Bedeutung gewann. Beispiele neoklassizistischer Gebäude sind das Ergebnis einer Wiederbelebung der Antike Griechische Traditionen nach dem Zeitalter der Reformen. Der Triumph der Popularität des späteren Sezessionsstils wird durch Architekturen wie die des Museums für Angewandte Kunst (Ferencváros, Ungarn) belegt, das von einem der größten Architekten der Zeit, Ödön Lechner, entworfen wurde.

HOT TUB NO2Gemälde von Tibor Simon-Mazula

SCHATTENSPIEL III. (2023)Gemälde von László Barna

Das 20. Jahrhundert

Die Einführung in die Welt der ungarischen Kunst hat es uns ermöglicht, dort anzukommen, wo wir sein wollten: im 20. Jahrhundert, der Avantgarde und ihren berühmtesten Künstlern. In diesem spezifischen Kontext erwiesen sich ungarische Meister als besonders aktiv und empfänglich für alle künstlerischen Innovationen, die zu dieser Zeit hauptsächlich aus Westeuropa kamen. In dieser Zeit zeichneten sich ungarische Künstler aus, darunter fauvistische Maler wie Béla Czóbel, Dezső Czigány, Bertalan Pór sowie Avantgarde-Künstler wie Gyula Tornai, Gyula Benczúr und Sándor Bihari. Später, während der sozialistischen Ära, gab es eine experimentellere, kritischere und provokativere künstlerische Produktion, die sich einer gemäßigten westlichen Aktivistenfraktion anschloss. Schließlich führte der Zusammenbruch des Regimes zu einer neuen Freiheit und Offenheit gegenüber westlicher Kunst. Jetzt ist es an der Zeit, einige der einflussreichsten ungarischen Künstler des 20. Jahrhunderts in aufsteigender chronologischer Reihenfolge basierend auf ihrem Geburtsdatum vorzustellen!

HARD WORK (2024)Gemälde von Peter Duhaj

André Kertész

Wer hat die fotografische Komposition und den fotografischen Essay mit bahnbrechenden Beiträgen lyrischer, eleganter und strenger Natur revolutioniert? André Kertész! Der 1894 geborene ungarische Fotograf fand jedoch nicht sofort die Anerkennung, die er verdiente, da seine unkonventionellen Blickwinkel und sein eher spontaner Stil zunächst nicht so gut verstanden wurden wie seine technische Präzision. Dennoch gilt er heute als eine der Grundfiguren der Fotografie des 20. Jahrhunderts, wie sein Werk „Fork“ (1918) zeigt. Dieses Thema zielt darauf ab, das Schöne dem Einfachen gegenüberzustellen, Konzepte, die in ihrer alltäglichen Essenz beleuchtet und durch die Präsenz dramatischer Schatten unter der Gabelung hervorgehoben werden. Dadurch entsteht fast der Eindruck einer abstrakten Komposition, auch wenn die Beschaffenheit des Utensils explizit hervorgehoben wird. Was können wir daraus ableiten? Sicherlich die Kraft des fotografischen Mediums, das in der Lage ist, ein einfaches Werkzeug in ein Objekt mit großem poetischem Potenzial zu verwandeln.

László Moholy-Nagy

László Moholy-Nagy (1895 – 1946) war ein ungarischer Maler und Fotograf sowie Professor an der Bauhaus-Schule. Dieser modernistische Meister wurde vom Dadaismus, Konstruktivismus, Suprematismus und den Debatten über die Fotografie beeinflusst, was ihm einen praktischeren, experimentelleren und technologischeren Ansatz verlieh. Wenn wir von einem seiner Gemälde sprechen, können wir uns auf die berühmte „Konstruktion in Emaille 1“ (1922–23) beziehen, eine abstrakte geometrische Komposition, die in Form einer dicken Schicht Gestalt annimmt schwarzer vertikaler Balken vor weißem Hintergrund. Was gerade beschrieben wurde, wird von der Anwesenheit eines kleinen horizontalen gelben Rechtecks begleitet, das von Rot umgeben ist und hinter einer roten vertikalen Linie erscheint. Zusätzlich ist eine ähnliche kreuzförmige Figur in der oberen rechten Ecke der Leinwand platziert, was der Komposition Tiefe verleiht. Während diese kleineren Bestandteile des Meisterwerks dem Betrachter immer näher zu kommen scheinen, bleiben die größeren Formen statisch und verweisen auf die eher typische minimalistische Ordnung. Schließlich weist das Werk aufgrund seiner Charakteristika Affinitäten sowohl zum Konstruktivismus als auch zur zeitgenössischen niederländischen De-Stijl-Bewegung auf.

BALLETT 2. (2020)Skulptur von Kristof Toth

Brassaï

Brassaï (1899 – 1984), ein ungarisch-französischer Fotograf, Bildhauer, Medailleur, Schriftsteller und Filmemacher, erlangte im Frankreich des 20. Jahrhunderts internationalen Ruhm. Berühmt wurde er durch seine fotografische Erkundung des Pariser Nachtlebens, die er in dem Buch „Paris bei Nacht“ zusammenfasste. Als Fotograf und Fotojournalist leistete er jedoch vor allem Beiträge zur einheimischen Fotografie, obwohl seine Arbeit oft die Grenze zwischen Straßenfotografie und surrealistischer Kunst überschreitet. Zur Darstellung seiner Motive, vor allem als Ergebnis seiner Neugier auf die damaligen Urbanisierungsphänomene, verweise ich auf das folgende Foto: „Der Bach schlängelt sich die leere Straße hinunter“ (1930-32). Dieses Foto unterstreicht das Interesse des Fotografen am Thema der Straße, die von elektrischem Licht beleuchtet wird und bereit ist, den Bürgersteig in all seinen Details zu offenbaren. Diesen Interessen folgend werden Städte bei Nacht durch zwei Grundprinzipien verewigt: systematische Disziplin der Aufnahme und eine poetische Vision und Sensibilität. Tatsächlich wurden seine Fotografien von Christian Bouqueret wie folgt beschrieben: Brassaï ist der Fotograf „einer neuen Welt“, „in der die Nacht keine Nacht mehr ist und in der das Licht brutal und geräuschvoll einbricht [...] und Dinge sichtbar macht, die vorher nur waren.“ Spekulationen."

Marcel Breuer

Marcel Lajos Breuer (1902–1981) war ein ungarisch-deutscher modernistischer Architekt und Möbeldesigner, dessen Karriere alle Aspekte des dreidimensionalen Designs umfasste, von Objekten bis hin zu Gebäuden. Er, ein Student und später Lehrer am Bauhaus, ist vor allem für seine ikonischen Stuhlentwürfe bekannt, bei denen sein großes Interesse daran deutlich wurde, die neuesten technologischen Fortschritte zu testen, um mit Konventionen zu brechen und bemerkenswerte Ergebnisse zu erzielen. Sein aus Leder und Stahlrohr gefertigter Clubsessel (Modell B3) (1927-28) ist geradezu ikonisch, auch wenn er in der Zeit entstand, als der Künstler noch Lehrling am Bauhaus war. Stilistisch ist der Stuhl von den konstruktivistischen Prinzipien der De Stijl-Bewegung inspiriert und interpretiert die Idee eines Fahrradrahmens auf wesentliche Weise neu, wobei er den Prinzipien der Funktionalität und Einfachheit treu bleibt.

LÁNY FÁCÁNNAL (2022)Gemälde von Attila Karácsony

Victor Vasarely

Victor Vasarely (1906 – 1997), der „Großvater“ und Anführer der Op-Art-Bewegung, war ein ungarisch-französischer Künstler, der weithin für seine Werke mit optisch-geometrischen Effekten bekannt war, die durch eine Kombination aus virtuoser technischer Präzision und renommiertem wissenschaftlichem Bewusstsein erzielt wurden. Tatsächlich zielt seine Kunst darauf ab, mit dem visuellen Sinn des Betrachters zu spielen, indem sie illusorische Effekte und vielfältige Tiefen, Perspektiven und Bewegungen erzeugt. Der wichtigste Aspekt ist der Akt des Schauens, der Vergleich dessen, was wir tatsächlich sehen, mit dem, was wirklich vorhanden ist. In „Zebra“ (1937) verschränken sich die beiden dargestellten Tiere vor einem schwarzen Hintergrund und verleihen der Komposition Tiefe sowie Intimität, Energie und Sinnlichkeit. Das Gesamtgefühl der Bewegung wird durch die Tatsache verstärkt, dass den Tieren keine Konturen vorliegen, sondern sie durch wellenförmige schwarze und weiße Streifen definiert werden, die den Eindruck erwecken, alles sei in ständiger Bewegung. Aufgrund dieser Verwendung optischer Effekte wurde „Zebra“ oft als eines der frühen Werke der Op Art angesehen.

Robert Capa

Robert Capa, ein 1913 geborener ungarisch-amerikanischer Kriegsfotograf und Fotojournalist, nutzte oft eine kleine Kamera, um in die Nähe gefährlicher Einsatzgebiete zu gelangen und die verheerenden Auswirkungen der Gewalt darzustellen. Darüber hinaus sind seine Kriegsfotografien, die geschaffen wurden, um Geschichten zu erzählen und das Wesentliche der Motive einzufangen, für ihr Pathos bekannt. Bis heute ist er ein Vorbild für alle, die sich mit diesem Zweig der Fotografie beschäftigen. Zu Capas ikonischsten Aufnahmen gehört zweifellos „The Falling Soldier“ (1936), ein Werk, das einen Soldaten zeigt, der gerade von einem tödlichen Schuss getroffen wurde, auf einem verlassenen Feld nach hinten fällt und nach und nach auch sein Gewehr loslässt. Das Foto fängt wirklich ein, was Henri Cartier-Bresson den „entscheidenden Moment“ nannte, in dem man sowohl die Bewegung des Sturzes als auch die Stille des Todes wahrnimmt. Schließlich erinnert die dramatische Komposition des Fotos, das heute allgemein als das berühmteste Kriegsfoto aller Zeiten gilt, an die ausgestreckten Arme des Soldaten und erinnert an Francisco Goyas „Der dritte Mai 1808“ (1814).

SZENVEDÉLY (2023)Gemälde von Rékai Zsolt

Simon Hantaï

Simon Hantaï (1922 – 2008) war ein in Ungarn geborener, eingebürgerter französischer Maler, der im Allgemeinen mit abstrakter Kunst in Verbindung gebracht wird. Seine Werke, darunter auch die „Plage“-Gemälde, sind das Ergebnis einer Verschmelzung von surrealistischem Automatismus und abstrakt-expressionistischen Gesten. Diese besondere künstlerische Schaffensmethode prägte den größten Teil seiner Karriere und nahm verschiedene Formen an. Zur betreffenden Technik: Bei „pliage“ wird die Leinwand in verschiedene Formen gefaltet, dann bemalt und entfaltet, wodurch Teile des Trägers freigelegt werden, die keine Farbe mehr haben. Als Beispiel für seine Arbeit wurde „Untitled [Suite 'Blancs']“ (1973) mit der „Plage“-Methode erstellt, in diesem Fall wurden Teile der ungedehnten Leinwand verknotet, Farbe aufgetragen und dann der Träger gelöst.

Dóra Maurer

Dóra Maurer ist eine 1937 geborene ungarische bildende Künstlerin, die dafür bekannt ist, sich in nahezu allen künstlerischen Medien auszudrücken, darunter Fotografie, Kino, Malerei, Performance und Skulptur. Sie experimentiert mit einer zeitgenössischen und modernistischen Sprache, die durch mathematische Prozesse und komplexe Systeme Gestalt annimmt, mit dem Ziel, dem Betrachter verschiedene Optionen zu bieten, der entscheiden muss, wie er unabhängig reagiert und handelt. Auf jeden Fall geht es bei der Arbeit des Künstlers oft darum, einfache Handlungen aufzuschlüsseln, um dem Publikum die Betrachtung der Bewegungskomponenten zu ermöglichen. „Hétpróba“ (Sieben Prüfungen) beschreibt ein bestimmtes Werk und ist ein intimes Porträt der Sängerin und Mutter Póka Eszter und ihrer vier Kinder im Teenageralter. Maurers Stimme aus dem Off begleitet jedes Familienmitglied, während es aufgefordert wird, auf eine Reihe lustiger Herausforderungen zu reagieren und dabei private und schmerzhafte Gedanken preiszugeben. Diese Erzählung wird durch Maurers filmische Strategien, mit denen Charaktere seziert, wiederholt, neu formatiert, angehalten und verzerrt werden, fast entdramatisiert, um uns mehr auf ihre Verbindungen und Unterschiede zu konzentrieren.